舞台设计
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舞台设计范文第1篇
中图分类号：J717 文献标识码：A
文章编号：1005-5312（2012）24-0106-01
一、舞台服装设计的作用
舞台服装是为更进一步彰显舞台人物形象而存在的。它不仅是为了满足舞台观众的视觉审美需求，更是为了突出舞台人物形象的底蕴、内涵。所以，舞台服装设计必须要考虑到舞台人物的背景、身份，还要根据场景、剧情的切换与发展多层次、多角度的将人物特性表达出来。
在同一个舞台剧目的表演当中，各个舞台人物的背景不同、身份不同，他们所着舞台服装的用料、样式以及色彩都应该不尽相同，这样才能让舞台观众明确的区分主次，使剧目的主线更加清晰，以增强舞台表演效果；除此之外，舞台服装还应该紧紧跟随人物所处的阶段场景来设计，以表现出丰富的视觉效果。就算是相同的剧目、相通的人物都需要针对舞台形象的变化而做出相应的调整，这不仅能够强化舞台人物形象的内涵、特征，还可以使舞台观众对剧目的理解、认识更加准确，突出剧目的场景主线与主要内在含义。
二、舞台服装设计的色彩选择
在舞台服装设计的色彩选择上，要最大限度体现出人物形象的情绪及性格特征。合理的色彩选用能够帮助将舞台人物形象的内心活动体现，使舞台人物形象更加立体、生动，可以让舞台观众更加了解人物情绪及剧情发展。比如，如果剧目主在体现出恋人之间的温馨、甜蜜，那么女演员的舞台服装设计就应该选用一些明快的暖色调色彩，比如桃红色或是粉红色，这些暖色调的色彩，能够有效的将女孩在恋爱阶段的那些欢乐情绪以及美好幻想展现出来，让观众也能够体会到那种甜蜜与温馨。
所以，舞台服装的设计必须要符合剧情的变化与发展，尤其是在色彩的选择上要最大限度的贴近人物情绪。当剧目开场之后，观众最先注意到的就是服装色彩，这是得以吸引舞台观众的一个主要因素，它能够有效的调动观众情绪，激发观众联想。另外，服装设计的色彩选用还应该主要到舞台的灯光与布景，还有服装的面料，因为这些因素都会对服装色彩造成一定的影响。
三、舞台服装设计的样式及面料选择
除了色彩之外，服装的面料与样式选择也同样重要，它必须满足舞台形象的肢体语言表达。如果舞台服装的设计没有关照到舞台形象的肢体运动，就会制约演员的表达、发挥，会降低剧目的表现效果。比如戏曲服装应该以体现出传统文化元素为主，歌剧服饰要表现出沉稳，器乐演奏要清丽，独唱演员要高雅，而杂技类演员的服装不仅要贴身，还要需要有较高的伸缩性。特别是舞蹈服装设计，它与许多其他的舞台服装设计略有不同。
第一，它需要照顾到舞台人物的肢体语言表达，为演员的舞蹈水平发挥提供充足的空间，使舞台人物能够最大限度的表现出其舞蹈修养。
第二，舞蹈服装除了要使演员的发挥具有充足的空间以外，还须得具有较高的美观性，要同舞蹈主题相符合，只有舞蹈服装和舞蹈演员的舞蹈动作能够完全融合时，才能带给舞台观众最深切的视觉及艺术享受。这就需要从服装的面料及裁剪上大做文章，首先面料要轻、薄还要有坠感有弹性，裁剪上要简洁，尽可能的去重就轻，避繁从简，这样才能体现出舞蹈演员的身姿线条。
第三，舞蹈服装的设计还应该体现出一定的文化内涵，从古至今的歌舞节目都有一定的思想、内涵作为其精神支柱，而舞蹈演员的一切行为动作都是为了展现出这种歌舞内在的含义。所以，在舞蹈服装的设计上也要遵循这个基本表现原则，不论是色彩、配饰还是颜色的设计上都要尽可能的和舞蹈内涵相贴近，这样才能有助于演员对歌舞内涵的诠释。
四、舞台服装设计和生活服装设计的关系
首先，舞台服装与生活服装有密切的关联。舞台服装设计作为一种艺术表现形式其灵感和设计元素应该来源于生活，在这些灵感和元素在来源与生活的基础之上又应该高于生活。所以，在舞台服装的设计上要准确的把握好两者之间的关系，舞蹈服装设计要以生活为基础，这样才能让舞台观众在感受到艺术气息的同时，也不至于缺失来自现实生活的真实性，这样才能真正调动观众的情感元素。
第二，出于对舞台服装表演性因素的考虑，在它的设计上不能同舞台设计相互孤立，它需要同舞台的设计具有高度的一致性，在这方面需要考虑的因素有舞台布景、灯光还有来自演员自身的个性特征，在舞台服装的设计上这些因素是相辅相成优势相互制约的。而舞蹈服装设计和生活服装设计之间的差别就应该体现在这里，大多数的生活服装应该尽可能的倾向于实用性，而舞蹈服装则应该尽可能的体现出艺术性。所以在舞台服装的设计上可以对样式和色彩的运用进行适当的放大。
舞台设计范文第2篇
舞台灯光将对现实的体现和对艺术的表现完美地融合在一起，表达着导演的思想、剧本的内涵，拉近了观众与舞台的距离，震撼了人们的心灵。艺术是技术和思想的完美结合，舞台灯光作为舞台艺术的一种表现形式，以它的特性和魅力征服着观众。在技术中，舞台灯具分为常规灯和电脑灯。常规灯是我们常用的回光灯、聚光灯、筒子灯，成像灯等，是舞台用光中的基本灯具，是演绎舞台艺术的基础。电脑灯主要包括电脑摇头灯、电脑染色灯和特效灯。它的使用极大地丰富了舞台艺术，扩充了戏剧空间。了解了灯具的性能等基本知，舞台灯光人员才能基于对技术的灵活运用，配合自己的思想，将技术的层面提高到艺术的表现上去。在艺术层面上，通过研读剧本、演员走位、剧场条件和导演交流，设计出符合剧本主题、导演思想的灯光。在运用上，做好前期工作，协调好各方面因素，将会使我们的灯光设计更加的流畅。但重要的东西不是流程而是创造，也就是自己的想法，符合中心思想的一个好的创意。要想使自己的灯光设计富有创造性，那就需要我们生活的长期感悟，文学、哲学等知识的长期积累，再加上技术的灵活运用，通过自己的理解才能形成自己的风格，从而设计出有创造性和感染力的灯光。
舞台用光的成功脱离不了光的基本作用，在基本的运用中出现的亮点才是思想的升华。
光的时空：塑造舞台时空是光的基本特性，完美的空间感能将舞台的整体性融合得淋漓尽致。京剧《无旨钦差》第二场，先是基本亮光演出剧情，随着发展，由一个白天环境转变为一个想象空间――梦境。随着音乐和演员动作，一个白天的时空慢慢消失，同时主人公自己的一束五彩光把观众和剧情带到了主人公的内心世界。时空流畅的转换不但体现了设计的思想，还很好地表达了主人公挣扎的内心。
