千与千寻评价
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千与千寻评价范文第1篇
时 间：2013.09.01
场 馆：昆明国际会展中心
票 价：RMB280——RMB580
简介： 久石让，中国年轻一代的动漫迷们都不陌生：宫崎骏的《天空之城》《龙猫》《魔女宅急便》《千与千寻》《悬崖上的金鱼公主》等多部动画电影配乐皆出自他手。一位是日本动画电影的领军人物，另一位则是被誉为“东方威廉姆斯”的日本电影配乐大师，宫崎骏和久石让的作品足以让观众百听不厌。这次音乐会我们将以室内弦乐重奏的形式来完整演绎两位大师的电影音乐作品。室内乐要求演奏者有较高的演奏水平，能独当一面，又相互配合，共同创造美感。室内乐的高雅、和谐和丰富的表现力是其他音乐形式所不能比拟的。
用旋律翻开另类童话的回忆
久石让，中国年轻一代的动漫迷们都不陌生：宫崎骏的《天空之城》《龙猫》《魔女宅急便》《千与千寻》《悬崖上的金鱼公主》等多部动画电影配乐皆出自他手。一位是日本动画电影的领军人物，另一位则是被誉为“东方威廉姆斯”的日本电影配乐大师，宫崎骏和久石让的作品足以让观众百听不厌。
“幸福感”这是很多乐迷给予久石让的最高评价，不止一次会怀疑，那旋律中所描绘的魔幻世界是否真的存在过或仍然存在着。他的多数作品都是饱含温柔的抒情之作，缓慢，哀伤，却又有明艳的色调。都市人面对生活与工作的压力，而久石让的音乐便很好地提供了一个释放的出口。这次音乐会我们将以室内弦乐重奏的形式来完整演绎两位大师的电影音乐作品。室内乐要求演奏者有较高的演奏水平，能独当一面，又相互配合，共同创造美感。室内乐的高雅、和谐和丰富的表现力是其他音乐形式所不能比拟的。
音乐会精挑细选出来的每一首作品都将感动演绎到极致。演奏内容是根据原曲，并邀请优秀作曲家富有针对性地重新做了编配的，打造成了完全适合于室内乐及弦乐四重奏等演奏的版本：充满天真童趣的《龙猫》、弥漫着时代的空灵与神秘的《幽灵公主》、音乐色彩斑斓又不失大和民族特色的《千与千寻》、糅合了美国乡村音乐与民谣风格的《魔女宅急便》等，可以说是将散落的宝石精心串联起来了；其中的配乐可以说是不俗但是易懂，旋律给人独特的情感享受，有很大的年龄宽容度，不同的观众都可以从中得到美妙的体验。绝对可以让大家重温经典，进一步加深对大师作品的理解，获得真正美好的享受。这一夜，久石让？宫崎骏动漫作品音乐会将带着我们，乘着娜乌西卡的飞行器穿越过风之谷，徜徉在幽灵公主出没的、萤光闪烁的山林中，再搭乘安静的旧式火车滑过寂静水面，奔向奇妙的神隐之乡……
《卡门》
时 间：2013.09.19-2013.09.20
场 馆：北京展览馆剧场
票 价：RMB100——RMB1000
简介：这是21世纪最为引人入胜，最富有戏剧性的舞蹈表演。他融合了西班牙舞蹈根深蒂固的节奏和现代形式的丰富和光彩，使全剧充满了诱惑，热情和活力。卡门，想要自由游戏于爱情的世界不受任何道德的约束！军士荷西想要囚禁于道德的世界接受一切世俗规范！个性迥然的两个人却在广场的骄阳下相遇热恋，但是“我欲爱则爱，我欲恨则恨” 是卡门的人生信条。
《活着》
时间：2013年09月06日 -2013年09月11日
地点：南京人民大会堂
票价：RMB480——RMB1280
简介：作为“中国最享誉世界的作家”余华最广为人知的一部作品，小说《活着》在其诞生20年之际被搬上话剧舞台。由当代剧坛最具影响力的戏剧导演孟京辉执导、中国知名实力派演员黄渤、袁泉领衔主演的话剧《活着》将在锦城艺术宫上演。2012年秋季在中国9个城市巡回热演，连创票房口碑双重佳绩，轰动华语剧坛。该剧将魔幻现实主义、写实主义、超现实主义等种种不同的艺术风格杂糅在一起无缝展示，以一种昂扬的姿态举重若轻地诠释了"以笑的方式哭，在死亡的伴随下活着"。带您见证中国当代戏剧的最高水准。
《一起来听民谣吧》
时间：2013.07.18-2013.09.30
地点：梦之旅青年旅舍
票价：免费
简介：喜欢一首歌很多时候不是因为喜欢只是换一种方式去怀念某个人或事。每个来到这里的人，或许是从了一颗想流浪旅行的心，或许是从了一个想骑行川藏超越自己的梦想，或许是从了一段命运的安排或者缘份的宿命。但无论我们从了什么 信了什么 选择了什么，至少，某个夜晚，在成都的这个角落我们可以遇见彼此。请停下匆匆的脚步 ，一起吟唱青春的美好、现实的无奈、不朽的梦想；一起学会和往事干杯。你就从了想让你陪我一起听民谣的愿望吧。
《猫》
时间：2013.08.10
地点：广州体育馆
千与千寻评价范文第2篇
【原名】《崖の上のポニョ》
【英文片名】Ponyo On The Cliff By The Sea
【导演/原作/剧本】宫崎骏
【音乐】久石让
【主演】奈良柚莉爱 土井洋辉 山口智子
【制作】吉卜力工作室
【片长】102分钟
【上映时间】2008年7月19日
【内容简介】
5岁的宗介生长在海边小城，他的家就在临海的悬崖上。一天，宗介捡到了一个被海浪冲上岸的废玻璃瓶，里面有条受困的小金鱼。小金鱼名叫波妞，她是人鱼女王的女儿，偷偷驾着水母溜出来玩的时候撞进了瓶子里。宗介把波妞带回了自己家，养在塑料盆里。波妞在宗介家过得很愉快，她很喜欢宗介，宗介也喜欢她。然而，快乐的日子很快就过去了，波妞的爸爸藤本把女儿带回了海底。藤本原是一个渔夫，后来和人鱼女王相爱成了海底的主人。
波妞回家后，十分思念宗介，她做出了一个大胆的决定――她要变成人，和宗介在一起。在妹妹们的帮助下，波妞偷出了父亲的法宝，向人类世界游去。不料，蕴含着危险魔力的生命之水失控了。于是，海水暴涨，暴风狂作，妹妹们变成了可怕的巨型鱼，海浪向宗介一家所在的悬崖扑去……
海边小城被淹没了，波妞没想到自己的美好愿望竟然招来了这样的大祸。她能挽救宗介么？
入冬以来，发现自己越来越唠叨。也许因为气温太低，缩手缩脚，笔意不畅，写文章也越来越冗长。某日打开新到手的一期《新作文》，翻至“漫舞营”，忍不住长太息，曰：“就死就死……”
诸位勿惊，实乃“旧事”二字，在南方呆的久了，这个“h”时常被省略掉。转回一开始的话题，其实是嘉木正在自我检讨：怎么又写到老黄历去了。
时代在进步，作品在更新，评论也要与时俱进，于是嘉木振臂一呼：“我要革新！”毅然决然放下正在研读的《天是红河岸》，改投新番门下。
话说比较新的作品，这个，嘉木不自禁地数了数指头，指头当然只有十个，但是作品就很难数出个子丑寅卯来，难道要拿《功夫熊猫》出来？不是我歧视美国动画，实在是鄙人古老守旧的审美眼光，欣赏不了这样嘻嘻哈哈的风格。
不过说到电影，倒是有一位大师刚刚出了新作品，不妨拎出来晒一晒。
宫崎骏(宫崎骏，Hayao Miyazaki)，日本著名动画片导演，被迪斯尼称为“动画界的黑泽明”，获奖无数，动漫领域里无人不知的传奇人物。他是继铁臂阿童木的创造者手冢治虫后，日本最出色的织梦者。
他自上世纪六十年代就开始参与动画制作，八十年代担任监督，从《风之谷》、《龙猫》到《魔女宅急便》、《幽灵公主》、《千与千寻》、《哈尔的移动城堡》，几乎每一部作品都是经典。可以说，他去年推出的新作《悬崖上的金鱼姬》是年度最受瞩目的作品之一，而且和同样受到强烈关注的柯南剧场版相比，得到的评价要高出很多。此片在日本481家戏院上映（国产电影的纪录），上映首日票房达到纪录保持者《千与千寻》的83%。上映三日票房收入达15亿日元，都是很骇人的数字，受欢迎的程度可见一斑。
故事很简单，有点儿像是现代版的人鱼公主，事实上，也有直接称这部作品为“宫崎骏的人鱼公主”的评论。宫崎骏在接受采访时也表示，这部作品的创作灵感就来源于安徒生的名作《海的女儿》。
不过，宫崎骏对于情节的处理显然要简单得多，毕竟这是一部要让五岁的孩子都能看懂的动画片。从某种意义上说，正是这种态度确保了大团圆结局（似乎宫崎骏大部分作品都是HAPPY ENDING）。
另一主角宗介，则是根据宫崎骏的儿子创作的。宫崎骏老师与他儿子宫崎吾朗关系不和，宫崎骏认为在吾朗五岁时，自己因忙于工作而没有尽到父亲职责导致父子关系不佳。因此以自己儿子小时为蓝本，创造了本作的男主角“宗介”。
在故事中，宗介的父亲是一艘海船的船长，在预定回家的日子，却无法兑现自己的诺言，宗介的妈妈十分生气，但是小小的宗介却能理解父亲，甚至在父亲的船路过离家很近的海域时，用灯光打出摩尔斯电码和父亲对话，消解妈妈的怒气。
这是整个故事中最让我感动的一段，尤其是看到宗介的妈妈不断打出BAKA（笨蛋），BAKA来，家人间的温情在荧屏上脉脉流淌，仿佛伸手就能够触摸到。
也许这正是宫崎骏对自己生活的期望，所以才会显得真实而动人。顺便说一句，宫崎吾朗也进入了动漫界，并曾在《地海传说》（2006）的制作中担任监督一职。虽然得到的评价毁誉参半，但这也算是父子俩之间的一种矛盾的和解吧。
宫崎骏有感于电脑在动画片制作中的过度运用，在这部作品的制作过程中回归传统，全部采用手工水彩绘画。一年半的时间内，大约有70名工作人员画了17万张图。画风延续了大师一贯风格，像覆了一层塑料膜，却偏偏让人觉得通透；又像小孩子的简笔画，有一种拙朴的天真。人物总是生活在现实与梦幻中间，宗介妈妈和人鱼女王能够亲密地交谈，而宗介仿佛是一下子就接受了波妞从鱼变成为人。这让你不得不思考，或许用五岁孩子的目光看到的世界，便是这个样子。
千与千寻评价范文第3篇
残惭，我对自己的最高评价；残惭，没有边界的释义词；残惭，除了夕阳，何人可当？残惭，生命的最高意义，最低的峡谷，葬身与此的，除了我还有我……
自傲，我的天生骨气，受尽磨难，却又发觉自己的堕落，亚圣所谓之大丈夫，不过小人也，小人之上上者也，有人说我不食人间烟火，也有人说我心高气傲，更有人说我一无是处，我仔细审视着自己，在泪雨中幡然醒悟，跑到室外，在雷雨的洗礼中剪去自己污垢的指甲，湿透的心却怎么样无法重新保持纯净，伤透了本心那个我，我痛苦的拾起儿时丢弃的那根魔术棒，在泥土中凹凸着，凹凸着，不曾想这只是一根无关紧要的树枝，凑到鼻子前仔细闻了半天，却还是那件伤心事，失去了对自然的欣赏，我又有什么价值，到头来，一个被众人遗弃的少年，没有痕迹的才气随着时间散去，或许只有当所谓的同学偶然在相聚时想起，嘲弄一番罢！我呢？——苦笑，笑些什么呢？——自己的无知。本以为会有希望，结果才知道，繁华的背后一片狼藉，圣人，哲人，诗人，乃至自然人，留给我的又有什么呢？生不带来，死不带去，名声，荣耀，都是些骗人的东西，根本没人赞赏我，所谓的赞言都是些没有价值的谎言，同情？我不需要，我只要一个可以同生同灭的自己，有着自己独特的信仰与追求，能抵抗万众的毁言，坐着自己认为对的事，纵容总是满路荆棘，我也不会轻言放弃，因为我还有一颗活跃着的心，如果有一天，它不再跳动，我也希望能有一对翅膀载着我翱翔，或许目的地就在没人知晓的弱水三千，那里没有可以沉浮的羽毛，但我要征服，哪怕只有最后一根可以运动的神经纤维，我也要等待翅膀凋零着只剩下骨灰为止，那时，我会安心的离去，运气好的话，路过的那位能记住我这位残惭之人，肉体总是要被腐蚀，如果我的意念能保留在他的精神里，或许只是回忆的一幕，我也心安，若是上帝见我诚心，肯派天使来诅咒我，那我会抛弃奢荣的一切，在油锅里继续，继续，永不停息，永不……
千与千寻？我苦苦找寻，却又像枯根的蒲公英逝去，我拼命追赶，只有哭泣，虚拟的世界里若是有着一位真心的，我会更加内疚，因为这只是虚拟的，现实终归现实，除非，我早已放弃了，不过这又更加过于虚拟，想我如此之残惭之人，会有这等举动，你说社会会让我学会的，那我会说，我做着最坏的打算，我不需要任何人的拯救，错了的话，还会有路人踏过我肮脏的脚印？黯淡的彩虹，我还爱你呢？哦！那些小人啊！请不要乱猜测“你”，因为，除了我，还有我，残惭的灵魂是学不会真正的游离的，对自然的热忱，那里又真的有我的“穹”字竹屋吗？我和着记忆里纯美的古筝吹奏一曲，鸟儿竟被我惊走，我茫然的眼神，你能否看透？幸福的你是永远喝不惯深海水的，因为那里面夹含着我的泪，而这泪，你永远无法尝出是暗藏在你面前的我，眼眸还是这般甘蓝，你说你要去希腊，要去爱琴海，可是那里又真的存有爱琴文明吗？你的古筝不是淳美的吗？难道，我只能在去南极的路上，期盼能发现象你一样的鱼吗？我想，是的，因为随着再次的毕业，仍有两只鱼吸引着我，而是否又存有最后一尾？残惭的我，在未来寻求着，即使没有了雪的冰晶泪……
——重生的我，又还有多少呢？
千与千寻评价范文第4篇
［关键词］ 动画主题；时代精神；审美嬗变
主题,也叫主旨,在电影剧本中占有主宰地位，它将电影剧本中的人物、故事情节、细节、对话、结构乃至电影中的各种表现手段都统帅起来，使之服从于主题的体现，并以电影剧作艺术上的完整和谐与统一，呈现给读者和观众。因此，动画剧本的创作，必须始终围绕表达主题这一重要目标 。
表达主题首先必须突出主题。由于动画电影具有独特的表现形式，取材范围相当广泛，因此动画电影所能表达的主题也空前丰富。在每一部动画电影中，动画主题的确定是片中的灵魂和基础，是决定整个动画片的风格和动画作品成败的关键。在近几十年来的动画作品中，我们可以明显感受到时代变迁、技术进步以及环境变化带给动画主题的影响。特定的“时代精神”和“时代主题”，代表了人类文化发展的总趋势，也是审美研究确立自身未来发展方向，思考现实问题的重要参照系。审美研究只有以当代文化进程中的主旋律和理想目标为发展的核心内容和重要参照，才能从根本上反映历史和时代的变化，推动历史和时代的前进。
一、盎然童趣
早在动画诞生的20世纪初，如同所有的故事片的萌芽期，动画只是对周遭生活的简单模仿。因此，以奇诡的想象，童稚的情趣来娱乐大众，就不可避免地成为动画的主要功能。这也进一步决定了其主要题材的选择，一定是童趣鲜明，易于理解。从1907年第一部动画片《一张滑稽面孔的幽默姿态》开始，充满童趣的凡人小事，成为早期动画的鲜明主题，如风靡全球的《猫和老鼠》《米老鼠和唐老鸭》，没有动物世界恃强凌弱的残酷，只有日常琐事和纷争，让人感到久违的天真和童趣。通过一系列片段式的滑稽遭遇，向观众展示了一个个令人捧腹的幽默故事。同样的童趣主题可以在日本动画片《樱桃小丸子》中看到，这个其貌不扬又迷倒众生的小丫头，没有什么惊天壮举，每天就是上学放学，学校家庭，但是该片把小孩子的童真、调皮与小聪明刻画得丝丝入扣，看了这部动画片你就会想起自己小时候的一些可笑又难忘的逸事来。又如讲述五岁小男孩成长故事的《蜡笔小新》，童言无忌，故意使坏，使父母、老师头痛不已，却横扫亚洲，带给人们无尽乐趣。
无论是以动物为中心，还是人的生活为中心来刻画主题，早期动画电影的主题往往单纯、明朗、老少咸宜。趣味大于内涵 ，成为这一时期动画主题的首要特征。
二、科幻神话
神话是权利的象征，神话主题是动画借助深化自身题材和夸张形象的重要资质。神话使创作者可以随心所欲地想象、附会，任意挥洒笔墨，没有太多现实的束缚和限制，同时，动画讽喻现实人生、寄寓人生感悟，极尽夸张、变化、荒诞之能事，隐含了人类向往自由和个性的精神。科幻与神话似乎风马牛不相及，神话主题在解构经典叙事和人物的后现代语境中，需要摆脱旧有的形象，科幻的加入恰好为其提供了良好的表达方式。在神话的题材中融入科幻的文化符号，“严肃的主题”与“狂欢化的物质意象”相映成趣，也已经成为动画影片的一种商业模式。
20世纪60年代，美国兴起了一股科幻热，这当然和当时经济复苏，科技崇拜的时代背景密不可分，《超人》《蝙蝠侠》等科幻英雄一一崛起，日本动画大师手冢治虫的名作《铁臂阿童木》在世界各地均深受欢迎。史诗般的太空旅行场景、几可乱真的史前恐龙复原、场面宏大的太空战争、幻如灵境的虚拟世界……可以说，科幻动画如果失去了高科技的特效包装，那么它便失去了最精彩的形式；而这个形式一旦被剥离出去，我们会发现它的内容已经所剩无几――实际上，科幻大部分只是一个魔幻外套，里面装着的是其他内容。正如每个时代都有的神话，当今世界的科技背景下，人们在高度紧张的生存竞争中，总需要一些超现实的梦境来寄托和相信，科幻无疑取代了过去神话所具有的社会功能。科幻，已然成为人们新的精神放逐地。它所创造的所有幻象都是为了使观众暂时脱离现实的世界，获得片刻的超脱感和升华感。
三、生存危机
我们不是不知道，鸟语花香越来越少，天空越来越黯淡，地球像一个了无生趣的荒原。工业革命的巨大成果背后，付出了多少环境的代价？又隐藏了多少巨大的危机？生存还是死亡？这已不仅仅是哈姆雷特似的追问，而是地球上每个生物所面临的终极问题。
宫崎骏的关于人类生存主题的三部影片――《风之谷》《天空之城》以及《幽灵公主》，题材虽然不尽相同，却都是以史诗般宏大的篇章，震撼的画面，通过讲述跨越生命和生死的追寻之旅，来探索人类和自然的关系、人类生存的意义以及对大自然的敬畏和爱，体现了动画创作者对环境保护和人文主义的深入思考。
可以说，动画片从对童趣的简单模仿，转变到对人类生存环境的关注；从对人类本身的关怀，成长历程的反思，到对人类本身的起源、意义的质疑和解读，以至最后在混沌黑暗的时刻提出的“生命是黑暗中闪烁的光”，因此无论多么艰苦，一定要“活下去！”的“最终奥义”，无不在这些深重宏伟的动画中得到了体现。《风之谷》中因人类的愚昧战争和过度掠夺而反噬的自然，巨大的菌类组成的腐海因为人类产生的毒素而散发着毒气，人与自然的主题，飘浮在空中的伟大都市拉普塔最终的毁灭，仿佛在告诫世人：在机械和钢铁的世界里，人类面对着的其实是末日般的将来。文明社会的危机是人类自身所招致的――如核战争、资源枯竭、全球变暖等危机，这只能靠我们人类自己找到解决的办法，靠人类自己担负起“自我救赎”的责任，人类才能更好、更安全地生存下去。
四、成长的烦恼
丰子恺先生曾经说过，护生就是护心，保护生灵、关注生存其实也是在保护我们自己心灵的成长，所以，动画作品让我们感受到人生的深度的同时，也能够体会到发自心灵的呐喊。也许我们的童年并不都是快乐的，甚至很多时候是不快乐的。那么遇见“多多洛”，是奇幻仲夏的馈赠；而坐在龙猫车上那个遥远的傍晚的金色天空，却隐喻了生命中最单纯、最清澈的童年。龙猫解救了姐妹俩单纯的童年。为妈妈的担忧不那么凄凉，为爸爸的等待不那么孤独，为妹妹的寻找不那么无助；更为自己的成长增添了色彩。以至于阴森斑驳的月影有了和谐的旋律，天空灰暗的云朵有了无穷变幻的形态，无限伤感的晚霞有了绚丽夺目的光彩……而《千与千寻》则是借由小女孩千寻的经历，在积极探索一条入世的道路。千寻由一个物质世界跌入一个对于她来说全然陌生和充满着困境的神灵的世界，“回归”将是一切努力的终极目标，取胜的魔法只有一句话――“为了他人而做一件事”，不屈的千寻最终发现了自身存在的意义，她于是努力以成长的主题去实现自己对世界的怀疑与期待。而精神层面的成长也是对现代人生存困惑的一种提示。
五、爱与责任
人类的爱和不得不承担起的责任主题一直贯穿在动画作品中。如风靡数十年的美式动画《狮子王》，小狮子王辛巴在众多热情忠心的朋友的陪伴下，不但经历了生命中最光荣的时刻，也遭遇了最艰难的挑战，历经生、死、爱、责任等生命中的种种考验，最后终于登上了森林之王的宝座，也在周而复始、生生不息的自然中体验出生命的真义。
改编自中国传统神话的《花木兰》，木兰是一名女扮男装的古代巾帼英雄，精灵古怪、神采飞扬，内心的活力奔涌如泉，她不停地追问真实的我是怎样的？内心的我是怎样的？木兰对成功的自我和家族荣誉的渴望，改变了木兰传奇中的传统忠孝主题，木兰成为一个自我觉醒和自我实现的机智冒险型的女性形象。影片主题歌“Be a man”既可理解为“成为一个男子汉”，又可理解为“成为一个真正的人”。而成为一个真正的人必不可少的就是爱与责任 。
物质文明的高速发展，人类的精神空间逐渐缩小，导致人类精神的困顿、苍白和匮乏，人生目的和生活意义的丧失，人际关系的不信任，尤其是表现出对责任感的丧失，没有了生活的实感，象征生命和希望的“真爱”在喧嚣的现代都市更是消失得没了踪影。动画作品关注现代人的精神世界和生存状态，呼唤现代人热爱自己的生存空间，提醒人们从自然界中寻求精神上的抚慰，找回自我，在自然中追求心灵上的宁静美。
六、重温经典
那或许是儿时的第一抹亮色，或许在漫长的岁月里已渐渐淡去。但所谓经典，正是任凭岁月洗涤仍能保有鲜活的生命力，能让人回想到故去的那些年代，贴近那些滋长感情的土壤。在这弥漫3D、4D特效的年代，经典像一清凉的泉水，滋润了我们的内心。近年来《变形金刚》《阿童木》以及《蓝精灵》等经典动画片的重拍，又试图把我们带回到那些安静而美好的古典时刻中。那些打着怀旧旗号的翻拍影片，尽管穿着华丽的3D外衣，花了昂贵的特效制作费，为什么我们还是觉得以前的老版更美好？随着电影版《奥特曼》《变形金刚》以及《蓝精灵》的陆续上映，20世纪70年代后经典卡通几乎悉数被“翻新”了。重拍经典的电影版评价可谓“冰火两重天”，一方面是开心的重温，另一方面则是失望的唾骂。究其根本，经典动画重拍是罪恶地贩卖记忆，还是让人愉悦地怀旧狂欢呢？
七、结 语
总之，动画电影把重心倾向于对文化符号与生态保护的渲染，无论是生命的回归，自然本身的努力，还是文化价值判断的回归；无论影片的主题模式如何，对真与善的归依总是影片难以割舍的母题情结。近几年的动画创作虽然仍遵从于商业价值的规律，但一些优秀的动画创作者尝试对文化传递和提升观众精神品质的思考是相当难得的。
尽管现代社会商业价值观还在日益膨胀，但从近些年动画作品关注边缘的生存现象和生态环境题材的影片层出不穷的现象中就可以看出，创作者们已试图拨开实用功利主义的迷雾，探寻生命的价值、生存的意义，寻找精神的依归。从“主题先行”和“游戏人生”审美方式逐渐抽离而转向对生活的反思，以及对真、善、美的价值判断的回归。
［参考文献］
［1］ 葛竞.影视动画剧本创作［M］.北京：海洋出版社，2005：63-65.
［2］ 孙立军.动画艺术词典［M］.北京：中国国际广播出版社，2003：68.
千与千寻评价范文第5篇
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一部《千与千寻》让笔者喜欢上宫崎峻的漫画，他通过细腻、唯美的画笔，向我们讲述一个个动人的故事。想找宫崎峻的漫画书籍，来淘宝吧（）。在淘宝购物，需要先注册为淘宝会员，为了交易安全，建议开通支付宝。如果我们需要购买的是宫崎峻的漫画，可以在搜索栏中键入宫崎峻（知道书名可以一并输入，提高准确度），在搜索分类下拉列表中选择“书籍/杂志/报纸”，按下“搜索”，在搜索结果中还可以点击相应类别进一步搜索，如“国外原版书/台版、港版书”（图5），然后在搜索结果中查看产品信息，最好通过“淘宝旺旺”与商家联系具体事宜再拍下，由于大多数产品支持支付宝，因此可以放心购买。
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千与千寻评价范文第6篇
李南：《魁拔》属奇幻类的题材，其动画创意的特性是偏商业还是偏艺术？
武寒青：我们想研发一款面向国际主流市场的商业动画产品，而不是动画艺术短片，所以就先按照国际惯例做调研。2005年开始和欧美及亚太市场的发行商和周边产品商沟通，我们了解到欧美市场“七个公主抵不过一个小子”，电视台播出的动画片有80%都是“少年动作冒险”类型，如《哈利波特》《变形金刚》《指环王》《火影忍者》，热血是长盛不衰的。为年轻受众做当代题材、校园生活还不现实，那我们为什么不做这个年龄爱看的少年热血类型片呢？这种类型产品有它的特有规律，里面必须有原创的世界观设定，有挑战、冒险。
李南：在影片主角“蛮吉”身上，能看到鸟山明《七龙珠》悟空的影子，许多画面场景也难以摆脱宫崎骏《千与千寻》《天空之城》等日本动漫的风格，“父亲”蛮大人这个角色更有《聪明的一休》里新佑卫门的个性特点，一个高，一个矮，相对的性格，这也可能是一种程式吧。
武寒青：这是很难避免的，这个过程的确是蛮纠结的。在电影院里观看《魁拔》这种动作冒险类型的动画大片，一定要用写实风格才能给观众提供足够多的信息量，所以就确定了写实风格。既然已经明确定位要做面向主流商业市场的品牌产品，我就要求人设首先要让观众觉得养眼、漂亮。我们的设计师跟所有国内同行一样，都想在设计上突出中国特色，但做起来才发现，只要把形象设计得漂亮了，拿出来就有点类似日本的。
我们老想找自己的风格、躲着日本；但你会发现，日本动画制作了几十年时间，差不多已经把所有好看的写实风格都包圆了。80后的设计师们又是看着日本动画片长大的一批人，他们很难一下子就找到既好看又属于我们自己的风格。我觉得这是一步步的进化过程，还没学会爬呢，就要求会走、会跑，不太现实。我们又不能因为找不到中国风格就不去做，这个做的过程其实就是一个进化的过程。你不能为躲而躲。实际上还是说做品牌产品本身就是一个学习的过程，心里知道方向是什么就可以了，它是一个水到渠成的过程。所以我是觉得对《魁拔》美术风格怎么说都没问题，观众喜欢是第一位的。要不然纠结在那儿出不来东西，得先出东西，把那个品牌先树起来，然后再一步步改进。
李南：明明是爱情片，最后做成一个热闹片。我给你看网友对《魁拔》的评论：“买10张票去支持。”“最美丽的动画电影！”“我刚听到《魁拔》军歌，竟然哭了，这真的是感人的力量啊！”我的一个同事问的问题：1.年龄小的喜欢《喜羊羊与灰太狼》；20岁的人就喜欢《生化危机》；此片针对的人群是哪个年龄段？2.里面的人物“蛮吉”像“孙悟空”？3.人物丑化了，把主角动物化了。
另外一动画老师问：1.《魁拔》的创意灵感跟孙悟空有关吗？2.为什么选择二维，什么时候用三维来做呢？3.怎么看待“动画聚变”？
武寒青：基本上是大家普遍的印象，《魁拔》是给80后、90后和00后精心制作的品牌产品。蛮吉像孙悟空的问题刚才已经说了，跟面向全球市场时的中国元素有关。制作工艺上，我们是以三维技术做绘画保障，确保二维动画的透视准确、不跑型。作品外观还是二维动画，以突出绘画性。
“动画聚变”是电影学院老师陈廖宇和传媒大学老师薛燕平一起做的动画沙龙，他们希望找一线专业人士像王川、黄伟明来给学员讲些干货。王川他们的第一期是免费的，后面开始收费。我觉得对学动画的人来说是件好事，是一个很好的平台，来沙龙的同行们都是蛮认真地在分享中国动画的一些经验教训，我觉得是好事。
李南：传媒大学教授路盛章说过：“动画要走向国际、实现产业化，需要有人类普世价值思想。”
武寒青：路老师说得特别对。李安是唯一一位掌握西方观众的思维方式与欣赏习惯、把中国文化有效输出到欧美主流市场上的华人艺术家，我们一直以他为样板，对西方主流商业市场的产品进行深入剖析，从而找到能够将《魁拔》所承载的中国传统文化中的核心价值“仁义礼智信”有效传递成欧美观众能够理解的普世价值观的转译方法。
从“搞艺术”到“做产业”，必须经历从手工作坊通往工业化企业的自我革命之路，从题材选择，再到制作工艺流程，我们都是在按工业化标准要求自己，务必做到可复制、可拓展。
李南：你们与孙立军都是故事支撑，如《小兵张嘎》《兔侠传奇》把动画当电影来拍，不要区分它的美术的成分。前美影厂厂长周克勤说：“中国动画是美术还是电影？如果与电影比，那是有距离的，如果与美术比，它还有一席之地。”其实这是中国早期动画比较虚弱的地方。
武寒青：以往我们的美术片走的就是艺术短片、参加国际动画节展的路线，动画产业的概念是从2005年以后才提出来的，所以，动画从业人员一直还没建立起面向主流商业市场、以叙事为主来打造动画产品的自觉意识来，这几年情况才有所改变。
李南：如果冯小刚也想做动画，那中国人就会喜欢动画了。过去中国动画提出用民族的绘画、戏曲的手法。你刚才说的工业化、商业化、国际化这是未来的方向。
武寒青：动画产业走主流商业化道路是肯定的，艺术片作为类似非物质文化遗产那样的艺术品供在那儿没什么问题，但是你叫现在的年轻人天天哭着喊着去听京戏，那不太现实。
李南：那你们将《魁拔1》卖到欧洲是多少欧元？他们看到《魁拔1》之后怎么评价？
武寒青：350万美元。最近刚又签了1000万欧元的单，是通过《魁拔1》展示了青青树的创作实力，引出了另外的一系列新项目，包括两部动画电影、两个动画TV项目，全套的剧本、设计、美术都是青青树自己的原创，海外合作伙伴的投资不低于1000万欧元，负责做与欧美市场衔接的修改意见以及整个欧美院线的发行、配套支持等。还有很多海外顶级公司看了《魁拔1》，他们没想到中国动画已经有了这样的原创能力。青青树真的做到了让中国动画“走出去”，对这一点我蛮自豪的。
我们储备了几十个原创项目，《魁拔1》只是青青树树立原创动画品牌的大广告。通过这个片子，全世界都知道在中国，有180个动画人在认真做着这样的主流商业动画，相信《魁拔2》上映后会有更加不俗的表现。
李南：《魁拔1》国内票房350多万，目前国外签了商的话，授权收入差不多与之持平了吧？网络有多大收入？
武寒青：《魁拔1》的网络播映权收益还不错、《魁拔2》的海外预售也正在谈。《魁拔》是青青树未来几年主推的原创动画品牌之一，《魁拔1》只是这个品牌的一个开端，后续除了会推出多部动画电影之外，还会有多集电视动画片、多版本图书和漫画、多款游戏、多种周边产品直到舞台剧、主题乐园。从品牌的整体运营角度来看，《魁拔》目前还处于投入阶段，距离全面收获期还有一段时间。
千与千寻评价范文第7篇
关键词：公共艺术教育；动漫；审美；艺术价值
公共艺术课程教学作为普通高等学校艺术教育工作的中心环节，其课程体系的合理构成是保障公共艺术教育有效实施的关键。在高等教育公共艺术课程体系中，音乐、美术、舞蹈、戏剧、戏曲、书法等传统艺术门类占据了主流地位，其他属前卫、通俗、流行艺术范畴的艺术门类则因认知缺陷和学科建设的缺失而很少被提及。只有先弄清动漫艺术是否具备成为公共艺术教育教学载体的合理因素，才能为动漫艺术进入公共艺术教育课程体系提供充足的论据，并打消教育工作者以及广大家长心中的疑虑。
一、动漫艺术审美品格符合公共艺术课程的教学目标
2006年教育部颁布的《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》明确规定，公共艺术课程目标是“通过鉴赏艺术作品、学习艺术理论、参加艺术活动等，树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养;了解、吸纳中外优秀艺术成果，理解并尊重多元文化;发展形象思维，培养创新精神和实践能力，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面和谐发展”。［1］那么，动漫艺术教学能否实现以上目标呢?可能许多人对此是持否定态度的。于是，分析动漫艺术审美品格就成为正本清源、化解争议的根本途径。作为青少年群体喜闻乐见的一种艺术表现形式，如果单纯从娱乐性去理解而忽略了其自身的审美价值魅力，这无疑是对动漫艺术最大的不公。
列夫托尔斯泰在其著作《论艺术》中指出:“艺术的创造能够在人的心里唤起一度曾经体验过的感情，并且在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩以及言辞所表达的形象来传达这种感情，使别人也能体验到这同样的感情———这就是艺术活动。”［2］从列夫托尔斯泰对艺术活动的定位，我们可以看出动漫艺术完全符合作为艺术活动的基本要素，大众对于其娱乐化的浅显认知来源于动漫艺术广泛的群众接受度以及部分动漫作品基于商业利益而展现的低俗格调。然而，这并不妨碍动漫艺术自身的艺术地位以及我们对好的动漫作品的欣赏。动漫艺术被广泛接受并不是因为它的娱乐性，而是其融汇了文学、绘画、音乐、电影的综合技能，创造出了一种符合广大青少年甚至成年人所喜爱的新型艺术表现形式。理查德•舒斯特曼在“实用主义美学”中主张“我不仅批判高级艺术那种疏远的深奥主义和总体性主张，而且尖锐地怀疑任何高级艺术产品和通俗文化产物之间本质的、不可逾越的区分。历史已向我们证实，一种文化的通俗娱乐(如古希腊甚至伊丽莎白时代的戏剧)可以变成随后时代的高级经典。实际上，甚至就在同一个文化时期，一件作品是作为通俗的还是高级的艺术发挥作用，取决于它被公众怎样理解和利用。”［3］同理，动漫艺术是作为通俗的还是高级的艺术发挥作用完全取决于其受众以及社会群体对它的选择和认知。作为艺术教育工作者，我们如果无视动漫艺术被广大青少年喜爱的事实，而选择因动漫作品中的某些低俗存在而全盘否定或有意避讳的态度，那无疑是对动漫艺术的践踏和对学生教育的不负责任。负责任的艺术教育态度应该是去探究一个最根本的问题，即“动漫艺术具有何种魔力，让广大青少年甚至成年人对其喜爱之极”。针对青少年群体进行动漫审美分析，有助于艺术教育工作者合理利用动漫艺术的积极因素，实现其艺术教育作用。
西方“移情说”美学代表人物利普斯从审美心理学的角度阐释:“我们都有一种自然倾向或愿望，要把类似的事物放在同一观点下去解释。这个观点总是由我们最接近的东西来决定的。所以我们总是按照在我们自己身上发生的事件的类比，即按照我们切身经验的类比，去看待在我们身边发生的事件。”［4］“移情说”为艺术教育工作者探寻青少年的动漫审美乐趣提供了绝佳的视角。动漫《ONEPIECE》(又名《海贼王》)是日本漫画家尾田荣一郎的动漫作品。该作品在日本国内掀起了极大的热潮，受到儿童青少年群体甚至成年人的广泛喜爱。在我国，这部风靡十多年的动漫剧更成为伴随“90后”一代成长的主要作品。根据笔者授课班级的反馈情况，《海贼王》在“90后”学生的心目中具有极大的影响力。他们在讨论这部作品时充满欢快、热情甚至激动。他们更在文中写到这部作品如何教会了他们坚持，如何在他们失败时给了他们再出发的勇气，如何告诉他们什么是真正的友谊……一部虚构的故事，却能够成为青少年学生在人生成长阶段的重要精神食粮，谁又能说它不是一部伟大的艺术作品呢?《海贼王》的故事情节虽是虚构的，可它渗透在情节中的勇气、坚持、友谊等品格力量是青少年群体在成长过程中最需要的。学生将发生在自己身上的事件“移情”至海贼王的故事情节中，在被动漫作品感动的同时满足自己心底的情感需要。“一方面主体通过移情赋予对象以生命;另一方面主体又有从客体中观照自我情感的审美需求。”［5］动漫作品在这里所发挥的作用形象而强烈，对学生潜移默化的影响比简单的说教要更加真切和充沛。《海贼王》那一个个也许算不上优美的人物形象，展现的却是对青少年来说无比重要的人文关怀，谁又能说《海贼王》对青少年群体人文素养和审美品格的影响会小于伟大的艺术作品《蒙娜丽莎》呢?基于这样的现实状况，艺术教育工作者更应该主动将优秀动漫作品作为教学载体，通过对相关作品的解读，引导学生更好地理解作品，剖析自己的内心世界，并使学生感受到与其日常生活审美经验相对接的审美体验，帮助学生树立正确的审美观。
二、从接受美学的角度分析动漫艺术应作为公共艺术教育的审美对象
接受美学为将动漫艺术作为艺术教学载体提供了很好的理论依据。“接受美学的出发点或原则性立场是，读者(接受者)不是被动的，而是主动的，他在文本含义生成时扮演主动角色，并对作品的历史生命具有决定性影响。”［6］一件艺术作品，如果缺乏了接受者的主动参与，并不被接受者从心底感受和认知，其审美功能毫无疑问会大打折扣。从此角度来看，日本动漫大师宫崎骏无疑是被接受度最高的一位动漫大师，其作品被人们评价为“将动画艺术上升到了人文的高度”［7］。他的作品内容大多涉及人类与自然之间的关系、和平主义及女权运动等宏达的叙事主体，所采取的表达方式是将唯美的二维绘画艺术、天马行空的梦幻世界、离奇的童话故事和温情的人类情感相结合的动画叙事手法。其作品在广大青少年群体以及有着纯净心灵需求的成年人心里产生了巨大的震撼。《风之谷》中人类的暴行对于自然生灵残酷的伤害和最终自食其果的画面，让观者无不为之动容;《龙猫》中那憨态可掬的龙猫形象以及与小姐妹和母亲之间的点点温情更让人重温了童年时光;《千与千寻》中千寻的坚持和自我成长启发了无数少年在成长之路中自我探寻……从1984年创作成名作《风之谷》一路走来，宫崎骏用其动画人的坚守、人文者的思想力和艺术家的表现力，为广大观众创作出了一部部动画经典杰作。正如1922年法国影评家埃利•福尔满含感情所预言的:“终有一天动画片会具有纵深感，造型高超，色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、戈雅的激情、米开朗基罗的活力。一种视觉交响乐，较之最伟大的音乐家创作的有声交响乐更为令人激动。”宫崎骏在创造一个个票房奇迹的同时，无疑也实现了这一预言。他用他的作品启发了一代代青少年思索人类与自然的命运，体味友情、亲情以及青涩的爱情，理解成长与坚持;他也用其作品精致优美的画风以及天马行空的想象让我们感受到了那一个个细节的美感存在和创想创意的魔幻之境。奥尔德里奇说:“将客观事物分成两种:物质对象和审美对象，同一事物能否成为审美对象关键在于这一事物本身所具有的特性。事物的这些基本特性决定着知觉的主体采取何种知觉方式(观察的方式还是领悟的方式)。如果事物的基本特性引起主体对它采取领悟的方式，那么该事物就将作为审美对象而存在，反之，观察方式下对应的就是物质存在。”［8］被人们广为传颂、激发了一代代青少年的宫崎骏动画带给了人们太多感悟和赞叹，完全符合审美对象的特质。而且其作品广泛的接受度，为激发学生审美兴趣和深入解读作品的审美情趣打下了坚实的基础。
三、将动漫艺术作为公共艺术课程教学载体具有积极的社会学意义
在讨论将动漫作品作为公共艺术教育载体时，我们就不能不触及一个社会关注的话题，即如何消解动漫作品中低俗存在对广大青少年的不良影响。动漫作品中的低俗存在造成了家长和教育工作者对动漫作品的极度反感，因此，在这样的社会认知下，创作内容低幼化成为中国动漫发展的唯一方向。反过来，中国缺乏适合广大青少年阶层的动漫作品，加剧了青少年对以日本为首的他国动漫作品的热爱，这阻碍了青少年在人生重要成长阶段通过他们喜闻乐见的文化形式了解和学习中国优秀文化，也滋长了低俗动漫通过非正规渠道的大量传播。可见，中国传统教育中的回避和阻碍并不能真正影响青少年阶层对于动漫的热爱，反而会因缺乏正确引导，使青少年因认知不足而接触到不良动漫作品，进而受到不良动漫作品思想的侵蚀。将动漫艺术纳入公共艺术教育载体，和学生一起学习、讨论动漫作品所涉及的文学、美学、心理学、电影学、异国文化等意识形态，让学生透过自己喜爱的动漫作品深入了解和探讨作品背后的人文意义，能帮助他们从浅层次的欣赏上升至高层次的文化艺术体悟。学生只有提升了对动漫作品的审美情趣，才会自动分辨和远离低俗动漫作品，从而形成动漫发展和传播形态的良性循环。由此可见，由于动漫艺术所具备的综合性特征，将动漫艺术作为公共艺术教学载体，实现的将不仅仅是艺术与审美认知的提升和发展，还将通过作品中的艺术性、思想性以及文学性等丰富内涵涵养学生的精神世界。实现这一切的前提是，承认优秀动漫艺术作品作为公共艺术教学载体的合理性和必要性，并在此基础上通过对优秀动漫作品的深入分析研究，不断完善动漫艺术公共课程教学的课程体系，最终实现育人的目的。
参考文献:
［1］教育部办公厅.全国普通高等学校公共艺术课程指导方案(教体艺厅〔2006〕3号)［A］.2006－03－08.
［2］列夫托尔斯泰.论艺术［M］.北京:人民文学出版社，1958:46.
［3］理查德舒斯特曼.实用主义美学［M］.北京:商务印书馆，2002:225.
［4］马奇.西方美学资料选编(下卷)［M］.上海:上海人民出版社，1987:841.
［5］岳介先.立普斯的移情说美学［J］.江淮论坛，1994(4):26.
［6］方维规.文学解释学是一门复杂的艺术———接受美学原理及其来龙去脉［J］.社会科学研究，2012(2):109.
［7］焦素娥，孙晗洁.宫崎骏动画艺术的人文情怀与诗意追求［J］.信阳师范学院学报，2010(1):139.
千与千寻评价范文第8篇
2004年岁首，一部有中国版“罗密欧与朱丽叶”之美誉的《梁山伯与祝英台》在全国各大影院上演，这让多年与中国动画绝缘的影迷再一次激动。这部继承了《宝莲灯》的模式，结合了中国传统绘画、迪斯尼动画和日本动画风格的动漫大片，除了音乐作曲由大师操刀外，萧亚轩、刘若英和吴宗宪三大明星还联袂献声，也为其披上了一层偶像包装。该片在公映前被很多人看作是国产动漫走出低谷的新希望，有报道说，《梁祝》打算“磕”开电影市场的大门。然而，看过电影之后，不论是新老观众，都会有一种失落感，总觉得像似缺了点儿什么，缺什么呢？许多人都在思考。
“哈美、哈日”，动漫文化误入歧途
撇开其它因素不说，单说这部带些许贺岁、热闹兼搞笑味道的《梁祝》。先是人物来了个时尚大换装――增加了“活宝”马文才的戏份，人物对白非常现代化，“搞定”、“蜡笔小新”之类的词语时不时从人物口中蹦出。在性别游戏上，《梁祝》只是稍微刺激了一下观众，然后很快跳过性别问题，连封建也不反了，因为马文才的老爸是个好人！他知道祝英台是如何爱着梁山伯，懂得他们的激情，还会承认错误！这是这部动画片最像好莱坞动画片的地方：没有绝对的坏人。惟一让人有点愤怒的是，人家死了一对儿人，这个马文才的老爸说了一句就算了，编导也不追究了。那创作者除了让他显得宽容的观点外，还希望观众看什么呢？是画面？人物性格？一个凄惨的爱情故事？
无独有偶，同为上海美影厂的《隋唐英雄传》，更是将唐太宗李世民变成了长发飘飘的“花样男子”，长孙无忌被设计成身披铠甲的“圣斗士”，长孙公主则是樱桃小嘴尖下巴的典型日本卡通淑女形象……其他人物形象如宇文成都、裴元庆等勇将的造型也大大出人意料，乍一看都是标准的古装现代青年。
这两部动画片都是中国古代赫赫有名的历史故事。剧中的男主角全是古装版的时尚少年，这种英雄人物过于日本化的“哈日”造型引起了诸多争议。看惯了日本动画的青少年对剧中的人物造型欣然接受，但习惯了传统古装人物造型的成年人深感传统文化缺失的悲哀，被不少人指责为“引导青少年进入审美歧途”。
“动画＋历史传奇＝国产动画片”似乎成了国产动画片的固定模式，一味地“哈日、哈美”，而忽略了自身的传统风格和特色，让人有理由怀疑中国动漫是否误入歧途？其实，中国动画片也曾有过辉煌时期。《小蝌蚪找妈妈》、《大闹天宫》、《哪叱闹海》、《三个和尚》……从国际上捧回了几十个国际艺术大奖，国际动画艺术界曾称誉我国民族动画片为“中国动画学派”。但自1991年以来，中国动画片日渐与国际电影奖项无缘。现在打开电视，动画片时段几乎全是日本和美国动画片的天下，国产动画片仅占动画片播出总量的20％左右。
“只有民族的，才是世界的。”专家分析，中国动漫相对落后的一个深层原因，是缺少中国文化的“根”。当年，那些优秀的动画片因其具有浓厚的民族特色，深刻地体现了绵延5000年的民族文化内涵，所以才有昔日的辉煌。如今大量“洋卡通”占领着中国市场，恰恰证明了中国本土卡通创作尚没能捕捉到它的“中国魂”。正因为我们的创作在形式上越来越多一味地摹仿外国动画片，逐渐失去了自我，所以才落得“风流总被雨打风吹去”境地。
粗糙是我们的致命伤
无论是美国的《玩具总动员》还是《海底总动员》，动画人物的丰富表情刻画得细致入微令人拍案叫绝。许多在我国土生土长、有着深厚文化背景的动漫题材，一旦被制作动漫的高手美、日、韩等国拿去，就成了人家在票房大捞一笔的铩手锏。比如，我国流传了上千年“花木兰从军”的故事，可谓家喻户晓，本土拍摄后反应平平，但被美国的迪斯尼拿去拍成动画片后，足足赚了6亿美金。反观我们的动画片，图解式、简单化的诠释传统文化，其人物表情之单调呆板，场景描绘之简单粗陋，看惯美国大片的观众是无法容忍的。为什么中国人的东西，被外国人重新包装后就赚钱，叫好又叫座，而我们只能望洋兴叹呢？
事实上，中国人从来就不缺乏想象力与灵感。当年“黑猫警长”在孩子们中间得到了极多的拥趸，并且其卡通形象具有商业化的前景。但是，当孩子们眼界开阔之后，对比世界上那些制作更精良的卡通形象，“黑猫警长”无疑显得太“土”且线条过于简单。这很有点全球化冲垮民族产业的味道。
一种急功近利的态度曾经左右了国产动画片的制作。动漫制作拼到最后还是看实力，人力和物力。想象与灵感是在一定的技术手段和制作工艺的保证下，才有可能发挥出来。缺乏想象力只是某种遁词，其背后则是观念意识、技术水准以及制作能力的全面落后。我们目前最缺乏的就是经过市场洗礼的高水准的行业人才，没有好的士兵，再好的计谋也很难打胜仗。
“不怕不识货，就怕货比货”。国产动漫的故事题材、人物线条简单、表情单一，场景描绘过于粗陋，故事性不强，缺乏多样的人物造型风格。长此以往，粗糙就成了国产动漫发展的致命伤。有一句老话说得好：慢工出细活。制作动漫尤其需要“慢工”。今天迪斯尼生产一部动漫大片，需要两千人工作一两年时间；日本动画片《千与千寻》，2001年获得柏林金熊奖、2002年拿下奥斯卡最佳动画片奖，该片制作得非常精美，其题材是人类关注的共性东西：成长的烦恼――换一个外国孩子或者中国孩子都可能碰到，这是好的艺术题材能够引起共鸣的本质特征。这部片子制作前后花了518天，时间是长了点，但是却换来了一周票房28亿日元的成绩，可谓物超所值。
偌大的蛋糕喂饱了谁？
如今，动漫已经不仅是电视、电影或图书，而是融艺术、科技、出版、玩具制造、商业、旅游、服装等于一体的综合性现代化大型产业。国内目前已有从事动漫片生产的制作公司120多家，仅京、沪、穗三大城市，每年由14－30岁的城市青少年的卡通消费总额即可超过13亿元，与日用品中销量较大的洗发水大致相当。据预测，中国今后每年的动漫产业规模达200亿元，仅其衍生产品的市场，每年即可达100亿元以上，未来市场的潜力极为可观。
然而，面对如此庞大的动漫蛋糕，本土动漫却少得可怜，这块蛋糕80％的市场利润被日、美、韩三国切去了。中国少年儿童的人数近4亿人，每天人均拥有的国产动漫片仅为千分之一秒，而日本这个数字为8分钟左右。国产动漫整体水平的下滑，只能是眼睁睁看着200亿的动漫蛋糕成了别人口中的美食。
有关专家指出，国产动漫市场疲软的主要原因来自市场。正常的市场状态应是：制作人制作卡通片、商销售、影视系统播放、企业购买卡通产品形象并开发衍生产品、商家销售产品。按照国外的惯例，卡通电视剧是比较赚钱的项目。国外成功的卡通片的收入有三个层次：第一层收入是电影的票房收入和电视剧的播出版权收入；第二层收入是衍生产品包括卡通图书和音像制品市场、服装、玩具、饮料、儿童用品；第三层收入是主题公园和酒店。而且，后一个层次比前一个层次的收入要大，周期要长。
日本动画片的产业大于电视剧，《机器猫》面世30年，进入中国后仅靠其相关产品收益，就让其赚个盆盈钵满。美国的《变形金刚》在中国众多电视台免费播放之后，依靠玩具销售就赚回50亿元。与之相比，我国动画片规模不仅远小于电视剧，而且一部分原产单位还出现了亏损的现象，依赖政府拨款生存。前两年我们投资最大、最叫好的的动画片《宝莲灯》，以及目前正在播出、备受孩子们喜欢的《哪叱传奇》，也仅仅是收回成本而已。“不见经济效益”固然有多方面的因素，传媒产业链“断裂”是一个主要原因。制片人在制作卡通片后除了完成播放这个环节之外，其他环节大多处于被动局面，不能适时参与系统循环，从而造成卡通片投资行为屡屡失败。国家新闻出版总署图书司司长阎晓宏对此一语中的：国内出版社在动漫运作模式上确实还比较欠缺。
我们与美、日、韩等动漫大国的距离越来越远，想切下一份大大的蛋糕，其难度可想而知。难怪现在的青少年们迷恋的大多是海外的动漫明星。
中国动漫向何处去？
随着经济全球一体化进程的加快，海外“动漫”公司纷纷瞄准中国市场，使得“动漫”市场的竞争日趋激烈。
“中国卡通漫画的灵魂必须是中国的。”这是当前业内人士的一个共同观点。优秀的动画片不仅只是轻松幽默的娱乐或引人入胜的故事，还应体现一个民族的精神和文化。在文化再造上，美国版《花木兰》用的是中国“原料”加美国“佐料”，做出来的是美国动画；日本人画《三国演义》是用日本人的眼光将中国文学名著改编成日本漫画。因为他们知道，不经过本土化处理，纯中国的东西很难融入日本的文化中，难为观众和读者接受。对于我们来说，道理是一样的。
除了文化因素，动漫产业再造辉煌的另一个关键是成功的市场化运作。2003年9月在北京召开的中国动画论坛上，与会代表说出了中国动画界存在的共性的问题是：前期企划弱、制作经费不足、播放平台稀缺、衍生产品开发不足、盗版问题严重。