浅析拉赫玛尼诺夫第二钢琴协奏曲第一乐章的演奏处理

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摘要：回望俄罗斯19世纪末至20世纪初的音乐史，眼前总会闪现出一个又一个大师的身影，尽管他们为多彩多姿的音乐世界所作的不可磨灭的贡献，凭借的是各自的方式、独特的才华，但是擅长写作悠长宽广而又每每充满无言忧伤的旋律，则是他们的共同点。拉赫玛尼诺夫就是这“美与忧伤”的风格的最后一位代表。本文通过将拉赫玛尼诺夫的《第二钢琴协奏曲一乐章》来进行演奏处理上的分析，从而窥探出对后世的深远影响。

关键词：拉赫玛尼诺夫；《第二钢琴协奏曲一乐章》；演奏处理

一、拉赫玛尼诺夫生平

谢尔盖•瓦西里耶维奇•拉赫玛尼诺夫（1873－1943），俄国作曲家、钢琴家。1873年4月1日，出生于谢苗诺沃的一个音乐世家，他最早的钢琴教育就来自母亲。1882年拉氏举家迁往圣彼得堡，入学圣彼的堡音乐学院学习钢琴。1885年，拉赫玛尼诺夫在表兄的介绍下，进入莫斯科音乐学院，先后师从多位大师学习钢琴演奏和作曲技术理论，并接受到极严格的训练，从此打下了坚实的基础。作为茨维列夫的弟子，拉赫玛尼诺夫有了开阔眼界的机会，先后结识了鲁宾斯坦、塔涅耶夫、柴科夫斯基等著名音乐家，并对他后世的创作产生了影响。从音乐学院毕业后，拉赫玛尼诺夫已经跻身俄罗斯一流青年作曲家之列。1917年，拉赫玛尼诺夫获邀到瑞典演出，他乘此良机举家离开俄国，最终于1918年移居美国并开始其钢琴演奏生涯。1943年3月28日，拉氏在家中去世。

二、《第二钢琴协奏曲》的创作背景

《第二钢琴协奏曲》于1901年10月14日在莫斯科的音乐会中首演，并由拉赫玛尼诺夫亲自担任钢琴独奏。这部作品自诞生一个世纪以来，在全球广为流传，成为音乐会上演奏最多的钢琴协奏曲之一。这部作品创作的前夕，拉赫玛尼诺夫《第一交响曲》的首演招来劣评如潮，令他受到很大打击，直至得到心理治疗才重拾自信。1900年，拉赫玛尼诺夫完成他的《第二钢琴协奏曲》，并以此献给让他康复的这位心理医生以感谢疗救之恩。他的这一部《第二钢琴协奏曲》无疑成为了20世纪第一部杰出的钢琴协奏曲。整部作品分为三乐章，并且摆脱了传统的拥有双呈示部和华彩段的古典协奏曲的结构范式，形成了一种类将钢琴与乐队融合的非常完美的类似“乐队协奏曲”的“感觉”。本文试从协奏曲艺术整体中的钢琴演奏角度，对《第二钢琴协奏曲第一乐章》的钢琴演奏进行分析。

三、《第二钢琴协奏曲第一乐章》的演奏处理

第1小节一开始由钢琴极其轻的走出第一个和弦，像从远处传来的低沉的“俄罗斯大钟”的敲击声。这群沉闷的音响浑厚有力，并且一步一步地由远及近，音响从pp开始一点一点地渐强。作者在这8个和弦中运用了半音和声的手法淡化了调性，但是却将整个音乐的色彩铺上了浓墨重彩的一笔，并且在最后一个降Ⅱ和弦处做了双8度演奏和rit.的处理，使得整个音响的张力达到了顶点。在处理这里的时候，第8小节处力量要完全放去，每一个重音都要将其弹到底，并且一定要做出rit.，并且在第9小节的开始处一定要热情、热烈地演奏。在演奏这一段的时候，每个音都要弹得很实在，因为这里音乐形象开始鲜明起来，基本速度也已经确定，要起着引导主题的作用，并且这里没有乐队的衬托，所以每个低音声部的根音一定要沉下去，音色要宏亮且铿锵有力，在小指的力量和准确性上，一定要在这里体现出来

主部主题在第11小节出现，在这个时候在歌唱性的旋律下节奏便是关键，钢琴声部一定要坚定，不允许有分毫的散失，否则整个音乐就会出现“垮塌”。而主部主题那种从容不迫的精神就不能很好的表现。而且弦乐队的低音乐器运用的并不多，所以钢琴声部每小节开始的重音一定要突出，演奏出那种刚毅且不可战胜的力量。在第18小节的末尾处要做到整个力量的收束，以便在19小节处突出第二次主部主题，并且第二次的主题动机一定要在整体上比第一次强，做到梯级力度上升的趋势。第26小节处，音乐一定要收起来，整个主题动机的发展开始出现，所以在26小节的末尾要收束起来，并在27小节处进行渐强的处理，最关键的就是在27小节开始时候两个sol一定要能听到，否则整个音乐的连接会出现“空洞”。在35小节处ff的性质一定要清楚，并不是一个强出，而是在前一小节做出一个渐强以后马上在原有的基础上进行一个梯级渐强的出现。所以一定要做到整体的力度上升，并且在随后的几个小节处的“最高点”也一定要“闪”出来，而“最低点”要“垮”下去。音色的处理上更是要透出来、亮出来。在59小节处的第二个和弦以及61小节的第一个和弦要做渐强的处理，并且61小节的和弦要达到最高点，但不是最强的最，也就是音色上的最亮的点。在这里还要做渐弱的处理，以便更好地引出连接部。