光的特效：根据剧情的要求，导演的思想，特效光在戏剧舞台地运用中能大限度地震撼人的心灵。河北梆子《钟馗》一剧在开场时，蓝色的空间给人以空灵。钟馗上场时，他背后的特效玫瑰灯配上橘红的人物定点更加烘托出钟馗的神秘色彩。
舞台设计范文第3篇
【关键词】舞台；化妆；造型设计；探讨
引言
曲剧在我国有着较长时间的发展历史，是我国非常宝贵民族文化。曲剧文化经过了历史长河洗礼发展至今，在文化传承过程中也在不断演变，同时也融入了很多新的内容。舞台化妆造型设计对提升曲剧舞台表现力和感染力有着积极影响，对其必须要给与高度重视。相关人员需要明确舞台化妆造型设计的重要意义，以及其特点，对舞台化妆造型设计要点有深入了解，这样才能保证舞台化妆设计满足曲剧演绎的实际需求。对舞台化妆造型设计进行深入分析是具有现实意义的，下面就对相关内容进行详细阐述。
一、舞台化妆造型的重要性分析
目前舞台化妆造型设计方案众多，不同设计方案都有着属于自身的特色，也逐渐衍生出了很多不同的曲剧表演风格。舞台化妆造型设计人员，不仅需要具备较为高超的化妆技巧，对美学、服装搭配、色彩配置等众多学科内容也需要有较深的了解。通过舞台化妆造型设计可以强化舞台设计的感染力，对强化人物性格、突出人物形象有着重要影响。舞台化妆造型设计可以将表演人员的个性彰显出来，让曲剧表演人员以最为良好的状态站在舞台上，帮助表演人员树立曲剧表演信心，从审美和艺术表现等众多层面挖掘表演人员的潜力。舞台化妆造型设计与舞台视觉表达效果进行良好融合，使得曲剧舞台表现力得到良好提升。在设计工作开展过程中，设计人员不仅需要注重造型颜色搭配的协调性，还需要注重与舞台设计与舞台灯光表现相契合，促使舞台整体表现力可以进一步的提升。舞台化妆造型设计包含了点、线、面、色彩等众多方面，设计人员只有综合性的进行考虑，才能保证舞台化妆造型设计的优质性，使得表演艺术更加生动、形象，致使表演人员更加具备表演角色的神韵[1]。
二、舞台化妆造型设计的基本要素分析
舞台化妆造型设计是非常重要的，造型设计人员需要不断提升自身综合素质，合理、科学应用舞台化妆造型设计的基本要素，致使舞台化妆造型的艺术表现力提升。造型设计人员需要灵活性的应用色彩。色彩配置在舞台化妆造型设计中占据着非常重要地位，色彩并不是独立存在的，色彩配置与人物性格塑造，以及舞台表演内容呈现有着非常紧密联系。色彩配置要与舞台人物像符合，与表演人员的气质相贴合，同时还需要考虑满足舞台表演的需求。第二方面就是对点位置的确定，以及点的描绘都需要给与更多关注。点是舞台人物整体化妆造型的核心所在，包含了人物的眼睛、鼻子、嘴。对点的形状、大小、分布进行严格控制，注重强化各个点的组合成效。眼睛是直视人心灵的窗户，从眼睛就可以了解到舞台化妆造型整体的优质性。眼部的刻画对提升演员的精、气、神有着重要影响，各个点需要相互协调配合，不能存在某一个较为突出的点对舞台化妆造型整体呈现效果造成不良影响，特别要注重舞台表演人员妆容的韵律。舞台化妆造型设计人员对与线的运用也需要给与更多关注。线的类型众多，其中包括了直线、曲线、波浪线等等。直线线条可以进行刚毅性格塑造，而曲线线条则是给人一种柔和感。线条搭配不能过于单调、死板，要根据不同线条呈现出来的特点综合性的进行应用，才能使得妆容整体美感得到强化与提升。造型设计人员也不能将线条布置的较为复杂，不然对舞台整体表现会造成一定的不良影响。化妆造型设计人员对舞台化妆造型设计要有属于自身的构思，并且对化妆模特特点有深入了解。设计思想不能过于死板，要注重创新思维展现，从而将表演人员的个性特征充分展现出来。只有以表演人员的面部特征为基础，有针对性和目的性的进行舞台化妆造型设计工作开展，并且考虑到曲剧演员服装搭配的需求，这样才能设计出较为出色的舞台化妆造型设计方案[2]。
三、舞台化妆造型设计中需要注重的众多事项
舞台化妆造型设计与日常化妆有着较大的差异性，所以舞台化妆造型设计人员在设计工作开展过程中必须要综合性的进行考虑，从舞台表演的基础特征出发，了解舞台化妆造型设计工作开展中需要注重的众多事项。
1.舞台化妆造型设计需要与演员特征相符合
舞台化妆造型设计需要与表演人员的特征相符合，这也是舞台化妆造型设计人员经常忽略的问题。他们在设计工作开展过程中，更多的是思考舞台表演内容，并且将其作为设计方案确定的主要根据，最终导致舞台化妆造型设计缺乏设计的灵动性。即使舞台化妆造型设计即使具备良好的美观性，但也无法对观众的内心世界发起冲击。所以在舞台化妆造型设计工作开展过程中，造型设计人员需要更多的与演员进行沟通和交流，在与演员进行沟通的过程中密切关注演员表情的细小变化，明确演员自身的气质。优质的舞台化妆造型设计就像是对生命和灵魂进行设计，与演员自身形象有着非常紧密的联系。所以在设计开展前造型师需要与演员进行沟通和交流，同时也是为了在此过程中对舞台表现内容与主题呈现有更加深入的了解[3]。
2.要与舞台环境相契合
在上文中提到了舞台化妆造型是舞台美术中的重要组成内容，与舞台表演环境有着非常紧密联系。灯光布置可以使得表演人员妆容效果呈现更加突出。舞台环境包含内容众多，无论是风向、灯光，还是舞台色彩搭配对人物化妆造型呈现出来的艺术效果都会有所影响。所以演员在舞台化妆造型设计工作开展过程中，必须要对舞台环境进行综合性的考虑，要使得舞台化妆造型设计与舞台环境具备良好的协调性。对众多细节也需要进行更多考虑，其中包括了表演人员的配饰以及服饰都需要符合舞台表演环境多元化要求，避免对曲剧舞台表演魅力呈现造成不良影响。
3.注重形、神、韵的融合
只有将人物的形态、神韵、气质进行充分融合，并且达到一个良好组合形式，才能保证舞台化妆造型设计的优质性。不仅需要保证舞台化妆造型较为精致，同时还需要使得化妆造型设计帮助舞台表演人员树立表演信心。将舞台表演与舞台表现神韵进行融合，从众多方面强化舞台表演人员的舞台表现力。要对舞台表演人员的个性特征给与充分尊重，并且将舞台化妆造型设计看是做可视艺术。设计人员要全身心的投入到设计工作中去，创建出具有现实艺术表达效果的造型设计方案。
