绘画技巧范文精选

【摘 要】古典绘画是一种艺术语言，其技巧具有强劲的生命力。目前，随着时代的变迁，在现代绘画方面，古典绘画技巧仍然被广泛的沿用和继承。本文通过分析古典绘画技巧的内涵，主要探讨了在现当代绘画中，古典绘画技巧的影响。

【关键词】古典绘画技巧；现当代绘画；影响

古典绘画主要包括两个层面，即：创作风格、历史流派。广义上来讲，创作风格超越时代的限制。狭义上来讲，历史流派是历史条件下的艺术创作技巧。随着时代的变迁，作为一种艺术语言，古典绘画也在不断的回归，具有了继承意义的艺术发展，如：当代绘画中市场能看到古典绘画的影子。而在这艺术演变下，古典绘画技巧对当代绘画具有了一定的影响。表现出了现代绘画对古典绘画艺术传承的意义，也表现出了当代绘画的发展受古典绘画艺术的影响力。近一个世纪以来，在西方美术史上，西方古典绘画占有很重要的地位，产生了很多画派和艺术风格。

一、古典绘画技巧的内涵

在艺术中，古典主义是指古希腊和古罗马艺术为基础的历史传统或美学观点。古典主义高度崇尚古代艺术，是一种以传统的透明技法精确的再现具象的一种绘画方法，具有一些与古代艺术相联系的特点。古典绘画较关注型体，是将物体或景象描绘在画板上，色彩注意光线明暗对比，比较柔和，很写实。古典绘画技巧特别重视作品的形式美，强调精确的素描技术和柔缓微妙的明暗色调，追求的是一种自然中的秩序、和谐、平衡以及一种宏大的构图形式，注重使形象造型呈现出雕塑般的精炼和概括。并且为了突显了率真的审美本能，充分的体现了自然美，通过简、繁、疏、密的变化，在与自然逻辑相符合的基础上，表现出了各种形态的节奏、韵律，并且为了体现出古典绘画技巧的基本特征，形成组合，在人物、植物、动物上，可以自由运用各种几何形状。五百多年前文艺复兴时期，古典主义绘画的主要集成者是意大利的威尼斯画派和温布里亚画派。而达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗、提香、鲁本斯、卡拉瓦乔、伦勃朗等人则把这一技法登峰造极。到了19世纪在艺术界，广泛传播新古典主体，出现了大卫、普桑、安格尔等著名画家，使这种艺术风格更加美轮美奂。在西方写实绘画体系中，由于西方文化推崇“典范的”、“一流的”的标准，古典绘画占有很重要的地位。古典绘画不是一种风格，是将古典精神与技巧完美的结合，更不是现在人们所认识的一种漂亮唯美、写实、细腻的表面，在具象写实的外貌下，古典绘画具有开阔宏大的气质，是人类绘画史上的高峰，承载着非常神性的大境界，能够唤起人们崇高的理性与信心。

二、古典绘画技巧在现当代绘画中的影响

1.对表现符号传承的影响。绘画风格中，符号具有特定的表现性，如：点、面、线、色彩等。它能够对作品审美的综合性体现发挥真正的作用。古典绘画技巧中表现符号彼此的相互作用和合理搭配、在时间、空间的位置关系的把握上，正是现代绘画中追求的艺术诉求。如：蒙特里安的作品《场景2》中通古典美观一样，做呈现出的程式完全相符，其色彩是人们所非常熟悉的红、黄、黑、蓝等，并且主要集中把握了这些色彩组合。同时，在结构上，色块与线间的统一得到了有效的强化，分割红黑色快若干矩形块，也突出了对位的作用。而从视觉上看，整体效果十分君臣，构成元素的搭配合理。在色彩风格上，大面积的旋转色块间接体现出了古典风格，色彩搭配具有明显的写实痕迹。另外，蒙克的《呐喊》中布满了斜线、线条、曲线、直线，作为表现主义大师，在各异的形态下，这样的布局，使人感觉十分统一和谐，没有一点的凌乱之感，在画面的中心，如同振动波一样，朦胧中十分的形象，就像一个人的头部在大声的呼喊。

2.对感性审美的影响。相对于现代绘画，古典绘画技巧重视感性审美，观念性因素的地位略微轻一些。在现代绘画中，依然存在着古典写实元素，但是却增加了很多哲理性、抽象性的元素，并且这些写实因素正是绘画作品本身的审美根基。而在古典绘画中，同自然逻辑相符合，线条、色彩并没有抽象思考进行过多的表达与承载。如：著名画家毕加索的《花篮女人》作品中，娇滴滴、暖洋洋的枚红色充分的映照出古典写实风格。并且，为了凸显人物柔美、感人的形象，毕加索采用感性写实的手法，摒弃了自己一贯的抽象思想，将爱情和青春鲜活的搬到作品中。另外，就现代绘画作品来说，为了体现出画家所看到的事物，运用了各种变形的圆形、三角形，各样的直线、曲线。但是，由于在对这些图形进行创作意向的表现时，现代画家都有明确的目的性和逻辑性，因此，这些集合图形抽象化的表现，并没有完全背离古典写实风格。从本质上讲，在客观的艺术语境下，这中逻辑在认识上侧重于理性层面，但是逻辑关联还衍生在古典绘画中。

古典绘画技巧有着强劲的生命力，依然被现代绘画继承和沿用，来对当代社会精神进行表现。鉴于此，文章概述了古典绘画技巧，并着重对古典绘画技巧在当代绘画中的意义进行探讨分析，来明确现代绘画中对于古典绘画技巧的继承，意在古典绘画技巧的长久延续提供借鉴与支持。

古典绘画包括两个层面，一是历史流派，一是创作风格，前者指的是历史条件下的艺术创作技巧，是狭义上的。而后者则超越时代限制，在风格上为广义的犯愁。古典绘画是一种艺术语言，其随着时代的变迁也在不断地回归，在当代绘画中时常能看到古典绘画的影子，就是古典回归的直接表现，且为经常性的回归，是具有继承意义的艺术发展。这一艺术演变下，就古典绘画技巧在当代绘画中的意义进行探讨分析，来明确现代绘画对古典绘画艺术的传承就显得十分重要，古典绘画的继承与当代绘画的发展均具有积极的现实意义。

古典绘画技巧概述

古典绘画技巧中对于作品的形式美有着特别的重视，意在尽可能地对自然美进行体现，追求自然中的和谐、秩序、平衡等现象，突显了率真的审美本能。在古典绘画作品中，通过简、繁、疏、密的变化来对各种形态的韵律和节奏进行表现，且画家在与自然逻辑相符合的基础上，在人物、动物、植物上自由运用各种几何形状，来形成组合，这即是对古典绘画技巧基本特征的体现。这一基本特征贯穿于整个绘画史当中，对于现代绘画亦是如此。

