初学者素描画教学

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初学者素描画教学范文第1篇

关键词：写生；临写；慢写；速写；默写

中图分类号：H191

艺术设计本科专业一年级在基础课结束以后，一般都安排一定的时间到野外进行风景写生。其中，以培养和锻炼学生快速捕捉物象能力的速写，十分有助于迅速提高学生手绘效果图的能力，也是设计速写教学的主要任务。但以往的教学过多强调速写的技巧，而忽略了速写的全过程，根据多年教学实践经验，我把这门课程的教学设置分为四个板块八个流程。即临写--慢写--快写--默写过程。无论是钢笔线描，线面结合，或是光影不同形式的速写，都应遵循这个规律，即由表及里，由浅入深，由简到繁，由静到动，由慢及快，由写生到默写，由默写到想象这样一个循序渐进的过程。下面谈谈我对这几个板块的具体教法：

首先，要简明扼要地介绍什么是速写，速写是相应快速作画的一种写生方法，是素描画科的一种，属于快速捕捉对象的绘画门类，旨在锻炼学习者的观察能力和造型能力，这两种能力应是一个学习者的基本素质。相对于也能快速捕捉对象的摄影术而言，其不能取代速写的原因，是摄影无法做到及时的加工处理，但速写却能够对对象进行艺术的归纳和处理，它可以有所取舍，舍掉不必要的细枝末节，取最能反映对象形象或场景的主体部分进行主观的艺术加工，这是摄影始终无法取代的。

其次，速写教学还有更重要的意义，它是训练造型综合能力的基础方法，素描教学中的整体意识，就是通过速写的针对训练而逐步确立起来的。速写注重的是对象的神态和整体感的表现，它不仅要求对所描画的对象准确的形态把握，还要求在表现中有所侧重，有明确的表现内容。因此，画好速写就是将复杂的对象进行主观的提炼，才能提升作画的速度而达到"速"的要求。

速写的学习过程，不是用几周课堂教学就能解决得了的，它是一个由简到繁，由慢到快的坚持不懈，持之以恒的学习过程。想要做到这些，需要下一番大力气，并做到长期坚持。一般来说，速写应当遵循以下几点：

1、 从简单到复杂

应当从容易的角度入手，以培养初学者的兴趣与信心。所以，选取一些较简单的和易上手的速写作品，速写书籍入门，先训练二维平面的，逐渐过渡到三维形态的物体，从一些简单的产品，道具，逐渐过渡到较复杂一些的物体，而且要从不同的角度进行描绘，待技巧熟练之后，再过渡到更加复杂的物体或复杂的场景。

2、从数量到质量

速写是一门实践性非常强的学科，需要亲手实践才能摸到门道，同时需要长期坚持不懈地练习，以数量的积累最终换来质量上的变化。因此，初学者在安排学习计划时，一定要安排一定的数量目标，只有在完成这个数量目标后，才能谈到质量的提升。

3、从静态到动态

风景速写的对象多是面对静态的景物，如建筑，树林，原野等等，初学时可以有充足的时间去观察和描绘对象，达到手、眼、脑之间的相互协调，相互配合的目的。在经过一段时间的训练之后，速写速度逐渐加快，形体关系日趋准确，这时就可以从静态转化为动态物体的描绘，如行进的车马船舶，行走的人群、动物或者在施工的工地、场景等。虽然设计速写并不强调必须掌握动态物体的描绘，但做一些这方面的练习，对初学者提高记忆力和快速捕捉形象的能力是大有益处的。

4、 从慢写到速写

对许多人来说，速写并不只是简单的快速作画，速写还是一个相对的由慢到快的渐进过程。初学者从一开始就要沉下气来，认认真真地观察对象，了解对象，找准对象的基本结构关系、比例和透视，从一笔一划画起，尽量画准对象的形体与特征，并且刻画得细腻些，深入些，全面些，这样经过一段时间的训练和努力，速写的速度就会慢慢提高，如果不强调由慢写到速写的过渡，一味地追求快速，就会变成贪多求快，草草了事，以至于言不达意，空洞无物，毫无内容，这种快速是徒劳无功的，也是不应取的，因此，由慢到快的学习过程是学习速写的最好方法，也是学习速写的必经之路。

5、 从临写到写生

临写的好处是，从优秀的作品或速写书籍中可以学习到别人的写生构图方法和笔法技巧，以加强和提高自己的速写技巧和速写水平。选择临写范本时，特别讲究范本作者的水平和技法，因为当前市面上发行的速写书籍太过泛滥，良莠不齐，要选择到一本像样的范本也不是那么容易的事，所以，泛泛而学到择优而学，也是一个慎重选择和临写的过程。其次，临写也不是只临一次两次，而是一个反反复复无数次临写的过程，还要结合写生进行。如外出时多写生，在家时常临摹，写生回来后再对照范本，找出不足，有助于速写技巧水平的快速提高，这样，在经过一定时日的临摹和写生训练后，速写水平就能得到大幅度的提升。

6、 从写生到默写

在临写和写生达到一定的水平后，要着手一定的默写训练。默写是考验一个人的观察力，记忆力的最好方法。例如建筑局部结构的默写，建筑群的默写，道具杂物的默写，人物动态的默写，场景的默写等。通常默写有两种方式，一种是写生完以后马上脱离开景物进行默写，这种方式上手较快，记忆清晰；另一种方式是写生完以后，回到家再进行的默写，这时已经离开了景物，仅凭头脑里的一些记忆残片来进行的默写，这种默写更能锻炼一个人的记忆力和事物的整合能力，养成写生到默写的习惯，有过这种默写训练的人，其速写水平会有惊人的进步。

7、 从集中学习到养成个人持之以恒的速写习惯

为了将来的就业，为了将来设计师的梦想，每个人都必须打好速写的基础，以便为后来的设计特别是手绘效果图铺平道路。一般来说，学生在学校学习的阶段，速写课程集中学习的时间只有几周的时间，要想真正掌握速写的方法和技巧是远远不够的，也是不可能的。因此，养成个人长期的、持之以恒的速写习惯是唯一的学习捷径，只有坚持不懈地练手练脑，才能把速写练到更好或最好。