4.挖掘演员舞台角色的内心世界
舞台化妆造型设计人员将设计与演员的个性化进行融合，可以使得舞台化妆造型的适应性得到提升。造型设计人员还需要更深层次的挖掘演员舞台角色的精神世界，将演员与曲剧表演主题更加紧密的联系起来。造型设计人员要对演员舞台表演角色的性格特征有深入了解，然后再考虑表演人员的性格特点。可以进行换位思考，将自己想象成为舞台表演人员，自己在表演过程中扮演的角色与需要呈现出来的性格特点，从而深层次的探寻角色的内心世界。从内心出发，将内涵成为舞台化妆造型设计的重要元素，使得曲剧观赏人员可以从舞台化妆造型设计中便可以了解到角色的内涵。
5.注重感情投入
任何表演艺术都离不开情感的投入，只有在曲剧表演过程中投入更多情感，才能使得曲剧表演为人们留下深刻的印象。所以要求舞台化妆造型设计中，设计人员需要投入更多的情感。让自身完全的投入到舞台化妆造型设计的艺术世界中，带着浓厚的情感进行造型设计工作开展。这样才能使得舞台化妆造型设计更加灵动，才能更为良好的融入到曲剧舞台表演中去，促进曲剧舞台表演感染力提升。
四、舞台化妆造型设计要点分析
1.色彩搭配要点分析
曲剧舞台表演过程中，表演人员脸部造型设计是非常重要的。本文以脸谱的设计为例，脸谱中每一种色彩都代表着一种含义。色彩也是进行表演角色性格刻画的重要因素，与现实生活人物表现有着较大的差异性。不同脸谱都有着属于自身的表现方式，也就是属于脸谱自身的特点。包公给世人的形象是铁面无私的，所以在脸谱中黑色也就成为了公平、公正、无私的象征。红色代表的人物性格为勇敢、忠诚，所以在关羽舞台化妆造型设计中就更多的应用了红色。化妆造型设计需要根据灯光照明进行适当的调整。在舞台曲剧表演过程中，人们的视线是从不同角度投射过来的。演员在不同角度下表现出来的亮度也有所不同，所以灯光和化妆设计是非常重要的，如果化妆造型设计色彩配置不合理，就会使得舞台表演人员五官较为呆滞。有针对性的进行对色彩配置进行调整，从而强化人物形象的立体感[4]。
2.线条搭配需要注重的内容
线条搭配也是非常重要的，但是需要注重舞台化妆造型设计中不可能只是应用一种线条。因为表演人物面部表情是非常复杂的，感情也非常丰富，是由众多线条协调配合而成的。例如表演人物的眉毛、嘴唇，即使应用了直的线条，在舞台灯光的照射下，也会给人一种较为立体的感觉。为了使得曲剧舞台表演人员与表演角色更加贴近，舞台化妆造型设计人员在对表演人员的眉毛进行修饰时，首先需要对眉头、眉峰的所在位置进行确定，以表演人员原有的面貌特征进行设计。要根据剧情的实际需要，如果剧情中表演角色较为俊美，那么设计人员可以将演员眉毛修缮的较为柔美。但若是角色较为硬朗，那么可以将眉毛刻画的较为坚挺。妆容设计不能过于复杂，避免对舞台化妆造型呈现出来的艺术效果造成不良影响。
结语
舞台化妆造型设计在曲剧舞台表演中占据非常重要地位，只有明确了舞台化妆造型设计的重要性、设计要素，了解设计工作开展中需要注重的众多事项，才能保证舞台化妆造型设计的优质性，为曲剧艺术文化发展输入更多力量。
参考文献：
[1]刘婕.化妆对舞台效果的影响[J].群文天地. 2012（17） ：15-17
[2]王敏.试谈戏剧艺术的化妆造型设计[J].剧影月报.2011（06） ：12
舞台设计范文第4篇
关键词：大型舞台；舞台机械设计
中图分类号： S611文献标识码：A 文章编号：
引言
舞台机械是机电一体化与舞台美术相结合的一门新兴工程, 近几年中央电视台的春节联欢晚会及北京人民大会堂演出的大型晚会都是采用现代化设备与电子技术相结合, 再配以自动控制的声光效果, 使现代的舞台五光十色。这门新兴的工程值得机电科技设计者不断的挖掘更新提高和发展。
1、设计说明
1.1舞台工艺布置及设备配置原则
(1) 舞台是导演和表演艺术家向我们提供文化艺术珍品的圣地, 不同的表演艺术对舞台构型及舞台设备、舞台灯光、舞台声学都有不同要求。某文化艺术中心舞台为镜框台口箱形舞台, 设主舞台、侧舞台, 属大型甲级剧场。主舞台: 宽27m、深22m、台口净宽18.5m、高11m; 舞台台面标高: + 4.60m;侧舞台: 东西两侧, 每侧宽11m。舞台工艺布置建立在对舞台表演区的正确分区上, 各剧种中一般以舞剧的表演区为最大, 歌剧的表演区虽然比舞剧浅,但景区往往比舞剧深, 通常21m 台深可满足要求。所以大剧院舞台, 以大幕线为舞台工艺布置的基准线进行如下分区: 大幕线前的18m 为台口深度区,大幕线后约13.5m 为表演区, 表演区后3.5m 为远景区, 远景区后3m 为天幕灯光区。
( 2) 大型舞台要兼顾话剧、戏曲表演, 这两类剧种要求的表演区深度较浅, 我们将大幕线后5m 设置为剧种表演区。台面设备的横向车台、升降台等能参加运景设备应设置在3 m 以后。
( 3) 天幕若采用大型背投, 应将它设置在舞台后墙3m 处, 并具有升降功能; 若不采用大型背投, 则按常规紧靠后天桥设置。
( 4) 台上设备和台下设备的配置和布局满足舞台分区要求。舞台机械是一门特殊的行业, 目前国家标准尚不完善。我们遵循的规范为国内的剧场建筑设计规范, 标准号为 J67- 2001、JGJ57-2000 等相关专业标准及相关机械标准。
( 5) 利用灯光吊杆将表演区进行分区, 为方便舞台主表演区上人操作灯光及特殊表演需要, 在主表演区上空配置灯光渡桥一套。区内的吊杆可作为补充灯杆使用。
( 6) 考虑地方戏曲表演, 设置活动假台口, 根据演出需要改变台口尺寸。
( 7) 由于主舞台较宽, 天桥灯光很难满足演出时对侧光的要求, 设置二维灯光吊笼增加舞台侧光。
( 8) 为满足大型会议及部分功能演出要求, 距台口4m开始设置升降台。
( 9) 为满足音乐会需要, 特设置声反射板, 声反射板采用悬挂式。
( 10) 台上和台下所配置的设备基本上都属大型舞台基本配置。