古典绘画在现代绘画中的意义分析

1.表现符号的传承

在绘画风格中，真正发挥作用的是表现符号，如点、线、面、色彩等，这些符号所具备的特定表现性就是对作品审美的综合性体现。古典绘画技巧中，对于表现符号的把握表现在时间、空间的位置关系及彼此的相互作用和合理搭配，而这一技巧，恰恰是现代绘画中始终追求的艺术诉求。举个例子来讲，《场景2》是蒙特理安的作品，该作品所呈现的程式同古典审美观完全相符，其对色彩组合的把握也集中红、黄、黑、蓝，这些颜色是被人所非常熟悉的。同时，在结构上也突出了对位的作用，分割红黑色块为若干矩形块，色块与线间的统一得到了有效的强化。从视觉上来讲，构成元素的搭配是合理的，整体效果十分匀称。色彩搭配上有着十分明显的写实痕迹，大面积的旋转色块，在色彩风格上间接体现了古典风格。又如《呐喊》，是蒙克的作用，作为表现主义大师，其在作品中布满了线条，斜线、直线、曲线，各异的形态下，非但未给人凌乱之感，反而使人觉得十分的统一和谐。如同振动波一样，无数线条聚集在画面的中心，恰似一个人的头部在大声呼喊，朦胧中却十分的形象。

2.感性审美的传承

【摘要】表达出画者对所描绘对象的独特感受，美术是富于创造力的造型艺术。创作是复杂的思维与情感活动的产物，体现出作者的思想文化修养、艺术基础和基本技能等多方面的素质和能力。创作是美术学习最重要的目的之一。

【关键字】美术 创作 色彩 构图 艺术 修养

美术是富于创造力的造型艺术。美术作品的产生，一是源于对现实生活的感受，二是需要创造性的构思和独特的表现技巧。一件优秀的作品要求作者从生活中选择富有表现力的情节，通过精心设计的构图和人物形象的深入刻画、环境气氛的渲染等艺术手段，表达出画者对所描绘对象的独特感受，并能引发观赏者的许多联想和深深思索，以至对其创造的艺术形象久久不能忘怀。

一般初学者在学习美术的过程中，总是先学素描、速写，然后是色彩，到有了一定的基础，甚至是直到打算报考美术院校的时候，才匆忙学一下创作以应付考试。许多人并未真正在创作学习上下过功夫。因此，我们只要多下点功夫，就有可能获得较明显的提高。而且，创作的训练和学习，可以反过来促进造型能力、构图能力、速写能力等。另一方面，创作相对难学、难教。创作是复杂的思维与情感活动的产物，体现出作者的思想文化修养、艺术基础和基本技能等多方面的素质和能力。因而需要较全面地提高我们各方面的素质和能力。创作是美术学习最重要的目的之一。可以说，我们平时对绘画的所有基础练习，都是为了能掌握一套得心应手的创作技巧和训练我们的创作能力。基础学习与创作的关系就像体育中的训练与比赛的关系。

绘画创作的大致步骤可分为：审题——以确定画什么；构思——以确定怎样画；构图——以确定具体画面的定位；表现——以确定表现形式和具体形象的刻画。至于技法则贯穿着其中每一步，当然还包括时间的安排，效果的处理，肌理的表现等方面。1、审题。绘画跟作诗一样，首先要立意。在这一阶段，我们一定要仔仔细细地阅读题目，反反复复地吃透题目、扣题作画、切题构思，这是最重要的。切不可曲解题意或者不假思索地动手就画。如果题目理解错误了，那就“南辕北辙”了。例如题目是《春天》，而你却是画桔黄色调的秋天，尽管你秋色画得很迷人，但离题太远了。艺术来源于生活，生活是艺术创作的源泉。但生活并不等于艺术。平时对生活要善于观察、思考生活、积累生活，发现美发现创作的题材。那什么样的生活素材才能发展、组织成创作的画面呢？一是要有真实可信的题材。真实可信才有说服力，真情实感才能感染人。二是要有善良正义、积极、健康的思想主题和精神内涵。三要有美的表现形式。2、构思。构思必须围绕题目而展开，不要停留在题目表面，而应努力挖掘题目的内涵，大胆地“借题发挥”但发挥不离题。具体来说，构思的时候必须考虑这样几个问题：①从哪一角度表现主题？（正面或侧面或反面衬托）②用什么形式表现主题？（是具象写实，还是抽象变形？是装饰还是意象？）③画面的场景、时间、人物形象、色调要如何处理才能生动地表现主题？总之，巧妙的构思才能感动人。“巧”就是最恰到好处地突出表现绘画的主题。是一种出人意料、耐人寻味的智慧表现。例如艺术大师齐白石先生的国画《蛙声十里出山泉》，作者巧妙构思：画内，几只活泼的小蝌蚪随着幽谷中奔流的山泉一路欢快地顺流而下；画外，蛙声悠扬，泉水丁东，共奏出优美的旋律。让人不禁联想到“空山不见人，但闻人语响”，“月出惊山鸟，时鸣春涧中”的诗意。3、构图。构图是构思的具体化。就是把要表现的形象和内容进行具体的安排、组织，以构成理想的画面。中国古代论形象地称之为“经营位置”。构图时边想边画草图，反复推敲直到满意为止。构图一般应饱满紧凑而不堵塞，变化而均衡，概括而不过分简单。要巧妙地利用各种形象内容的位置、大小、疏密的关系，创造出对比强烈、主体突出、主次、层次分明的画面效果。构图是达到理想的整体效果的关键的第一步。4、表现。就是画面制作。画面的整体效果好才能一目了然。具体制作画面时，要注意掌握好形象基本的比例、动态和造型特征。注意构图的完整以及大的黑白灰节奏变化，色彩则要注意天空、地面、墙壁等大色块的对比协调。充分运用各种手法和技能，努力生动地表现出创作构思的主题。

总之，我们要不间断地学习所有绘画基础知识。平时要善于观察、思考生活、积累生活素材，要注意提高自己的思想、文化、艺术修养，培养健康、高尚的审美品味。这样才能提高我们的综合能力及素质。我们才能创作出优秀的美术作品。

陶瓷绘画与国画有着密不可分的关系，陶瓷文化是对国画绘画艺术的继承和发扬，它受国画的影响很深，与国画有着密切的历史渊源，陶瓷绘画以国画为基础，两者又相互借鉴影响，互相取长补短，共同发展。