8、 积技巧为能力

学习风景速写，除了方法，还要从技法上来进行提高。想要成为一个速写高手，还必须要具备有以下几种能力：

初学者素描画教学范文第2篇

关键词: 视觉设计专业 素描教学 教学实践

在视觉艺术的各个领域中,素描是一种最本质、最朴素的表现形态,并已成为视觉艺术各专业共同需要的造型基础。随着我国社会经济和科学技术的迅猛发展,学校、社会对视觉艺术探索的热情达到了前所未有的高度,人们从不同的视角对视觉艺术的价值、作用、走向、表现方式、表现语言、训练手段等发表着各自的观点和议论。人们通过争论、思考发现,沿用传统的观念、经验、训练手法已无法满足商品社会的需要,视觉艺术设计的训练平台必须在重新审视传统、现在、未来的视野下重构。当然,作为视觉艺术的造型基础――素描课程也必须根据其目的、任务、作用、功能、含义加以改造和更新。下面我就视觉设计专业素描教学的重要性,以及教学目的、任务和如何去实现等问题,结合教学实践谈几点看法。

一、设计素描的基础性

设计专业素描教学的目的,一是利用素描手段表达创作设计意图(包括创作可设计题材、记录形象、收集素材);二是以素描手段锻炼学生的造型能力,通过素描练习,把普通人的脑、眼和手训练成设计家的脑、眼和手。素描是艺术的启蒙课,也是理性很强的基本功:它使初学者掌握造型艺术的一般规律,为将来过渡到专业基础课和设计课打下基础。初学者有这个基础就会在创作与设计中感到得心应手,没有这个基础就会感到力不从心。在设计专业中,与素描课并行的基础课有色彩课、白描课、重彩课,此外还有专业基础课,素描是这些课的共同基础。素描基础课和创作设计之间的关系,就像一个从事文学创作的人要先通过作文练习、语法造句一样,只有精通语法、善于造句,才能用文字准确生动地表达思想。打下扎实的素描基础只是艺术家、设计师生涯的开始,素描好的人,其创作设计不一定好,即使是搞绘画创作,也不能只靠素描就能解决一切问题。此外,创作设计的水平还关系到个人的艺术气质、专业知识、创作激情、生活感受与多方面的修养。有些教师混淆了素描基础与创作的关系,怕学生画素描,尤其怕学生画时间较长的、形体准确的素描,一提“准”字就头痛,认为学生设计能力差是因为素描画多了、画死了,把设计专业变成了绘画专业。这种把基础与创作设计对立起来的观点,片面夸大了素描基础课的作用。从历届设计专业学生的创作设计成绩看,同素描成绩一致的学生占绝大多数。个别学生素描成绩好而创作设计不行,是因为,他们没学好专业基础课和创作设计课,缺少生活或修养,不能归罪于素描。李可染先生说过:“素描是研究对象的科学,它概括了绘画语言的基本法则和规律。素描的唯一目的,就是准确地反映客观形象。”“有人说西洋素描会影响发展民族风格,这是一种浅见。缺乏民族风格的关键在于对

传统的各方面没有深入研究,没有把民族的东西放在主要地位,而不在于学不学素描……”

二、设计素描训练的严格性

视觉设计专业要不要严格、准确、全面要求的素描课?有人主张某些设计专业减少或取消素描,理由有三:其一,视觉设计艺术不同于一般美术门类,只有通过工艺制作才能完成,并以材料的美感引人喜爱。同时,大部分工艺品具有使用价值。人们购买台灯、椅子、花布、茶具,既要看它美不美,又要看它的价格和使用价值。多年来强调工艺品的实用与经济特点而忽视其审美作用的结果,反映在教学上,必然是轻视艺术修养和造型能力的培训。其二,计算机技术的出现。社会上曾经出现过一种误解,似乎只要学会了设计软件,如Photoshop,CorelDraw,3DS MAX,就可以从事视觉艺术设计了。这种看法将设计效果的表达与设计本身混为一谈。殊不知,从根本上来说,从事艺术设计需要具备两方面的能力:创造新事物的能力和表达设计思想的能力。因此,这种错误观点是出于对艺术、对设计、对计算机技术缺乏了解所致。其三,过去几十年来艺术创作和教学上的风格单一化倾向。当然,也有某些人思想过于偏激,一见到写实作品,不论艺术水平高低,一律反感。这种情绪也反映到教学中来,认为写实方法是陈旧过时的老一套,便否定素描教学中的严格训练。我认为这是片面的观点。素描既教规律,又对学生进行艺术启蒙。艺术教育是一门严肃的科学,它要遵循由浅入深、循序渐进的规律办事。素描课不同于纯粹技法理论课,要想真正理解和掌握素描的规律,只有经过反复实践和艰苦磨练,不是教师在讲台上示范一下,把规律方法一讲,学生就能掌握的。素描练习的目的是使学生从感性到理性反复加深印象,亲身体会和运用艺术规律。马蒂斯说过:“初学的美术家认为他是以心作画,成熟的美术家也认为他是以心作画;区别在于后者是以他亲身所受的陶冶和训练,使他能顺从自己的感情的驱使。”素描作业的内容虽然与设计没有直接的联系,但是素描课所传授的规律却能提高设计者的艺术素养;素描训练所培养的观察方法和造型能力,会使设计者更自如地表达设计意图,并使之尽可能真实、直观、详尽。因此,对此不应作简单的理解。

有人说:“不学素描也能搞出好的设计来。”这是一种浅见。殊不知泥人张虽然没有学过正规素描,却经过艰苦的学习过程,在长时期内做过大量的白描人物,他的彩绘功夫也是极强的。玉雕老艺人王树森说:“老艺人就吃亏在一缺文化,二缺画画的功力。”现代科学日新月异,关系到艺术的科学,如光学、色彩学、生理学、解剖学、物理学、透视学、逻辑学、心理学、美学等都在不断发展,不论文学、美术还是设计艺术都不能摆脱它们的影响。视觉设计艺术教育应该从现代科学成就中吸收营养,丰富自己,而不应把设计创作同科学进步对立起来。

素描能够使学生掌握正确的观察方法和生动的表达能力,从而提高学生的素质。素描也是培养审美观念的启蒙课,培养学生全面观察,分清主次,抓住本质,取舍概括,分辨美丑,从而提高学生的审美素质。学生受过素描基础训练后,学习专业课会更顺利更方便,同专业教师会有更多的共同语言。素描训练给初学者心中埋下一点灵犀,使他们在以后的学习中一点即通,更好地完成他们的艺术学业。从长远发展来看,设计人员都能掌握现代科技、尖端工具,但最后谁取胜,是比人,比谁的观察能力、创造能力、画面控制能力新,比谁的思维观念新。素描本质意义也在于此。可以说对素描的不断探索能给设计者提供取之不尽用之不竭的艺术能量。