( 11) 舞台设备控制采用计算机控制加电动控制, 部分设备可采用变频调速, 提高自动化水平, 简化操作, 提供良好的人机界面。
舞台机械设备功能及应用
大型舞台的建设一般包括演出舞台区域、侧台换景区域、观众座椅区域、演员排练区域及剧场办公区域。舞台机械设计的好坏直接影响到舞台的整体效果, 他就好比一幢大楼的根基一样。而且舞台机械设计和安全也有很大的关系, 舞台机械主要包含吊挂类设备(吊杆、单点吊机、灯光排架等)、舞台台面设备( 升降台、乐池、旋转台、车台等) 组成。
现在的大型舞台吊杆一般运用了斜齿轮减速箱减速系统, 磨擦系数小, 传动效率高。”集成机”结构, 大卷筒钢丝绳单层缠绕, 电机双制动, 杆体为双杆体结构。控制系统有主控制台控制、移动站控制等多种控制方式。
下面介绍舞台机械吊杆设备具体设计参数:
2.1 电动吊杆
1)设备概况
设置于主舞台上部, 用途广泛, 既可用于提升布景、各种幕布、二道幕、边檐幕和会标, 也可以吊挂灯具、参与演出等。
2)电动吊杆由下列部分组成
( 1)桁架式杆体;
( 2)卷扬系统: 包括电动机、减速器、制动器、卷筒、滑轮组件、钢丝绳和配件等;
( 3)保护装置: 包括超程开关、松绳装置、超载(过流)保护和电路保护装置等。
3)控制系统采用可编程序控制器, 可以在主操作台、移动式操作盘上进行控制。
4)在操作台(盘)上能设定吊杆的位置(行程)、速度(时间), 并具有运动状态和定位显示以及记忆存储等功能。在操作台(盘)上设有上升、下降和紧急停车按钮和单独的操纵杆等。
5)技术参数
( 1)数量: 38套
( 2)宽度: 22m
( 3)行程: 20m
( 4)速度: 0.3m/s
( 5)载荷: 6.0kN
( 6)定位精度: 3mm
( 7)驱动方式: 电动卷扬机
2.2 灯光吊杆
1)设备概况: 灯光吊杆设置于主舞台上部, 专用于吊挂舞台灯具。
2)灯光吊杆由下列部分组成:
( 1)带有灯具保护装置的钢制桁架杆体;
( 2)卷扬系统, 包括电动机、减速器、制动器、卷筒、滑轮组件、钢丝绳和配件等;
( 3)安装在桁架上的电缆收放装置;
( 4)保护装置, 包括超程开关、松绳装置、超载(过流)保护和电路保护装置等。
3)控制系统采用可编程序控制器, 可以在主操作台、移动式操作盘上进行控制。
4)在操作台(盘)上能设定吊杆的位置(行程)、速度(时间) , 并具有运动状态和定位显示以及记忆存储等功能。在操作台(盘)上设有上升、下降和紧急停车按钮和单独的操纵杆等。
5)技术参数
( 1)数量: 8套
( 2)宽度: 20m
( 3)行程: 19m
( 4)速度: 0. 2m/s
( 5)载荷: 8.0kN
( 6)定位精度:3mm
( 7)驱动方式: 电动卷扬机
2.3 大幕机
1)设备概况: 对开式大幕机设置于舞台台口处, 是剧院演出必不可少的专用设备。电动驱动调速对开, 也可手动对开。
2)大幕机由下列部分组成。
( 1)钢结构架、对开幕导轨、均匀收缩机构和电缆收放装置;
( 2)对开驱动装置, 包括电动机、减速器、制动器等;
( 3)滑轮组件;
( 4)钢丝绳和配件;
( 5)保护装置等。
控制系统: 本地控制柜控制。
2.4升降台
升降台的运行机构分为机械式和液压式, 所谓机械式, 即电机带动螺杆转动, 螺杆再带动安装在台面上的螺母作上下运动。油压式, 即油缸活塞带动剪刀支撑作上下运动。
液压式机构简单易于维护保养, 土建造价低( 机械式机坑需9米左右, 液压式需5米左右) , 其缺点是需经常调试液压阀,以保持油缸同步运行。机械式最大的优点是运行平稳可靠, 零部件易于加工。缺点是造价高于液压式的1. 5～1. 8倍。
升降台的行程, 目前国内舞台大多在上升行程1. 5～2m间, 下降行程2～2. 5m间( 以舞台面为基准) 。升降速度为无级变速或者两挡、三挡速度。升降台设计荷载按规范要求台面静载荷不低于4KN/㎡, 运动时活载荷不低于2KN/㎡。
如果用于舞台的升降台, 在升降到某一高度时定位与制动机构的设置不可忽视。因为一般大型晚会往往持续3～4小时, 如果制动系统装置不可靠, 会使升降台产生下沉位移, 破坏了阶梯舞台的外形。我国好几个大型舞台都曾出现过类似情况。
一般升降台的长度在10m左右, 在使用过程中往往因刚度不够或者因荷载不均, 造成两端的升降机构运动起来不同步, 所以在整套设备设计时必须考虑有一套机构来保证两端的升降机构同步。同步机构有多种形式。目前设计的同步机构是在升降机构上安装传感器让计算机发出指令调整升降机构的运行达到同步。
3、结束语
随着时代的进步, 科技的发展, 舞台的灯光、音响、舞台机械、消防、空调等要求“多网合一”，才能适应现代舞台配合需要及信息资源共享, 方便管理。在舞台机械控制台上可以监测控制调光音响系统, 使声、光、机多个系统联合起来, 实现相互间的同步配合, 将大自然中的一切美景逼真地展现在每一位观众的眼前。
参考文献
舞台设计范文第5篇
戏剧表演是一门综合艺术,而舞台设计又是戏剧表演中极其重要的组成部分.起着非常重要的作用。自戏剧诞生之日起，舞台美术设计就伴随着戏剧的发展而逐渐成熟,它们相互交融、相互依托,并形成以多部门所组成的庞大的艺术综合体。舞台美术设计在戏剧创作表演中可谓作用独特。
在戏剧表演中,剧场和舞台是演员表演和观众欣赏艺术必备的先决条件,而舞台又为舞台美术家在进行舞美设计过程中,提供了充足的空间。如：车台、转台、升降机、灯光、化妆、服装、和舞台布景等等。这样在戏剧表演过程中由美术设计家来充实、美化其环境、烘托主体演员表演、充分把握剧情、从而使观众在感官上得到满足,如果没有这个前提,那么我们再好的剧本、再好的导演及演员在发挥及表达上;很难达到戏剧演出的预期效果。做为一个优秀的舞台美术设计者,首先所考虑的重要一点，就是在戏剧表演过程中,不论舞台布景、灯光、以及服装、化装、道具、和音响等部门,都将以“演员”为主体,在导演统一创作构思的基础上，相互合作,相互配合,并且忠实剧本服务剧本,服从于导演的安排。只有这样，才能为戏剧演出带来一个理想的开端。