一、国画与陶瓷绘画的相同点

陶瓷与绘画的最早结合出现在远古时期的新石器时代，当时出土的彩陶成为最早的绘画艺术，陶瓷与绘画的艺术灵感皆来自于生活，两者遵循着共同的创作思路在艺术生活中相互交融发展，在精神意境上也有很大的相似点，意境是创作手法达到一定的程度所自然而然地体现出来的，它是衡量艺术品的创作和美的标准的一个重要指标，是心与景的完美结合，陶瓷绘画与中国画相通点就是把现实生活中的美的感受体现在艺术作品上，达到传播与唤起人们对美的感受的目的。

在绘画发展的历史上，国画以其极强的艺术气韵占有很高的艺术地位，不管是在汉朝还是在唐宋时期，各个朝代对国画的推崇都相当高，而国画也以其静逸的特点使优雅成为当时绘画的主流，而陶瓷虽然与国画有一定的差距，但是在气韵上却是很相似的，除此之外，与国画不同的是，陶瓷绘画一般会带有一些民间的娱乐情趣，这样会使观者产生无穷的遐想和无限的趣味，体现出绘画气韵生动的特点。

绘画作品一般都体现出作者的个人修养和独特的艺术审美能力，用画来表现自己的精神，就是人们常说的笔墨可以传神，与国画一样，陶瓷绘画用另一种形式来传达作者的情感，使国画的艺术形式呈现多样化，把陶瓷的绘画艺术与国画的笔墨表现力结合起来，充分体现出国画对陶瓷的重要艺术影响力。

二、国画的技巧在陶瓷绘画中的运用

国画的绘画技巧在陶瓷绘画中得到广泛的应用，其中最重要的要数青花瓷对国画的借鉴和应用了，青花瓷通过以下几个方面对国画借鉴：

（一）材料和技法上的借鉴。青花的装饰不仅要在艺术审美上给人以唯美的感受，更在技术和工艺上有很高的要求。所以在对国画的艺术借鉴上并不是全盘照搬过来就可以的。由于所需要的材料不同，国画是展现在宣纸上的，而陶瓷则需要在瓷器上表现出来，所以青花瓷的创作技法在绘制中存在很大的不同。除了在胚体上绘制以外还有施釉、烧制等很多后续程序，通过这些后续的程序，烧制出来后也会产生不同的效果，这种效果具有不可预见性，因为粗细深浅的原因都会导致瓷器烧制出来后不同效果的发生。青花与国画都是用毛笔作画，所不同的就是所运用的绘画材料不一样。古代各个朝代之间所用的绘画方式也是不尽相同的。青花对国画技法的传承和应用表现在他吸收了国画中的晕染法运用到陶瓷的绘画中创造出独特的分水法，运用这种方法使画面产生不同的深浅层次，还有一种技法就是借鉴国画中的泼墨法运用到青花瓷中就形成了在胚胎上进行大面积的泼料，这就是从泼墨法演变而来的泼料法，运用泼料法必须掌握扎实的泼墨法基本功，否则就会弄巧成拙。

指头画艺术形式的技巧

一般来说，指画艺术的艺术手法是以手为主的，指画艺术的重点技巧主要是体现在几点的技巧之上，主要的工具自然是手指，这几个方面的技巧也是围绕着手指进行的一个作画，通过手指的点、勾、擦泼墨就是常用的指画艺术的三个技巧。我们来一一介绍关于这方面的详细细节。

（1）点法：点法是指画艺术里三大技巧的一个关键技巧，根据是用手指的不同，我们通常又将点法分为三种：①指尖点这个点法适用于画面里的细节地方，山水画里，特别是中国的山水画里，需要注重的技巧也是很多的。例如鸟类的眼睛，我们作画不仅讲究逼真，更讲究传神，要想刻画出鸟类的栩栩如生的状态，它们的眼神是关键。在这个时候，我们就要通过指尖点这一方法，因为眼神不比其他的部位，它需要画家的一个精细描绘才有可能传神，除了鸟类的眼神之外，例如鱼类动物的眼睛，以及人类的眼睛等等，都是要用指尖点法才行，除了动物的眼睛，包括像鼻孔等等凡是需要画家用画笔精细刻画的地方都是要经常采用到这个方法。在使用指尖点法的时候，也要注意一些方面的具体操作。首先我们要明白绘画是个耐心才能做好的事情，指尖点发本身就是为了刻画细部而存在的，那么再进行使用时，我们要十分注重下笔的轻重，轻和重的力度要通过蘸墨来进行确定。通常来讲，即蘸，就是墨多而点轻，蘸墨少而点重，指尖一触即起，不能重复。要十分注重这个细节的把握，而且指尖作画毕竟与用笔作画不太一样，我们要时刻注意不要重笔太多，否则画面就会由于不断地重复而出现污痕或者是表意的偏差。②指头点指头点与指尖点的区别是使用的手指的部位有略微的差别，指头点的适用范围是凡2-3公分的小花绘画，在进行这些方面的绘作时都可用指头点，例如常见的梅花。在指头点的画法上，我们也可以将之分为两种指头点的画法，它也讲究轻重。轻点，可画最小的花蕾，重点而加压可画最大的花瓣；它的操作还会因为水量的不同而有所差别，如水多的时候，我们如果采取重压的力度去作画，就会出现更大的点。③指侧点刚才指尖点与指头点的差别主要是手指在同一方位上的前后移动变化，这里的指侧点是从另外的角度去使用手指的作用，指侧法的用法同样是有很多种，在进行诸如水上的薄草，这就对画家的做法有一定的要求了，因为水上的蒲草叶子的形状是略带椭圆，像上文所说的指尖点和指头点都不太符合作画的要求。这个时候我们就可以采用指侧点。具体的操作是用指侧点或指头稍平卧，尽量的话能边点带拖，这样才能更好地发挥出指侧点法的特殊性，同时对于作画也是十分方便。例如潘天寿再1947年的《水墨山水》，这幅作品里体现出一种松灵感，笔墨十分飘逸，并且十分耐看。这幅作品是潘天寿的精品作品之一，但是缺乏形式感。在指点法上，潘天寿的方法是经常用食指，此画中的具体体现是细苔以及松树的特点，通过手指点法，他们表现出浅深浓淡和郁郁葱葱的态势。

