浅谈提高学生钢琴演奏的表现力

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摘要:在钢琴技能教学中,要注意对学生进行音乐综合素质的培养。既要注意弹奏技巧,又要注意艺术的表现。因为钢琴演奏需要高超的演奏技巧,同时更需要准确把握与生动表达出作品的思想感情。本文的重点,在于技术训练中如何结合对声音质量的提高和完善。在此引用俄罗斯著名钢琴家涅高兹的一段话:“任何钢琴演奏总是以发出的声音、‘制造出’声音为其目的,那么无论你弹的是练习曲还是艺术作品,弹钢琴必然就是在声音上下功夫,说得更确切些,就是练习声音。”

关键词: 表现力;演奏技巧;时代背景;钢琴基础

中图分类号:J647.41 文献标识码:A文章编号:1005-5312(2010)11-0033-01

在现今的社会中,经济发展了,人们有了较优厚的条件,开始对音乐有了更高的要求,不但要欣赏,而且更想去驾驭一门乐器,让音乐从自己的理解中得以发展。音乐是需要表演的艺术,而表演是一种创造,感情和理智都是参加这种艺术创造的行为。在众多的器乐王国中,钢琴越来越成为人们中意的对象。小至3岁儿童,大到60岁老人,都想通过钢琴的演奏完善自己的人生。

对学生而言,艺术表现力的多少肯定会受制于他的技术水平、对声音的理解和把握以及自身的修养和文化底蕴等等方面。因此在教学中经常把注意力放在了对技巧训练、对声音的把握等具体的、比较技术性的问题上,但却往往忽视了一个问题:虽然艺术表现力是一种综合起来的能力,但并不等于它只是一个综合的产物,它自身有很多“技巧”性的东西需要掌握,而一旦掌握这些“表现力的技巧”,学生的演奏就会被赋予更多的活力、感染力,就会更加生动,而且会更加鲜明地体现出演奏者的个性。在现今一些学生的演奏中,常常缺少的就是音乐的感觉,演奏得乏味、枯燥。正如一位国外教授在听了中国选手的演奏时说:“中国的学生有魔术般的手指。”而他的潜台台词是:唯独缺少了音乐。因此,我觉得在钢琴演奏中更重要的是多一些想象力、多一点音乐的表达能力。在学习中,学生必须有针对性地强化基本功训练。不同的作曲家、不同的历史时期有不同的创作风格与特点,弹奏者必须根据这些风格与特点来理解分析作品。要带着明确的音乐目的,努力把作品中的乐句弹得“干净”而富有感情。若作为一种纯技术来练习,则会将作品弹得机械、乏味,从而失去了音乐的美。

如何在教学中提高学生钢琴演奏中的音乐表达能力,我就以下几个方面谈谈自己的观点。

一、音乐表现力的基本要素

(一)正确的读谱是必要的

提到正确的读谱,许多学生认为只是音符的正确、节奏的正确。而事实上除了这两者之外还有许多重要的标记,都直接影响对乐曲的理解、表现对乐曲风格的处理。

音乐术语包括:乐曲情绪、表情、音乐的性质、速度等等。这些术语提示学生,乐曲是欢快的或抒情的、是快板还是行板或慢板,这直接关系整个作品的风格把握。

主要具体力度标记的分类:在古典音乐中,一般从pp到ff之间就有p、mp、mf、f的六个不同层次。而浪漫乐派及后期作品从pppp到ffff,幅度更加宽。还有sf、sfz或dim等等。这些具体的力度标记,同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。

速度的不同变化:放宽(Allargando)、减慢渐弱(Calando)、加快(Accelerando)、逐渐加快(Stringendo)等等。不同的速度变化直接影响乐曲的效果。因此,学生在演奏作品时要把握不同的速度要求,尽可能表达出作品的本意。

(二)抓住音乐特性是表现音乐的关键

音乐特性指音乐内容、情绪、形象意境等所决定的音乐的局部特性和总体风格。

音乐特性是音乐的实质,是领会音乐把握音乐的基本要素。它决定我们用什么方式、什么手法、什么情感去表现音乐。所以,我们讲表现音乐,首先要把握乐曲音乐特性。

有的音乐是抒情性,以优美如歌的旋律来抒感,情绪上可以是亲切的、动人的或是安宁的。对这类音乐的表现应抓住其特征,抒情的、歌唱性、声音柔和优美。

有的是较活泼的,在音乐表现上应是轻快活泼,节奏性强,声音明亮轻巧的。

有的是激情类的,在音乐表现上是力度较大、手法较复杂,尤其要注重情感的投入。

(三)分析作品的音乐性质

音乐是通用的语言,是可以融入人的情感而存入人心灵之中。当我们准备表现某部作品时,首先要分清乐曲的特性。我们可以凭直觉来体验,或是标题、标记来确认,或以分析作品来感觉。