十八世纪,一位舞台艺术家曾提出：“忠实于剧本”。我个人以为∶“忠实于剧本”是非常重要的,如果我们的设计没有完全按剧本的要求去做,那么在舞台表演中,将不能够使演员的表演和剧情及观众融为一体,那样做的结果会给剧情造成混乱。例如∶当我们表现以欢快为主体的歌舞剧时,如果舞台上的舞台布景是凄凉的景象,那会是一个什么样的结果?结果不言而喻。英国的“格登.可雷”在《剧场艺术》中提及,动作、语言、线条、节奏、共同组成戏剧的整体,任何因素都不能脱离整体。强调在设计中要突出演员、宣扬象征主义，强调和观众共同创造,同时把布景符号化、抽象化、单纯化。舞美设计是为演员表演和剧本服务的,一个好的舞美设计家的设计理念是：布景―演员―观众―剧本是一个整体。这些主张也为以后的舞台美术设计铺平了道路。阿道夫・阿庇亚,是图案化、立体布景的倡导者。对二十世纪舞台美术和剧场改革起了非常重要的作用。后来,俄罗斯艺术家“斯坦尼斯拉夫斯基”又在此基础上发表了新的观点;创立了“体验派艺术体系”为今天的戏剧和舞台创作奠定了基础。
他们上述的这些理论成为舞美设计艺术的必修课，对我们的舞美创作影响也特别大。例如∶在《塞北的雪》的舞美设计中,采用延伸舞台,同时将舞台前面的乐池填平,并且将檐侧幕和舞台框架延伸至观众席,从而使观众有身临其境的感觉,缩短了表演者与观众的距离。 同时,在其上面饰以大量的冰雪、人文景观,舞台的侧幕上安装了滑道,这样改变的侧幕增加了灵活的机动性和多用性、它既是侧幕,又是“塞北的雪” 的幕前幕;并且随着剧情的发展而左右开合,加强了舞台的纵深感,从而提高了艺术品位。舞台的平台是微缩了的兴安岭山脉,制做了山型平台,由于上述原因;在设计上充分地考虑了演员在上面的活动,使人与景合二为一。在关东女人这场戏中∶随着女人的出现,平台的后区用鼓风机吹起一块白布,它是雪山的象征,象女人一样在风中舞动着、唱着、至段落的,随着婴儿的啼哭∶雪山变成鲜血,新的生命诞生了┉
舞台设计范文第6篇
一、舞台灯光的流动变幻
舞台灯光作为一门比较独特的艺术手段，在舞台美术设计中占有重要的地位。欧洲舞台美术设计革新运动的先驱者阿道夫阿庇亚曾经说过:只有灯光才能使剧中的人物和周围的环境融为一体，也只有灯光才能赋予舞台表演在空间环境中所创作的立体价值。现代剧场艺术理论的先驱戈登晚雷也强调过:灯光是舞台表演的灵魂，是舞台上的神奇的画笔。由此可以看出，虽然灯光只是辅助舞台表演者的演出，但是其对整体舞台演出效果有着举足轻重的作用。舞台灯光是在舞台灯具作用下的效果，它的色彩、明暗以及光影等都在不断地变化，以满足不同观众的欣赏需求。比较常见的舞台灯具有聚光灯、柔光灯、泛光灯、散光灯、换色灯、成像灯等，尤其是近年来新兴起的电脑灯、LED灯等高科技灯具更是成为了舞台美术设计的新宠，舞台灯光师可以运用这些多样的灯具制造出丰富多彩的视觉效果和舞台表演效果。
此外，舞台灯光设计是一项非常敏感而又富于个性的工作，灯光设计师在进行灯光设计时要综合考虑各方面的需求，在灯光的流动变幻中创作出深层次的语义，并实现舞台视觉效果的有效沟通，这有利于观众的理解和欣赏。舞台灯光设计师不仅要考虑到所有舞台灯光的主次关系和剧情发展的空间构成，还要考虑到不同表演场景的不同的色彩、明度和照度的需求，以表现出灯光色彩的和谐。其具体需要把握住以下两点设计原则:第一，舞台灯光的变化要符合整体剧情发展的需要，设计师要按照舞台表演的、低潮以及主场、次场等的变化来配置不同的灯光，做到不同场景切换之间的自然有序以及多种色彩搭配的协调合理，保证不同情绪之间的鲜明对比。其次，舞台灯光的设计还要和表演者的动态表演保持高度一致，要保证两者合二为一，无论是灯光的静还是灯光的流动，都要配合演员的表演，以突出演员的主体地位。
在舞台的灯光运用方面，2002年上海戏剧学院黑匣子所上演的话剧《牛蛇》就是一个很好的例子。在整台舞台表演中，冷酷的白光照明贯穿着整个剧情，并依靠光线的投射角度和亮度所形成的光影来丰富舞台画面，衬托话剧人物。剧中，亚瑟被出卖后也出卖了自己的同志，睡梦中，亚瑟另外一个自我的影子出现在了画面中，且随着模拟心跳的鼓点声渐渐移动，最后被紧紧地拘禁在一个狭的光圈之中，灯光也随着鼓点声的大不而表现出不同明暗程度的变化，这种灯光的流动变幻揭示出了一个内心饱受良心煎熬的年轻人的心路历程。
二、舞台布景的环境模拟
布景是指舞台上或是摄影场地所放置的景物，是对环境的一种模拟。舞台布景的概念相对来说是比较广泛的，除了人物之外，舞台画面中所有的一切都可以归属到舞台布景的范围之内，可以说舞台布景是舞台美术的主体构成部分。我国著名戏剧家先生曾经说过:没有舞台布景，就没有戏剧这门形式。恰到好处的舞台布景，能够渲染舞台表演的氛围，以加深观众对舞台表演的印象。同时，舞台布景作为舞台美术不可或缺的一种表现形式，它能够有效地扩展舞台表现空间，加强时间和空间的对比，从而保证了舞台表演的顺利进行。正如同美国的伯里安在评价英国设计师为《时髦的人》所作的舞台布景时所说的话此处的舞台背景既表达出了惊人的准确性，又向观众传达出了一种既定的幽默感，还有助于对不同场景的空间环境进行描绘。
从最初的侧片布景到现代的立体布景，从原始的绘景到现代的数字化虚拟视频的广泛的出现，舞台布景已经经历了300多年的风雨历程。具体而言，舞台背景可以分为写实布景和写意布景两种类型。一是写实类舞台布景，这类的舞台布景遵循的是再现的真实性这一布景原则，其要求舞台设计师在进行舞台布景设计时要尽可能地还原现实生活或自然形态，以给受众带来极强的现场感和真实感。如在对舞剧《漓江情韵》进行布景设计的时候，设计师对漓江山水进行了深入的研究，然后采用了由翡翠绿构成的漓江山水，最大限度地还原了漓江山水的真实面貌，从而使观众产生了一种身临其境的感觉。二是写意类布景，这类的布景比较抽象，不注重真实的再现和现实的还原，常借用浪漫主义和隐喻的表现手法，以此来表现人物的内心情感。以中央实验室所表演的话剧《阿Q正传》为例，设计师在进行布景设计的时候并没有对江南水乡进行写实的描绘，而是立足于我国的传统文化，采用我国著名的白描手法，在长麻布上用墨色点染出绍兴的水乡作为外景。这样的布景设计引发了受众对该戏剧内在精神世界的思考，有利于把受众带入到人物的内心深处去，从而能使人感受到一种高层次的视觉感受。