(2)勾法：所谓勾法，讲的实际上就是勾一般的线条。勾线技巧主要是应用在人物的衣褶上，一些花卉叶脉的线条绘制以及鸟类羽毛的绘制等等，这几个方面的线条勾画特点是，它们都需要进行数量繁多的线条勾画，而且这些部位的线条具有很强的变化性，不是简单的单一线条勾画，这些部位的线条还都是不太明显的细微的地方。而且这些地方又是最能表现画面精细美感的地方之一。同样，勾画也会有不同的勾画种类，一般我们是根据勾画的不同需要将勾画分为长短勾画，粗细勾画，我们可以根据不同的需要进行类别的划分根据不同需要进行划分，同时还要结合水墨，自然渗化。那么，勾线在笔画方面，主要是以中锋为主，而在指画方面则以侧锋为主。两种艺术形式不同，而出现使用方法不同是有其深刻的原因的。我们知道手指尖（主要靠指甲的尖端）是弧形的，在进行绘画的绘作时必须要顺着手指的弧形边缘进行勾线，即使我们要进行最细的须、眉等的绘作时，也非侧锋不可。所以凡是向右方向的线，一般情况下都会有右侧勾线，那么同样的道理向左方向的线都会用左侧勾线，这样才能奏效。还有就是关于粗线，粗线的勾画要结合水墨勾线，其理相同。像潘天寿的《焦墨山水》，就主要是采用焦墨重线画成的，作者舍去了层次感，使得画面更加单纯，这里面可能采用了一个勾擦结合的一个技巧。

(3)擦法：这个字含有干裂的意思。在我国传统的山水画中，山水画中的山石，都表现出与国外油画艺术不同的艺术特色，国外油画是注重石头的逼真特效，但是中国国画中的山石如干裂一般，而且画面中这些山石的裂纹还十分明显，给人一种奇峰突兀的感觉，主要注重的是山石的奇骨美感。为了画出不同的各式各样的山石裂纹，有人还专门设想了各种不同的名称的做法。擦法，就是这种干裂效果的常用手法之一。它要求不能水多，因为只有水少一点，涂料干一些，干一点，才画得出山石干裂的纹理。手指作法，就主要是以指侧和指背为主。当然除大指外，其余四指，都是可以作为我们的画笔作画的。而要注意的是较长、突出的中指，它是指画艺术里最适合画的手指。手指擦法不仅能用拇指作画，还可以使用指背，因为指侧做法仅仅是采用手指的指侧，而且仅仅是只采用一指，这就极大限制了指画的创作手法，例如传统的国画创作通常都是会采用各种规格的毛笔，单指作画好比从头至尾都只是采用一只画笔去作画一样；如用我们用指背的话，不仅可以只是用一只手指，还可以根据作画的不同需要增加二指、三指或四指一齐作画，这样的话，不仅是作画更加灵活，画法技巧更为丰富，而且比传统画笔作画更为方便，因为传统用笔作画是不可能同时操纵四支笔一起作画的，这就是指画艺术的一个优势之一。“擦”法与指尖和指头以及指侧都不同，擦法是利用一到四个手指，同时采用正、反两个手指面，把墨或色，擦到我们作画所需的整个画纸画布的块和面上。擦的指法多半为毛笔画的两头虚（起、落皆虚），擦用于大块面最为合宜。

(4)泼墨法：上文所说的指尖、指侧以及后来的擦画法均是针对于点线和局部的面，他们的使用范围也是很有局限性，这些画法的重点是注重细节，虽然说中国国画的特点是有细节之美，例如山石的裂纹美等等，都是我们通过这些细节的操作手法进行的，但是中国更加注重细节的同时，也会注重整个画面的整体意境。意境一直是我国古代文化中一个非常重要的文化要素。我们不得不要说，我国国画艺术就是这种意境艺术的高度体现，国画里很多时候会注重细节的超强表现力，但是整体的画面意境比这个更加重要。要想营造出整体的意境，我们就要采用整体的画法，而泼墨画法，就是针对大面积作画用的。我们经常会看到山水画中之云雾迷朦，尤其是中景至远景，整个画面给人一种摸不着真实与幻境之间的区别一样，这样的画面氛围的营造就是泼墨法画的效果。泼墨主要靠水。泼墨当然讲究一个泼字，泼墨所以十分注重水的把握，一般来说，泼墨作画要将水先与墨汁混兑，然后将之泼在画面上，但有时也有先墨后水的。这种做法是先用干画墨进行作画，等到画面的墨汁半干时，我们再用水泼之，主要是使水渗入半干的墨汁里起变化，形成画家自己所需要的画面形象。除了以上两种之外，也有墨与水同时画下的。在进行墨水同时作画的时候要注意墨乘水势，达到一种自然奔流的感觉，最后等到水引墨泛之际，刹那间水墨同时奔放，逸气横溢。成为一种别具一格的泼墨画。在用指方面，当然是五指齐施快速动作，否则一滞就板，泼墨所要达成的效果就不会有；而且整个画面会肥浮无力，画中”飞白”之感也会随之淹没。这样的话，就会失去了泼墨的豪放气概了。泼墨之法就是要讲究一个豪迈之情，泼墨技法最重要的就是将这种感情溶于画面之中，而泼墨的力度，墨与水的比例，墨和水的泼的时机等等方面，都是需要经过长期的研究揣摩以及练习才能掌握好的。潘天寿做指画，主要是用食指，其次才是其余各指，经常使用大泼墨来进行作画，做线时，指甲与指肉同时着指。做线时，一般都不会太长，通常是短线接之。泼墨时，将磁盘中的墨水泼到纸上，四指并下，迅速涂开，以便画面呈现幻化之状。

手指画的发展前景

指画艺术的发展历史可谓是不短，但是要想在当今艺术流派众多，各种传统艺术也在推陈出新不断发展的局势下，也要求得生存的空间甚至是发展的良机，不是想象中的那么容易。手指画的创立，是高氏经过苦心研究，用尽了其毕生精力所贯注而成的一门精美的艺术流派，同时它也是划时代的艺术，是我国古代绘画艺术的结晶，作为我国艺术宝库里的一件珍稀的文化瑰宝，同时还是我国古代流传下来的文化遗产，它的生存以及后续的延续，对于我们文艺工作者来说，是历史赋予我们的重任，我们理应维护和重视这一特殊的画种。我们尽量在在继承传统的前提之下，努力继承以及完善前人的历史成果不能践踏前人的努力，通过巩固、提高，继续前人尚未完善的事业。这才是我国指画艺术不断前进的动力，也是人类文明随着时代不断前进的一个必经之路。手指画起源于笔画，所以笔画的绘画艺术与指画艺术之间是有着千丝万缕的关系的，而且二者相互影响。手指画与笔画，在理论上，他们都遵循着我国古代文化的一个中心的思想，那就是构图和意境，骨法和气韵；而在在技法上，他们都会采用皴法，线描，泼墨，无论是用手指，还是使用毛笔，在进行作画时，基本的作画的技巧都是一样的，只是我们的作画的工具有所差别，但是文化上的共同联系不能丢弃，否则就会失去了绘画的根源。总之，无论笔画、指画，如果缺乏了“诗、书、画、印”这四个要素，就不是很完美的作品。指画也不是舞弄技巧，指画也不能离开笔情墨趣的法则。指画不仅最能抒发画家的情感，也能表达作者的思想感受。他不需间接的工具，真正做到“得心应手”，相对地能与现代人生活融为一体。