三、设计素描教学的特殊性

设计素描是为视觉艺术专业打基础的,以培养设计师或设计管理人材为最终目的。同时由于设计专业课程繁多,设计素描课时量大大减少。教师要在很有限的课时内完成比其它专业特殊又同样繁重的教学任务,只有适应视觉设计专业的特点,才能更有效地与专业教学接轨,在与其它基础课程相辅相成地进行中,达到全面提高素质的目的。

因此我在素描的时数安排与不同阶段的要求上作了新的设计:第一阶段是素描课中造型规律性最强的阶段。学生要受严格的训练,抓形体、比例、结构、动势,学会看主次、看层次、看繁简,画量感、质感、光感等各种素描造型因素,培养整体观察的能力,掌握一定的表现技巧。同时透过表面光影深入了解明暗原理、光对于形的作用,为摆脱明暗打下基础。第二阶段画半速写性作业。加强概括取舍,把精力集中于大的感受、大的动势和大结构上,不再受固定的光源的限制。适当追求画面的装饰处理,如平面化、机理化、秩序化等。第三阶段以短快速写为主,用线表现,完全抛开明暗光景和没有表现力的琐碎细节,摆脱固定光源和固定角度的限制,鼓励学生从多方面观察分析对象。在表现方法和作业尺寸、时间长短上给学生较多的自由,要求学生运用已经掌握的素描规律,画出自己的感受,强调线的组织和画面的安排、线和形的不同表情,强调画面的表现力。学生通过素描训练逐渐养成画速写的习惯,加强对形象的敏锐感觉和形象记忆力。第四阶段着重以研究形态构造,单元形态的打散与重构,以及装饰意味的素描训练为主。研究、设计形态的训练,旨在培养学生的发散性思维,通过改变视觉常性的观察为想象提供契机,从而创造出众多新颖、独特和富有想象的成分来,并获得新的理解和发现。装饰意味的素描训练主要是围绕着如何发现美和表现美这一根本问题展开。装饰意味就是用绘画的艺术手段对世界加以重新诠释,其目的则在于把世界表现得更好。在素描过程中,存在着个体和普遍、主观和客观、自然和精神这一系列的根本对立关系,找出其平衡点是装饰意味的素描训练的重要任务。

同时,我在教学内容上也时时注意不断更新,选择新的适合教学要求的写生对象,使学生感觉新鲜,促使学生探索新的语言、方法,努力培养学生的创造能力和设计意识。

四、设计素描的新颖性

视觉设计艺术最讲究的就是独创性,也就是强调新颖,强调形象“新”、表现手法“新”、画面效果“新”,反对老面孔。否则就没有吸引力,既失去美化心灵、美化环境的价值,又失去经济市场竞争价值。

然而,提倡素描作业的新颖性,不等于是追求素描风格。风格是一个艺术家成熟的标志。风格是艺术家在他的创作设计或作品中,自己的艺术气质、美学观点,以及对某种题材内容和擅长的艺术手法的独特表现。艺术家形成自己的风格,并为社会所承认,说明他经过长期艺术实践获得了创造性成就。它是艺术家修养积累、艺术实践和钻研探索的结果,是艺术家多方面气质的总和。在艺术上形成自己的风格是很不容易的。成熟的艺术家的素描都有自己的风格,罗丹、马蒂斯、毕加索、柯勒惠支都是素描大师,他们的素描风格完全不同。不过,我们经常看到的并不是他们学画时的素描。

学生所画的素描,是基本功训练的作业,其中含有创作的因素,但一般不是素描创作设计。教师指导学生不能过高地提出追求艺术风格,而只能是启发学生自己去感受对象,去发现美,去追求素描的新意;应该爱护学生的个性,因人而异,因材施教,小心翼翼地分辨哪些是学生自己的真实感受,哪些是用别人的心灵代替自己的心灵,并予以指明方向。教师一定要防止学生抄袭名家、模仿流派,借别人的画面效果充当自己的风格,从而使自己失去在感觉上锻炼的机会。素描教师的责任是引导学生起步要正,使学生在艺术上有大的容量,对各种艺术风格多看多学,兼容并蓄,防止学生过早地定型,这样才能使学生今后的艺术设计道路更加宽广。

综上,素描不是一个学习技法、技巧的过程,而是一个开启心灵窗户的过程,是启发创造力的过程,是提高视觉语言应用把握能力的过程。它不应该枯燥,不应该单调,也不应该一成不变。

参考文献:

初学者素描画教学范文第3篇

关键词:基础素描;素描审美;造型方法

素描是绘画艺术的基础,有着无可超越的地位,基础素描教学也是众多院校相关专业的必修基础课,素描绘画涵盖的题材极其广泛,从静物、石膏到人体绘画,从风景到建筑,处处都能体现对造型的要求和审美的能力。对于学习素描的学生来说,在造型技巧中学习审美,同时在审美过程中提高自身的造型技艺。素描既可以作为独立的艺术形式存在,同时也是学习绘画,解决众多问题的必经之路,素描需要解决的问题几乎包罗绘画中的全部,形体结构、比例关系、透视关系、解剖结构、点线面的应用、黑白灰层次、空间塑造等。

一、素描是造型艺术的基础

长久以来,学习素描都是以写实为开始,要求学生尽可能的客观描写写生对象,构图之后比例关系是第一个步骤,不管静物还是石膏像,亦或是风景,比例透视关系是首要解决问题,只有在大的框架内抓住对象的基本比例和透视关系,接下来的形体塑造才具有写实意义。绘画过程是一个艰巨的过程,是自主能动性得到发挥的过程。手脑眼并用,抓住对象的内在关联,各素描关系的合理统一是需要整体和局部观察、刻画相交替的,既需要遵循客观对象,又需要在现实中去提炼。所以,观察是绘画的前提,学习绘画也是重构观察方法的过程。绘画形式因人而异,观察方法跟艺术家的创作也有先天的联系。敏锐的观察力是深入绘画的一个重要能力。高校素描基础课的侧重点理应放在培养学生观察力上。素描的学习不能是技艺的不停重复。重复性训练最后出来的只是有着扎实技艺的匠才。学生的观察力也是学生总体能力的一个反应,任何艺术形式的实践都需要跟理论知识相结合,这种结合是内在的积累。比如,除了素描相关的课程以外,美术史论,美术批评理论,设计学,哲学等课程都是很好的培养学生认识对象、观察对象的途径。

二、素描是造型思想和观念的延伸

在高校中基础素描解决的一般是造型写实问题,这个是最低层次的要求。艺术设计专业学习素描的目的不是为了客观还原对象,而是能够更好的创造“对象”,绘画专业学习素描是尽可能从主观中去理解和认识对象。这种创造、理解或认识的目的都是去延伸自身对艺术的感悟,这是更高一个层次的造型艺术。每一个人对艺术的理解都是不同的,在艺术领域去追求和毕生挖掘的都是这种“另类”,所以在基础素描中,也不能用同一个标准去衡量素描绘画。启发式、,逆向思维、或是延展性教学都是应该加强和实践的方向。素描既能作为一个独立的艺术体系存在,也是加强各艺术形式之间联系的纽带。在艺术院校里不乏基础较好,技艺强的学生,但是对于创作缺乏与之匹配的能力,这也是院校教学的一种失败,建立完善的素描教学体系不单单是看学生能够客观的描绘出什么,更应该关注学生在看的时候能够想到什么,这既能让学生结合本专业的特点进行创作,也能打破学生对于素描绘画狭隘的简单认知。艺术主张和艺术理解需要教师去引导,通过学生对自己的绘画意识的培养逐渐到艺术主张的培养,并能够不断的更新已知的思维观念,通过观察,用心去感受作品的内在。

三、基础素描教学的手段与形式

素描教学需要系统、严谨、完整的过程,讲究循序渐进和正确的观察及作画习惯,新生入学带来考前班的素描绘画习惯,极其讲究方法而不是所谓的“观察”。一个地方或是一个考前班出来的学生几乎统一的作画工具,统一的画风,统一的作画步骤和方法。这已经脱离了绘画中对“观察“的要求,不管是静物还是石膏又或是人物写生,打轮廓都是切直线,铺大调子都是一遍遍的画颜色,画面中心或是近的区域必然是重点塑造的亮点。这明显已经进入到素描的“套路“中来了。基础素描绘画讲究的是结构及体块关系的表达,以这个目标为中心,不要求线条排的多美,画面多么千净。基础素描的要求说来不高,无非是解决轮廓、形体与结构、明暗关系以及空间的塑造。通过绘画者的观察,把实际的对象搬到画面上来,这个过程重点考虑的是“观察”的问题。以人物写生为例,每个人都千差万别,去抄表面的光影或是黑白,无法画出紧凑、质感、立体的人物形象,缺少精神气。观察要建立在良好的解剖知识下,才能更加主动的把客观对象变为具有一定个人审美的绘画作品。另外,画的像不像的问题是初学者以及大众作为衡量好不好的一个重要指标。个人认为画的像不像只是绘画过程的一个附属“产品”,遵循和掌握以上造型能力,画的像就会必然产生。其实通过大师的作品我们也能发现其中的解剖也不尽准确,但是这并不会影响作品的美感,相反,还能增加作品的视觉冲击力。德加“素描画的不是形体,而是形体的观察”。这也从而证实,素描其实就是发现的行为,准确也只是感觉上的准,而不是客观的准。在素描教学过程中,需要引导学生并不是简单的描出外形;素描不是单单由轮廓组成。画素描,更多的是思考和理解的过程,同时也需要时常停下来,否则很容易过犹不及。刚刚进入校园的新生,对绘画的套路都很熟悉,可能身边的应试高手是他们崇拜的偶像,但是问及德加、安格尔、丢勒,了解的也许就不多了。大师经典的作品是我们学习的源泉,临摹其作品是学习的的门槛,大师的作品超越了所有的时代。

四、素描表现语言以及媒介的探知

素描既是相对独立又是融入到各类艺术范畴中的艺术形式,其带有的艺术表现语言及方式也是通过绘画方式及媒介表现出来的。画面形式语言的研究和训练在高校的基础教学中也是应当被重视和培养的。通常面对写实绘画,画者更多的是关注物体本身,很容易造成画面局部的割裂,整个画面的构成关系应当是和谐且统一的。素描是一种用单色或少量色彩绘画材料描绘生活所见真实事物或所感的绘画形式,其使用材料有千性与湿性两大类,其中干性材料有铅笔、炭笔、粉笔、粉彩笔、蜡笔、炭精笔、银笔等,而湿性材料有水墨、钢笔、签字笔、苇笔、副笔、竹笔、圆珠笔等,习惯上素描是以单色画为主。尝试众多的表现方式,运用更多的媒介进行素描创作往往会有意想不到的收货。即使是在同一主题下进行创作,利用不同的工具、材料、媒介来表现也会有很大的变化。即使是同样的材料,在不同的机理效果下传达出的质感差异也会很大,这就给素描提供了很大的施展空间和舞台。素描的绘画空间被扩大,表现语言相对也得到了扩大。研究各个时期的素描,研究不同材料带来的质感各机理效果,打破习惯性思维找到适合自己的表现方式和语言方式,同时通过此来技法和提高创造空间。

参考文献:

[1]蒂尔•塞勒,克劳迪亚•贝迪著.《当代素描新概念训练教程》.上海人民美术出版社,2006.1.2

初学者素描画教学范文第4篇

关键词：笔墨造型；写生课堂；教学；意境

笔墨造型的概念。一般分为“以素描为基础的写实性笔墨造型”“以速写为基础的笔墨造型” “表现性的笔墨造型” “工笔式的笔墨造型” “写意式的笔墨造型” “没骨样式的笔墨造型” 等，比如：“素描式笔墨造型”(如蒋兆和、周思聪)；“速写式笔墨造型”(如黄胄、叶浅予)；“写实性笔墨造型”(如林墉、方增先、冯远、刘大为等)；“表现性笔墨造型”(如李孝萱、周京新等)；“工笔笔墨造型”(如何家英等)；“写意笔墨造型”(如吴山明)； “没骨式笔墨造型”(如杨之光等、田黎明)等等。在课堂写生中，水墨画的笔墨难度就在于不可修改性，尤其是画人物的五官，表情与动态要肯定用笔，不可更改，和画油画比起来难度要高得多。所以中国的水墨人物画与西洋人物油画不能在同一个层面上比较，中国画更考画家的综合修养和绘画功底。在实际教学当中，因人施教，发挥每个学生的积极创造性和个性，把笔墨造型的基本理念贯彻到教学当中，这样才能出现不同的笔墨造型样式和教学效果。

1 笔墨写生离不开素描的媒介

素描教育模式为中国画引进了新的造型技法，让中国画更加科学、成熟。西洋素描画的理念方法引进来必须中国化，要保持中国画的特点，又可以克服中国画造型方面的弱点。素描的种类有很多，但就实际应用的情况来看，人们比较熟悉的不外乎三种：光影素描、结构素描、线性素描、表现性素描等。如果没有扎实的素描造型基础，中国画家就不能全面洞察地形地貌，把山水画成风景就是常事儿了；人物画家就不能客观、科学地了解人体结构，就不可能像刘文西那样“画谁像谁”。基于这个原因，画家黄胄说：“对素描认识的不深，制约了我的人物画提高，否则我会画得更好”。

