绘画教学特色
绘画教学特色范文第1篇
岩彩画，是使用矿物颜料、水干、金属箔等材料，用胶调和绘制而成的绘画，承接物包括纸、布、板等。绘画材料的多样使现代岩彩画有着丰富的表现方法，虽然现代岩彩画和工笔绘画都使用矿物颜料，但使用比重的不同致使作画及教学方法大相径庭。
一、岩彩材质决定绘制方法
（一）岩彩材质的与众不同
岩彩画中使用的矿物颜料有颗粒粗细之分，所以岩彩画的绘制方法不能像其他绘画那样，可以任意调和颜料得到第三种色，这便决定了岩彩画颜料必须具有色域广的特点。岩彩材料包括水干、金属材料和矿物颜料，矿物颜料又有天然和人工之分，通过颗粒的大小不同分出不同色阶，同一种色一般可以分为14种型号，14号为最细，色最浅；1号为最粗，色最饱和。另外，天然矿物颜料及金属颜料还可加温使其色相发生变化，除此之外，画家还可以自己采集矿石制作属于自己的独特色彩。
（二）岩彩的特殊材质决定了它独特的绘制方法
1. 现代工笔画与岩彩画在材料及其使用上的不同
虽说现代工笔画和岩彩画都用矿物颜料，但其使用的矿物颜料的特征及用量与岩彩画都有很大差别。首先，现代工笔画所使用矿物颜料皆为粉末，无颗粒；其次，现代工笔画中矿物颜料的用量较少；再次，现代工笔画可以使用锡管颜料，颜料间亦可以相互调和。
2. 岩彩画的特殊材质决定了其独特的绘制方法
这表现在以下几点：
（1）矿物颜料之特性使岩彩画重色彩的发色成为必然
天然矿物颜料的色彩是矿物本身之色彩，即使人工矿物颜料也是仿天然矿物颜料之特性，色彩饱和且稳重，每个颗粒皆有矿石之光泽，所以，岩彩画重画面色彩的发色，即重矿物本身色彩的呈现度，而非胶液之光，因此，岩彩画绘制过程别讲究胶的用量，它直接影响画面色彩的发色。
基于岩彩颜料的特殊性，古人其实已研究得出最佳表现方法，那就是通过色层叠加的方法来表现画面，且何种色彩在何种色彩之上方能有最佳呈色，也是有规律可循的。观古代石窟壁画，不管是敦煌壁画还是克孜尔壁画，都是采用色层叠加方法绘制，并且色层在叠加过程中，用胶量也要逐渐减少，这样既能保持底色的牢固，又能保证画面色彩的发色效果。
（2）岩彩画材料的多样性也使绘制方法变得多样
岩彩画材料中，除了矿物颜料、水干之外，还包括金属材料，材料的多样性使岩彩画的绘制方法也变得多样化。岩彩画不像传统工笔画那样要先起稿，然后按勾线、晕染、罩色、提色的顺序作画，而是画面中有无线条均可，一般先叠色后起稿，作画过程中常常洗、刮、擦、贴等方法结合并用。由于矿物颜料有颗粒粗细的关系，也注定了岩彩画不适宜表现过于细致的光影关系，而是更适合于采用色面表现的方法。
岩彩画，从材料到绘制方法，都不同于任何其他画种，因此，它也有着自己一套独特的教学方法。
二、在材质与绘制方法影响下的岩彩画教学
岩彩画材料的多样及绘制方法的独特性，直接影响教学方法的实施。虽然其教学方法在大方向上来说和油画、工笔画等画种无异，都有一个从认识材料到研究绘制方法的过程，但是，在具体操作上，岩彩画从材料到绘制都和一般绘画有着较大的差距，因此，其教学方法也是独树一帜的，这同时也是岩彩画特殊的历史文化背景决定的。
（一）认识岩彩画的历史及文化背景
岩彩画，虽然在中国美术界尚算一个新名词，但它的艺术表现形式语言却是可以上溯原始岩画，下延隋唐敦煌石窟壁画，是一个古老东方中国传统绘画艺术。隋唐时期，我国绘画达到高峰，岩彩壁画是当时绘画主流，是融汇了古丝绸之路沿线各国多民族文化艺术精华的具有国际性特质的艺术。但随着北宋文人画的兴起，由多人共同完成的壁画被认为是工匠、画匠所为，中国古典岩彩壁画开始逐渐走向衰落。千年的停滞更使中国古典岩彩壁画中的很多传统绘画技法失传，却在邻国日本得以继承与发展。
6世纪中，随佛教的传播，中国岩彩壁画艺术传入日本。并于9世纪的平安后期形成了具有日本本土特色的大和绘风格。明治维新使日本画家开始从西洋绘画中吸收营养，并以“日本画”的名称来区别于西洋画。二战后，大量吸收了西洋绘画的许多造型要素的日本画得到了极大发展，逐渐形成了现代日本画的表现形式。20世纪60年代起，日本画的表现及教学又重新开始关注中国敦煌初唐以前具有西域异文化风格特点的壁画，以及克孜尔壁画、中亚的土耳其、印度阿旃陀壁画等东方的表现特点，使现代日本画的艺术表现有了高度发展。至20世纪90年代，这种以中国艺术文化为母体，融入日本本民族艺术特点，并吸收了西洋绘画表现要素的现代日本画开始回流影响到正在发展变革中的中国绘画，使岩彩画在中国得以复兴，称为现代岩彩画。
对岩彩画历史及文化背景的认识在教学中占有举足轻重的作用。学生只有清楚地认识和理解了什么是现代岩彩画，以及中国古典与现代岩彩画同日本画的关系，才能找到学习现代岩彩画的目标，树立学习的信心和动力。
（二）了解岩彩画材料特征及用法
岩彩画材料种类多、性质各异，并且在颜料调制中对胶的用量颇为讲究，这直接影响到作品的成败，因此，在岩彩画教学中，必须要让学生先了解并熟悉岩彩材料的特性、颜料调和胶液的方法、金属箔的切、贴方法，以及天然矿物颜料和金属箔的加温变色方法、胡粉、捻纸的制作使用方法、不同季节胶的用法用量等。岩彩画从颜料调和到画面的绘制虽较繁琐，但每项都有其自身意义和价值所在，这些都需要专门设立相关章节进行讲解，严谨的治学态度有助于传统艺术文化的传承和发展。
（三）掌握岩彩画绘制方法
岩彩画的绘制有其独特方法，这也是基于其材料的特殊性而言，掌握其绘制方法是岩彩画教学中的最重要环节。在岩彩画创作前必要进行古壁画的摹写，但它与工笔画中的古画临摹不同。工笔画的古画临摹重点是学习勾线、色彩晕染、罩染的方法等，摹写一般是按纸绢绘画的方法进行；而岩彩画的古画摹写重点是学习色层叠加方法，学习色彩及色面关系的处理方法和学习材料的使用方法等，摹写步骤是按古壁画的绘制方法进行的。
通过古壁画的摹写掌握岩彩画基本的绘制方法，除此之外，岩彩画因材料的特殊性也发展出了很多特殊技法的应用。
（四）岩彩画特殊技法的应用
受古壁画启发，现代岩彩画中出现了如洗、刮擦、立流、沥粉贴金等特殊表现技法，这让岩彩画的画面表现更多样化，因此，在岩彩画的教学中，对特殊技法的掌握也是必不可少的。特殊技法的使用使画面增添了很多趣味性和不可预知性，画家的思路会随一些偶然出现的特殊画面效果随时做出调整，这让岩彩画的教学不宜按照一个固定的模式操作。在认识材料和一些基本技法的基础上，宜让学生自由发挥，按自身个性把握画面，包括作画的顺序步骤等。比如何时起稿，可以先起稿，亦可先打底色或叠色到中途或将近完成时再起稿。另外，对颜料颗粒粗细不同的选择也是根据画家个人喜好，颗粒粗细不同或使用材料不同，其画面的色彩效果就不同，所以，岩彩画教学中对不同材质情况下的色彩效果也要让学生认识和掌握。
三、岩彩画教学的信息反馈
通过岩彩画的教学，学生们亲身感受到了它的与众不同。对于它的历史、文化背景，以及材质及绘制方法，很多学生表现出了极大的学习兴趣。他们对岩彩画的学习认识及感受，主要有以下几个方面：1.材料多样，可绘制出多种画面效果，有助于自身想法的表达；2.绘制方法很特别，色层叠加的方法让他们更多关注材质和色彩的关系，注重画面色彩的发色；3.颜料调制方法需要用手指慢慢调和，让颜料和胶液充分接触，虽有些繁琐，但很多学生很享受这个过程，这有助于他们更为全面地了解岩彩材质，感受它们的自然属性；4.更为可贵的一点是，岩彩画的历史文化背景、岩彩画发展中渗入的异文化因子让学生们更深层次地认识了中国绘画的内涵和外延，并由此树立起民族自信心和自豪感，立志要把中国文化艺术发扬光大。
从绘画材料的角度谈现代岩彩画的教学，不但让学生认识了材料，掌握了绘制方法，更重要的是让学生了解了什么是中国绘画，并由此产生保护和传承发展中国传统文化艺术的责任感和使命感，这便是此教学更深层次的意义所在。
参考文献：
[1]张小鹭.现代重彩画技法[M].北京：北京工艺美术出版社，2003.