［摘 要］

肖像画不仅仅在形式上表现细腻的写实和技巧的娴熟，更应该在肖像绘画中注重对生活本身的情感体验，以及肖像本身的内涵和绘画语言诸因素的推敲。只有依靠长期的观察和辛勤的艺术实践才是肖像画的根本。

［关键词］

肖像画 塑造形象 人物构图和色彩 以形写神

肖像画全盛时期的文艺复兴时期，崇尚人文主义，杰出的肖像画家达芬奇、提香、丢勒、委拉斯开兹、戈雅、伦勃朗、大卫、安格尔等，都善于表现人物的喜悦、痛苦、哀伤、烦恼等各种姿态与表情。每幅肖像作品都要经过一番艰苦的艺术构思才能创作出来，其中人物动态、明暗调子等处处都显示了艺术家们独到的匠心。

任何具体形象的塑造都离不开形式美感、结构和色彩的处理。在于塑造每一幅肖像时，画面首先要有很高的统一性。在肖像作品中，构图不仅是一种简单的审美规则，更是与人物的一种特殊心理和情感的互动。构图时要把握住整体的安排和局部的处理，人物的每处结构、用线以及用色等，都要做到条理清晰。在画面中先构想出对象所处的空间位置，反复推敲人物的动作姿态、环境与人物的组合的位置关系，以确定人物造型特征以及神态。在整体观察、认识和表现对象的时候，要时刻考虑画面整体与局部的关系，以及光线、画面中黑、白、灰关系的搭配，并根据对象的特征，合理地将人物安排在画面上。注重画面整体色彩感的和谐和色调的统一十分重要。人物一般由肤色、发色、服色等基本几大色块组成，确定大的色块、明暗关系后，再逐步细化色彩，这样会使表现的层次更加丰富、微妙。人物局部同类色之间的比较也就显得必不可少，如面部额头、嘴巴、耳朵、鼻头、鼻翼、下巴等处色彩都不一样，有冷有暖、有明有暗、有鲜有浊。

运用色彩造型表现被描绘人物的形体，主要还是运用明暗色调，通过色彩的明度和补色的对比关系来实现。这需要对人物的受光面和背光处以及中间过渡色彩进行观察分析。找出它们在人物中的不同深浅、强弱、冷暖色差，通常情况下，变化比较多且难以观察和表现的的是中间色，这部分色彩不明确、难分析，表现时，要对照亮部和暗部来看，而且背景色彩往往不能忽略，色彩处理不好，即使人物表现得立体感再强，画面也会失掉立体感，因此，肖像画之所以能将严谨的素描关系转化为单纯而丰富的色彩关系，主要还是得益于对人物形象细致入微的观察和对其色彩规律的理解。

肖像本身是要真实地再现对象。人物的个性、精神状态必须鲜明而生动，两者缺一不可。有理论家说，看到一张优秀的肖像画就等于知道这个人的传记。因此，肖像画追求形神兼备，重视对传达人物神情的五官刻画，选取人物脸上最能反映出其内心世界、精神气质以及时代烙印的细节加以重点描绘。形神兼备仅为画肖像的一个基础，一幅好的肖像画其境界品味、精神力度、情感力度才是画面的终极目的。它要求对人物的容貌、体型、情态、服饰及背景灯要做真实生动的描绘，既要形似，又要表现人物个性的“以形写神”，更追求能表达人物的思想和灵魂的“写心”，因为“写心”才是对“传神”的更深一步的理解。虽然形与神在概念上有相对的独立性，但在具体绘画过程中，形与神是不可分割的整体，“神”必须通过有效的造型手段变为可视的现象语言才能体现出来。传神的基础来自于形，然而形似神不似未有入骨，神似形不似像有骨无肉。只有深刻的理解人物内心世界与生活环境，深入地了解和熟悉对象的性格、气质及外貌特征后，才能运用造型的手段确切地把握人物性格特征的整体感受，从而表现出人物最佳的精神面貌。

摘　要：古典绘画中的技法在当代依然具有很大的意义，传承并运用古典技法来表现当代社会人们的精神。

关键词：古典绘画技法；光线与明暗；现代油画创作

中图分类号：J205　文献标识码：A　文章编号：1005-5312（2012）33-0077-01

早期绘画主要包括原始时期到文艺复兴时期的绘画，早期绘画多以湿壁画、坦培拉绘画为主，主要是表现宗教题材的绘画形式。早期绘画主要都是运用矿物质研磨而来，但可塑性不强，易脱落，只适合大面积平涂上色，因此这一时代的绘画特点一般都是图案式，符号式的绘画样式，造型一般都比较简单没有过多的细节，也基本没有明暗立体的描绘。直到中世纪时期的镶嵌画同样如此。但它对后来文艺复兴时代的题材及技法提供了参考。

文艺复兴时期科学的发展在绘画上的体现是对人体解剖和透视学的完善，颜料种类的增多，科学的绘画技法的发展。它们促进了绘画有了严密的科学依据，把感情的发挥、理性的思辩与精确的造型结合在一起。在材料上凡·爱克可谓贡献巨大，以前的绘画多以湿壁画与坦培拉技法为主，但前者要在未干的墙壁上赶画上去，仅能一次性完成不能反复修改。后者虽然可以反复修改，仍属粉胶性质，效果薄无光，表现技法单一。凡·爱克在艺术实践中对颜料假加入亚麻籽油和核桃油，这样画起来可以层层覆盖，多次修复，干燥速度良好，作品完成后色泽丰富，光亮度强，能更真实的客观的表现物体。为油画的发展提供了可靠的物质基础。

巴洛克时期艺术家一方面力求用新科学方法按照外界自然的形象描写现实生活，一方面参照客观事物加以变化，使艺术表达一种感情，创造一种气氛，使艺术品更适用于人类的精神与物质的享受，更接近于现实生活的真实。在表现技法上巴洛克时期最大的特点就是在光线的运用上，它不像文艺复兴时期仅利用自然光创造一种立体感和空间感，而是如现代聚光灯那样，用强光创造气氛，加强所要表现的的物体和人物或某个典型的局部，表达某种精神气质。这一点卡拉瓦乔是一位杰出的代表，他通过强烈的明暗对比使人物的造型和所要表现的中心突显在观者眼前，而整幅画面笼罩着深邃、宁静、神秘的气氛。

新古典主义在技法上注重以线造型，忽视气氛的烘托；强调素描的严格，忽视色彩的艺术作用；理性重于感性，法则重于表现，强调艺术形式的完整与严谨。新古典主义的某些原则对促进西方美术发展，提高艺术技巧与造型能力起了很大作用。它的出发点是积极的，在法国大革命中起了一定作用，具有现实主义品质。但是后期却失去了他们原先打算的那样，显示出保守、僵化和缺乏生命力等学多弱点，仅保留崇尚古典题材严谨形式的空壳。达维特与安格尔无疑是是这一流派的杰出代表，也是法国艺术繁荣发展中的开路先锋。