三、舞台道具的空间渲染
舞台道具是舞台美术中的重要组成部分，它和舞台灯光、舞台布景、舞台化妆、舞台服饰等共同构成了舞台环境这个多姿多彩的艺术世界。与现实生活中的一些器具相比，舞台道具拥有更加鲜艳的色彩和夸张的造型包含着丰富的内容和代表意义。在业界，舞台道具又被分为大道具和道具两种类型:大道具是指在舞台表演中所占空间较大的、用来表现大环境和地点的道具，如宅院、城墙、山峦、书桌、机器等大型的道具;道具指所占空间很不的常出现在日常生活中的一些道具，如花瓶、水杯、笔墨、书画、烟袋等都属于道具。但无论是大道具还是道具，它们都是舞台美术设计所必不可少的构成要素，它们的运用甚至关系到舞台表演艺术的成败。
舞台设计范文第7篇
[关键词] 舞台打斗动作设计特殊效果
[DOI]10.3969/j.issn.1002-6916.2011.04.044
第一部分：动作设计
“车轮由多根辐条组成，然而起决定作用的却是它的中心部分。”
设计舞台打斗动作不能光凭书本上的东西，实际上，如果仅仅通过阅读本书或其它书籍就想设计打斗动作并非明智之举。获得直接经验是最佳的学习方式，想学习舞台打斗最稳妥的办法就是雇用一名专业打斗设计师（由美国动作导演协会认证），然后看他（她）是怎么做的。因为如果说一张图片抵得上一千个字，那么一名有经验的打斗设计师就相当于一千张图片。既然如此，本章中笔者愿同您分享过去十年来在舞台打斗方面获得的一些有益经验，权作建议供参考。
戏剧是一门综合艺术，同其它的艺术形式相比其综合性更为突出。我们作为戏剧艺术的从业人员必然要在创作当中受到各种条件的制约。最后的戏剧作品一定是戏剧艺术的各种元素的集合，舞台打斗设计者必须了解这些元素，并同剧组所有成员通力全作，发挥创造性作用，他是由专家组成的集体当中的一员，在这里，整体比局部更为重要。
同导演配合
导演的职责包括整个作品的制作，他（她）必须在各个方面拥有决定权。对舞台打斗设计者来说，在开始设计打斗动作之前问导演几个基本的问题很重要。（当然，设计者早已读过剧本，对其完全了解。）
1． 剧中有多少场打斗？
2． 每场打斗中有多少名演员？
3． 导演是如何理解人物角色的，这些角色有何独特风格？导演想在打斗中看到人物的哪些东西展示出来？
4． 在打斗中导演希望从戏剧角度传递给观众什么信息？
5． 导演考虑了什么特技效果？
6． 打斗设计有多少排练时间？
7． 总体的排练进度表是什么？
8． 打斗演员何时可以在舞台上，在布景中进行排练？
9． 打斗配有音乐吗？何人选择音乐？
10．筹备会议计划何时召开？
11．剧组成员的姓名以及电话号码是什么？
12．如果打斗对演出来说至关重要，导演会不会想要打斗设计者帮助进行试戏工作？
舞台监督
舞台监督对于舞台打斗设计者来说是很重要的人物，因为在打斗设计者离开很久以后，舞台监督要严格地保证演员在每次演出前都做规定的打斗热身练习，并且要时刻注意演出中打斗动作的完整性。舞台监督确实非常重要！有时候助理舞台监督会负责这些工作。
我坚决要求舞台监督一直参加所有技巧方面的训练以及舞台打斗的排练，这样可以更清楚地知道打斗中演员的需要和关心的问题。
所有的动作设计图案均交给舞台监督加入台词本当中，以免打斗演员在演出当中发生口角。
应教给舞台监督演出前的热身练习，以便他/她能够时常指导打斗演员进行训练以加强他们这方面的专业认真程度。然而大多数情况下，打斗演员是非常清楚演出前进行热身的重要性的。热身练习过程中，打斗演员会将打斗动作过一遍，舞台监督要参考台词本中的打斗设计图案来检查有无错误。因此，打斗设计者将所设计的动作有条理地概述给舞台监督，以便后者完全熟悉所标示的动作，这是很重要的。通常这个过程在排练中就能自然地完成，然而不要反对为加强舞台监督对打斗细节的理解而专门安排一次排练。万一发生台上演员在打斗中受伤这样的事，舞台监督有责任将打斗动作停止。因此他必须对打斗动作非常熟悉。有时受伤演员坚持要继续表演，声称伤势很轻，但是受伤演员绝对不能允许继续舞台打斗表演。
同演员配合
演员也是人。他们既有能力又有局限性。为使打斗动作安全而有效，打斗设计者必须十分密切地快速了解演员作为打斗者的资质。例如：如果演员有恐高症的话，非要让他从十英尺高的塔上跳下就纯属浪费时间了。再比如：一个打斗演员戴不了隐形眼镜，而不戴眼镜几乎什么也看不见，为什么要安排他在一群人的打斗中进行大量重要的打斗回合呢？当然我们希望合理的选择演员能够避免这些问题，但是时常发生的情况是：选演员时舞台打斗的要求未被充分考虑进去（这更加证明了在试戏过程中让打斗设计者参与进来的重要性）。
本书前面曾提到过，如果打斗设计者在训练演员时能够考虑全面，一丝不苟的话，演员会感到更加自在，这样在表演变得极度兴奋或者害怕，出现错误以及排练中不愿尝试新鲜事物的的可能性会少得多。如果给演员一点真诚的尊重和友善的鼓励，他们会非常有热情有思想，经常会让你感到吃惊。
排练过程中不要给演员们灌输太多的细节，他们可能会在平衡、风格、力度上犯些错误，但是一定要有耐心。要给演员们时间来吸收理解所设计的动作。如果操之过急，量太大，他们以后在记忆打斗动作上会困难得多。记住，身体有着同头脑不同的学习方式。继续学习新东西之前，要通过对打斗的一些小片段的简单重复来给身体以感受打斗动作的时间。
你的指导应当明确。最好让打斗演员学习一个片段后再去做修改。主要的打斗动作学会之后会有时间去做修改的。对演员来说增加新动作要比在学习时改变或删除动作容易得多。
要为改变动作这个阶段设一个截止日期。在某次排练之后就不要再去改变打斗动作了，而应集中精力加强和完善打斗动作的质量以便演员在当众表演时能够非常自信。对于熟练演员，我的经验是至少在第一次彩排以前的三个排练周期之前，就应停止改变或增加新的打斗动作了。
同设计师合作
