论音乐表演艺术的情感与境界

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摘要：中国是一个多民族的文明古国，历史悠久，文化灿烂。几千年来，我国各族人民在长期的劳动和斗争中，创造了几百种丰富多采的表演艺术形式，可以说是千姿百态、色彩迥异，是一座绚丽夺目的艺术大宝库，本文将主要谈谈音乐表演艺术。

关键词：音乐；表演艺术

音乐是感情的艺术，抒发感情是音乐艺术最基本的表现功能。音乐通过其超强的情感传达，在带给人们精神慰籍的同时，也塑造了丰富多样的人性情感。因此，音乐表演中的情感表现极为重要，以情感人是音乐表演的基本要求。这就需要表演者在深刻理解音乐作品的基础上，将自己的真情实感融入其中，通过想象与联想，传达给观众最真切的情感，从而使表演获得成功，展现出音乐作品。

一、什么是音乐表演艺术

表演艺术是通过人的演唱、演奏或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现生活的艺术。

音乐是以声音为物质媒介，以时间为存在方式并且诉诸听觉的艺术。音乐不像绘画、雕塑等造型艺术那样，能够直接提供空问性并且在时间中凝固不变，它在时间中展开并完成，具有时间上的连续性和流动性。同时，声音对应于主体的听觉器官，人们对音乐的把握主要是靠听觉来完成的。所以，音乐又称听觉艺术。音乐以声音为物质媒介，声音的非造型、非语义的性质，决定了音乐是一种抽象的非描写的艺术。音乐不能够描绘、造型、叙事和写景，不能够提供空间的视觉形象，也不能说明思想与概念，生活中大量的视觉形象也难以用声音再现。但是，音乐却擅长表现人的情感、情绪的状态及运动过程。因此音乐主情而不主形，是情感的艺术。

受表现媒介的制约，音乐表现的情感往往是微妙、复杂而宽泛的，甚至只是某种抽象的情绪本身。音乐形象是欣赏者心灵建构的高度自由的表象，带有极大的抽象性、不确定性。构成音乐组织的声音，不是自然界中杂乱无章的噪音，而是经过选择提炼、加工概括的有组织的乐音，是人类的直接创造物。包括节奏、旋律、和声、调式、调性、复调、曲式等，统称为“音乐语言”。音乐家就是利用它们，创造无限丰富而又有感染力的情景氛围，传达某种情感的。

二、音乐表演中的情感与理性

现实生活中，人们都习惯于把音乐与感情画符号，这当然没有错，音乐表演是需要极大的情感投入的，演奏家对于作品产生感情共鸣也是绝对必要的，演奏家们探求音乐表演中的“投情”已有几百年的时间了，直到今天，音乐表演中投入热烈的感情仍是必需的，但在音乐演奏过程中，表演者始终不能失去“自我”，需要保有自己作为一个旁观者和评论者的地位，这是作为一个表演者必需要明白的道理。如果一个演唱者，他在演唱时太过投入于作品内容，从而造成声音的失控，气息不足，当然观众是可以理解的，虽然感情成分是够了，但是作品却缺乏了完整性。一位小提琴演奏者，在表演某部作品时，其中包含着人生的酸甜苦辣，但凡演奏过这部作品的演奏家，他们对此都下了很大的功夫了解作品内容，也投入了很多感情，但是没有一个像看过这部作品的观众们热泪盈眶，他们都有理性的一面在控制着，如果他们也失声痛哭，那么，他们的运弓会失控，音色会受到影响，情绪再不能得到控制，演出将怎么继续下去，观众们还欣赏什么。

同样，演奏者如果太注重理性，观众看到就是一具没有血肉的躯壳，机械化的，还不如作品的原谱，人们看到乐谱的时候，还能顺着强弱记号和各种表情术语来想象，而理性化的演奏却什么也感觉不到。可见音乐表演的感性与理性是相辅相成，缺一不可的。

三、深刻理解音乐作品的内涵是情感传达的基石

音乐表演的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低、音的长短、音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的“形式要素”，就是音乐的表现手段。其中最基本要素是节奏和旋律。