[2]张小鹭.现代日本重彩画表现[M].长沙：湖南美术出版社，2002.
绘画教学特色范文第2篇
全国高等教育实行学科调整这其中也包括美术教育，例如中国画与油画和版画等传统绘画专业，被一起合并为绘画造型专业。学生进校一年内先进行公共基础课教学，一年后再进行专业细分。这种教学调整结果等于剥夺了中国传统绘画基础教育，在中国高等美术教育中的位置，我国的传统绘画基础教育内容取而代之的是西方的基础教育内容，使中国传统绘画教育在数量上和质量上都面临严峻的考验。
二、高等教育中传统绘画教学措施
1.越是中国传统越占有中国市场
当漫步在苏州园林、凤凰古城与丽江街头等古香古色的建筑时，中国韵味让我们心灵舒畅，中国特色的纪念品到处都是，非物质文化遗产、物质文化遗产变成新的宣传口号，一个遗留下来的文化能带动一个地区经济的发展。随着人们生活的提高和艺术品市场的升温，收藏市场与传统绘画市场也带来了很多的就业机会，如职业画家以及鉴赏家和工艺美术师等。每个民族的文化都有特殊性，汇聚了丰富的世界文化。中国绘画是中国传统文化的结晶，它与西方绘画相比，其情趣和审美特征完全不同，它时而摹形状物以美感人，时而清幽淡雅超脱高逸，寄托了审美意趣，强调精、神具备的注精以一之、还强调气韵生动，不但深得国人喜爱连外国人也趋之如鹜，传统绘画有着西方艺术替代不了的广泛群众基础和独特的审美。高等院校培养的重点是职业技术能力，在人才的培养上要高瞻远瞩、与时俱进，根据的社会需求不断审查人才的培养计划，不断调整人才培养计划。对于有着广阔前景日渐升温的中国人喜闻乐见的艺术样式，例如中国画、年画、版画和漆画等，要慎重的分析科学的规划，依据现有条件和师资力量进行合理规划。
2.结合传统教学模式建立职业技能培训体系
在以前民间画工多数是师徒关系，绘画图式与绘画口诀代代传授，想运用传统的中国教育模式，重点是理解中国画与西方绘画的不同点，中国绘画重视程式和遵循作画的秩序，需要多临摹优秀的国画作品;重视画分十三科并采取分科教学的方法，因此不能求全。强调师徒相传并且师傅要多做示范，要条理清晰地剖析技法。以上师徒式的教育方法与西方分班式的教学模式区别很大，随着五四新文化运动以后，教育大众化观念被人们熟知，加上西方教育体制的引进，中国传统的师徒式教育体制显得不合时宜和落后。目前中国绘画与西洋绘画的教学方式融合，美术院校的中国画专业，也是先学素描、色彩的训练方式，造成创作效率低下。高等院校以训练学生手绘为主必须提高效率，因此科学地运用传统的教育模式采用导师制，一个导师带十几个学生手把手传授共同创作，可能是走捷径的好办法。中国绘画的教学对导师的要求非常高，导师不仅在理论上能条理清楚技法上还要能动笔示范，在修养学问上也要给学生做表率。另外，除了导师制，职业技能的考核也至关重要，通过工艺美术师的职业资格的认定和专家同行的认可，是中国传统绘画教学走向科学化的重要基础。
3.尊重艺术发展规律
绘画教学特色范文第3篇
1.从教学达到效果看，教学形势和方法毫无特色、枯燥无味，不能引发学生对色彩的学习兴趣。许多的学生缺少创造性思维以及抽象艺术的思维能力，影响了学生多元化思维的发展，同时也阻碍了学生艺术个性的发挥。
2.艺术设计专业具有自己的特征和需要。色彩是艺术设计专业的一门基础科目，它和其他各种绘画基础科目都存在着一样的共性要求，例如构图、剖析、素描、透视、次重关系等等，在学生的绘画基本功成熟之后，就要进行可以转变学生思维模式的科目练习，这种承前启后的教学模式有利于培养学生的色彩设计意识。
二、高职艺术设计专业色彩基础教学的“材料”探索
高职院校可以在色彩基础教学中试着进行相关材料的研究。使用装饰色彩练习的方法。从而激发学生求知欲，引发学生对学习色彩的兴趣，进一步提高他们对色彩的审美观念以及审美素养。在教学中转变以前传统的绘画用纸、色彩颜料等绘画材料工具，选取一些新的绘画材料和工具进行大胆的实验，绘画过程中不要过于重视对物体的真实体现，而是致力于更自由、更具体。同时更有想象力的色彩练习，从而可以拓宽学生的色彩创新能力，在色彩的体现形式上尽量实现多样化和原创性。
绘画所使用的各种纸张是不同的。彩砂纸主要是选用特殊的细水砂。韧性比较强，保护作品不容易受到损坏。因为它独有的细腻质感，比较容易上色，油画棒画在它上，色彩明丽鲜艳，画面效果强。彩砂纸分许多的色系，黑、蓝一些重颜色砂纸特别能衬托出其明立、鲜艳的色彩。彩砂纸的表面质感细腻，但是摩擦力较强，即便是进行反复的上色，画面也不会显得暗淡。在进行绘画时为了取得更显著的效果，也可以配合着使用以丙烯。艺术纸并不是单一的纸张，有不同底纹和各种颜色，可以自由的进行选取，其艺术感强烈，韧性也比较好。适于选用彩色的铅笔绘画。玻璃卡纸的两面效果是不一样的，正面是光滑的，适用于记号笔进行绘画．可以达到对比感强、色彩艳丽的良好效果。反面的纸质是比粗糙的，适用于彩色铅笔进行绘画。
三、教学反思
设计色彩基础探索的是色彩的规律，是一种抽象表达。练习的是理性思维模式。高职院校的目的是培养出具有一技之长的专业技术人才或者是可以从事设计工作的优秀人才，并不是培育出大画师或者是设计专家。这就决定了学生色彩的学习和专业的色彩练习有着显著的不同。在教学模式上，恪守从易到难、循序渐进的原则。在强调色彩规律合理进行使用的同时，重视绘画方法以及绘画手法的多样化，从而使画面的肌理画面处理得更加生动活泼。使用探索的材料绘出的作品有自己特点，从表现色彩向装饰性画面进行转变。装饰性画面的色彩比较艳丽，它摒弃了光影空间，追求平面、简单、夸张、含蓄以及抽象，在客观要求上符合了设计色彩的需求。但是，在色彩基础练习的过程中，还必须注重解决归纳之后有可能会出现的画面单一化状况。根据事物的整体感受，需要做一些符合事物色彩特点的简单化处理，根据事物的形态特点进行变形，做一些主观的色彩处理。
绘画教学特色范文第4篇
【关键词】绘本 小班幼儿 美术 应用
【中图分类号】G61 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2016）11-0174-02
绘本一般是采用图画和简单的文字，叙述一个故事，绘本中每个画面都具有很强的专业性、艺术性，它给幼儿园美术教学带来无限的生机。如何利用绘本来开展小班美术教育活动，从而调动幼儿参与美术活动的兴趣和创作热情呢？我园小班通过一学年进行“绘本在小班幼儿美术教育中的应用”的课题实践研究，尝试利用绘本开展小班幼儿的美术教育活动，充分应用绘本中的美术教育价值，引导幼儿欣赏绘本的色彩之美，激发幼儿创作的热情。