美国的戏剧训练学校越来越多地认识到戏剧艺术当中打斗设计的重要性。然而，现在设计师们大多忽视打斗设计者的基本设计要求。例如：有些服装设计师从来不会去考虑同打斗设计者交换意见，即使是在为《罗米欧与朱丽叶》做设计时也是如此；背景设计师忽略了在楼梯上加上基本的护垫，甚至没给楼梯的台阶留出合适的宽度，即使打斗设计者会教给演员如何从楼梯上滚下来。我遇到一位打斗设计者报怨说他已经将打斗动作在灯光充足的情况下排练了三个星期，而在第一次技术性彩排时他却发现舞台几乎是完全黑暗的！实际上，这种情况下，打斗设计者也有责任――事先沟通很重要。
在进行任何设计或布景之前，打斗设计者都必须参与到制作组当中去分析演员/打斗者的特殊需要。打斗设计者最好也了解一下设计师们在考虑什么以便能更巧妙地编排打斗动作。舞台设计师和打斗设计者本着建设性和创造性的合作态度，互相重视对方的工作是至关重要的。一定要参加所有的制作会议！
背景
打斗设计者对于背景设计方面所关心的事情很明显。打斗表演的区域有多大？可供使用打斗空间的范围决定了可使用打斗人员的人数，或者打斗设计者在设计群斗时的打斗流程的方式。背景设计师考虑使用多个层面或者阶梯单位了吗？舞台表面是否使用衬垫？是倾斜的吗?道具多吗?布景多吗?家具是真的家具还是只用来做装饰?如果在打斗中要使用某个沙发、桌子或椅子，是否将它做得足够结实以供使用了？舞台前部有无足够的空地可供打滚之后停留？家具和景片之间有无足够空间？这些细节的决定宜早不宜晚。由于成本和时间的原因，经常不允许对背景在最后时刻进行改变以满足打斗设计者的创作欲望。
风格
大多数情况下舞台打斗应同整个作品的风格相一致。喜剧当然要求打斗具有特殊风格以达到幽默效果，与悲剧中的悲惨和情节剧中的兴奋相对照。有时候为达到特殊效果可以使用打斗，与整个作品风格形成一个对照。
特定技巧的选择是构成舞台打斗风格的主要方法。例如，踢臀部这样的动作，通常就不适合在悲剧的正反面主要人物的你死我活的争斗当中使用。速度是另外一个在打斗中影响风格的因素，比如在麦克•塞内特的喜剧中群斗的场面中速度明显加快。
风格往往同特定的历史时期有关。在风格涉及到服装和行为方式方面的历史真实感的时候，打斗设计者就必须去研究那个时期的打斗风格。例如，我应邀为《拜伦公子在里士满的弗吉尼亚博物馆剧院》这部戏设计拳斗动作。该剧的背景为拜伦勋爵那个时代。对于这场打斗我选用了那个时代流行的职业拳击技巧，我研究了相应的图片和相关记录。拜伦实际上在拳击场上打过好几次！在我自己同助手练习了这种打斗风格并录了像之后，我能够再现带有那个时代拳击手打斗风格的动作模式，结合本书中所讲的基本原则，创造出令人信服的打斗动作。当然，打斗动作是遵循“昆斯伯里伯爵拳击规则”的。
个性化
如果说•阿里、伍迪•艾伦以及阿尔伯特•爱因斯坦都用不同的方式打斗，这对我来说似乎是显而易见的，但是打斗设计者为最好的表现剧中某些人物的特点有必要去改变打斗风格这一点却经常被忽略。打斗设计者同演员密切合作很重要，这样能够同演员及导演的关于人物动作特点及打斗能力的理解产生一致。打斗场面的人物塑造必须同整个作品中演员的表现相一致。
排练时间
对于排练一段打斗动作所需的时间没有绝对的规定，因为涉及的因素太多了。然而我想说，打斗设计者要假定凡事花费的时间都是预想的三倍。申请足够的排练时间时应考虑的因素包括：
1． 演员/打斗者的水平。他们以前参加过舞台打斗吗？你以前同他们合作过吗？
2． 演员们喜欢运动吗？
3． 他们学得快吗？
4． 他们对任何形式的暴力是否有恐惧感？
5． 他们容易激动吗？或者他们乐于接受指导吗？
6． 有多少个打斗动作必须要学会？
7． 有特殊的或难度大的技巧要加到打斗中去吗？
导演安排排练时间时优先考虑舞台打斗是绝对必要的。舞台打斗是我们要演员做的最危险的事情，他们应该有足够的时间去排练。
排练必须连贯，并且循序渐进。为了在学习新的动作套路中建立运动的连贯性，每天进行打斗排练是很必要的。必须花足够的时间，不光是学习技巧，还要学习技巧的套路，这最后就会形成舞台打斗。
根据一般的经验，排练时间安排在每天一个半小时直到演出开始为止。当然，如果是排练大型的群斗要用更多的时间。有很多导演不知道打斗设计者或打斗演员的需要，他们自己从没表演过打斗，因此可能会反对安排这么多时间排练，但是打斗设计者一定要坚持。从长远来看，一名演员在表演中漏掉几句台词比由于打斗动作排练不充分而眼睛被打青，鼻子被打破要更容易接受些。
分配时间方面的另一个常用的规则是（在使用有才能的演员时）每五秒钟的打斗动作就需要半小时的排练时间。这样，一分钟的打斗动作就需要至少六小时的排练。请记住这些都是粗略的估计，要注意灵活安排，为保证你的演员安全不管花多少时间都是应该的。
排练程序
排练过程应遵循以下程序：
一．概念化
A．在同导演、设计人员及演员交流过后作出有创造性的决定。
B．将打斗动作写下来，可以用文字书写，也可以用本书下面要提到的符号系统。
C．为整个排练时期拟出初步的日程表，时间一直排到首演那一晚为止，然后同导演、副导演或舞台监督来协商。
二．热身训练
A．编一套打斗演员在排练前的热身练习，每次排练前都要做。
B．在集体排练中，让形体动作最好的演员来带领大家做，或者让所有打斗演员轮流来带领大家做。
三．打斗技巧训练
A．训练打斗演员应从最简单的技巧开始，使同伴间建立起对彼此的信任。
B．接下来学习难度最大的技巧，来给打斗者充足的时间去掌握。
C．教授实际打斗中可使用的技巧组合，以便在动作过渡的过程中教授眼神和意识交流等原则和技巧。应花时间练习动作过渡，还有痛苦及发出声音的反应。
四．动作设计
A．将打斗动作向打斗者口头描述一下，以便他们能了解一些你的目的。向他们大致介绍一下你想要的风格和气氛。让他们相信完全能够做好这些动作，你会很慢地，认真地同他们合作。
B．先开始学习并练习最难的动作组合。你从打斗的开始、中间还是结尾开始都无所谓。技巧和组合掌握后会有时间按正确顺序排练的。不可贪多，打斗演员获得成就感、在继续学习之前建立信心非常重要。