所谓内涵是指内在的含义，即思想感情。理解音乐作品的内涵是音乐表演的基础。在音乐表演中，演员一定要有客观的认识和基本的忠实。只有对作品深入细致地分析，才可能真正进入表演的创作过程，从而创造出感人的艺术形象。对音乐作品理解肤浅不能投之以深情，或者进行歪曲原作的情感表现，是绝对不允许的。因此，我们不仅要把握乐曲情感的基调，同时也要细致地体会乐曲情感的发展逻辑和色彩变化，将情感的表现真正建立在充分理解作品情感内涵的基础之上。在理解音乐作品的基础上，再运用精湛的技艺、巧妙的方法，真切、生动地把音乐的情感传达给听众。

情感性是一切艺术给人以美感的重要特征之一。有情与无情，情浓于情寡，常常决定着一部艺术作品的兴衰成败。舞蹈作为以抒情性为内在本质属性的艺术品中，这个特点尤为鲜明。它的体现形式主要是情绪感染的直接性和情绪感染的强烈性。

四、不同音乐表演形式中的情感传达

通过不断地学习和音乐表演实践，笔者明白了不只是为了展现和打动自己，更重要的是把音乐中的情感表达出来，能够把这种情感传递给观众或听众，从而给他们带来一种审美体验。但是不同的音乐形式由于情感的表现方式不同，所呈现的特点和听众的接受程度也是不同的。其实，任何一种形式的音乐表演和作曲一样，都是创造性地行为。因为只有通过它，才能使作品感性地呈现，才能使同一作品呈现为形态各异的美。音乐如同其他艺术形态一样，通过音符、节奏、织体等表现手段，表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式，表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容，乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。而在音乐表演中，演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来，还应该根据自己对乐曲的理解(这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等)进行创造性的表演。表演者在表演音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术，更重要的应该是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力，不同的人也具有不同的理解力，即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此，音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态，而这些也恰恰构成了音乐的多样性，也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以，创造性在音乐中不是偶然的，而是必然的。过程中，应该完全进入该作品的情绪、内容，才能比较充分地表达出作曲家的本意。

五、音乐表演的三层境界

音乐表演艺术拥有三层境界，首先是直觉。直觉对艺术家来说非常重要，是否拥有直觉是能否进行创作的先决条件。对直觉，我们一般的解释是；人类感知世界的能力和方式。由此看来直觉是人人都有的。而在艺术家那里，这种直觉方式则发展为一种艺术语言的直觉，也可以说是艺术的直觉。

1.境界之一――直觉

艺术直觉包涵着深刻的内在心理因素，直觉是一种最基本的理性活动，是对客观世界的感悟和深刻的心理体验过程。直觉绝非单纯的感知，而是与情感的想象、感知交融在一起的多种心理 功能的综合体。

所以，在音乐表演艺术中，音乐家的艺术直觉，在其对客观世界的感悟中、在对艺术形式的把握中起着巨大的作用。它使音乐家不断发现、不断启发自己的艺术思维，不断地提高音乐的艺术创造能力。直觉是艺术家进行艺术创作的生命线，任何一个伟人的音乐家无不凭借着他的独特而又非同寻常的艺术直觉而驰骋于音乐的神圣舞台。我们可以看到，音乐大师门德尔松，用激情和灵感催生出了不朽的传世名作《森林交响曲》，那阵阵林涛，那隐伏于林海万山丛中的无穷故事，被大师用音乐诠释得精妙绝伦。

“音乐神童”莫扎特4岁会作曲，6岁开演奏会，天赋的音乐艺术直觉造就了他如此之多的伟大作品。在莫扎特《费加罗的婚礼》中的一个曲子《求爱神给我安慰》中，看似简单的一个乐曲，并没有大喜大悲的华丽却表现了人性的本质，而且主要通过悟性和直觉来实现，并无依据任何心理分析。所以我们在感受莫扎特的声乐作品时，要是真正领悟到了，就能感受到蕴藏在心底的一种力量，那是内心情感的自然流露。他对乐曲的形式感和对称感似乎是与生俱有的，而且他将此天赋与他那半来自学习、半来自直觉的万无一失的技艺紧密结合在一起。他在歌剧中不仅表现出迄今仍无人可及的戏剧感，而且还透过与当时几位最伟大声乐家的接触而扩展了歌唱艺术的天地。由于具有极强的敏锐度与能以超然物外的态度洞察人生，他所塑造的舞台人物可与莎士比亚笔下的同类人物媲美。