水墨和素描的硬性嫁接不能代表中国画笔墨造型的发展方向。在生宣纸上模仿西洋素描的调子和色彩是费力不讨好的，是一种不自信的表现。水墨的浓淡并不等于素描的明暗五调子，中国早有“墨分五色”只说，画面的空白处也并不等于西洋素描所说的二度空间关系，而是“计白当黑”的空间思想。但是有一点中国画和西画是相通的，那就是快速的抓取形象，脑子里有素描的形体观念，用书法的线条，灵动的有条理的，有次序的快速的，高度精练的，高度概括的抓取形象是可以做到的。中国书法的用笔手法，国画的一切皴法，都可以灵活运用，但是绝不要用西洋素描的调子层层描摹的方法。不要有意无意和西洋画拼色彩，拼调子，拼构图，而应运用中国画的黑白虚实理念和书法运笔理念来表现作品。只有通过严格的课堂写生训练，学生“吃透”了客观对象，解决了“形”的问题。接下来的“神”就要考靠学生的修养了。课堂写生不仅是画面效果的象与不像，主要是画情感；画生活；画修养。没有文化，缺少修养，写生画想“神”都“神”不起来。因此，我非常赞同范增先生提倡的画家要读书，他本人就是最好的典范。

“素描加笔墨的教学模式”仍为课堂教学的主要模式，为什么现在有些国画教学不重视素描。这种做法不但非明智之举，而且后患无穷，因为素描是科学的，不能不研究，更不能舍弃素描，否则中国画“形体”的问题永远解决不了。素描对国画创作来说永远不会过时！有些学生的写生作品既不像中国画，也不像西洋画，是按照“黑白灰”的关系处理人物画，这是大忌啊！因为中国画毕竟不是西洋画，其核心是笔墨精神，“墨分五色”才是国画的意趣所在。西画中的形体结构方法，能用则用，不能用则不能硬拼，毕竟中国画讲究“逸笔草草，不求形似”，“笔断意连”等中国文化的审美意识。这就要求学生学习素描时头脑必须清楚：关键是学习其辅助方法，千万不要被“黑白灰”和“结构素描”的西方绘画方法限制住。吸收外来营养后，则要通过笔表达“骨”的力量；用墨来表达“肉”的重量，让作品既有骨头又有肌肉；同时还很整体，学会用笔最好办法是教师在课堂上现场示范，这样直截了当，一目了然，不用学生去猜。画家蒋兆和的《流民图》就是把素描造型与笔墨技法成功地结合在一起的典范。他把明暗调子的素描造型与 “骨法用笔”的白描画法结合起来，达到“以形写神”、“传神”的目的。毫无疑问，他画面中的光影、结构和笔墨都是为他深入地刻画人物性格与心理服务的。他的写实人物画并不为笔墨而笔墨，亦不为写意而写意，而是以人物形象的刻画为艺术本体。传统之所以叫做传统，就是他的传承的精神特质，文化氛围，技巧特征，是一代代传承下来的。传承的过程虽然代代有发展，但是国画的基因血统特征的内容是不会遗失的。

2 具象生形，抽象生韵，重视传统民族文化的精神内核

造型对于课堂写生来说是至关重要的，课堂写生画与山水画、花鸟画有所不同，因为一般画的是人，(造型不是特指写实人物画，一切形式的人物绘画物象都有造型，但不包括造型不准确或没有造型、称为变形的造型)对于初学者来说，一个基本功扎实、造型能力相对较强的人，他的笔墨修养，个性语言暂时还没有跟上，他可以画出一幅技法不精或笔墨较差的人物画，那么这幅画可能就只剩下形式上的“笔”与“墨”了。从严格意义上讲，国画的“线”不是单纯意义上的线，它更具有中国书法“气韵”的意义，它不只是线，应该是“线意识”，是“胸中之逸气”，是“心象画迹”。在课堂教学中要不断地演示和讲解，让学生在实践中逐渐理解国画的线与笔墨造型的关系。

人物造型、画面意境、笔墨语言是课堂写生的三个难点，优秀的艺术作品，必然是艺术家自身人格精神、思想境界的载体，是全面修养的显现，是智慧的物化，是心灵的痕迹。尤其是人物画作品，它更具有承载记录历史发展、文明进程、社会变革、人类进步的重要使命，不同时期的优秀人物画作品都打下了鲜明的时代印痕，如徐悲鸿的《愚公移山》、《九方皋相马》；蒋兆和的《流民图》、《阿Q》；石鲁的《转战陕北》；周思聪的《人民和总理》；黄胄的《洪荒风雪》、《叼羊图》；刘大为的《晚风》、《巴扎归来》等等。

“具象生形，抽象生韵”，笔墨是中国画艺术形式的重要组成部分。笔墨功夫直接影响到画作的品位和格调，应多临摹与拜读大量传世佳作，这对于学习中国画的笔墨技法很有帮助和启发。由于人们更多地习惯于审视和接受物象真实具体的形象，因此，笔墨的具象处理并不十分难以理解和把握，然而，往往影响作品格调和欣赏价值因素的不是具象笔墨，而更多的是抽象笔墨的运用和表现，即中国画强调的“书写性”、“意象性”笔墨节奏生成气韵，正是行笔中运用勾、勒、泼、侧、顺、逆、拖、藏、露以及皴擦点染等诸多形式语言因素所表现出的抽象笔墨语言。笔墨造型在课堂教学实践中，还是要从用笔用墨的传统技法上下工夫，虽然枯燥，但对学生的写生乃至将来的创作，都有着非凡的意义。中国画的笔墨造型更注重“意”的表达。宋元的作品，强调皴、擦、点、染等技法的综合运用，主张的是体现人文精神，如北宋画家范宽的《溪山行旅图》影响他至今。当代的画家何家英，写生画作多为线墨结合，婉约动人，简约而不失细腻，柔美而不失典雅，氤氲而不失真实，蕴藏着中庸之美，真正做到了“形神兼备，雅俗共赏”。 就课堂写生中，素描造型与水墨写意相结合的艺术语言而言，不是平均将两者结合起来，而是探索写意水墨对于形象塑造的真实程度。他不回避素描造型，甚至于将长久以来中国画家回避的光影素描有机地转化为用笔与用墨。在某种意义上，他在写实人物画方面所显示出的鲜明个性，也便体现在他如何直接地将光影与结构富有意味地转化为中国画的笔墨。笔墨是中国水墨画的主要语言特征。作为传递绘画信息的媒介与载体，笔墨本身不仅是一种语言，而且包含着丰厚的文化涵量，一是这种语言本身积淀和浓缩了中国文化特有的意蕴和气质。二是笔墨造型不是独立的，它是中国文化传承过程中的一个链环，会随着文化环境的改变而进行不断的修正、扬弃与充实。三是在水墨画中，诸般笔墨必须围绕造型来发掘本体的价值。只有将传统的笔墨形态表达清楚，才符合高品质的课堂写生要求。

新时期以来，写实造型，特别是光影素描造型虽然有碍笔墨的充分发挥，但笔墨相对自由的书写性、水墨在宣纸上的渗透性及其控制、笔法及其丰富的力感与趣味等等，仍是中国画写生创作的真实主要面貌。在实际课堂教学过程中，我们常常过多地强调“以形写神”式的表面比例结构和形象特征与质量感的掌握，这种相对恒定的课堂教学模式，在一定程度上形成了学生和教师的心理定势，认为笔墨加造型便等于艺术，从而削弱了对中国绘画的精神特质和人物画造型规律的认识和理解，这还需要我们作为教师提高艺术自觉与自信。

参考文献：

［1］ 范瑞华.中国画向何处去［M］.国际文化出版社，2002.

［2］ 王赞，主编.质疑水墨［M］.河北美术出版社，2003.

［3］ 袁跃奇.笔墨造型论［J］.科教导刊(中旬刊)，2011(07).

［4］ 程明霞.文心后素［M］.东南大学出版社，2007.

初学者素描画教学范文第5篇

参与嘉宾

张立新 北京史家小学

陈 杰 安徽省淮南一中网络中心

陈鸥辉 湖南省株洲市二中

第五步，还是第零步

主持人：我认为这期要探讨的话题其实挺沉重的，首先中小学的信息技术教师看到这个动漫似乎没有太多的相关性，但又要有教学方法，又要有创意地去教，脚下金刚钻，手上如意簪，这其实并不简单。所以越是沉重的话题，咱们越应该轻松地聊，所谓化繁为简，达到无心插柳柳成阴的效果。因此，在谈这期话题之前，我想先卖个关子，让本期嘉宾打开一下思路。

最近经常游走于信息技术教育的各大论坛，发现里面老师们发的帖子都特有意思，图文并茂，讨论得也格外激烈，可谓是一片欣欣向荣的景象。再去一些老师的博客转一转，我发现了一个特好的现象，现在的信息技术老师们的文字功底有所提升，视野也特别开阔，在行文中很善于表达自己的独到观点，善于思考一些问题，更关键的是善于捕捉生活中隐藏的一些与教育教学相关的内容。就例如这张图片，我觉得和我们这期话题不无关系，先请三位老师谈谈看完以后能得到怎样的教育感悟。

张立新：说起画马，我正好也教过学生画马的方法，由于中小学的学生美术基础也是参差不齐，我们在课堂上一般都是采用简笔画的方式，把马的身体分成几大部分，然后用比较夸张的卡通方式来绘制。

看似简单的绘制后面，其实要求教师要能够根据绘制对象的特点进行概括和提炼，如果能够将这种概括和提炼的方法同时教给学生，那么这就是我们所说的“授人以鱼，不如授人以渔”了。

从这点来说，要求教师不仅能画，还要善于总结概括，最后要懂教学能够传授给学生一些方法。从动漫课的长期发展来看，我主张应该培养一批专业的动漫学科教师，这些动漫教师有可能是专业院校的毕业生，但绝大多数是从目前我们的信息和美术学科教师中产生，这些教师懂教学是最大的优势，当然最大的缺陷就是在专业知识方面，我想通过我们教师自身的努力，动漫教学的前景是乐观的。

主持人：您这个马画得有意思，首先从形象上来看，就是动漫的风格，特有喜感，而且步骤简单，适合教学生用电脑来画。这也是您刚才特别提到的，教师的专业素养，概括能力。再来问问陈杰老师看图后的想法。

陈杰：您这道看图作文，着实让我眼前一亮，从画面的风格看，第一步至第四步中的图可以归属于典型的“儿童简笔画”，而第五步中的画面则属于具有一定专业水准的写实类。这个表面上看上去是很自然的过渡，其实做起来并不简单。它需要画者有着一定的美术基本功，会设计素描，会色彩搭配等技能……但转念一想，我们有必要非得掌握这么多技能吗？在科技飞速发展的今天，我想不一定非要按上述步骤画出来，绘图板临摹也是不错的选择。因此我总结为：不拘一格学动漫，自主创新来“画马”。

陈鸥辉：这个“画马”应该侧重的是能够在动作上简化设计难度吧，要不然的话，根本就没有必要（有这样的过程），这一点应该考虑的是骨骼问题了。动作控制点，骨骼动画，决定了对象的分块设计。怎样画马，关键点不是画，而是，马是由哪些部分组成的，这些分块，在动画设计的简化上占有哪些优势。

主持人：三位老师都答得很贴题，尤其是陈杰老师最后那句押着韵的那句话有意思。看来我之前对当前一些信息技术教师理解能力、观察能力的提升，这个专业素养啊确实没看错，最后我这个关子也没卖成。其实我看到的这个原帖，发帖的老师就说，我们往往会先给学生一个很高的目标，而教学的内容却又往往不能达到这个效果。所以对这个图的解释很多。看完三位老师的答案，我也得出了一个结论，就是要想教给学生这第五步，关键在于教师那第零步。

陈杰：没错，我觉得这个图重点要谈的应该是“怎样0”，而不是“怎样5”。

动态美，还是静态美

主持人：但是我看您刚才解释的时候说“我们有必要非得掌握这么多技能吗”，这其实就涉及课程定位的问题，这个问题又直接影响到教师要学什么、怎么去发展的问题。

陈杰：当然了，作为执教动漫的教师，要想教学生，自己得有教学生的“资本”。所以为了搞清楚作为执教动漫的教师到底应该掌握哪些知识与技能，我还走访了我市一所二本高校了解了其动漫专业课程设置，结果就产生了以上的疑问。