与古典主义在理论上是相对立的浪漫主义提出许多与古典主义不同甚而对立的艺术主张。古典主义强调纯理性的抽象描写，浪漫主义则主张具体的特征描绘和情感表达；古典主义艺术表现类型化，浪漫主义艺术表现个性化；古典主义推崇古代法则，崇尚传统，浪漫主义主张自由描绘和重视创造；古典主义重视线和轮廓为主的素描造型，浪漫主义重视用光和色来创造饱满的形象；古典主义强调雕塑般的严格造型，浪漫主义则主张奔放的笔触和有生命力的活动感造型。

摘 要：绘画造型领域中局部提示的造型技巧是一种通过侧重表达形象中的某一部分，从而通过增强观感上的不完整和不确定性，借此留给观众一个可供领悟、体会和选择的弹性空间，从而在观者与画面相互交流的审美过程中达到超越绘画表现形式和技术载体的局限，以获得更深远的画面耐读性和更丰厚的意义传达的造型技巧。本文着重研究的局部造型技巧是在所描绘的局部造型周围留下空域，让所描绘的物象失去其外在制约性， 由此显在的物象引导画面空域中的潜在形象触发观者的审美想象，从而牵引出内容更丰富、更具情致意趣的审美感受。

关键词：局部 暗示 审美想象

绘画中普遍存在一个问题，就是绘画的媒材手段与所描绘对象之间的矛盾现象。我们知道，我们所描绘的这个世界，是个流动的生命体，其形貌是随着时间与空间的改变而不断变化发展的。从形态上看，它是个三维立体的客观存在，在不同的时间，从不同的角度看，会得到完全不同的视觉印象。而它又是个物质与精神的混合体，其中除了可触可摸的具体物质以外，还充斥着各种各样的思想与情感。而我们的架上绘画，作为一种传达我们对这个随着时空流动的世界的感悟与思考的手段，其先天就存在着巨大的局限性。首先，作为载体的画面是一个二维平面，其次，我们画在画面上的东西只能是凝固在某一特定空间与瞬间的静止的形象，因此在表现上就产生了三个难题：㈠如何以凝固静止的手段表现活动在流动的时空里的不断变化着的物质实体呢？㈡如何在二维平面内表现出在三维空间里多角度立体的并且会有各种动态特征变化的物质呢？㈢如何表现出内心情感、思想与灵魂本真呢？从物理学的角度看，这都超出了二维平面所能承载的容量。要克服这些问题，就决定了我们绘画的方法，并不能是单纯再现对象，而是要在对象身上提取一些因素并加以提炼，通过在画面上表现这些因素，以其作为引子来象征、提示或者寓意我们所想表达的对象内容，并引导观者去领会我们所想传达的东西。所以，绘画的本真，其实就是引导与提示的传达方式。在人类绘画历史的长河里，为了达到这个目的，历代的画者创造了各种各样的方法，其中局部提示的造型方法，其在创造和表现审美意象、表达画家的审美趣味和审美理想方面卓有成效，正是被广泛运用的艺术表现手段之一。

本文所述的局部提示的造型技巧指的是在架上绘画领域的一种造型技巧。其意思可定义为侧重表达形象的不确定性，从而留给观众一个可供领悟、体会、选择的弹性空间的一种造型表现技巧（比如一种委婉曲折的视觉暗示，或是在视觉传达上造成一种迷离的感官印象），这是一种以让绘画作品能超越表现载体的局限和画面图式的表象以获得更充分的耐读性，更丰厚的意义传达为目的的造型技巧。它又是一种含蓄的造型方式，形象所造成的感官印象与所传达的意义往往寄托在可言与不可言之间，表述在可解与不可解之际，言在此而意在彼，言在近而旨在远，是以潜移默化作用于人的认知。安德鲁・怀斯有一幅用铅笔勾勒的素描写生作品（图1），从画家娴熟而又简练的描绘中，我们感受到了浓浓的睡意，仿佛早晨的阳光正静静地透过窗户照射到室内，在柔软的抱枕与舒适的床单中，一个女孩还做着好梦。淡淡的铅笔痕迹传达着安祥与舒适，手臂动态上略约的线条改动似乎提示了女孩在睡梦中把枕头又抱紧了一些，从女孩的半身，我们仿佛了解了她的随性，甚至仿佛体会到画家与她的情侣关系……对画面的欣赏到这里暂时打住，回想这段描述画面的文字，我们会讶异，我们的脑海中对画面的一切解读似乎都那么合理，那么自然，然而画中所总共描绘的图像明明就只有一个仅仅画到背部的女孩。为什么我们会仿佛了解如此多呢？就好像我们已经置身于当时，就站在床边看到了那个房间里的一切，甚至更能洞悉画家的灵魂，看到他在作画过程中心里流淌的情感。

分析上述的疑问，我们会发现画家造一个局部的形象，截取一个瞬间的片断，这个形象或片断就变成了在某一个时间与空间中的一些被描绘对象或思维情感的暗示，虽然在被陈述的事实和所陈述的环境之间必定存在着区别，但观赏者通常知其一就能知其二，它们对画面的理解往往都是包括了他们对这一情境的理解与经验的。画家只表现所要描绘对象的一部分，因此，大面积的不明朗的空域就会造成观画者解读上的局部提示感，对于局部提示所造成的空缺感和空洞感，根据我们的视觉与思维习惯，我们会下意识地想一探究竟，也会自然自觉地运用自己相关的经验和知识对其进行补充。而在人的思维与记忆当中，有三样东西是密不可分的，它们是：人的经验知识，经历经验或学习知识时的情感（如开心、平淡、忧伤、欣慰、苦恼等）以及在情感与经验的作用下引发的思考（如追忆、憧憬、反省、计划等）。这三者不但是人的认知过程，更是人日常的思维和行动模式。无论任何一者在思维活动中受到牵动，都必然会导致三者连锁地在大脑中活跃起来。此外，人在视知觉审美习惯上对外物的把握是一个对整体或完形的认知过程，离开了整体是无从准确认识客体事物的（比如头发是头发，手是手，头发和手这些概念在人的认知中都是完整的形象）。所谓“窥豹一斑”，见到豹子身上的一个斑点，立即想到了豹子的整体形象。一个脑子里没有一只完整的豹子形象的人，即使非常清楚地看到了这样一个斑点，无论如何他也不能获得对豹子的认识。我们说一只手很美，也是因为它长在美人身体上，成为这个美人完整形体的一个组成部分，如果把它砍下来孤立地看，不仅无美可言，而且会使人感到恐怖。著名古希腊雕塑《断臂的维纳斯》能给人以强烈美感，就是因为人们观赏时在运用各种方式对它加以补足，在审美直觉中认为她本来就是完美的人然后才能产生结果。画家怀斯就是利用了观画者的这些思维习惯与审美习惯来营造女孩形象的，画中明确的信息只有睡觉的女孩与的半身，然而通过它们的引导，就能让我们展开丰富的联想，女孩的搂抱动作会让我们想到抱枕与床单，如果它们存在的话，在画面范围内应该是看得到的，而事实上，那些地方一片空白，但空和白又会让我们联想到白颜色，从而再联想到干净等等，以此类推，一个局部的动作就借助着观者的主观联想产生出了如下图（图2）般庞大的信息体系：