2.境界之二――兴趣

在充分感受直觉对于音乐表演的重要性后，我们必须关注的便是第，个层次――兴趣。兴趣是个体以特定的事物、活动及人为对象，所产生的积极的和带有倾向性、选择性的态度和情绪。

每个人都会对他感兴趣的事物给予优先注意和积极的探索。

兴趣是爱好的前提，爱好是兴趣的发展和行动，爱好不仅是对事物优先注意和向往的心情，而且表现某种实际行动。我们在生活中，通过对生活的体会，必然会对某些东西产生喜爱或者厌恶，一个人对艺术的某个特点的喜爱正是形成他自己风格的要素，所以兴趣对于音乐艺术表演尤为重要。音乐家肖邦对波兰音乐和文化的浓烈兴趣，在肖邦的后半辈子的作品中显示出重大作用，他为我们谱写了如此优美的旋律，让我们到现在还回味无穷。

在音乐艺术表演中，不仅需要掌握技巧，更重要的是把握艺术的精神内涵，因此，兴趣在音乐表演中发挥了很大的作用。

兴趣是学习音乐的基本动力，是我们与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提，是我们主动进行学习和研究的精神力量。

一般来说，兴趣就越广泛知识面越宽，所以，我们需要博览群书或常去音乐厅、学术报告厅等，多受熏陶，培养对各方面知识的浓郁兴趣。因此，人的兴趣不仅在学习、生活中发生发展起来，而且又是认识和从事活动的巨大动力。

3.境界之三――风格

因为有了兴趣，音乐表演艺术才能表现得更加丰富，才能形成各种不同的风格。所以，解决了兴趣以后，值得我们长远考虑的便是音乐表演艺术的第三层境界――风格。

当我们在欣赏音乐表演艺术时，往往会觉得他们具有各自不同的特色。不同钢琴大师的表演让我们感觉有的柔和优美，有的雄浑有力。不同指挥家的指挥，有的质朴热情，有的温柔亲切。声乐表演、舞蹈表演也有不同的特点和不同的民族特色，这些都体现了艺术的不同风格。

任何一位伟大的演奏家其演奏技艺与风格都会深深地打上时代的烙印，这一点上梅纽因大师也不例外。总的看来，他属于世纪交替间，演奏观念和风格逐渐变浅时期的演奏大师。从他的早期演奏上来看，其风格明显受到克莱斯勒和埃奈斯库的影响。尤其是埃奈斯库作为梅纽因的老师，他将自己赋了音乐以丰富的表情和甜美意境的特点尽数传给了这位非常善于学习别人特点的学生。

此外梅纽因在一段时期内也十分推祟海菲茨的演奏，当时梅纽因为了能像海菲茨那样精确而科学地掌握技术，曾在这方面下了很大的功夫，并导致了他在一个时期的演奏中，同样揉进了华丽和令人惊叹的炫技效果。然而梅纽因最终并没有成为炫技型的演奏家，而是在汇集了百家之长后形成了自己独特的，以深邃的逻辑性和细腻的音乐性为特点的演奏风格。梅纽因接受的是典型的法比学派教育，帕辛格曾经是伊萨依的学生，而埃奈斯库则是马而西克的学生他们两人是法比小提琴学派的主要传人，梅纽因从他们的身上全面地掌握了法比学派的精华，后来又在自己的演奏实践中将这种精华做了进一步的发展。

六、结束语

音乐表演，是赋予音乐以生命的创造性的行为，其本质意义就是如何真实地再现原作，如何使音乐作品焕发出应有的光彩。对于音乐表演者来说，如何把握好“二度创作”，如何在尊重原作的基础上尽可能地表演是技术与表现力完美的结合，是音乐表演获得其独特品格的基础和保证；而如何通过自己的表演把音乐的美传达给观众，如何使听众在音乐的熏陶下洗涤心灵，如何使人们因为有了音乐而感到充实快乐，是音乐工作者毕生的事业和追求。综上所述，在音乐表演艺术中，直觉是一个前提，拥有了好的天赋与直觉是进行艺术创作的首要条件，而培养对音乐的兴趣值得我们关注并需要我们去解决。在探索音乐表演艺术时，我们对风格需要进行横向纵向的研究，这是一个值得我们长远考虑的话题，这三层境界在音乐艺术表演中缺一不可。

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