主持人：是备受打击了，还是触碰到脆弱的神经了？

陈杰：你看一下他们学的课程，你会怎么想？

美术模块：设计素描、设计色彩、速写、透视

应用模块：Photoshop、Illustrator、Flash、3dmax、Premiere、AfterEffect

基础模块：动画原理、原画设计、剧本创作、视听语言、动画编程基础。

核心模块：Flash二维动画设计与制作、3dmax动画设计与制作、影视后期编辑与合成。

其实通过以上课程设置我们可以清晰地看出，目前高校动漫人才培养越来越侧重于动漫应用型人才的培养。

主持人：我现在很认同您的疑问，我觉得速成是不可能了，还得看信息技术老师们有怎样的专业功底，没必要都学，但起码给了我们学习的方向，也可以说是进阶的方向吧。

陈鸥辉：所以，我一直觉得讨论有个定位的过程。这个课程究竟是针对中小学生，还是针对专业的大学生？

张立新：中小学动漫课程应该包含动画和漫画两部分内容，同时动画需要绘画作为支持，也就是说绘画水平在动漫创作中占有很重要的地位，难怪我们上来就讨论绘画能力的问题。但提高绘画能力并不是动漫课程的教学目的，我们也不必追求完美的写实效果。尤其是在中小学阶段，我们只需要让学生用动漫的手段表达自己的一种感受，记录自己的一些生活片断，抒发自己的感受。因此写实还是写意并不太重要。当然，作为教师还是要有扎实的美术基础，才能够灵活地驾驶课堂。

陈杰：我个人认为动漫作为一种媒体表现形式，高中生参与创作，其主要的目的是表达该年龄阶段关注的话题，表达一种观点，展现个人艺术的审美情趣，我们不忽视技术，技术是表达观点的基本手法，具备一定水准的操作技巧以及绘画的技能，但也不一味地追求技术，而是通过规范的流程，教会学生如何创意设计，如何技术表现，如何更艺术性。在教学中动漫教师不应拘泥于传统的教学模式，应以提高教学实效作为标准。

陈鸥辉：我想如果是技术课程专业的话，首先考虑的是，对象的“活动”点，比如人，首先考虑的是骨骼的连接点……我在教动画的时候，首先考虑的是动画设计里动作的简化，比如人走路的过程，各种教程有各种呈现的方式，一般会给学生展示两种方式（如下图）。

其实说实话，我觉得如果绘画功底好的话，将每个对象的中间动点状态都画出来，完全不考虑技术处理简化的问题，做出来的动画非常漂亮。

主持人：您这个问题回答起来，里面总有一种技术的味道，说得很具体，也反映出了您的思路。这差异就出来了，很多老师最开始学的是动漫的基本原理、基本功，也教给学生。您是更注重动画设计里动作的简化。就是说先要掌握让他动起来的方法。

陈鸥辉：由于我个人比较偏向信息技术课程中的技术角度，所以，在课堂上不会着重于人物的绘制呈现，而偏向于让学生体验到Flash软件本身带来动画设计上的优越感。

陈杰：你们更倾向哪种呢？我觉得让学生感受动起来的乐趣只是其中一个方面，动漫涵盖面应该是非常广的，不仅仅是动起来（动画）还应包括静态的图像，“动漫”是动画和漫画的合称与缩写。

张立新：动漫课程，中小学有中小学的学法，大学有大学的学法，甚至目前在一些幼儿园也有类似的实践（主要是拍摄定格动画）。下面我贴一些我学生的优秀作业，来说明一下这个问题。其中一张是手绘的，另一张是电脑制作的。

陈杰：不错，小学生能画成这样已经不错了。

张立新：在中小学教材中涉及的动画类型主要是二维动画（Flas）和定格动画。

如果学生全部掌握了教材中的内容，应该说在技术上已经达到了一定的水平。至于学生的作品效果就要看其他的因素了，如学生的创意和绘画水平、硬件环境（主要是拍摄定格动画的器材）等。

主持人：所以从您的观点中，我理解为静与动其实应该是并重的，好的作品，可以说更能给学生以激励，也能体现出这个课程的价值。其实最近我也对动漫产生了浓厚的兴趣，反正和做这几期动漫课程的内容是有点儿关系。于是我想，这个课因为不让我教，我可以慢慢学，从最基础的线条、打轮廓、人物造型等开始。但要换做信息技术教师，教这门课，就是个任务了。所以要请教几位老师，学习电脑动漫如何入门？

要入门，还是求发展

陈杰：我认为，首先美术模块学习是必须的，动画始终是离不开画的，那么对于很多非美术专业的信息技术老师来说如何来学习呢？说出来不怕大家笑话，我学习的第一本绘画书，是《儿童启蒙素描画》，这本书虽然只有薄薄的60面，但却让我知道了什么叫素描、构图、采光、透视、明暗调等基本知识；其次了解并掌握画动画的要领：如画动画的步骤、中间画的画法、动画线条的画法、动画包含的元素等；最后一些应用软件学习也是必不可少的，如Photoshop、Illustrator，通过这两个软件的学习可以帮助你电脑鼠绘和使用绘图板绘制一些基本图形，Flash二维动画的设计与制作等。

张立新：我从小就喜欢画画儿，上小学时经常拿着小人书来临摹，曾经一度想报考过美术院校，但是阴错阳差没有实现这个愿望。上中师时我选修美术，在美术选修班里虽然不是画得最好的，但却是最用功的一个。一张素描一画就是三四十个课时。当时学校配备的美术老师都是非常有名的，像侯长春、祝庆武（现北京市美术学科教研员）、陈扬睿，我深得他们的教诲。正是师范四年的学习为我打下了扎实的美术基础。

工作后由于自己对计算机的热爱做了一名小学信息技术教师，2004年，Flas在互联网上风靡以后，我开始把动画内容搬进课堂，当时北京有一家普及少年电脑知识的杂志叫《少年电世界》邀我编写Flash教程，我用图文并茂的方式写了十几期。

2009年开始为中央电教馆编写中小学动漫教材，逼着自己开始看一些动漫方面的理论和大学相关的专业教材，这使我的动画课堂教学有了一次质的提升，我开始用一种全新的视角去反思自己的教学模式和教学内容。经过反复的实践探索逐渐形成了目前自己的一套教学模式和方法。

主持人：两位老师都提到美术的功底了，这看上去似乎和信息技术教师这个职业不相及。但站在目前信息技术课程对人才的要求来看，其实动漫专业素养的培养，只是信息技术教师要具备的众多素养之一，但是面对当前信息技术教师的工作现状，仿佛又与他个人的专业发展与诉求产生了一些矛盾。陈老师好像对此有些感触。