一、精心选择适宜的绘本，激发幼儿参与美术活动的热情
1.选择能吸引幼儿的绘本。小班的孩子，对一切事物充满了丰富的想象力和好奇心，对图案和色彩的敏感比成年人更加敏感。在小班的绘本教学中我发现，绘本中各种色彩艳丽的画面，特别能引起幼儿兴趣。针对小班幼儿的年龄和认知特点，我们有意识地选择了一些色彩鲜艳、画面简单的绘本提供给孩子阅读。如《好饿的毛毛虫》是一本很有创意深受小班幼儿喜爱的绘本。该绘本画面简单、色彩鲜艳、层次分明，设计的人物形态可爱，充满艺术感。当孩子们翻开书页时，就好像进入了一个五彩缤纷、无限生机的大森林，独特绘画风格和丰富美丽的色彩把孩子带进童话王国里，一下子就让孩子们爱上这本绘本。
2.选择想象力丰富的绘本。一本富于想象的绘本更能调动满足小班幼儿的好奇心和想象力。比如《爱吃水果的牛》是一本富有趣味性和想象力的绘本，故事讲述了一头爱吃水果的牛是怎样把主人和邻居的感冒治好的小故事。绘本以简单的画风和漫画的形式，让这本绘本给孩子人感受到一种轻松、愉悦的心情。简洁抽象的线条构成的画面简单易懂，只要教师稍作启发提示，孩子们就完全可以根据这些绘本画面自己讲出一个情节重叠、生动有趣的故事来。而最具有想象力是这头牛会挤出各种水果味的牛奶，画面形象生动、充满童趣、乐趣。绘本图画中创意深深吸引着孩子的同时，也给他们带来无限乐趣和想象空间。
3.选择具有美术元素的绘本。选择绘本时我们不但要考虑是否具有美术教育元素，还要考虑到是否能有效地利用这些美术元素。如：绘本《小黑鱼》就是一本包含各种美术元素的绘本，绘本中使用了印章画和水彩拓印画等方法，表现了色彩斑斓的海底世界，给我们带来美不胜收的视觉效果。有效利用绘本中的美术元素，通过欣赏绘本画面，从而有效引发孩子们大胆联想，让孩子通过看看、想想、说说、画画、印印的过程中表达自己对绘本的认知和情感，并乐于用自己喜欢的方式进行表现和创作。
二、巧妙利用绘本中有价值的资源，为美术教学活动增色添彩
1.利用儿童绘本中情感教育价值，激发幼儿自由想象。幼儿绘画有时是在表达自己的情感，有了情感才能充分激发绘画创作的欲望。如在《小黑鱼》美术活动中，我们以故事引入，让先幼儿感受到小黑鱼孤单无助的心情，再迁移幼儿的经验：小鱼该怎样合作来对付敌人呢？让孩子们展开想象来创作。在这样的情感氛围中，孩子们都能大胆表达了自己对绘本故事内容的认识，激发了他们创作的强烈愿望。
2.利用绘本中的色彩教育价值，培养幼儿的美感。不同的色彩给人不同的感觉，蕴藏着不同的情感语言，丰富的色彩更唤起了孩子情感的共鸣。如：《好饿的毛毛虫》、《想吃苹果的鼠小弟》、《大鱼和小鱼》等绘本中等都蕴藏着许多丰富的色彩搭配技巧。巧妙地利用绘本中色彩，通过观察欣赏、分享交流，逐渐培养孩子形成对颜色的敏锐感觉和美感。
三 、灵活运用绘本中的画面内容，设计美术系列活动
1.寻找独特的画面进行欣赏。根据小班幼儿审美特点选择造型独特、色彩鲜艳、构图简单的画面，引导幼儿进行欣赏。在欣赏的过程中教师应善于运用一些简单易懂的美术专业语言，引导孩子们自主地去观察、发现、对比、欣赏，并与同伴分享交流。比如绘本《好饿的毛毛虫》中的毛毛虫身上的那些色块不是画的，也不是用手撕的，而是剪的，不规则的毛边，五颜六色的色块，这样独特的形象深深吸引着孩子们，特别是绘本中毛毛虫吃完各种食物前后的画面非常适合让幼儿进行对比欣赏。
2.寻找喜欢的形象进行涂色绘画。孩子们喜欢的形象往往是绘本中形象可爱的正面人物和色彩鲜艳具有美感的物品。如：《爱吃水果的牛》中的各种水果，《小黑鱼》中美丽的大鱼和小鱼，《变色龙》中色彩斑斓的变色龙、《逃家小兔》中的小兔等。我们可以把这些形象作为小班幼儿涂色练习，让孩子们体验涂色的乐趣，同时也引发孩子们对绘本故事内容的回忆，不知不觉中孩子们掌握涂色的技能，并表达了自己的绘本内容的认识和情感。
3.寻找有价值的画面内容进行联想。如：绘本《小黑鱼》中，让幼儿思考：大怪鱼来了小黑鱼怎么办？小鱼们要怎样才能变成大鱼？小鱼和大鱼要怎样才能打败大怪鱼？从而有效引发孩子们大胆联想，并鼓励幼儿与同伴交流，鼓励他们用各种形体动作、印画等自己喜欢的方式表现和创作小鱼变大鱼的场面。
绘画教学特色范文第5篇
教材分析：
印象主义绘画是19世纪60年代在法国出现的艺术流派。在西方近现代科学的启发下，他们对绘画的光线、色彩的表现进行了独到的探索，并为西方现代主义绘画的发生创造了条件。
本课向学生介绍了印象主义绘画的许多作品，其中包括印象派，新印象派和后印象派的画。从欣赏中，使学生知道印象主义绘画探索的艺术原则和表现形式的独特风格，以及印象主义绘画尤其是后印象主义绘画在主观与客观艺术与自然的关系的革新及重大意义。
本课要讲清楚各个派系的画家、作品的名称、观念和形态的共同点和差异是什么？并重点分析画面色与光的千变万化的科学依据是什么？使学生听后感到多而不繁，杂而不乱，达到教学目的。
教学目标：
了解印象主义绘画的艺术观念，及表现自然界瞬息万变的光色效果的艺术风格。
提高对西方绘画作品的欣赏能力。
感受印象主义绘画的形式美感。
教学重点：
认识并了解西方印象主义绘画的艺术观念与风格。
感受印象主义绘画色彩变化的形式美感。
教学难点：
对西方印象主义绘画的艺术观念的理解。
教学方法：
欣赏法、讨论法、讲解法。
学习方法：
上网查资料法、总结法。
教学手段：
为了更好的完成教学目标，采用现代教学媒体棗网络查找资料，实施创设情景，激发学习兴趣；主动探索，强化独立思考意识；点拨导思，激发学生自学能力。
教学过程：
一、导入
继浪漫主义以后，在19世纪60年代，法国又出现了一个新的艺术流派，就是印象主义绘画。印象主义的画家们走出画室，直接面对自然进行绘画，他们热中于表现自然界瞬息万变的光色变化和对自然的直接感受。他们不象古典主义，浪漫主义和现实主义画家那样强调画面的故事情节和主题思想，而是受光学理论的启发，把所描绘的客观物象作为绘画研究的实验媒体，探索和表现它们在自然光下所呈现的微妙色彩变化。使得画面在色彩上有一个崭新的面貌，为以后现代主义绘画奠定了基础，创造了条件。（实物投影欣赏不同画派的作品及网上查找有关印象主义绘画的资料，请学生分析他们之间的异同点，教师最后总结引出正题。）
二、讲授新课：
欣赏印象派画家莫奈和马奈的作品。
《日出·印象》是描绘日出时在晨雾笼罩中的港口景象。该画表现一种瞬间的视觉感受和活波生动的作画情绪，以往官方学院派艺术的那种呆板僵化的色调荡然无存，注重对光色效果的追求。
《酒吧侍女》色调明快而热烈。