在欣赏画作的过程中，这些信息逐渐汇集在观者的脑海里，相互发生作用之后，诸如干净舒适、清朗明媚和情侣关系等感官印象的融合就会牵引出一种综合丰富的审美感受。此外，由于观赏者各不相同，上图所展现的，只是某些个人看到该画时的感受，其他不同的观者又会有更多各自独特的联想。画中形象虽然有将自己所设定的情景强加给观者的有力手段，不过解读的过程却又很大程度上独立于观者的思维经验。所以，女孩局部的形象作为一个引子所能承载的信息量很大程度上也是由不同观者的思维经验与习惯决定的。然而由于我们不能确定在这些感官印象与联想中哪个在人们的头脑中作用最大最清晰，也很难将它们独立的抽取出来（因为即使你将它们抽取了出来，也很难肯定自己的结果）。因此它又包含这样一种意义，正如人们看画时经常会说：“当你有了更多生活体验时，会发现画家的意思其实不仅如此。”这种意义几乎是不可言传的。差不多所有画面所陈述的情景都包含了这样的假定，你对眼前的图像是一知半解的，如果你知道得多一些，它们告诉你的东西也就多一些。所以，具有这类局部提示特性的艺术形象的包容性是很大的，这并非我们对各种欣赏者有着不同的观画感受这一点上持不置可否的折衷主义态度，而是因为这是一个局部提示的造型，它的艺术空域具有较大的表意容量，如果持其一端而否定其他，倒反而失之偏颇。画面的内部语境被局部提示化之后呈现出了模糊的空灵变幻情态，无从限定它只表现某一方面的内容。画中的比喻形意象（如女孩身边的空域）只是传达了这样一种模糊审美体验，不同的观者因其各自的生活经历所引起的情感反应和审美感受与此类似，自然都能和它发生情感上的对应关系（比如热爱乡村生活的观者或许会认为女孩其实是睡在稻草堆中的）。也因为如此，这巨大的想象空间就能造成一种局部提示的美感，这是一种让人体会不尽画面意义的造型传达。这种美感的生成借助的方式不类似于理性分析，也不是直接的陈述，而是对一种客观关系的突然领悟。然而还得补充，空域的审美特性决定了它还有一个表意上的特征:就是某种显在形象所表现的引申意义从其类似性特征上看为可能具有而不是必然具有，它的表意功能是受一定的审美情境及外部语境的制约的（审美情境及外部语境是审美活动中画面与观者能产生共鸣的必要的外在条件，如作品的展示环境，观者的知识背景等因素）。当审美情境发生变化时，表意功能又会相应地产生变异。

到这里，我们得出了本文要说的第一种局部提示造型的技巧，就是画家只在画面中营造要描绘对象的某些个局部，让所描绘的物象失去了外在制约性， 由此显在的物象能与画面中的空域发生作用，引导空域中的潜在形象触发观者的审美想象、文思与灵感，从而能牵引出比把所有的描绘对象都画出来时更丰厚更具情致意趣的审美启示。

然而造型的局部提示在这里不同义于百读不解的隐晦。晦莫如深，让观者不知所云，并非这一技巧的目的，因为太过晦涩的传达，会有碍观瞻，会影响了思想的交流与情感的沟通。并非任何局部提示模糊状态都是具有美感与丰富内涵的视觉传达。对具有审美价值的局部提示造型的界定是以在审美感知过程中,画面中的被认知对象是否能作为独立自足，具有明显可解读的形象，并是否能与画面中的空域或其它形象相互补充而生发成具有引导出其他更丰富意义和审美情致作用的形象结构为标准的。如果仅仅是一片局部提示模糊而不能显示任何独立自足的形象整体,那么观者在审美感知过程中对对象就无从辨认,在这种状况下不可能形成显形形象和相关空域相辅相成的有机结构,自然视觉暗示与思想引导就无从说起了。有时画面中虽然呈现片断形象,但不能通过意义上的暗示对它加以补足使其成为完整的意义传达形态,这个片断形象同样会失去认知价值与审美价值。所以，作为营造耐读的绘画作品的有力手段，局部提示的造型传达出的意象必须是明确可辨识的，它是通过在意象意义的引申方面采取含蓄的暗示手法，以更有力地呈现出那更丰厚、更感人的世界，勾起人们更幽深、更玄远的用思。

中西方绘画造型观念与技巧的异同.摘要:造型艺术这一词在绘画界中经常出现,造型艺术是以通过一定物质媒介、材料和手段创造的可观看的静态的空间形象的艺术。雕塑、建筑、绘画、工艺美术、设计、书法、篆刻等多种门类都称之为造型艺术。绘画是画家的绘画精神物质化的核心,起到了决定造型观念的作用。中国的绘画造型观念可概括为“以神写形”、“神形兼备”;西方绘画造型观念是“锲而不舍”。造型观念不同,导致两种绘画发展模式有着根本区别。

关键词:造型观念 中国绘画 西方绘画 异同

从文化整体上来看,文化的发展在世界范围内分为两大方面:西方文化和东方文化。西方文化中产生了西方的绘画,东方文化中产生了中国的绘画。就像马克思主义文化观中说过的那样:“任何民族地不是从天上掉下来的,也不是绝对理念的产物而是与该民族所依赖的地理环境,经济土壤和政治结构密切相关的,也正因如此才构成了风格迥异、绚丽多彩的世界。”

而在这里我想说明的问题是东西方绘画造型观念的区别和联系。通过一定物质媒介、材料和手段创造的可观看的静态的空间形象的艺术被称之为是造型艺术。雕塑、建筑、绘画、工艺美术、设计、书法、篆刻等多种门类都称之为造型艺术。绘画、雕刻与建筑作为造型艺术可以说是一个国家一个民族的精神文化和物质文化的代表。一个国家一个民族的精神文化物质化,都是通过这些造型艺术给予的更高度的概括和总结。

