从互相排斥到互相借鉴

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艺术的发展规律总是带有艺术性。艺术的历史总是以惊人的变奏让后人惊叹不已。

古典芭蕾是一种虚拟程式性浓厚的艺术,它要求规范化,动作姿态也有一定的程式和规格,演员必须经过长时间的基本训练才能掌握它,然后在表演中自由地运用来塑造人物形象。

作为欣赏者,观众也应大体了解这些知识,才能看出一些“门道”来。

概括说来,古典芭蕾的主要审美特征(或者说技术规范)有以下几条:

一是外开性。

无论动作或是舞姿,除去编导根据需要提出特殊要求外,一律要保护“外开”,即从两胯到脚尖整条腿往外打开,与双肩成平行线。这是保持平衡、扩大腿的活动范围所必不可少的技术要求。而为了达到“外开”,除了少数天生外开的人以外,绝大多数芭蕾演员都要通过长年累月的艰苦练习,才能把髋骨关节练成理想的外开。

二是稳定性。

无论是站脚尖、站半脚尖或者全脚掌着地,古典芭蕾的一切舞蹈动作都要求正确找到重心并保持重心,着地的一腿(支撑腿)不偏倚到大姆脚趾的一侧上去,而是由整个脚承受身体的全部重量,上身永不偏离垂直于支撑腿的垂直轴线。为了这一点,演员们要自觉地训练收紧背部腰肌,时时感觉到作为枢轴的脊椎的作用。

三是平衡对称性。

古典芭蕾体现出古典主义的重要审美标准之一――平衡对称,绝大多数动作姿态都是左右、上下、前后构成对称的形式美,给人造成和谐、庄重、安详的感觉。即使在快板舞段中也避免见棱见角、破坏平衡的动作。从结构形式来说,古典芭蕾也有不少约定俗成的东西,最为常见的是双人舞。

古典芭蕾双人舞一般分成“出场”、慢板男女合舞、女变奏、男变奏、结尾几个段落,着重技术的展示和情感的抒发,而较少承担情节任务。因而,这些双人舞往往单独在晚会上表演,或者作为国际芭蕾舞比赛中衡量一个舞蹈家技巧水平的试金石。

按照西方人的审美习惯,他们观看这些芭蕾舞时,主要欣赏舞蹈的形式美,并不大关心它们的情节内容。

现代舞是当今欧美各国流行广泛的一种舞蹈。它在诞生之初,曾经是古典芭蕾的对立面。

现代舞的创始人之一、美国著名舞蹈家伊莎多拉・邓肯曾将古典芭蕾称为“违反自然的很丑的”“僵硬而陈腐的体操动作”,她号召“观察自然,研究自然,理解自然,然后努力表现自然”,认为这就是舞蹈美学的根本规律。她把古典芭蕾斥为“虚伪的舞蹈”,而她心目中的真正的舞蹈是重视最美的人体,舞蹈家应该“按照一种内在的旋律舞动”,这种“出于自然的而不是出于模仿的舞蹈家……所表现的是来自他自身的东西,是高于一切自在之物的更大的东西。”

于是,她从大自然汲取创作灵感,向海浪、树林、声波学习,在此基础上进行提炼加工,同时吸取古代和前人的艺术营养,最终创作出能够充分表现内心激情的舞蹈作品。

我们不难看出邓肯的美学思想在当时具有的进步意义。

经过圣・丹尼斯和肖恩、拉班、维格曼、玛莎・格雷姆汉弗莱以及更晚一些的尼古莱和坎宁汉等几代人的努力,现代舞已经发展成一种流派众多、风格殊异的舞蹈艺术。它没有统一的规范(审美标准和技术规格),并且在原则上也反对这样的规范的建立。但是,作为一个整体,现代舞主张自由表现人类思想感情,注重肌肉紧张松弛的训练,将这当作构成优美舞蹈的主要表情手段。正如现代舞权威、美国舞蹈理论家约翰・马丁指出,“由于舞蹈媒介是人体,因此,它是最富有人的情感的艺术……它不单单是一种技巧性的人体活动,而且必须是美的技巧性的人体活动。”

经历了几十年的艺术实践之后,古典芭蕾与现代舞不再对峙和排斥对方,开始实事求是地相互尊重,相互学习。不少古典芭蕾编导不仅不反对过去视为异端的现代舞,而且认真地学习、思考和吸取了现代舞在表现情感方面的长处,丰富多样的肌肉和呼吸训练方法。而现代舞的舞蹈家则承认古典芭蕾体系的系统性和科学性,从中借鉴了不少形式美的要素,不再偏激地反对古典芭蕾。出现了不少现代舞演员学习古典芭蕾,古典芭蕾舞演员学习现代舞的可喜现象。作为这一交流、渗透的结果,现代芭蕾应运而生,而且产生了像《绿桌》(德国尤斯编导)、《启示录》(美国欧文・艾利编导)以及美国巴兰钦和比利时莫里斯・贝雅的大部分作品等杰作。