以上两幅作品先请同学谈欣赏后对该作品的感受是什么？最后教师总结。
总结：印象主义绘画的艺术风格是活波、生动、明快、热烈、注意光色的变化。
2、欣赏新印象主义画家修拉的作品《大碗岛的星期日下午》。
教师介绍该画的背景及艺术风格和特点：该画描绘的是巴黎附近一个小岛上风和日丽的下午，人们在悠闲散步，垂钓，游玩的场面。画家采用笔触明确，色彩鲜明的点彩画法，在绘画艺术上注意纯粹形式的分析和探索，画面显得呆板而缺乏生气。
小结：新印象主义，实际上是印象主义画派的一个分支，它流行于1880年以后的一段时间里。这一画派把印象主义绘画发展到了一个极端。他们主张绝对禁止在调色板上调和颜色，而只能以原色的小色点排列或交错在一起，让观众的眼睛自己去起调色作用，很像五彩缤纷的镶嵌画，有人称他们为“点彩派”。
3、欣赏后印象主义画家塞尚，凡高，高更的作品。
《静物：苹果与橘子》
该画中的各种物体，尽管没有像古典静物画中强调的那种真实的质感，但其坚实，硬挺而内在的形体结构给人以独特的感受。色彩单纯、响亮而饱和，在对比中又使画面富有明快的节奏感和韵六律。塞尚的这种理性分析与主观表现，引发了人们绘画观念上的变革。塞尚被20世纪的艺术家们称为“现代绘画之父”。
《向日葵》
这幅作品以包满而纯净的黄色调，展示了一个画家内心中似乎永远沸腾着的热情与活力，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久的激动。凡高那种狂放不羁的风格对后来的野兽主义绘画产生了很大影响。
《塔希提妇女》
绘画教学特色范文第6篇
一、积累学生绘画技法
高校学生在学习水彩画的前期过程中，选择临摹是提高学习效率的方式之一。从学习水彩画特点来说，学生学习水彩画是学习其精华，在掌握了这些精华后再进行创新。尽管有些人反对初学者在前期的学习临摹水彩画，原因是只关注了水彩画的规律，盲目的学习起不到任何作用。但冈布里奇在其著作中提到：“没有哪个艺术家与前辈的样式毫无关系”。这就充分地说明了临摹在水彩画学习最初阶段有着不可替代的作用。我们都知道，无论哪种形式的绘画都需要绘画者的创造精神，需要继承传统的绘画基础。学习的传统的技法能成为绘画者激发其创造力的基础，但也可能成为创新的阻碍，观念的转变主要是绘画者如何看待临摹的作用。优秀的作品会引起观众的共鸣和理解，绘画者仅仅通过观看和研读是无法领略到其中的内涵，只有经过临摹才能实现。绘画者在学习水彩画的过程中，要善于学师的技巧，并读懂其绘画语言，形成高层次的审美意识，让自己的画风显得更加自然和真实。并从临摹中得到感受到水彩画中色彩应用的魅力，以此让学生掌握到更多的水彩画表现技巧。这就需要学生重视水彩画的临摹，在教师的引导下，选择自己喜欢并适合自己的临摹范本。在各个名家的代表作品中，可以选择局部临摹和整体临摹，要逐步地深入学习。在临摹的过程中，要揣测大师绘画的具体步骤，明确大师绘画的意图。高校教师在对学生进行水彩画讲解的过程中，要将画家本人的生平事迹以及代表作品进行详细地介绍。并讲解选择水彩画范本的特点，然后教师对范本的绘画步骤以及程序进行示范，进一步指导学生更加熟练地掌握水彩画临摹的要领。总的来说，在水彩画初学的阶段采用临摹的方式，能让学生形成初步的表现模式和绘画技巧，在其脑海中形成图式。但对水彩画进行临摹并不是学生去学习水彩画的最终目的，高校学生在水彩画的临摹过程中，能快速地积累水彩画绘画的技巧和方法，使学生的水彩画更加自然和真实。积累到前人的经验后，才能为今后的绘画以及创造提供基础。
二、开拓学生视野
高校学生在进行通过对水彩画临摹后，可以在基本掌握水彩画的相关绘画技巧的基础上，对优秀大师的水彩画作品进行深入地赏析。学生对水彩画大师画作进行赏析的过程，能将直观的感受变为绘画的意识，从而有效地激发学生在水彩画上的创造力。纽曼曾说过自己的艺术教育是来自于面对真实的东西，比如一些画廊和博物馆等，这些均是纽曼的启蒙教师。学生只有真正地体验到真实存在的东西，才能形成绘画的意识，并激发其创造力。教师在带领学生对优秀的水彩画作品进行赏析的过程中，也要教会其学习水彩画的理论知识。教师在水彩画理论知识的教学过程中，讲解水彩画的发展史，学生在了解到国内外水彩画的发展史中，能提高其对学习的兴趣。在水彩画绘画过程中，色彩的调和是用水作为媒介，在水和色彩的调和下，水彩画的画面便呈现出轻快和流畅的特点。有人将水彩画比作一首抒情诗，人们在欣赏优美的画风时，便如同朗读一首抒情诗。学生只有对水彩画大师的代表作品进行深入地赏析，才能了解水彩画独特的美。近些年来，我国的水彩画展览越来越多，包括水彩水粉、水彩人物等，这些展览的开办为水彩画初学者提供了很好的学习机会。因此，高校美术教育水彩画专业教师要鼓励学生尽量参加画展，让学生通过自己直观的接触加上其感性的认识，然后理性地去分析水彩画的特点和大师想要表达的意境，从而更深一步提高学生对水彩画的认识。
三、写生到创作
学生在学习水彩画的初级阶段，属于写生，主要对事物的状态进行诠释。陈师将画表示为人类意识的符号，是人类表达事物状态的方法。所以，我们在一些大师水彩画作品中不难看出创作与写生之间的联系。大师喜欢借一些风景或者人物来抒发自己的情感。在高校美术教育专业水彩画教学过程中，写生的课程能帮助学生正确地把握事物的关系，用不同的色彩来塑造人物的形体。学生在不断地写生过程中，有效地提高了学生对色彩的把握以及如何准确塑造人物形象的能力，协调画面的色彩，能客观的反映事物。通过水彩画的色彩来塑造形体的方法有多种，水彩颜料的色彩对于其他类型的画风来说，水彩画的明亮度以及绘画中存在的偶然性都会让学生充满对绘画的新鲜感。教师在绘画教学的过程中，可以充分地利用周围环境的光源和，用不同的形式和色调进行基础绘画的训练。从而提高学生在水彩画创作中对色彩的应用，以便在绘画过程中更好地控制色彩以及更好地驾驭色彩。高校教师进行水彩画教学的最终目的是，培养出具有独立创作意识以及独特水彩绘画语言的绘画人才。这个过程包含的是学生从写生到表现的整个过程。学生在写生阶段，一般来说，水彩画写生多是遵从自然的本身来反映客观的现实，在水彩画的表现中掺加了绘画者独特的创造成分，因此，在水彩画的作品中存在较为强烈的个人诉求及其独特的绘画语言。这个转换的过程便是水彩画教学最重要、最关节的环节。在此过程中，高校水彩画专业教师要对学生进行短期的水彩画图片训练，然后对学生进行水彩构图实验以及水彩画综合材料技术和方法的实验。学生在短期的水彩画图片训练中，高校教师应该要求学生参考一些与水彩画相关的图片和照片，并进行水彩画实验。教师选择的关于水彩画的图片和照片，最好来源于个人的生活，并有体现其特殊的情感。在短期水彩画图片训练中，教师要着眼于选择的水彩画作品的图片以及照片的绘画性。在整个短期水彩画图片实验的过程中，教师应该要求学生将关注的重点放在水彩画图片或者照片的截取以及两者之间互相的组合，然后在这个过程中，从水彩画图片以及照片里提取出学生自己认为最具有强烈绘画性的信息，然后学生在画面中大量采用自己的主观色彩。短期水彩画构图实验对学生主观性的要求较为强烈，目的性也较强。在实验的过程中，教师应该要求学生针对一个题材，按照要求绘制出不同的方案，并采用不同的色调。水彩画的技法比较多，在绘画的过程中，选用的不同纸张、颜料以及不同的笔触都会在水彩画绘画过程中产生出不同的画面效果。高校教师经过短期水彩画图片训练以及构图实验教学，可以有效地让学生从写生转变为自己个人的独立创作，最终实现学生从写生到创作表现的过程。