中国绘画的造型观念——“形神同体”

通过我对中国画的了解,我觉得中国绘画的造型观念与现实生活的关系是又接近又相互背离,这也是中国绘画传统造型的美学方向。

中国的绘画历史背景源远流长,中国的绘画的思想变化和艺术本身对现实、对主观和对客观关系的观念的变化有着很大的联系。在唐代二百八十多年的历史中,中国的绘画历史发展到高峰期时主要是以人物画为代表。中国的绘画家继承了中国传统的同时也融入的外来的新思想,着名的画家也是在这个时期大量涌现出来的,不论是从绘画理论还是绘画作品上都取得了较高的成就,是中国绘画历史上的顶峰时期。

在唐代,人物画是绘画的主要画种之一。中国画的成就集中的体现在造型上的高度水平,在中国画的中线条和颜色的运用已经达到了难以突破的地步,以线条的造型为主体,以写实为基本手段即使是要夸张变形也要以写实为主,这样的观念形成了一种模式化的规律。中国绘画造型观念带有很强烈的主体意识,中国绘画和西方油画的区别在于,中国绘画对比西方油画在造型观念上没有西方油画的面面俱到。但是这一点也是中国绘画造型观念的长处,强调应该强调的,舍去可以舍去的。但是中国画的绘画的表现形式和技巧发展到一定程度时势必会出现物极必反,这样一种新的形式美也会在这种情况下出现。

小学美术教育是美育的重要组成部分。是开发学生智力、培养学生观察能力、创造能力，提高学生艺术素质的重要手段，在致力于学生绘画辅导和进行基础美术教育教学中，应该紧紧围绕激发兴趣，提高能力，陶冶情操，促进智力，保护童心、童趣、童真为宗旨，让学生更多地接受美的知识和美的熏陶。我在教学中，为了提高学生水墨画的绘画技巧，我做了一些尝试。

一、兴趣入手，把水墨游戏植于学生心中

水墨画，从字面上理解就是用水和墨画画，那水和墨则成为画画的关键，传统意思上的说法就是“墨分五色”，再辅以色彩，达到水、墨、色自然交融，浓淡干湿变化皆有，形成水墨画所特有的艺术形式。如果是过细致的给学生讲解中国画的用笔、用墨的方法，那么孩子有可能被深奥国画而吓倒，由此止步。

众所周知，游戏是孩子的天性。学生们什么时候最开心、最轻松呢？毫无疑问，是玩的时候。在水墨画笔墨练习教学中，我以游戏的形式在宣纸上演示以墨撞水、以水撞墨、以色冲墨、以墨冲色、泼墨、甩色、点色、吹色等用笔用色技法，使学生产生强烈的好奇心，让他们感到画国画很好玩。我果真发现孩子们爱摆弄颜色与水，更对这神奇的笔充满了意外的惊喜。但是水墨画工具很难被学生控制的，于是我利用游戏的形式启发引导学生，使学生将水墨画工具视为玩具，并让他们带着游戏的心情，用这神奇的玩具，在课堂上消除了顾虑，摆脱已有的条条框框的束缚，用自己想出的如滴、甩、擦、拓、画等方法在宣纸上随意画，随意用毛笔沾水、沾墨、沾色，使水、墨、色在宣纸上自然交融留下水淋淋、毛茸茸斑斓无比的美丽痕迹，他们玩得无拘无束，玩得兴趣盎然。孩子们在这奇效中，游戏般地开始亲近水墨，接触水墨。在他们这自娱表现的方式中，他们会发现宣纸渗化的规律，发现墨色的交融，干、湿、浓、淡、清构成的水墨淋漓的情趣世界，发现笔墨变化的无穷乐趣，在这偶成的图形中他们还会展开想象与创造，并在得意中不时爆发出：“老师，我发现我画的点在慢慢地膨胀！”，“老师，我画的点很像泡开的‘胖大海’！”，“我用浓墨先画了一根线，再辅上清水，这根线化开来了！”，“我的笔在跳舞，线也在跳舞。”每一个新发现都让他们欣喜不已。由此可见水墨游戏是非常符合小学生的“口味”的。这种游戏虽然简单，却能克服传统中国画临摹教学带给学生的畏惧感，充分满足小学生对水墨线、形表达的欲望，激发学生学习水墨画的兴趣，为释放潜在的美术能力打下良好的基础。

二、鼓励孩子自由作画，激发孩子的创作热情

我认为教学的艺术，不在于传授的本领，而在于激励、唤醒。在教学中，教师主要要做的事情应该是去激励和唤醒学生作画热情，而不必想着要去教他们怎么画。孩子的脑子不是容器，而是火把。如果我们在教的过程中能想着法子点燃这些火把，那么学习水墨画在孩子们的眼里将会变成一件很简单的事情。任何内容都可以归于他的笔端，甚至是成人不好表现的内容，他们都能挥洒自如。建构主义学习观认为：“学习不是简单的接受，而是积极的建构，学生对知识的内化是在他们已有经验的基础上进行的。”基础美术教育不是专业美术教育，而是一种生活美术教育。它所包含的内容应该有利于学生未来的生活和学习。而水墨画又不同于蜡笔画，它不能重复，更不能像涂色那样把图形涂出来。

在辅导儿童创作过程中，不能用成人的眼光看待儿童的作品，不能用“像不像”来作为衡量好坏的标准，即使发现学生作业画得不好，也要找出其闪光点。千万不要吝啬说一句表扬的话，如：“你画得真棒！”“你这个地方画得好极了。”“你的色彩真漂亮！” “你比老师画得还好！”学生们会因为得到鼓励而使自己的个性得到张扬，从而给自己留下了成功的机会和希望，这会对孩子们的一生带来不可估量的影响。在教学中我还发现好多孩子对科幻题材情有独钟，抓住这个特点。在创作中，我鼓励孩子们自拟题目，围绕主题建构、搜集材料，充分发挥想象力完成一幅科幻画的草稿，在水墨创作的时候，师生共同讨论表现方法。用浓淡变化的墨线勾勒，以点、线、面的形式表现出所描绘对象，然后渲染、艺术处理。先以大块的墨或色表现背景，再勾勒其主题部分。在作画中不时鼓励学生在技法上多法糅合：揉搓皱纸法、冲水、冲色、吹墨等，让学生寓学于玩。如在画水墨风景画时，鼓励学生大胆用水拓法来表现天空或流水、用冲水法表现雨后的树林……经过孩子们用心的构思、充满热情的创作，不久，出乎意料的特殊效果展现眼前，一幅幅绚丽多彩、韵味十足的水墨画――《未来的海底世界》、《神奇的星球》……跃然纸上。

三、培养成就感，让水墨成为孩子的快乐之源