陈杰：是的，我认为目前高中阶段动漫课程多采用课外活动和校本课程的形式。教师的付出与收入不成正比。久而久之，动漫教师执教的热情和动力都会锐减。动漫教师在学校层面上几乎很难获得与之相关的继续教育及培训。长此以往，动漫教师很难把当前流行的动漫元素在教学中展现。执教动漫的老师一方面渴望获得专业素养的继续提升，另一方面在学校又面对着“英雄无用武之地”的尴尬局面。

张立新：信息教师来教动漫课确实存在一定的难度，因为动漫是个综合性很强的学科，涵盖写作、绘画、手工、音乐、信息技术等诸多学科的知识。信息教师只在计算机技术方面占有优势，其他方面可能会感到力不从心。这使我常常想起几年前曾经备受关注的机器人教学，当时也是从信息学科推广起来的，同时也有许多其他学科教师参与进来。我想说，无论是当时的机器人教学还是现在的动漫教学，都是为我们的教师和学生搭建的一个平台，就要看哪些教师能够抓住这个机会，展现自我的才华。

主持人：所以我就想问，在不影响正常教学的情况下，既要能够提升自我，又得使自己的专业付出有价值的体现。我们可以怎么去做？

陈杰：我想把自己及我周围朋友的一些做法拿出来与各位分享。总结下来是三个“走出去”。①进高校，兼职动漫课程教学。目前高校对于动漫课程重视程度远强于基础教育。如果你对自己的专业素养比较有信心的话，建议你可以与当地高校教务部门沟通联系，测试通过后可以申请一门选修课，做高校兼职教师。教学相长，既使自己的动漫专业有用武之地，也使得动漫教学常态化，教与学螺旋攀升，定会使你的专业素养得以提升，同时也让自己的价值有所体现。②进公司，参与动漫产品开发。目前动漫公司也是如雨后春笋般涌现，如果你热衷于动漫创作，可以进入这个群体。你不仅可以真实地了解到动漫产品的开发过程，体验到团队合作的乐趣与经历，更能获得一种完成作品的成就感。③进协会，参与动漫沙龙。目前各地科协都有自己的动漫协会，并且经常会举办一些动漫沙龙。这里绝对是个相互交流的好去处。动漫沙龙中常有怀揣动漫梦想的初学者，也有经验丰富的资深动漫人，大家在这里不分水平高低展开交流，各取所需。

张立新：首先我从目前的Flash教学说起，动画模块是初中信息课的一个必修模块，估计全国有80%的中学都在教这一内容，但是学生学过之后很难做出一个像样的作品，我也曾经经历过这个阶段。那这是为什么呢？可能有些老师会说是因为学生画不好，或不会画，但是如果我们把画好的背景和角色素材给学生们，学生们又能做出什么样的作品呢？

通过这么多年的动漫教学我认为，问题出在教学的思路上，是教材的编写出了问题，造成我们教师在教学上出了问题。如果教材的编写者或者我们的教师掌握二维动画制作的整个流程，我们的教学就绝对不是目前的这种状态了。

陈杰：我不同意您的这个观点，教材的编写是以课标为基准的，走的是信息的获取、收集、加工、处理的主线，而您所说的Flash课程，是以如何掌握二维动画的理念为流程的，这是两个概念。所以说到底，还是课程的定位问题。所处的阶段不同，目标不同，内容应随之改变。

陈鸥辉：我感觉，这个是针对优生培养了，课标应该是针对全体学生的。我觉得以作品为主线的教学，适合优生培养，以技术细节为主线的教学，适合全体学生达到课标要求。从我个人来看，精英教育是必须的，但如何让全体学生达到本学科的基本目标，也是应该着重考虑的。信息技术教师的任务是经过合理的引导，为学生创作动漫提供一个平台，有绘画功底的学生绘出好的效果不足为奇，而单就绘图来讲，不是信息技术教师所具备的功底。

陈杰：但是你想，当计算机还没有普及的时候，我们感觉学个计算机就有多了不起，（DOS）那时候可以说是精英教育，再看看现在，计算机如此普及，我们现在可以说是普及教育了。

张立新：其实，做动画是从创意开始的，大家可以看一看，目前各地信息学科有关Flash的教学中是否有相关的内容。另外，有关如何设计人物的造型等内容都没有涉及，而是侧重于一些具体的技术，当然我不排斥技术的重要性。我要说的是，作为教材的编写者和授课者要有一个较高的站位。也就是说理论的重要性。只有了解了动画制作的一些理论和实践，才能驾驭整个的教学流程。所以说动漫教师既要懂理论，懂技术，更要懂教学，缺一不可。

陈杰：对，教师层面可以高起来，也是占稳讲台的基础，然后再落实到学生层面，他才有自己的韧度。

陈鸥辉：所以，一开始我的观点是，如果技术真的已经消融，在绘图功底的培养上，美术老师更有条件。展示学生的优秀绘图效果，并不能体现技术课程本身的优势。这门课程的定位究竟如何？是一个优秀作品里的美图，还是它实现的技术水平更符合本学科的本质？

主持人：嗯，所以……咱们聊了很多啊，最后又绕回到最开始的动漫课程该由谁来教的问题上了，哈哈。

陈杰：别绕了。

定规范，还是促创新

张立新：我从来不主张搞精英教育，基础教育要面向全体学生，使得每个学生都有所收获，有所发展。动漫是一个很好的课程，可以促进学生在多方面的发展。我现在正在一所打工子弟占50%的小学搞动漫校本课程的推广。我们组织了一个包括语文、美术、音乐、手工、信息技术老师在内的课题组，我们研究的主题就是“动漫课程对学生多元智能影响的研究”。

陈杰：张老师具体谈谈你们这个课题，是怎么样对学生产生多元智能的影响？

陈鸥辉：这个挺不错的，应该是一个综合能力的应用课程。一个好的作品，其实脚本起关键作用，前期的脚本编写，离不开语文老师的辅导。

张立新：课题还在初始阶段，目前正在做教师培训，我们的做法是把动漫课程的内容融入相关学科，通过学生在动漫学习过程中的各种变化，来说明动漫课程对学生的语言智能、音乐智能、空间智能、肢体运动智能、内省智能、人际关系智能的影响。我们的动漫教育是面向全体的，刚才我说过这个学校有很多的打工子弟，所在我们做的不是精英教育，而是动漫教育在更大的范围进行推广。

主持人：我觉得张老师这种方式，不但为动漫课程赋予了更多的意义，同时也是一种教学创新，就像大家刚刚说的，动漫是一个综合的能力培养。那么话已至此，其他两位老师对这门课的教学有何种好的放法？