四、结论
绘画教学特色范文第7篇
关键词： 幼儿；绘画表现能力；策略
美术教育是促进儿童身心全面发展的重要环节，幼儿美术教育近年来也越来越得到人们的重视。联合国的《儿童权利宣言》明确指出：“凡促进儿童身心健康发展与正常生活为目的的各种努力事业均称为儿童福利。”幼儿在美术教育和绘画活动的熏陶中，能够得到审美情趣的激发和思维能力的拓展。他们可以通过自己绘画的作品来描绘自己对这个世界的感受和认知，而我们也能够通过幼儿绘画作品来更好地了解他们的发展水平。但是，幼儿身心发展的阶段性特点决定了他们并不能完美的将自己对世界的认知和想法确切的表达出来，因此幼儿美术教育的任务之一就是要培养幼儿的绘画表现能力。
一、 幼儿绘画表现能力呈明显的差异性
幼儿的世界丰富多彩，他们绘画的内容与形式也变化万千。一般来说，幼儿绘画表现的能力随着年龄的增长是逐步上升的，但其能力的发展会存在着个体差异。从年龄划分的话，我们可以讲幼儿会发展分为涂鸦期（3岁以下）、象征期（3～5岁）和图式期（5～7岁）三个阶段。
1. 胡涂乱画的涂鸦期阶段
这一时期的幼儿，刚刚脱离牙牙学语期，或者已经进入幼儿园小班的学习生活中，正是对世界充满好奇的年龄。他们时常会拿着画笔在地上、墙壁或者纸上胡乱涂画着一些简单的、不规则的线条。这些线条虽然谈不上主题和构图表现，更谈不上色彩的运用，但也代表了幼儿对周围世界的探索。
2.初具意识的象征期阶段
这一时期的幼儿已经进入幼儿园中班，他们已经能够组合一些简单的线条和几何图形，能够识别红、黄、蓝等主要色彩。该阶段的幼儿能够有意识地创造属于自己的视觉形象来表现自己，其绘画的形象多是抽象的象征符号，大小、位置、空间无法可循。稍大些的幼儿有的能够很好的控制颜色的运用，并表现一定的主题。
3. 可完整表现的图式期阶段
在图式期，进入大班的幼儿已经成长到能够有意识的通过绘画来表现周遭现实生活的阶段，其绘画作品能够抓住事物的主要的突出特征，对线条和几何图形的运用更加流畅。幼儿在创作人物形象时，人物作品的性别、高矮胖瘦、四肢五官、衣物色彩、背景装饰等细节特征，都能准确的表现出来，画面中事物间的位置关系和层次感也更接近客观，作品的主题表达更为完整、构图也更有章法。
二、影响幼儿绘画表现能力的主要因素分析
除了上述年龄和性别等个体因素能够影响幼儿绘画表现能力外，还有以下不可忽视的因素：
1. 绘画主题
幼儿在进行绘画时，多会根据自己所熟悉的现实生活来表现绘画主题。对绘画主题的熟悉程度不同，绘画的表现也不同。例如让两个同是6岁的男孩来表现绘画主题“在游乐园玩”，其中一个男孩只对滑梯滑下海洋球池感兴趣，其绘画的作品中画面只有一个长长的滑梯，下面是个很大的海洋球池；而另一个小男孩因为兴趣更多，很大能将蹦床、秋千、滑梯、小朋友等都画进画面。生活是幼儿创作的源泉，对同一生活主题有不同的熟悉侧重点，他们绘画的表现内容也会有所不同。
2. 绘画工具
工欲善其事，必先利其器。用这句话来描述幼儿绘画虽过于郑重，但也说明绘画工具材料的运用对幼儿绘画成效与美感表现的重要性。不同的画会用到不同的工具，需用特殊纸张、特制笔和颜料的中国画对于幼儿来说还比较困难，而油画棒则比较容易掌握，也更为很多幼儿所喜爱。因此，能够灵活正确地应用各种必不可少的绘画工具，对幼儿的绘画表现力也至关重要。
3.绘画方式
线条符号、形状轮廓、色彩运用、构图安排等是幼儿绘画的基本方式手段，对这些手段如何运用也会影响到幼儿绘画表现。幼儿会通过曲线、直线、变形线条来进行绘画来表现自己的认知，也能将简单的形状（圆形、方形、三角形）组合成越来越复杂的形象；他们会把自己喜欢的事物、人物涂上暖色调，如果不快乐了就可能涂一大片黑色；随着绘画水平的增长，绘画表现能力越来越高的幼儿还会在画面中表现出基底线，通过布局来让画面更有序、更饱满。
4. 幼儿本身的创造力
还有一个不可忽视的因素就是幼儿本身的创造性。幼儿的世界时新奇和有趣的，他们在创作绘画作品时，会基于自己的记忆自由随想。他们完成的作品在成人看来可能是难以理解的“四不像”，但却是属于幼儿自己的创造性的活动。每个幼儿的生活环境不同，创造力也不尽相同，同一个幼儿在不同年龄也会有不同的创造性，这些都会使得他们的绘画作品呈现不同的表现形式。
三、 如何来培养幼儿绘画表现能力
培养幼儿绘画表现能力，前提是教育幼儿绘画的教师应该是专业的，具备专业的素养。教师要善于发现和挖掘幼儿的创造力，掌握科学的有效的绘画教学手法，对幼儿绘画作品要能够正确评价，只有多方综合才能真正培养提高幼儿绘画表现能力。简单来说，就是要做好以下两个大的方面：
1. 激发幼儿兴趣
幼儿在创作作品的过程中，其实是一个既动手又动脑的过程。一幅作品的完成，会带给幼儿极大的满足感和成功体验，满足了他们对于这个世界的表现欲。教师要为幼儿绘画提供良好的环境和氛围，教给他们应用油画棒、水彩笔等各种绘画工具和各种颜料、纸张的运用方法，培养他们表现自己的兴趣和欲望。
幼儿的天性是玩，如果只是死板地要求幼儿乖乖坐下长时间的进行绘画创作，他们很快就是感到无趣和无聊。因此，教师要通过游戏等完了活动为他们创造宽松、愉快的创作氛围，引导他们保持住对这个世界好奇，充分发挥他们的想象力和创造力，让他们无拘无束、无忧无虑的进行绘画创作。
2. 培养提高幼儿绘画技能
相对来说，幼儿绘画创作应用的手段比较简单，主要是线条、形状和颜色的运用。但是，如何将这些简单的元素组合到一起，来表现幼儿丰富的内心世界，则是教师应该考虑的问题。因此，如何激发、保持和培养提高幼儿绘画的兴趣外，还应该对他们进行绘画技能的正规训练，教给他们基本的绘画技巧，依次来更准确合理的表现自己。
