画画的理论知识

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画画的理论知识范文第1篇

关键词：职高；美术教师；综合素质

中图分类号：G718.2 文献标识码：B 文章编号：1672-1578（2012）04-0193-01

教师业务素质的高低，是直接关系到教学质量好坏的关键。教师是人类灵魂的工程师，并不仅仅是一种赞誉，更是一种责任。而教师的素质是教育和教师的灵魂。

职高美术教师与普高美术教师不太一样，普高美术课以欣赏为主，而职高美术生把美术当作一种专业去学，将来要从事与美术相关的职业或者考入高等美术院校继续学习美术，所以不仅要有较高的欣赏能力，还要有较高的绘画表现能力。因此职高美术教师除了要具备较高的欣赏能力以外，还必须具备以下几个方面的素质：

1.要有过硬的基本功

美术教师不是临时职业，应是终生事业。只有自己痴爱艺术，有极好的艺术功底，能在课堂上当场示范为学生“点睛”的老师，才能影响和带动学生。由此可见，教师的示范是促进教学质量优劣的关键所在，在课堂上，一幅成功的教学范画，能给学生以良好的启发诱导，他的每一笔，他的画面精神及整体面貌，都将深深地影响着这些刚刚起步的学生，所以，教师在授课中，特别是在实践课的教学中，要准确地传授美术技法知识，要力争做到精讲多练，击中要害，要将所讲述的理论与实践紧紧结合起来。只有在实践课教学中，全方位有条理的进行演示，进行示范教学，学生才能在教师的直观教学影响下，对绘画的一些要领一目了然，从中心领神会悟到很多东西。所以说职高美术教师平时就要多动手画画，否则有一天学生提出要教师帮助其示范时，试想这时你如果不动手，学生又会怎么想，如果你画得差，甚至比学生还差，学生又会怎么想，到那个时候你就可能在教学的过程中发生了前所未有的危机，完全失去了学生对你的信任。这一点在我们职高三年级教学过程中是随时可能发生的。我们职高美术教师应该抽时间多练练自己的基本功。以此来保证自己在给学生示范时改画时能游刃有余，能大面积地提高教学效率。

2.要有渊博的理论知识

职高美术教师不仅要求有过硬的绘画基本功，而且更应具备渊博的美术专业理论知识，拓宽视野，博览群书。任何一门科学知识，其理论知识都是极其重要的，它能使我们这些职高生不仅会画而且知道为什么这样画，从而也经常性地提示自己画什么，为什么这样画，它的理论依据是什么。所以说美术教师应该具备渊博的理论知识。这里所说的理论知识主要是绘画基础的理论，其次是对中外美术史论也要做到一定的了解，熟悉各时期的美术作品及其作品风格、特点。而要使自己的理论知识丰富和系统起来，就应多探究教材所涉及到综合性知识，只有这样才不会出现上课讲不出内容，会画不知道为什么要这样画的尴尬。因此，教师也要经常学习，不断丰富充实自己的头脑，只有这样才能出色地完成教学任务；才能在学生心目中树立良好的形象。

3.要有全新的教育学、心理学知识

职高美术教师一定要掌握全新的教育学和心理学的知识和规律，在普通教育学心理学的基础上，还要通晓美术教育学和艺术心理学。美术教育学和艺术心理学是在普通教育学和心理学的基础上发展而来的交叉学科，有较强的针对性，可以很好地指导教学。

我们上课面对的学生都来自初中，他们的素质、学习成绩|、性格特点并不完全一致，他们的思想也不够成熟和稳定。这就要求我们教师不仅课堂上能讲课，而且还要在教学中多丰富自己的各方面能力，掌握心理学和教育学的有关知识对学生一言一行一目了然。特别是某些后进和学困生，在画画过程中画不好时会产生焦虑、烦燥等思想情绪，我们要及时了解和掌握他们的思想动态，并帮助他们分析画不好的原因，对于他们只要有点滴的进步，我们都要给予肯定和表扬，以增强他们画好的自信心。我们要因材施教，使我们的教育、教学工作更加顺利。我们的专业教师一定要在备课和上课的过程中尽量多引入一些教育学、心理学知识及其规律，将其科学地应用到我们的教学中。

4.要有较高的文化修养和广博的知识

时代在前进，一切知识都需要不断更新，所以我们不仅要探究专业知识，同时也要学习其它文学理论修养等综合性知识，要树立终生学习的观念，不断地积累知识。

职高美术课程改革，十分强调美术课程的人文性和跨学科联系，强调美术教学要与一定的文化情境相联系，因为每一件作品都承载了它的时代背景和时代精神，融入了作者的情感和价值追求。因此教师的教学要有意识地在美术作品中挖掘人文精神，使学生从美术作品中理解不同的文化价值取向，获得人文精神的感染。同时要想搞出一点象样的作品也要求我们必须有一定文化修养和广博的知识。我们知道，一幅作品的成败更多地反映出了作品蕴藏着作者的审美思想，是作者综合能力的反映。只要我们注意到每一幅作品，并稍加用心就能领会其作品的审美意识，这种审美视觉表现，恰恰是一个作者的文化修养高低的重要体现。

这些都要求职高教师有较强的文化修养，对于艺术学、美学、哲学、宗教等有所研究，对文学、戏剧、音乐有所熏染，甚至对自然科学也要有所涉猎。

5.要有热爱教师职业、热爱学生、为人师表的工作热情

画画的理论知识范文第2篇

实践在现在的大学毕业生当中是非常重要的，因为很多的用人单位看重的不仅仅是大学生的学历或者专业知识，更多的却是看看大学生是否具有实践动手的能力，所以，我觉得学校为我们安排这样一个实践课程是非常有意义的。说到社会实践，在最初选择活动的类别时候让我一时不知道选责那一个为好。我看到有支教、去公司实践、参观采风、志愿服务等有好多的活动，看到如此多的活动，真的是每一个都想试一试，我觉得每一项实践活动都会让我得到不同的乐趣、学到不同的知识和本领。本来在刚放假回到家乡的时候，看到满街都是广告公司和装饰公司，想找一家公司去做一些设计的实践活动的，可是后来考虑到自己的专业（绘画），我选择了支教。我觉得实践最重要的还是要为自己的专业服务，通过实践来为自己的理论学习提供必要的补充，在实践的时候我们可以学到一些我们在学校根本学不到的东西，更是为以后的专业学习提供更多的平台经验。

对于造型艺术学院学习绘画专业的学生，毕业以后就会有一部分要去学校进行教学，所以说，对于绘画专业的学生来说，在暑期社会实践中进行支教活动，是最好不过的选择。在教学的过程中不仅能巩固和验证自己的专业技能和专业水平，还能为以后的工作打好坚实的基础。