C．开始将组合动作连接起来，排练较长的动作套路，直到演员对此感到又熟悉又安全。速度比实际演出时要慢些。即使演员声称他们已经准备好可以加快速度了，也要严格控制他们的速度。他们以慢速练习得越久，将来就会表演得越好。给他们一份打斗示意图，并教他们怎么看，以用作参考或辅助记忆。
D．将整个打斗以慢动作连接起来，直到所有打斗演员毫无疏漏地完全记住。然后使用一个节拍器或手鼓之类的东西，逐渐加快打斗速度，直到正常表演的速度为止。开始时以慢速排练，这样排练多次之后，加速至正常速度的四分之一，然后二分之一，然后四分之三，最后以正常速度排练。如果打斗者存在眼神控制、肢体交流、平衡等方面问题的话，就保持在当时的速度练习直到问题解决为止。如果打斗是配了音乐的，那么一旦达到正常速度就应将打斗片段同伴奏音乐结合起来进行排练。
E．一旦打斗动作进入以正常速度排练阶段，就要开始在风格和个性化等方面将其调整至最佳状态。记住：如果你改变了一部分，就要整个都改变。所以每次做了修改就要重复整个的学习过程，开始时一定要慢上加慢。如果你做了修改却允许演员太快地吸收新动作，要是发生意外，不光你有责任，演员的信心和信任也将大打折扣。
F． 加上灯光和服装，在灯光条件下再将程序走一遍，先用慢速，然后用四分之一的速度，二分之一，四分之三，进而以正常的速度表演。
G．在第一次给观众表演打斗时，即使观众只有导演一个人，也要让打斗者先用一半速度表演打斗，再用全速。这样可以让打斗演员适应表演初期带来的紧张。
H．当你的打斗演员们工作出色时，要对他们进行表扬。
第二部分：特殊效果
血液配方
我提供几种根据过去经验证明对我很有用的血液配方。
1． 将小块花生酱、玉米糖浆、调味蕃茄酱和红色食用色素混合在一起。这个配方有点乱但是味道好极了！
2． 将玉米糖浆、红色食用色素混合在一起。这个可以用在脸上或者嘴里。
3． 将甘油、红色食用色素混合在一起，或将可消化的矿物油和红色食用色素混合在一起。这些混合物适合用在装血胶囊里。
4． 将Woolite牌毛织品洗绦液和红色食用色素混合。适用于旧衣物，毛织物，毛线衫，做工精细的衣物（不要用在家染衣物上）。
5． 将“象牙白”牌洗绦剂加水调成浓度高的液体，再用红色食用色素混合。适用于棉织品，人造纤维织品，染色织品。
舞台设计范文第8篇
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申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 摘 要：舞台美术是戏剧和其他舞台演出的一个组成部分，应该是开放的、多元的，更应该在新形势下不断创新，给传统的舞台设计赋予新的含义。关键词：舞台美术；舞台设计；创新中图分类号：J01
文献标识码：A
文章编号：1005-5312（2010）18-0139-01舞台美术是戏剧及其他演出艺术中除表演以外的各种造型因素的统称。包括化装、服装、道具、布景和灯光。按一般演出惯例，舞台音响也归入舞台美术工作部门。舞台设计是由舞台、布景、道具、灯光等成分以及由空间、形状、光色、质感、活动等因素所构成的空间与时间的综合体。在戏剧演出中，为演员动作展开的一切围绕物的造型处理便称为舞台设计。一、舞台美术（一）产生与发展
在演出史上舞台美术各组成部分的发展是不平衡的。最早出现的是同表演关系最直接的化装、服装和道具。在西方戏剧的源头―希腊戏剧中，服装、面具已有不可忽视的作用。那时一出戏的演员只有两三人，要靠不断更换服装和面具来扮演各种戏剧人物。布景是较晚的发明。它有一个从剧场背景向剧情背景的演变过程。（二）功能戏剧是动作的艺术，舞台美术总是直接或间接地结合着动作来发挥作用的。1、刻画动作的形象演员是动作形象的直接体现者。作为主体的人，也由于社会生活和自然条件的种种差异而具有各不相同的形貌、衣饰和精神气质。演员的外形同各种动作形象之间有着大小不等的距离，缩短这个距离，帮助演员转化成为所要装扮的形象，这是化装、服装的基本任务。2、组织动作的空间和时间
动作是在具体的空间和时间中存在、展开的。现代舞台设计对于空间的组织已不局限于演员与舞台、演员与演员之间，也对演员与观众的空间关系做出种种新的处理。灯光不提供实物，但它可以切割空间，可以突显或隐没实物，可以用它的流动性加强演出的节奏感。二、影响舞台设计的几个因素（一）经济、文化等大环境对舞台美术设计的影响1、社会经济、文化的发展推动了文化艺术活动的广泛开展。科学技术的发展会极大地促进文化的繁荣，而文化的发展也会推动科学技术的进步，二者相辅相成，相得益彰，而社会经济的发展，必须有正确的方向和明确的目标，这就要有高层次的文化导向来指导经济的发展，需要文化为物质文明建设提供精神动力和智力支持。2、建设良好的文化审美教育环境对人们欣赏水平的提高和高素质人才的培养具有重要作用。从人类的美和美感诞生开始，审美教育就已随之出现。因为文化艺术活动具有群众基础和丰富的文化内涵，所以审美教育要借助文化艺术活动的审美媒介，按照时代的审美意识，净化性情和心灵，塑造美好人格，以此达到社会的和谐。（二）传统文化与现代文化中的艺术思想对舞台美术设计的影响1、传统文化中的“民族性”在舞台美术设计中的重要作用。“民族性”代表的是各民族历史上的一切优秀的思想道德和文化成果。2、各种文化艺术思想在舞台美术设计中的表现人类又化存在着一个由纵向与横向、时间与空间、传统与舞台美术设计的发展要本着“古为今用，洋为中用”的指导思想，就是在继承和弘扬我国优秀传统艺术与当代艺术成果的基础上，又面向世界，积极地借鉴和吸收外来艺术中一切对自己有用的东西，才能得到真正的发展。（三）设计者的设计理念对舞台美术设计的影响设计者的感性认识与理性认识在舞美设计中的体现。可以认为，舞美设计的最终目的，就在于满足人们的精神需求和享受。舞美设计者对所要表现的内容要有一定的理性认识，就是说要把握住整台演出的精神、主旨，并开启人类的无比精美微妙而又富有朝气活力的意识，充分调动起人们的各种感官，去感知和创造这美好的生活。三、舞美设计中的三个层面的把握（一）传统灯光照明功能的延续与变化