另外，教师还可以教给幼儿基本的透视法，通过实物教学的方式，让幼儿从不同的视角感受初步的透视原理，来提高幼儿的绘画技能。
参考文献：
[1] 刘宾，闵兰斌. 3～4岁幼儿的绘画特点及其教学建议[J].学前教育研究.2012（02）
[2] 秦芳.4～5岁幼儿绘画语言中色彩的情感表达[J].美术教育研究.2013（02）
[3] 王大根.如何教授幼儿阶段的绘画？[J].美术观察.2013（06）
绘画教学特色范文第8篇
关键词:中国画;色彩;传统绘画;颜料;文化;美学特征
中图分类号:J206.3文献标识码:A
On the Application of Colors in Traditional Chinese Painting
LI Jun
(College of Fine Arts, Shaoxing University, Shaoxing, Zhejiang, 312000)
综观东西方绘画的源头,无论是从“旧石器时代”晚期法国和西班牙先民创造的原始洞窟壁画艺术还是遍布中国大江南北的原始岩画看,色彩在绘画中的应用年代最早可以推至四至两万年之间① 。但从色彩使用的理念上一开始就已经凸显出东西方绘画的分野,以阿尔塔米拉洞窟《受伤的野牛》为例,先民们以有限的色彩(红、黄、褐、黑等)进行明暗晕染,使其作品具有体积感和气运感②。而从中国云南、广西等地现存的大量原始岩画看出,东方的先民们也是用同样有限的色彩描绘大自然和他们的生活,但是使用色彩的理念和方法却大相径庭,他们将色彩在岩壁上或平涂或勾线,以符号化的方式塑造形体,以简洁、流畅的语言记录生活或表达美好理想。但是原始岩、壁画,受自然条件和审美理念所限,色彩的开掘和使用也仅仅是个端倪。
真正意义上的绘画自从人类进入封建社会到今天的辉煌已经走过了五千年的历史,在这个漫长的过程中,色彩的产生和使用,以及它在绘画的每个阶段中所具有的特殊使命却不仅相同。相比较西方绘画(特别是文艺复兴以后),不了解中国绘画哲学的人对中国绘画色彩的使用有“不科学”的嫌疑,孰不知中西绘画在最原始理念上造就存在根本的区别,所以色彩在绘画中的使命也就有了根本的不同。但是存在这样一个事实:中国先民在数千年的艺术长河中,在追求审美理想的同时已经完善了具有东方文化特色的色彩体系,有整套非常严谨的制色和用色方法,正因为有了这一严谨和科学的色彩体系,才给我们留下的非常灿烂的文化遗产。像敦煌石窟、永乐宫壁画艺术和难以计数的优秀的卷轴画艺术和民间绘画艺术像璀璨的明珠闪烁在世界艺林当中。
绘画进入文人画时代后,有关于传统“色彩学”的文化遗产在以“水墨”为主流的画坛中出现了严重的“丢失”现象。我们在欣赏古代绘画优秀名作的同时,谈到传统绘画的色彩和相关材料的使用方法时,很少有人敢于问津。更让人扼腕痛惜的是,我们所丢失的文化遗产在日本国完全能找到答案③。中国绘画传统颜料的制作技术与使用方法随着大量汉文化的输入已经转换成了日本的传统文化,并且得到了长足的发展。眼下国人所使用的借鉴国外经验生产的锡管颜料虽说方便,那也只不过是比较粗制的代用品而已,颜料本身的品质与传统相比,相去甚远。国人对绘画程序的简单化,更是让人担忧。我们给后代留下什么样的艺术遗产,从绘画材料的角度分析,能经久多远,应该是到了引起中国绘画界广泛关注和深思的时候了。
一、传统色彩在中国绘画中的地位变迁
从视觉的角度观察,自然界的外表是由多种复杂的色彩构成的。自然界中的色彩本身对人的感官有特殊的刺激作用,这种作用充分表现在人对色彩的一种情感偏好,反过来又形成人的联想,这就是人类对自然色彩的美感体验。中国绘画中的色彩使用受传统“太极”学说中“五行”和“阴阳”思维的影响,从而产生具有东方民族特征的用色理念。“中国五行学说中就有青为木,赤为火,黄为土,白为金,黑为水之说;在运用墨色时又有浓、淡、焦、湿、干之说,这些都体现出五行学说与中国画发展的直接关联,并以此影响了中国画家对色彩的认识,形成‘五色’观念。”④ 王微在《叙画》中的“绿林扬风,白水激涧”,就是通过对自然中的“绿”和“白”的体验而产生的主题意境。新石器时代的彩陶艺术和岩画艺术是人类在劳动过程当中创造的第一批艺术作品。抛开它的造型,就装饰效果而言,色彩的地位是至高无上的。由于生产力的低下,人们只能就地取材,用红色铁矿土、白色垩土、黄色泥土和黑色木炭等“颜料”在彩陶上和岩壁上描绘他们对大自然的体验,同时表达他们朴素的爱美情结。
真正谈到具有绘画意义的色彩,要推到汉唐以后了,从考古发掘的河南洛阳西汉墓室壁画《鸿门宴》、河北密县东汉壁画《百戏饮宴图》和长沙马王堆出土的西汉墓室帛画中可以分析出除以上色彩以外还有紫色、赭石、绿色、蓝色等,色彩品种增多,质量也有所提高,并且胶矾粘和的技法也已形成。专家在考察西汉墓室“T”形帛画的用色时发现:“颜色错综调配,所用主要是朱砂、石青、石绿、白粉等矿物颜料,其中也有植物颜料……,色调搭配上,无不经过匠心设计。最突出的是颜色的间隔使用。”⑤帛画在色彩应用上主要以平涂为主,间有不同深浅的同类色,并且开始用比较丰富和厚重的色彩表达一定的主题。从而可以得知绘画颜料的研制和使用在汉代已经奠定了坚实的基础。
汉以后随着佛教的传入,在新疆克孜尔、甘肃敦煌、天水麦积山等地兴盛佛教壁画,伴随着佛教的传入,境外佛教绘画艺术和制色工艺也随之传入,促使中国绘画色彩从研制到使用进入了空前辉煌时期,加上本土工匠的智慧,极大的丰富了中国绘画的色彩表现空间。南、北朝时期,在壁画中以石青、石绿为主要色彩,同时以胭脂、靛蓝、草绿等植物色作为辅助色彩。所以,整个画面表现出浓郁的冷色调。隋唐时期的壁画色彩种类较多,表现技法灵活多变,色彩的应用在佛教壁画中进入了全盛阶段。另一方面从发掘的唐代墓室壁画的资料中分析,除了石青、石绿、赭石等矿物色外,朱砂、石黄也已出现,而且在应用当中出现间色和色彩的深浅变化,还有晕染、渲染等染色技法。