分析作品音乐特性是为通过把握不同音乐特征,结合自身音乐感觉把作品生动地表现出来。同时还要掌握一定演奏技巧。只有把音乐目标和技术手段完美结合起来,我们才会有比较完美的音乐表演。

二、了解各种音乐风格有助于音乐的处理

音乐起源于劳动,发展在各个社会阶段中,扎根于劳动人民的心里,人类对音乐在不同时代有不同的要求。因此,不同的时代、不同的作曲家风格形势也各不相同。在众多的钢琴文献中,不同作品处理各不相同。而钢琴学生为丰富自己的曲目、拓宽视野,应多接触不同风格的作品。

第一,巴洛克时期的音乐。在巴洛克时期,节奏是特别强烈、活泼、持续和反复的。在旋律方面是活跃的,持续不断地展开,而且常用颤音和其他装饰音技巧来修饰。在结构上多用的是复调音乐、多旋律。在速度和力度变化上,巴洛克时期的作曲家第一次在乐谱上标志了速度,使用了“柔板”、“快板”等字样。它的特点是“阶梯式的力度变化”。是一个均匀的的弱音段后面跟一个均匀的强音段。

第二,古典时期音乐。古典时期音乐在风格上严谨而优雅、简朴庄严、准确,着重形式美、稳重、有秩序、合乎逻辑。在节奏上,作为音乐整体的一部分,以“极甚精妙和敏锐的手法”来处理。在旋律上,认为旋律是古典和浪漫时期音乐的“灵魂”。 如:古典时期的莫扎特和贝多芬,他们两个人音乐作品十分具有代表性。

第三,浪漫时期音乐。这是一个十分有利音乐发展的年代,这是一个从表述情感主义和梦想的时代,是一个自由的、自然的时代。浪漫时期音乐在节奏上过多使用了有规律的重拍。在旋律上,极为强烈,事实上浪漫时期的旋律直到现在仍然是公众心目中旋律。它是“如歌的、热烈的”,而“抒情”是关键的。在浪漫时期音乐中,肖邦最具代表性。

第四,20世纪时期音乐。20世纪的音乐最多样化,开始时自主性、情感主义和标题音乐,但很快就被一种新的纯音乐代替。在节奏上,20世纪音乐中,节奏得到了充分体现,比过去任何时期变化更多、更复杂、更有活力。在旋律方面,20世纪音乐中旋律让位给节奏、和声、音色,有时根本无旋律。德彪西是钢琴音乐最优秀创造者之一,练习他的作品能够感觉到转瞬即逝的感觉和微妙、飘浮不定的情绪。

让学生充分了解不同时代不同风格作品的特点,这对学生理解作品有着很大的帮助。能够更好的表现出音乐的内涵。

理想的钢琴演奏者应当具备能平衡情感与理智两个方面的能力。它要求演奏者既要细心地体验乐曲的感情细节,甚至把每个乐句都看成是某种表情内容的代号,又必须用理性来控制这种感情,使它服从于音乐整体表现的需要,让音乐表演给人以统一、和谐的印象。对这两种心理的任何一方的过分偏离,都会造成或使音乐表演中的激情失去控制,一发而不可收,或使音乐表演失去热情,给人以冷漠和无动于衷的感觉。因此,情感与理智这两种因素的统一,对钢琴演奏者,甚至对任何音乐表演者来说都是必不可少的。

钢琴技能教学中,要注意对学生进行一定的音乐综合素质的培养。让学生多了解中外文学作品,通过阅读中外文学作品来开拓思路,提高表达能力。多看绘画,因为艺术是相通的,通过赏析各种绘画作品,来提高学生自身的想象力,以通过音乐作品给人们展现出一幅画面的目的。另外要多欣赏音乐作品,为了开阔学生的音乐视野,应组织学生或提供学生多听音乐会、听音带观摩等等一些接触音乐的机会,让学生提高个人综合素养,提高学生作品演奏技巧。更好地表达音乐作品既要注意弹琴技巧性的训练又要注意艺术表现性的指导。因为钢琴演奏既需要高超的演奏技巧,更需要准确把握与生动表达出作品的思想感情。