连接部在63小节处出现，在这里一定要为副部主题做充分的准备。音乐的表现全部都在钢琴声部，乐谱要求是pp，但是音乐的流动上要快起来，气氛要很活跃，而不是轻到底的处理。演奏时要注意颗粒性，并且指关节一定要有力，否则音色将会相当糟糕。左手的句子要做到有呼吸感，否则整体音乐的律动平衡感将会失去，且踏板要干脆，不能有多余的滞怠。

副部主题在E大调上出现，这里充满丰富的变化音和半音的进行。钢琴声部在第83小节处开始进入，演奏时一定要保持完整的乐句“唱”出来，不要太过于随意化，会导致乐句不破坏。还这里音乐要注意柔和，内声部要注意平衡，尤其是第86小节的半音变化，虽然在这里要做渐强，但是不要破坏乐句的整体进行。左手声部的演奏时要灵活，做到衬托有致，音量要控制，要轻一些。在93小节的副部主题变化反复时，由于加有8度，所以演奏时要向上推一些，比第一次要更为激烈。109小节处速度要稍快，左手演奏的6连音需要准确，手腕要柔韧富有弹性，且声音要干净。113小节，8度旋律中间的分解音要从容表现，有首旋律要突出，左手的要与之相平衡，平且在踏板的处理上不能太浑浊。121小节处，左手的第一个重音要突出，和声的处理上大臂的力量要送到指尖，并且要沉下去，要做到保持的感觉。133小节的音乐处理上要平稳、甜蜜。每小节的重音要突出，小指要抓住，其他手指在演奏的时候要做到放松，并在后期要有层次的渐快，且要注意低音的演奏上不要过于“下重手”。踏板的要求上要极为小心，两小节一换，要适中。141小节处要开始稍微更快一些（Un poco piu mosso），这里速度和旋律的波动很大，注意音一定要连起来，这里节奏的概念是垂直的，节奏的概念是平衡的，所以在演奏的时候一定要谨慎。在这里踏板的变化一定要快，才不会使之浑浊。在结束部最后千万不要做rit.，因为在乐队部分的速度记号是一个dim.，所以从整个音乐处理的角度来看，在这里做一个rit.是没有任何意义的，反而会出现整个作品的混乱。

展开部的主题在161小节乐队中出现，非常低沉。钢琴声部在177小节出现，在这里开始的时候一定要快，要紧接前一小节。展开部主题前两个音在176小节结束的大提琴声部出现，所以177小节钢琴声部一定要快速跟上，否则会造成整个主题的分离。演奏上两个声部一定要对整齐，并且力度要整体往前推进，力度的整体波动，以及sf的处理，这样才能诠释展开部存在的意义。展开部的动机分裂在193小节出现，并用了一个sf来引导，并且分裂动机开始是有两个音组成，前面一个要强，后面一个要弱，所以演奏的难度很大，要注意手腕的放松，并注意弱音的处理上不要拖沓，弱也要弱的有力。从201小节开始动机分裂成为由3个8度构成的三连音，演奏难度又一次增大。三连音的第一个音要“闪”出来，然后力度依次递减，但是演奏上往往最后一个音却没有了，这是要注意的，而且三个音的“落差”不要太大，否则整体的梯级力度处理上会出现很大的障碍。

整个音乐的再现部出现在245小节，主部主题出现在乐队声部，钢琴声部则是用进行曲风格形成鲜明的对比，所以要用ff，使钢琴发挥出能与乐队相抗衡的效果。这里全部是运用的和弦，所以首先要固定坐姿，充分将力量从腰送到大臂，从大臂送到手指，用手指将所有的力量一个不留的“灌”进去，而且要记住音色不能太“死”。261小节，音乐慢慢走向平静，这里还是和呈示部的处理一样，突出右手声部是重点，并且体会不同和声色彩与情绪间的关系，音乐不要太白。由于速度的关系，踏板要每小节一换。290小节是连接副部主题的关键，要逐渐柔和、减慢第处理。做好左右手的协调、同步，注意重要旋律音的保持，这里rit.的处理不要慌，做较缓的处理才能更好地接上副部主题。在踏板上最好每小节换两次。319小节处是拉赫玛尼洛夫式的抒情，在这里保持音是一个关键，中声部要注意平稳。力度的演绎在这里也是一个关键，梯级力度的爬升不要过快，这里有很多缓冲带，最低点在337小节出现，这里要将rit.做得更加纯粹。接下来的延伸更是要控制得平稳，以及内声部音色的圆润。353小节是整个作品的尾声，整个音乐的节奏立即变得急促起来，音乐的动机由4小节、2小节、1小节递减下来，逐步推动音乐紧张地向前发展。开始的时候要稳住，手指要干净，接下来节奏开始变短，触键要果断。361小节开始要把握好力度的层次，节奏不能飘忽不定，要稳扎稳打。369小节开始将全身的力气灌入琴键，准确、有力、扎实，一步一步地推上去。尤其是倒数第四个和弦sff的处理上，尤其要果断，并干脆利落地结束。

余言

钢琴华丽辉煌的演奏和乐队沁人肺腑的旋律在这里给人们的心灵找到了一个最好的结局。拉赫玛尼诺夫生活的时代俄罗斯民族乐派的全盛期已经过去，在西欧，现代音乐已初露端倪，印象派音乐在法国已形成潮流，新古典主义的种子正在萌发，影响音乐风格的新音乐要素不断出现。

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