唐代张彦远在《历代名画记》中描述了多种颜色的名称及产地:“武陵水井之丹,磨磋之砂,超之空青,蔚之会青,武昌之扁青,蜀郡之铅华,始兴之解锡,研、澄汰、深浅、轻重、精,林邑昆仑之黄,南海之铆……煎并为重彩,郁而用之。”著名画家刘凌沧先生对此有这样的描述“……从纯色的品种论之,也不过九种,但由于画家的技术精进,各色互相配合,出现了‘间色’、‘复色’和‘邻接色’,色彩的情调丰富起来了。现存的作品如张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》(宋赵佶临摹)莫不绚丽多彩、明快协调,呈现出绮丽的风姿”⑥。除此之外,从现存唐代阎立本的《步辇图》、五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》、宋代赵佶的《芙蓉锦鸡图》、王希孟的《千里江山图》以及大量的宋人花鸟画等重彩画作品中可以看出,虽然中国绘画以勾线染墨为基础,但是色彩在绘画中的地位是至高无上的。明代的杨慎在论及中国绘画的颜料类别和施色方法时说“色彩有七十二种之多。”五代画家荆浩说:“红间黄,秋叶堕。红间绿,花簇簇。青间紫,不如死。粉笼黄,胜增光。”关于色彩在绘画实践过程当中的审美体验,在隋唐、五代已形成比较朴素的共识。
由此可见,剔除或弱化色彩的唐代绘画,将是无法想象。唐、宋应用色彩在绘画中取得的成就在美术史上可以称得上非常壮丽的艺术篇章。谢赫在“六法论”中提出的“应物象形,随类赋彩”在唐宋绘画中得到了具体的贯彻。
在以宫廷和民间画工用色彩体现绚烂的唐宋绘画达到盛极的同时,另外一个以水墨为基本语言的士人绘画阶层已经酝酿成型。诗人王维将诗意融入绘画,提升了绘画的审美层次,同时也引发了新的画派的产生。自宋元起,大量士人参与绘画创作,使中国绘画面貌发生很大变化。士人的参与,使绘画不再具有“成教化,助人伦”的社会功能,同时也不再充当统治阶级用来粉饰太平的工具,而是画家借绘画中的物态来达到“抒情言志”的目的。在这个转型过程中,文人画家为了方便于“抒情达意”,往往简化传统绘画的“烦琐”程序,从绘画理念到工具材料的选用,再到作画方法等,都以方便于“写意”为前提。其中,遭到重创的是中国绘画的色彩体系,文人对色彩的偏见,受老庄“色能乱性”、“五色令人目盲”等学说的影响,所以选择水墨体系将是最恰当的选择。文人画在元、明、清三代占据中国绘画的主流,从艺术发展的潮流来看,文人画在继承传统绘画精髓的基础上,融诗词、书法、金石于一体,在世界艺林当中创造了中华民族独特的审美形式。但是过分地关注水墨、贬低绘画的其他形式,导致重在色彩表现的宫廷绘画、民间绘画逐渐边缘化,传统的制色工艺和独特、严谨的作画方法经过几百年的衰变,现已几乎完全失传。
在文人画盛行的元、明两代,民间工匠为中国绘画做出的最大贡献要数建于元泰定二年(1325年)的山西永乐宫道观壁画和建于明正统四年(1439年)的北京西郊法海寺佛教壁画。如果说敦煌莫高窟壁画融会了西亚健陀逻艺术的风格形成了自己的色彩体系,那么,永乐宫、法海寺壁画则应该算是纯粹的“中国式”壁画艺术,其色彩的使用完全遵循中国的绘画范式。永乐宫壁画采用重墨勾线,重彩厚填法,合理使用多种天然矿物质颜料,并且创造性地使用了“堆金立粉”、“雕金”、“拨金”等技法,既使画面整肃大气,又尽显绘画材质本身的美感。法海寺壁画相比较永乐宫更加精致富丽,采用勾填与勾勒相结合、厚涂与薄染相结合的方法,绘制工整细腻的程度堪称民间工笔重彩画的最佳代表。
二、中国传统绘画色彩学研究的迷茫与东瀛绘画材料学研究的繁盛
中国绘画色彩的研究在整个清代处于一种停止状态,绘画色彩的使用范围主要集中在民间寺庙道观的壁画和建筑装饰当中。鸦片战争以后,资本主义萌芽开始在我国东部沿海城市出现,伴随着国门的打开,国外的绘画材料不断输入市场。进口颜料相比较我国的传统颜料,由于使用了合成色技术,所以色彩的种类比较多,同时也方便使用。但是进口颜料或其他锡管颜料只能是一种代用品,除了方便使用以外,其品质与传统颜料相比相去甚远。中国传统颜料主要以石青、石绿、朱砂为主,这些颜料品质优秀、在各种环境之下都能保持其本色,稳定性极强。传统色彩在绘画中的地位是有目共睹的,但由于取材于天然矿藏,原材料的采集量十分有限,加工厂家的成本高,产量低,另外价格极其昂贵,所以导致绝大部分画家很少问津这个领域。另外,传统矿物质颜料在使用过程中必须要有一定的成熟经验和严密程序,比如胶矾的使用、支持体的制作以及与植物色的结合等等,实际上是一个非常完整的系统的工程,这个工程的“烦琐”让一般画家望而却步。当然还有一个不可忽视的原因是画家对传统颜料的概念没有足够的认识。致使传统绘画的色彩没落到几乎无人知晓的极点。
“日本绘画是在通过朝鲜半岛传入日本的中国北魏佛教带进的大量其它中国文化受其影响而形成的,在相当长的一段时间里,以庄重、协和美为特色的追求也就构成了日本绘画无形中的理论核心。”⑦ 日本早年的绘画与中国没有太大区别,因为日本在晋唐时期的文化交流中完全继承了中国绘画的传统。在绘画原材料的使用上与中国毫无差别,而且像石青、石绿、朱砂等的产地仍然在中国,甚至连名称都没改变。他们非常重视研究和保护中国传统绘画的色彩学体系以及程式化的使用技法。在中国水墨画兴盛的很长一段时期,他们对传统颜料的加工制作和绘画技巧的研究方面一刻也没有停止过,并且有了长足的改进和发展。
相比较中国,日本的颜料矿藏相当匮乏,但是为了保持传统绘画使用粉状颜料调胶的特色不变,他们在向世界各地寻找矿藏之外,用高温结晶的办法产生与天然矿物质颜料相类似的代用品,其品质高贵,而且品种多达百十种,这是对传统绘画颜料的极大补充。
另外,箔产品的研发、支持体构造的不断改进、黏合剂的合理使用等因素单从绘画的制作方面保证了作品中色彩品质的充分展示。近年来,中国绘画界的有志之士,从理论研究的角度出发,开始思考这个问题,试图在流失多年的传统绘画的色彩方面重新打开一个门户,虽然起步较晚,也没有真正找到研究的方法和途径。但只要我们面对现实,不耻于向他国学习和民间学习,中国绘画传统色彩定会重放光彩。
三、解析绘画颜料的制作传统,拓展适合现代绘画的色彩空间
在当今画坛中有关于中国传统绘画色彩的研究尚处于十分薄弱的初级阶段,早在20世纪五、六十年代,中央美术学院王定理先生结合自己几十年的考察、调研、教学和实践经验,参考古代画论中的对中国绘画用色的相关述论,编写过一册《中国画颜色的运用与制作》,对后期的同类研究,具有一定的指导意义。今天要谈色彩的开拓与发展,有必要对传统颜料的矿藏分布、制色方法及使用程式法则做简单的探究:
1、石色