我的家乡在沂蒙革命老区临沂市平邑县。在我的家乡不论是公办学校还是私办学校都设有美术班，而且美术考生占有相当的数量，在每年的高考录取当中美术生也占了很大的一部分。所以有很多的学生选择学习美术，这促使平邑县的逐渐成为临沂市的美术考生大户之一。同时因为美术考生的增多，也带动了我们这里美术画室的发展。最近几年，平邑县的画室也是在逐年增多。考虑到画室全部是高三冲刺美术院校的学生，而自己有刚是在那一步走过来的。对于高考的一些专业知识以及咨询的问题还都是比较熟悉的，所以，我选择了去找画室进行支教的实践活动。

我进行社会实践的画室名字叫天艺画室，位于平邑县城西部的开发区，是经平邑县文化部门注册和批准的一所美术培训基地，授课教师全部是平邑县一中的资深教师。平邑一中是我毕业的母校，天艺画室的老师听说我们要到画室进行支教活动，非常的高兴，很是隆重的向学生们把我们以及山工艺介绍了一番。随后我就像画室的学生介绍了一下然后就开始了我自己的社会实践的计划和安排以及在画室时间5天内的具体活动内容。

画室现在正在开设静物素描和彩画。学生上午一般是静物素描写生，下午是彩画写生，晚上是经武临摹或有时候是速写。说实在的从开始上学一直扮演的是学衡的角色，初次来扮演老师的角色未免有些紧张。当我走在学生中间的时候，才真正的体会到老师那种心情和感觉。由于学生都是应届生，所以他们画的都是很基础的。于是画室的老师让我以摆的静物为例子来为学生们讲一下静物素描在做画时候的要注意的要点。我分为三大方面为学生讲了一下：

第一，构图。在辅导的时候我发现很多的学生虽然是写生，但是他们画面的构图存在很多的问题。很多学生的构图都是偏了，或很散，也有的就很集中，考虑到构图在以后的默写当中很重要，我就为他们讲解了构图的重要性以及构图的各种类型。当然我觉得我的水平也是很有限，最多也就是给他们讲解了一些表面的东西，不过还好，学生们都能听懂，而且画室的老师说我讲的很有道理。

第二，形。在来回看学生画画的同时我发现画室的学生存在同一个问题，那就是形体画的不准确就开始匆匆忙忙的上调子。于是我就给他们强调形体的重要性，我告诉学生宁可多花一点时间去画准确形体，也不要急于去上调子。如果形体画不准确即使调子画的再漂亮也没有用，也会让人觉得不舒服，更别说考场上的高分，那是不可能的。对于应届的学生来说，形体的意识感是非常重要的，在很多的书中都会看到一句话“形，是素描的灵魂所在”，于是在辅导的过程中，我对形体的要求特别的严格。不过我觉得很多的学生对于形体的意识不是很强，大部分就是急于上调子还没有形成注重形体的意识。后来，我想画室的老师了解情况，老师说他们也在一直的为学生们纠正，只是学生们来自平邑县不同的高中，老师教的思路和方法都不同，所以说现在要统一学生的意识观念还是需要一段时间的。当然艺术没有什么统一的死的东西，可以大多的讲一下统一的东西，只要使学生树立正确的作画方法和正确的意识思路，就可以很快的画好画，使学生很快的进步。

第三，光影。在形体画到基本或很准确地时候，下一步就是应该处理绘画的光影关系，即所谓的“三大面五调子”。画室的学生在处理光影关系的时候也存在一样的问题，学生在上调子的时候往往不统一，而是单独的画一个东西，直到把这一个东西画得差不多的时候才开始画下一个物体，这样就以此类推的画完所有的物体。这种画法太单独，不能同步进行，午饭看到全部的大关系，这种画法是错误的，因为这会影响画面的整体效果。在书上会看到一句话“好的素描，无论什么时候放下看都是一幅完整的画”，是啊！只有你同步的画，才会使你的画面整体感强，无论什么时候停下来看都是很完整的。我很强调这一点，我让学生们在以后画画时候一定要同步进行，这样才可以使自己的画面的整体关系明显，即使在考场中中途收卷也不会影响大的关系和整体感。

在素描作业完成的时候画室的老师让我为学生们点评一下他们的静物素描作业。当把所有的学生作业都摆在一起的时候，效果和差距顿时就明显了，有个别学上画的挺不错的在众多的作业中一下子就看到了，而且让人觉得他们处理的关系都很舒服，画面那看起开也很漂亮，不用说这一类作业如果在考场上肯定会得到高分的。相反的，大部分学生的作业很平均、不突出，水平就是平平，没有什么很吸引人的地方，关系处理的也不是很出色，让人看了不会眼前一亮，如果仔细得看看倒是问题不少。在画室中这种情况很普遍，也有很多的画室学生因为如此尔在高考考场上失利。我在总结的时候对学生说在画画的时候一定要注意画面的大效果、整体关系。当然在处理好这些关系的前提下最好在掌握一些评卷老师的心理，这样才会在高考中得利。

在后面彩画的课上，我发现学生进步的很快。通过前几次的讲解以及作业的点评，学生们很快就把大关系弄得好一点了而且有好几个还处理得比较好。总的来说在彩画的课上他们画的很统一，几乎都很同步，没有出现素描时那么多的问题，而且在做也结束的时候再放在一起看作业，效果很是出众，大效果整体感觉很是好。初次教学看到学生们进步心里真得很有成就感很高兴。到那个时候才体会到老师在看到学生进步时的那份心情，觉得自己的心血没有白费。现在站到老师的角度才真正的体会到当初老师是多么的不容易。随着教育的不断改进，中国的教育方式也在发生着变化，大学生受到的教育也是紧随时代的步伐。所以说现在对于画室的学生，他们也正在以全新的方式进步，来吸取更多的指示，以更全新的方式迈进艺术院校。

“沟通”一词，在生活和学习中是经常听到的。有很多的成功或失败者也是与沟通有关。为了让画室学生能够更好的用功去学习，有目标的去努力，画室的老师特别安排了一个沟通的时间。我对学生们说明，问题可以是学习上的、生活上的或者高考院校以及美术类专业划分的疑问。学生们一听，都非常的积极而且也提问了很多的问题。从学生们提出的问题来看，可以分为两个方面啊：其一，很大一部分学生不是很了解高考中专业考试究竟靠什么，标准是什么。鉴于此我对他们简单讲解了一下山工艺近几年的考题分析以及评卷标准，很多学生听完后觉得很是简单，我就再三强调他们，越是基础的东西越要好好的去学习，万不可掉以轻心，应该把基础的知识掌握牢固并且能灵活的运用。这样才会在考场中取得好成绩。其二，很多学生比较关心一些高等院校的录取原则、招生计划以及相关专业的划分，我觉得他们修安在精力应该在学习上，这些可以到报考之前了解就可以，所以我就简单得跟他们讲了一下。

有时候大的成就往往都是有很多的小事情促成的。短短5天的社会实践很快就过去了，时间冲淡的不只是美好的回忆还有很多曾经阻碍自己发展的弱点。看似简单的实践活动却让我收获很大。首先，通过社会实践锻炼了我的胆识，提高了我的自信心。以前无论做什么事情我都很害怕，特别是站在台上面对那么多的陌生脸孔，而现在通过社会实践我却改掉了这个缺点。每天面对如此之多的学生，我不但在他们中间走来走去的，还可以大声地给们将一些东西，更或者可以大声地批评他们的不对。这更加练就了我的胆量提高了我的自信心，让我以更佳的精神状态去辅导他们，和他们一起探讨生活的乐趣和学习的快乐。

其次，通过社会实践让我更加巩固了自己的专业水平。我们的专业（绘画）本来就是一门纯艺术的学科，这就要求学习者的专业水准要有相当的程度才可以胜任。实践让我的不单巩固了我的基础专业，而且还提高了我的生活意识和范围，每天看到学生的作业让我懂得作为一名老师应该掌握那些知识和技能。作为教育人员必须是理论和实践相结合并且结合的水平要高，否则就不会把学生教好。我想：山工艺推出的暑期社会实践活动，正是和现在教育的一致性，迎合新的教育思维和方法，这项活动真正做到了理论与实践的相结合，我觉得这应该就是山工艺先走一步的缘故，从而取得的成就也是客观的！

画画的理论知识范文第3篇

在色彩写生教学过程中会面临许多问题,这就要求教师在教学时必须与学生的实际情况相适应,在教学内容和教学方法上不断地改进与提高。美术高考色彩考试的基本要求一般为以下几个方面;首先,要求构图完整,形体比例准确;其次,要求大体色彩基本准确,即基本色调、大色块倾向准确统一,又要对每个物体进行较好的色彩塑造;再次,一张色彩试卷还要求具备一定的空间和质量感;最后,色彩试卷能给人以美感(构图的形式美和技法的娴熟)。

为此,美术高考班色彩课程的教学目的和任务是通过教学使学生掌握色彩理论知识和自然界色彩变化的基本规律;熟悉以水粉画工具、材料的性能;了解、掌握正确的观察方法和表现方法,培养健康的审美情趣和鉴赏能力。怎样才能搞好美术高考色彩写生教学呢?

一、尝试性地开始掌握水粉画的工具材料性能。比如,水粉的颜料有些什么特性,干湿有什么样的色彩差异;一次色、二次色,乃至三次色又有何变化。画笔和画纸的性能也不一样,各种笔和各种纸都有自己的个性。应进行多次尝试,找到最佳的运用材料方法。

二、学习色彩基本理论知识,第一,我们要理解色彩是由光产生的,光的照射让有颜色的物体反射出不同的色彩,不同的物体表面质感不同,在光的作用下反射出的色彩必然不同;因为人的视觉感受能力不同,对色彩感觉也存在差异,人的视觉心理对色彩就存在着不同认识与选择。第二,我们要认识色彩的基本属性,所谓色彩“三要素”即:色相、明度、纯度。让学生熟悉各种颜料的样子(色相和特性)。第三,对色彩混合的认识。第四,色彩的对比与调和。

三、 端正色彩观察方法。色彩的观察方法应遵循一定的科学性,强调整体性。首先对描绘对象有一个整体的色调认识。凭这第一感觉把整体画面的色调用小色稿画下来。初学画的学生观察时易犯的毛病就是死盯着一个物体局部的颜色不放。这种错误的观察会造成色彩表现的失败。我们应该强调的是观察色彩的那一瞬间、那一刹那的一种整体性感觉。再让学生加强画面色块关系的对比。

四、进行多方位的静物色彩写生。要多方面、多角度地向学生演示,让学生观察色彩变化的规律,全面掌握物体的总体关系。为了能让学生迅速地把这种观察的结果表现在画面上,可以先让学生画小色稿,要求表现各部分之间的大的色彩关系,不要让学生去刻画细节。通过这种小色稿的一段时间的训练之后,再逐步深入地要求学生讲究写生前后程序:先暗后明,先湿后干,先薄后厚,先色后粉及先从主体物插笔,然后扩展整体画面。色彩静物写生,要从整体观察,整体表现着手,看大的色彩关系,多画小色稿,确立正确的色彩关系。 写生的具体方法与步骤:1 .认真观察对象;2.用薄而轻快的单色,轻轻地确定整体明暗大关系;3.先画物体最暗部的色,然后画物体的固有色,再精心刻画主体物,深入物体的结构环节和质量感的表现。待这些基本完成后,应再次认真对整体画面进行审视,做最后的整体调整,减弱那些次要的东西,直到整个画面完美,和谐与统一为止。

五、色彩的临摹、默写及命题创作相结台。临摹是增进学生表现水平的一个较好的方法。首先,可以让学生选择自己喜欢的、水平较高的、印刷质量好的画册作摹本。临摹时,重在与范画保持一致。临摹作业宜精不宜多,动笔之前多思考,多问“为什么”。让学生至少在临摹一副画的过程中找出一个自己遇到的问题并尽量想办法来解决的这个问题,让学生有一种意识:画画是用脑画而不是简单的用手画画。同时默写和命题创作是近几年许多高校采用的考试方法。在进行默写和命题创作的训练时,要针对实际,从易到难,从简单到复杂的练习。

六、感觉和理解相结合。在色彩画的学习过程中,有一个观察、感受与理解、分析之间的相互关系问题。首先,色彩感的培养不能为任何理论法则的研究所代替。色彩感觉是感性的,它的获得是快速的、短暂的、整体的,重在第一印象,不能用理智的分析来代替感觉。但是色彩感的提高,由迟钝到敏锐,由模糊到鲜明,要基于长期深入的研究和正确掌握色彩理论,并且进行持续的培养训练才能得到。要让学生经常去感觉对象,激发出自己对色彩美感的感受。感觉需要正确的理论指导和实践,只有理解了对象,才能更好地感觉对象。

七、上好示范课。不能只把课前画好的范画、作画步骤图展示给学生,而应该在课堂上加以演示,从构图、落幅,到铺大色块,深入刻画,调整完成,都要边示范,边讲解,使学生知其然又知其所以然。教师的直接演示,具有巨大的感召力,学生通过观看教师作画,对写生的方法步骤和表现技法一目了然,产生了跃跃欲试的激情,调动了学生的积极性。具体示范时,范围要大,要让全体学生都能看到,对重点、难点问题要反复强调。

八、建立发展性的评价体系。通过培养学生色彩表现的个性化和多种绘画材料技法的尝试,引入丰富的评价体系,改进色彩教学方法,使学生从被动接受知识的模式中解放出来,与开发潜能个性化的学习环境相适应,探索以自我指导为导向,以个性化学习为中心的新学习模式,形成符合学生可持续发展的色彩写生技巧的训练课。教师必须站在每个学生的角度上,用他们的眼光去理解他们试图表现的内容,做到理解和尊重学生。在色彩呈现中,发现他们的才华,体会他们的情感,教师在评价作品时应抱着一种充分尊重和信任的态度,运用平等和恰当的评语谈出自己的体会和对学生的期望,可以起到鼓励学生创造能力和很好地交流的作用。

画画的理论知识范文第4篇

关键词：花鸟画；写意；工笔；技巧

职业中专的学生基础较差，给教师的教学带来许多新课题，在绘画方面，许多学生无素描基础、造型能力差、理解力较弱，致使教师在授课时事倍功半，达不到预定目标。为此，教师都在尽力探索使学生能够理解与掌握教学内容的教学方法。通过几年来的教学，笔者在工笔画和写意画教学方面积累了一些经验，针对职业中专学生的物点创造性地运用了一些教学方法，使学生能在较短的时间内学好工笔画和写意画。现将几点经验总结如下。

一、循序渐进，水到渠成

在教学上，采取由易到难、由简到繁、由浅入深的教学方式，先让学生从一枝花、一只鸟画起，然后再画一簇化、数只鸟，这种教学进程上的循序渐进使学生每走一步都是一个更新，既有利于他们对技巧的把握，又增添了他们的学习兴趣；既使他们塑造形象的基本功扎实，又相应地练习了笔墨的使用，促进他们积累技巧。当基本知识和基本技能达到一定程度后，学生便可以整幅地作画了。

二、突出重点，让学生在实践中丰富画理和技巧

学虽无定法，但学毕竟有法，画画更是如此，画理和技法尤为突出。画理是在创作实践中总结出来的，它包含着反复实践、除旧变新的艰苦过程，一条画理需要理解，更需要在实践中运用。若不在实践中认识画理，是很难心领神会并运用自如的。我们在教学中要特别注意这一点，要特别体现一个过程，既要让学生认识到新的，又要让学生敢于否定旧的，日积月累，逐渐丰富学生的艺术技能。

三、明确培养目标，有的放矢

因材施教是中国传统的教学经验，不仅适用于高等院校，对技术院校也十分适用。

技术际校培养人才的目标就是使他们掌握一门技术。这就要求在教学生时要着重基本功的训练，主要训练他们的画技，因此，要找到切实可行的途径或手段，提高学生的画技，让学生在最短的时间内掌握最出色的技能。所谓“熟能生巧”，要指导学生勤于动手，加强训练，只有多练，才能具有纯熟的技巧和技艺。不仅如此，我们在注意提高学生实践技能的同时，要适当地教授理论知识，不过在这方面，它同纯美术有明显的区别。纯艺术院校的学生，不仅要学习画理、画技，训练基本功与创造能力，更重要的是要有相当广泛的爱好，掌握必要的文学、史学、哲学、自然科学知识。真正的艺术人才，不仅应该具有娴熟的技艺，更要有高深的文化修养。教学上必须有的放矢，才能取得事半功倍的教学效果。

(一)要让学生明白写意花鸟画的基本特征

只有了解事物的本质特征，才能表现事物的本质特征，尽管写意画是写意境，但不体现本质的东西是苍白无力的。这就要求学生掌握事物的特征，尽量最大程度地概括出事物的本质，这也是写意画主要的重要的要求。

(二)要在学习中知晓写意花鸟画的要素

不知其要领而为之的做法，不论做什么事都不会成功。画画也是如此，在写意花鸟画的学习中，明白其要素相当重要。因为中国画从工笔到写意是经过一定的发展过程的，了解了写意画的要素就等于了解子写意画的发展脉络。从工整的勾填法、没骨法、兼工带写法到写意画法，是人们由对自然界的客观表现，向着对主观世界、人的情怀意向的表现的发展和提高。不仅如此，写意花鸟画也同样注重笔墨、笔锋、笔迹的表现，强化笔墨在运转流动中所自然体现出来的韵致，同时，还吸收了书法的用笔，融书画为一体。在形象刻画上重提炼、重神韵意向，形成自身的特点，文人画的“诗中有画、画中有诗”，就是对写意画要素的总体概括，即“诗情画意”。

(三)要培养学生写意画的技巧

画画的理论知识范文第5篇

美术理论的意义

“美术理论”的定义有两种：从广义上来讲，它是指美术史、美术批评和美术基础理论；狭义而言，它单指美术基础理论。美术理论是从美术创作、艺术家及其作品，美术同自然、社会之间的关系中总结出的规律。它主要针对美术活动而言，是人们在进行美术活动时探索的结晶。美术理论的研究范围可概括为美术哲学和美术原理，细分则就是中西美术史、中西美术比较、美术批评、现当代艺术思潮研究、美学，等等。另外，有关美术作品的使用工具、材料、制作手法以及对绘画创作的经验总结，都是美术理论研究的内容。美术理论与其他美术学科确实存在差异性，这种差异性在于，美术理论看似是程序化框架、大篇幅的理论总结，与美术创作无直接联系，其实不然，美术理论作为美术的一个分支，是艺术实践的产物，它的孕育与发展并不是孤立独行，其意义更不仅仅是理论而已。在整个文化体系中，美术与其他学科有着千丝万缕的联系。黑格尔说：“每种艺术作品都有属于它的时代和它的民族，各有特殊的环境，依存于特殊的历史的其他的观念和目的。

艺术的发展与特定的历史阶段紧密相连，是与社会综合的意识形态、经济、政治、文明传统与文化教育水平相关联的复杂而现实的问题。”从我们对美术作品的欣赏到对美术现象的认识，再到我们自己的艺术实践，无论是初次学习还是深入剖析对象，我们都会发现学科间的交叉无处不在。人文、地理、政治、自然、社会、历史、科学等学科间的相互联系，使得美术学习不仅仅停留在所谓的动手能力上，也不仅仅只是要求美术教师拥有牢固的专业知识功底。对学习美术的学生来说，美术学习更是一个贮备知识、树立正确价值观的过程。美术的发展是奇异的探索之旅，在这个旅程中会有万紫千红的景象，它向我们展示的不仅仅是东方的自然美、西方的人体美，更从一定意义上见证了历史的发展。所以，老师曾说：“美术史不仅仅是绘画史，更是一部浓缩的历史发展史。”它成了人类文化最经典的组成部分。人类从不自觉到自觉，通过实践开辟出一条美术之路，顺着这条路往下走，美术观念、绘画理论自然产生。

观念一旦形成理论，理论就具备了形成体系的条件。当然，特定时期的美学观念源自各时期的哲学思想。在哲学背景下，美学研究的是艺术发展的基本规律。哲学是理论化、系统化的世界观，研究社会发展的基本规律，各个时期的哲学思想都产生了一定的影响。回忆中国传统绘画理论的发展，每位艺术大师的实践和每一次绘画技法的传承与创新，都建立在哲学思想基础之上。先秦时期《左传》里所说图画的“使民知神奸”，不仅是中国最早的绘画理论功能说，而且决定了那个时期的青铜器装饰艺术风格。魏晋时期“玄学”兴起，中国的美学思想在此时有了一个大的转折。宗白华先生曾说：“从这个时候起，中国人的美感走到了一个新的方面，表现出一种新的美的理想，那就是认为：‘初发芙蓉’比‘错彩缕金’是一种更高的美的境界。”也就是在这个时期，中国传统绘画理论强调的诗、书、画、印开始勃勃兴起。中国传统美术理论在汉代之前，还处在艺术的不自觉，美术理论也是只言片语，到了魏晋时期，绘画、审美渐渐自觉。美术史上超级明星东晋顾恺之与南齐谢赫的绘画美学思想，是中国绘画理论的先锋，堪称中国美术理论史上的第一座里程碑。

他们的理论成果无不是艺术实践的总结。顾恺之在作画时悟出，一幅画“形”美不代表画美，“神”才是塑造人物形象的最高要求。于是他身体力行倡导“传神论”。顾恺之的“传神论”一经提出，便引来绘画界的“蝴蝶效应”，其影响从人物画，扩展到花鸟、山水画领域。谢赫在顾恺之的基础上提出自己的主张，这就是我们大家熟悉的谢赫绘画的“六法论”，即“气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，转移模写”。“六法论”指引了中国传统绘画发展方向。唐代以孔孟儒学为正统，绘画风貌“灿烂而求备”。张彦远强调“书画之气，皆须意气而成”，张璪从画与人的角度提出“外师造化，中得心源”的理论；荆浩的《笔法记》、郭熙《林泉高致集》为后来的山水画发展打下了坚实基础，并成为中国山水画的最高境界和审美标准。后来刘道醇《圣朝名画评》，苏轼、赵孟頫、倪瓒、董其昌、石涛等人的绘画思想，都为中国美术理论添砖加瓦。

到了近现代，美术理论这个巨大的车轮凭借着自身的惯性继续向前发展，徐悲鸿、陈师曾、齐白石、潘天寿、庞薰、王朝闻等艺术大师在继承前人理论的基础上，提出了新时期的绘画理论思想。这些思想凝聚了艺术大师的智慧。我们要从中吸取艺术养分，站在巨人的肩膀上才能看得更高，走得更远。中国美术的发展正是由于美术理论新鲜血液的不断注入才拥有风姿卓越的面貌。当然，我们应该结合时代背景来看问题。在学习美术理论时，我们应从传统的精华中挖掘现代性的元素，因为中国传统艺术理论中蕴藏着现代性的萌芽。中国传统美术理论只是全部美术理论的重要组成部分。对博大精深的美术理论体系，我们还需要更深刻的认识。

学习美术理论不仅让我们了解已有的艺术经验总结，更重要的是让我们学会利用经验的价值，利用前人对美术实践的总结来指导我们现在的实践。这就涉及两个必须：一个是我们必须重视，第二是我们必须学习。现如今，我们处在知识大爆炸的时代，科技的快速发展带来了艺术种类的相互交融，同样也带来了艺术的狂躁不安，这不能不说是对美术类师生的一个考验。实践在继续，遗憾的是美术理论却渐渐不与它齐名。作为一名正在研修美术理论的学生，我深感学习美术理论的重要性，同时也惋惜美术理论课程在高校的不被重视。我曾经就美术理论的重要性这个问题问过身边艺术类的同学，从反馈中知道，他们还是偏重技法的研究。就美术而言，“重技轻理”明显是个亚健康发展状态，如果艺术类学生对本民族传统的理论精华都不甚了解，忽略传统文化知识，更不用说其他相关的美术理论知识。在我们进行艺术实践的时候，没有理论指导也是盲目的实践；不能全面掌握美术知识，不重理论修养似乎只是个匠人。新时期，我们要努力做内外兼修的美术教育工作者、艺术设计师甚至艺术家。拥有一双善于发现美的眼睛，从内到外都彰显艺术气息，这样才能够使自己真正融入美术，才能使科学的实践与理论相结合，使思想转变为更富有内涵的艺术作品。#p#分页标题#e#

美术理论的学习

学好美术理论，首先我们要树立正确的学习观念。对于学生而言，要把美术理论放在一个整体的系统中学习，理论与实践、技能相结合，这是其一；其二，对老师而言，要善于利用课堂激发学生对美术理论的兴趣。在学习阶段，我们不仅要打牢美术理论专业知识基础，同时也要扩展我们的视野。美术理论具有抽象性，而它又是以纯粹的理论形式出现的。很多同学会误以为理论的东西只要记记背背就行了，这是学习美术理论的一大误区。美术理论作为美术一个分支，它是与其他学科相互关联、相互影响的，死记硬背不仅浪费精力，而且，辛苦背下的东西最终还是会被忘得一干二净。所以，我们在学习这门课的时候应该在理解的基础上记忆，理解与记忆相互结合，双管齐下。把每一条理论放在特定的背景下，想想为什么每个时代所强调的美学思想不一样，为什么艺术家之间会有差别。

我们可以尝试给自己设计问题，带着问题去寻找答案，这是一个有效的理论学习方法。学习最需要的是老师的指点，特别是理论课的学习。学习美术的同学一般正规地学习美术理论是在进入大学后，但是，美术理论课程在部分院校只是以辅助课程形式出现，并没有受到足够重视。美国教育学家贝斯特认为：“严格的智慧训练，有赖于优良的教学。”有优良的教学，才能给学生一个健康的学习环境。贝斯特在他的研究结论中也指出了理论教学的重要性。由此，要想美术理论真正以学生学习为中心，适当的理论教学改革还是有必要的，如可尝试着把理论课程与绘画技法相结合。学生在学习画画时，老师可以有意识地把美术理论里面的知识穿插到实践课堂中，画石膏模型、速写、基本素描、静物写生、出去采风等都可以结合中西方美术理论的知识点。当然，具体阶段要具体分析，比如在初高中绘画课堂，老师会根据绘画对象的特殊性，找出其特点，并对学生进行讲解。

这个时候老师就可以把西方绘画理论中所强调的明暗、光感、体积、线条、透视和色彩等基本的绘画理论方法传授给学生。老师可以多介绍一些大师的书籍和作品给学生学习，这个方法在画画的初级阶段能起到很大的作用。后期的绘画学习中，学生的画画水平达到了一定的程度，技法也比较熟练，画面上的功夫转而可以上升为画外精神，这时候，中国美术理论的经典美学思想对艺术实践能起到指导作用。比如，在中国画人物教学中，可以让学生先了解一下中国人物画的发展史，根据需要选取主要画家介绍一下他的艺术风格与成就。进入大学，美术理论课程学习偏向中外美术史这部分，好在这部分史论学习有专业老师的带领，学生也就有机会对它的整体有个大概的认识。理论课内容涉及范围很广、种类繁多，特别是中国美术史里面的理论思想更是需要有一定的语文功底才能明白。教师不仅要让同学们掌握这些知识，还要活跃课堂气氛，这样就使课堂教学有一定的难度。我们在研究生学习阶段有教学实践课，主要就是自己准备课题上台讲课，一方面锻炼自己的能力，另外一方面也可以看作是一种角色互换。

画画的理论知识范文第6篇

关键词：高校美术教师；特殊性；多样性；发展

高校美术教师有不同的类型，不同性质的高校对不同类型的美术教师有所侧重，如专业美术院校侧重专业创作型的美术教师；综合型大学侧重于综合型的美术教师。但是，不同性质的高校都应该尊重不同类型的美术教师，这样有利于不同类型的美术教师各施其才。

1 教学型美术教师

美术教师有自己的发展特点，其中最为普遍的是教学型美术教师，教学是高校美术教师最主要的工作任务，各个高校无论是什么样的性质都非常重视教学工作，所以教学型美术教师是最为主要的高校美术教师类型。然而，在高校美术教学队伍中，有的擅长美术教学，而非美术创作。因此，这类的美术教师就不能一味按专业的角度去评价他，而是看他实际的教学能力，假如他上课非常受学生欢迎，学生通过他的课能自觉学到专业知识，那么他的教学也不错，即便他并非给学生讲授得太多、画得很多，但由于他本人的艺术个性与魅力，潜移默化地感染学生，使得学生能够充分调动学习的主观能动性，通过临摹、读画、写生践行艺术的生命，努力克服学习的困难，也就不知不觉地学到东西，这自然地也从另一个侧面反映了美术教师的教学能力，这类教师也应该得到大家的肯定。

2 创作型美术教师

有些美术教师在教学上不一定很突出，但在画画上很投入，学生耳闻目染，潜移默化的学到专业知识。例如，上绘画课时亲力亲为，学生在画，他也在画，把自己当作学生中的一员，学生让他提意见，往往只是一两句指出一两个问题，其言语不多，却能以心声、行动示人，实为学生的楷模。这种教师往往在别人休息、娱乐的时候，自己还在画画，课余时间也在画，而且还不停地请教自己的导师，以及与相关善于创作的美术教师进行交流学习，经过日积月累的努力，使大家公认他为画画的美术教师，甚至成为一名知名的画家。同时，创作型美术教师还常年带美术学本科生及研究生外出写生，写生回来后根据写生作品整理出许多有价值的创作作品，在积累了一定作品后每年在不同城市著名的美术馆举办个人画展，这样既提高了画家的知名度，又提高了所在高校的知名度，使得美术教师与其所在高校两者相辅相成、相得益彰。由此可见，创作型美术教师是高校不可或缺的中坚师资力量。

3 教学、绘画型美术教师

这类教师是既擅长美术教学，也擅长绘画的美术教师。他们在教学上，勤勤恳恳，为人师表，对学生严格要求，在具体教学上又循循善教，针对每一个学生所遇到的问题具体辅导，必要时亲自示范具体画法，甚至修改画面。然而，这需要老师对技法非常熟悉，同时还需要有一定的耐心，对专业知识既要有一定的理论知识，又要有一定语言表述能力，逻辑缜密，使学生听得懂、学得会。再加上手头功夫，使学生一目了然，形象易懂，在绘画上随时能在学生面前展示，无论是写生，还是创作，两者都同样重要，在教学上，“写生”学生接触得最多，这对老师来说，就提出了一个很高的要求，也就是说，老师必须具备很强的写生能力，特别是在短时间内把所描绘的对象刻画出来，在画种上，无论是素描，还是速写；无论是油画、国画，还是水彩、水粉、书法；在表现手法上，无论是侧重结构，还是明暗、色彩；在题材上，无论是静物、风景，还是人物、人体，都要求教师具有全面的专业绘画能力。而在创作上，同样是如此，举国画为例，在内容上，无论是花鸟、山水，还是人物；在形式上，无论是工笔、写意，还是兼工带写；无论是白描、水墨，还是重彩，以及各种技法的运用。一般来讲，国画创作指导教学是在写生教学的基础上提出更高的专业教学要求，对教学、绘画型美术教师最高的要求。

4 科研型美术教师

这部分教师在高校教师队伍中非常重要，他对提升高校科研水平非常重要。同时，对于美术教师来说也是为数不多的人才，因为大部分美术教师只善于绘画技法与创作，而美术教学不应只是绘画专业教学，还包括理论教学，虽然不要求全部老师都善于理论教学，但是必须要有专门的理论老师以及从事科研任务的美术教学工作者，并由科研、教研促进教学、创作的良性循环美术科研发展目标。例如，教材的编写与出版，这就需要一定理论水平及专业业务能力和专业参考书籍，如相关的民间美术专著等，这对学生完成好毕业论文是有帮助的。而科研型美术教师就需要美术教师在不影响上课任务的情况下，利用假期及无课时期下乡考察，申报相关项目，撰写并发表相关教学及科研论文，完成课题，从校级、厅级、省级、部级、国家级的相关项目中，利用不同级别的科研经费完成科研任务，甚至调动本科生、研究生一起开展项目研究，以达到科研与教学相结合，以科研促教学，以教学调动科研，完成好科研型美术教师的角色，从而提升高校的科研实力与影响力。

5 管理型美术教师

画画的理论知识范文第7篇

请不要总觉得孩子任何事情都应该做的很好，比别的孩子优秀。请记住他只是一个还未长大的孩子。请正确，合理，适度的评价孩子做的每一件事情。我们总觉得孩子还小，其实不然。只是由于认知和年龄的有限，不知道如何表达罢了。

儿童画其实是儿童的自我表现。他们在画画的过程中，有意或无意的表现自己的生活经验和对事物的认知。表达自己的情绪，情感，愿望。表现他们对周围事物的认知和理解，展现他们的观察能力，想象能力和创造力。是伴随着儿童的动作心理和能力的发展而发展起来的不是简单的涂涂画画。

一岁，两岁的孩子涂涂画画，是满足动作和心理上的愉。对他们来说是在做某项特殊的工作，是愉快的。是直觉行动思维阶段的绘画表现。两岁，三岁就能画出像圆，或类似的图行，他可能会告诉你是妈妈或者是他写的字。这个时期是象征期，形象思维的图画表现。四岁，五岁的儿童画已经能明显的表现内容，已经对事物有了概念。用太阳和小鸟表示天空，用线表现地面等。这个时期是属于概念画。

孩子们在画画的时候需要一个宽松的环境，轻松的氛围，需要自由思考。如果我们不断的向孩子施加这样那样的要求，使孩子们时刻处于怕做错，怕画错，担心自己画的不好的压力和束缚下，是不可能画出好的画。对于他们来说没有什么比下课爸爸妈妈来接他回家更重要了，那么一到每周孩子上美术课的这个时间孩子一定会很不情愿，因为他不快乐，不喜欢。所以我一直说，给孩子报各种班的前提是孩子喜欢，如果孩子不喜欢完全没有报的必要，可以先去发展孩子喜欢的。儿童同样具有强烈的表现自我能力的欲望，孩子们的各种潜能，都是通过绘画表达出来的，绘画的美和情绪表达总会透过童心童趣感染孩子们的心灵。“各有其美，各美其美。”通过绘画展现自己的生活经验，知识，认识，表现自己的情绪，愿望。家长要明白自己的需求是什么，老师能供给的又是什么，选取供和需的平衡。

现在全国大部分画班，老师都采取的是传统的方式“模仿画”。老师只用照着讲，孩子照着画。不用太多的专业知识和太多的精力。从家长的角度来说见效快，觉得孩子短期得到提高。老师给出一张范画，告诉孩子们，我们今天要画...。现在来看看应该怎么怎么画。一笔一划的让孩子们照着画，连涂色也一样。评价的标准就是看谁画的像。画的越像，就是越好。我自己是非常反对这样的方法的。孩子只是被动的去模仿，时间长了孩子就懒了，产生不动脑的惰性。孩子们也没有通过绘画的这个过程表现自我，展现孩子特有的童真童趣，更没有想象力和创造力。模仿画我觉得适合年龄大一些的孩子，比如说需要进入美术类的高中。在初中阶段需要一个系统，严谨的学习。这个时候就要强调专业性和像不像只说了。所以，如果家长是想让孩子跟着我，让孩子画的有多么像的话，那我恐怕要让您失望了，我教不了。我不会“授人以鱼”，只会“授人以渔”。

我觉得我对孩子们只起到一个引导的作用，而不是教授和教学。我一直是这么对家长说的。绘画不只是是单纯的图形和颜色的堆砌，他很重视画外功夫画内学。比如说，我之前上过的《地球妈妈生病了》。我没有给出范画，构图和具体画什么内容都是由孩子们自己决定。但是每个孩子所展现的画面都是不一样的，他们通过自己的经验，知识，智力，思维来决定画什么，用什么颜色。所以我觉得课前的引导很重要，孩子们感兴趣的，能接受的，只有在这样的基础之上孩子们才能敢于大胆展现自己，发挥自己的想象力和创造力。在日常生活中，我们因该多引导孩子关心周围的事物，多观察大自然，并引导孩子们用自己的方式记录下来，尽可能的多帮孩子们积累多种生活经验，丰富孩子对大千世界的认识。使孩子逐渐养成爱想，爱问，爱问观察的好习惯。这里需要强调的一点是，当孩子们问到我们不知道问题时，不要敷衍孩子随便给出一个答案。

每个年龄段的孩子的培养目标和内容都不同，这是由他们的生理和心理特征决定的。三四岁的小班的孩子，使他们愿意画，敢于在自己的笔下大胆绘画，讲出自己画的是什么像什么，学习一定数量的颜色和图形。四五岁中班孩子，象征图画的基础上画出概念画，并表现出乐于绘画，乐于讲述，能用句子讲出画里物体的联系和关联，通过绘画展现自己的经验和心理。学习许多颜色和图形，以及颜色的搭配和图形组合的能力，观察，想象力，表现力明显提高。五六岁大班孩子。画出具有想象力和创造力的画面，灵活的组合自己所获得的知识和绘画语言，讲述自己的绘画意图或者围绕绘画主题讲出生动的故事。

我总会在他们绘画的过程中和孩子们交流，了解他们的兴趣，绘画特点和独特的闪光点。当他们遇到困难的时候，正确适度的引导。每节课后，我都要评画。让孩子们讲讲今天自己画的是什么。同时也是倾听习惯的培养，别的孩子讲的时候小朋友在听的过程中也是学习他人的长处。孩子们讲自己画的时候也是一个复习和思考的过程，同时也锻炼了语言表达能力和胆量。同时也是想让家长进入孩子的绘画世界，通过孩子讲述我们走进了孩子的内心。连续坚持的讲述非常重要，但我相信只要坚持对孩子们一定是有好处的。

在课程安排上，我是做了一个系统的规划。但是前期的话，妈妈们可能会觉得比较简单或者没有大的收获。看不见在画班画很多物体，很多颜色。但是我不想去那么给他们上课，绘画技巧任何一个懂美术有美术功底的人都可以去教授。但是我希望孩子们在我身上得到的是另外一些东西，并且这些东西是对他们以后的发展是有好处的，并且是长期的。在课程的安排中会涉及到健康，科学，社会等学科的知识。我只是希望孩子们能获得多样的，丰富的知识。我不是简单的灌输死板的理论知识，而是引导孩子们通过观察，触摸，听觉，味觉，嗅觉等多种感官参与进来感知事物的特征。比如说在后面的主题课《鸡和蛋》的课程分为四课时。一课时让孩子们认识母鸡和小鸡，通过观察能讲述出鸡的外型及外型特征。蛋的外型和特征。引导孩子凭自己的感官画出鸡和蛋，并讲述。二课时，给孩子们讲蛋的故事，让孩子们了解不同动物的蛋大小，颜色是不一样的，并能找出不同点。通过蛋宝宝找妈妈的游戏，让孩子在打乱的图片中，找到对应的蛋和妈妈。引导孩子蛋并有细节特征，自己加上故事情节，并讲述。三课时，让孩子动手了解生鸡蛋和熟鸡蛋的区别，从切开的熟鸡蛋中进一步观察，玩手电筒照蛋的游戏，让孩子们在蛋壳上画装饰画。四课时，了解母鸡生蛋，破壳出小鸡，小鸡变大鸡，母鸡生蛋的循环过程。鸡蛋和生活的关系，如可食用。让孩子们触摸鸡蛋，说出自己的感受，然后做鸡蛋加入白醋的实验。让孩子自己观察和触摸鸡蛋，于下节课告诉我观察结果，其实是让孩子们获得保护牙齿的知识。孩子们大脑里的知识体验就像是图书馆里堆放的图书，杂乱无章，需要找出一本书来要耗费很大的力气，而我要做的就是帮他们分类，建立检索目录。

画画的理论知识范文第8篇

一、走进童心，激发幼儿的学习兴趣

美术教学不同于一般的理性科目，它靠思想的启迪和情感的激励唤起幼儿心灵的大门，不能有任何强制性。首先，要让幼儿对所画的内容、形象有浓厚的兴趣，走进童心世界，观察幼儿的所思所想，用幼儿喜闻乐见的形式激活他们的创作欲望，让他们在头脑中有鲜明清晰的形象，使之呼之欲来，内心产生创作欲望。其次，可配合教学，根据实际情况开展丰富多彩的认知活动，如：让幼儿欣赏优秀的美术作品，能使幼儿逐渐从感知表面形式美过渡到理解作品的内在美，提高审美的能力，与此同时，幼儿的艺术兴趣越来越浓厚，这时抓住时机设法将幼儿头脑中丰富的美感知觉体验引入美感体验的表现阶段，激发幼儿的表现欲、创作欲。在春天，让幼儿去公园数一数桃花有几个花瓣，摸一摸柔软的小草，看一看花丛里的蝴蝶张着几个美丽的翅膀，翅膀上有什么美丽的花纹。去动物园看看大象的长鼻子、湖里的白天鹅，让孩子从小就知道大自然和人们的生活是创作的源泉。再次，可配合教学开展游戏活动，所谓寓教于乐，让幼儿边学边玩。如：可把要画的人物或动物都做成活动的教具，孩子们通过玩活动的教具，掌握其结构，自由变出各种动态，还可以听配乐故事，说寓言，看录像，玩拼图等，开展多种活动增强幼儿对所画内容的体验，激发幼儿的学习兴趣。

中班和小班以“认识”和“感受”色彩美为主。所谓“感受”色彩，即是色彩可以宣泄人们内心的感受，是最原始的冲动，即使没有人指导，幼儿也会对色彩有特殊的偏好。最好的例证就是小孩子无一例外地都喜欢动画片，为什么？就是因为动画片里的形象色彩鲜明、大胆，富有幻想的空间。即便他们在理论上还分辨不出具体的颜色，因为色彩理论是成年人为了便于总结绘画规律而操守的一种默认名称。这种现象在国内外非常普遍，日本的绘画颜色与颜料，名称在红、黄、蓝三原色中，每个原色可以分出几百种不同色相的色彩，有不同的名称。这种名称难道都让小孩子一一记住以后，才能下笔画画吗？答案是否定的。他们只要能分清楚红、黄、蓝就足矣，这就是“认识”色彩。

对于大班，主要以创造为主，加以老师的“引导”。这样不仅能激发幼儿对绘画的兴趣，幼儿的思维也得以发散。“因为画画是一种主观的、抽象的、表达内心情感的一种形式，转化成客观的并给人们视觉的各种感受”。不管是临摹，还是创作，都是观察后才能进行的，同时加入了自己的情感，一百个人临摹同一幅画的思路、情感都是不相同的。

二、有意识地选择合适的美术内容，树立幼儿自信心

如果幼儿有了活动的兴趣，就会有想表达的欲望和激情，这种激情是幼儿发自内心的，而不是老师强加的，这就要求教师从幼儿身边选择合适的内容进行活动。例如：在美术活动“会跳舞的树叶宝宝”中，幼儿在平时的生活中对树叶都比较熟悉，都能说出树叶的基本特征。我就请幼儿观看“跳舞的树叶宝宝”课件，引导幼儿想想在跳舞的时候还可以加些什么动作。幼儿大胆地表达了想法，在交流的过程中锻炼了语言表达能力，同时对树叶产生了浓厚的兴趣。有了这些铺垫，再请幼儿画出树叶宝宝跳舞的样子，鼓励他们把看到的和自己想象的动作画下来，尽情地开发想象力，画出不同的跳舞姿势。

在美术教学中，我们强调幼儿先要会想再会画，思维在先，表达在后，引导幼儿打开固有的思维模式，解放幼儿的头脑，让他们去想；解放幼儿的眼睛，让他们去观察；解放幼儿的双手，让他们去创作；解放幼儿的嘴，让他们去说；解放幼儿的时间和空间，让他们去想象去创造，使他们感受艺术的美，获得美的知识。

三、利用信息技术营造动态课堂，提高教学趣味

在传统的美术课堂中，讲课的形式往往是以教师讲授、示范，再让幼儿进行模范的教学方式。这种课堂毫无疑问为幼儿灌输了大量美术理论知识，但使得课堂整体氛围陷入一种僵化、单板和静止。引入信息技术，教师能够为学生提供形象、逼真而又直观的美术作品，这无疑大大增强了美术欣赏课堂的趣味性。而且，美术信息以视频和音频的方式呈现出来，幼儿的视觉和听觉感官得到同时调动，这无疑能够帮助幼儿以更好的状态进入美术学习中。另外，富于趣味性的课堂，对于活泼、好动的幼儿来讲，完全契合了他们的学习偏好取向，毫无疑问，学生以愉快的心情投入美术学习中，能够让美术教学取得事半功倍的效果。由此可见，幼儿美术欣赏活动教学中，教师应当善于运用能够将图像、声音和文字综合起来的信息技术，为幼儿提供一个新鲜而动态、充满色彩的课堂，激发他们潜在的美术学习欲望。