据分布在我国北方的大量石窟壁画和道观壁画资料分析,天然矿物色的使用十分广泛,既然天然石色如此名贵,何以大量使用在古代绘画当中呢?原因是在古代,绘画充当了宗教崇拜和理想寄托的最佳载体,它以最直观的图式承载了人类的最高精神境界与追求。绘画(特别是宗教壁画)在人们心目中具有不可替代的神圣地位。其次,古代绘画(特别是宗教壁画)的设计制作属公众行为,它的投入由政府、公众、有钱的绅士来解决,所以保证了绘画的材料投入。官宦人家墓室帛、壁画的资金投入自不必说。另外,石青、石绿等原材料来源于铜矿石,古代的冶铜技术均以小规模的手工为主,而石青、石绿原材料本身是一种非常纯净诱人的结晶体,所以在开矿、冶炼的过程中很容易分离出(现在的工业开采与现代化的冶炼技术则很容易将这些“宝贝”一同送入炼炉,加上无人识货,更无人“操此闲心”)。对这些名贵石色矿藏,王定理先生五十年代作过调研。朱砂,主要分布在我国云南、湖南、湖北、四川、贵州、甘肃等省,除了绘画使用之外,一般作为药用,所以中药店能购到此物。石青、石绿在大小铜矿中均有所藏,在国内主要分布在广东阳春和湖北大冶等,但是矿藏的不同,其品质也有高低之别。
所有石色均有一套细致的研漂方法,其中朱砂色的制作,首先用“淘”的方法除去原料中的杂质;其次用“澄”的方法将研细的原料加入胶水进行一定时间的沉淀,颜料中较轻者浮于上面,较重者沉于下面;在用“飞”的方法将浮在上面较轻的颜料离出⑧ ;如果使颜料更纯净,则讲下沉的颜料加水加胶,搅动后,再沉淀,再离出上浮颜料,如此反复几次,可以将朱砂分为头朱、二朱、三朱,最轻、且偏暖的颜料则是朱膘。石青、石绿的研制方法与朱砂类似,首先是将原材料除去杂质,然后置入乳钵(现在有小型球蘑机)进行研磨,待研成粉末,且色度变浅时再加水研磨,等到没有明显的颗粒时再加入胶水研磨,最后用“漂”的办法,加入胶水搅动,沉淀,将浮色离出,再搅动沉淀部分,再离出上浮部分,如此反复几次,可产生头青、二青、三青,头绿、二绿、三绿。其他如赭石、石黄等颜料的制法亦如此。
2、水色
所谓水色,既是透明度比较高,大多以植物的花、叶或以某些植物体液为原料。传统的水色有胭脂、花青、藤黄等色。胭脂除了绘画之外,是古代妇女化装用的一种颜料,取材于红蓝花、紫梗和茜草的汁液熬制而成,胭脂色沉稳且有喜庆气。花青在绘画中的应用较广,取材于专门生产靛蓝的一种植物,西南少数民族仍用发酵法获取靛蓝,沉淀后加少许胶便成花青,色泽沉稳耐看,包括以水墨为主的文人画家也喜用此色。藤黄是一种有微毒的中药,国内原料大约产自我国的西南边陲,是一种热带落叶乔木由树皮凿孔,取其黄汁,待干透后变成晶体,用水研磨即可使用,其色泽亮丽,透明度较高。
3、金、银箔
金、银箔富丽堂皇的品质,受到古代画家的青睐,被广泛应用于人物写真的服饰等方面。金、银箔是用真金银加工锤成,现在的工艺将此设计为十公分见方的箔片,每一百张为一具,按十具为一包计算单位。古代画家除了人物服饰以外,还用于工笔重彩画的打底之用,近代画家任伯年在绘画中多用此法。金箔的种类按品相和色泽分为紫赤金、库金、大赤金、田赤金等。银箔较金箔价值低廉,但很容易被氧化,最终变为黑色,但在氧化的过程中,会产生非常美丽的色彩,巧妙使用,妥善固定,可以在画面上产生奇妙的效果。
目前,我国的金银箔生产厂家仅江苏南京一家而已,生产的种类也仅有金、银、铜、铝、锡等数种,而箔的使用范围则主要集中在寺院、道观的塑像贴面和民族建筑的装饰方面。绘画当中的使用则少之又少。而日本则在继承我国箔技术的基础上,已经将种类拓展到几十种被广泛应用于绘画当中。
近年来,中国绘画界在色彩的拓展方面开始进入了实验阶段,实验阶段的“岩彩画”虽不算成熟,还完全没有恢复到民族特色上面,但已经开始在绘画中尝试箔等多种材料的介入。箔的使用方法主要有贴金和泥金两种,贴金就是用专用箔夹将金、银箔用胶矾水粘贴在所需之处,可以整张贴,也可以根据位置的大小将箔裁剪后再贴。泥金是将金箔用加胶研磨的办法制成粉末,再调胶当颜料使用,古代的金碧山水画和工笔人物的服饰等也常常在关键的地方用泥金做最后的勾勒,起到了在华丽的基础上更加富贵的目的。近现代的花鸟画家也用泥金可以勾描富有装饰味的花卉翎毛。
4、蛤粉及胶矾
蛤粉及胶矾的正确使用有利于矿物质颜料及其它材料充分发挥其材质本身的魅力。蛤粉(日本称胡粉)是一种在海滩风化多年的蛤蚌壳经研磨后制成的白色粉末(现代制粉方法简单,将新蛤蚌壳埋于地下,若干年后取出,亦可研磨),经过加胶特殊调制后,成为绘画打底用的良好材料,亦可当白色使用,其特点是细腻、洁白,永不褪色,附着力强。除了水墨画之外的所有绘画,都离不开胶矾的使用,它的作用是将所有颜料和其他材料牢固的黏附在画面上。正确的使用,可以充分体现材质本身艳丽明快的特色,反之,损伤材料的本质,使之黯然无光。唐代张彦远在《历代名画记》中对胶的产地和种类有一段记载:“云中之鹿胶,吴中之胶,东阿之牛胶,取其精华,接而用之,百年传致之胶,十年不剥。”日本绘画用胶特别讲究,胶的品质优于我国。在我国工业明胶和食用明胶均可用于作画。明矾或称白矾,是半透明的晶体,味涩,易溶于水,盛产于安徽芦江。胶矾按一定的比例和方法调制成溶液,广泛使用于将生纸、绢矾熟、,打底,固色等作画过程当中。
中国画传统颜料的研制和使用方法并非以上言论所能涵盖,在传统绘画中还有很多未曾经传记载的大量的民间土制颜料和难于用文字表述的多种绘画技巧。这是本领域研究的富藏区,如果色彩的研究广泛涉猎民间这个领域,对于延续我国传统文化,开拓新的色彩前景将有非常重要的意义。
古典画论中有关于色彩的描述语言生涩且缺乏严密的系统性,建立一个比较完整的中国绘画的色彩体系,必须对传统文献做一系统的梳理,在继承传统的基础上,努力开拓更加广泛的绘画色彩领域。国内部分高等学校将包括颜料在内的绘画材料为新的课题进行积极的研究探索,部分像江苏姜思序等传统颜料工厂根据时代的发展,努力拓宽视野,借鉴国外的先进经验,其产品逐渐得到相关画家们的赞誉,从他们的成就中我们已经体验到中国绘画颜料从传统的延续到未来发展的曙光。
“随类赋彩”的概念是中西绘画使用色彩的根本区,中国绘画中每种色彩的使用都是一种情感的投入,色彩本身的品质将直接关系到作者的意境的表达和作品的审美情趣。所以重视研究传统色彩在绘画中的应用将具有十分重要的意义。(责任编辑:楚小庆)
① 李浴《西方美术史纲》,辽宁美术出版社,1984年版,第3页。
② 李浴《西方美术史纲》,辽宁美术出版社,1984年版,第6页。
③ 胡伟《绘画材料的表现艺术》,黑龙江人民美术出版社,2003年版,第10页。
④ 范瑞华《中国画向何处去》,国际文化出版公司,2002年版,第27页。
⑤ 《西汉帛画》,文物出版社,1972年版,第3页。
⑥ 王定理《中国画颜色的运用与制作》,台北:艺术家出版社,1993年版,第7页。
⑦ 梅忠智《20世纪花鸟画艺术论文集》,重庆出版社,2001年版,第481页。
⑧ 王定理《中国画颜色的运用与制作》,台北:艺术家出版社,1993年版,第105页。
参考文献: