绘画基础
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绘画基础范文第1篇
关键字：基础绘画；学习
当下的艺术设计专业以实用性强、就业范围广，在新兴专业中比较热门而居各高校中的首位。在这一专业中，尤其是针对电脑的操作，软件的升级更加的人性化，越来越多的学生认为只要把电脑软件学好了，基础差，甚至没基础是没有关系的，短期发展，看起来这完全没有问题，是可以做设计的，长期这样一种状态而言，难成大器。设计的好坏，最终结果会回归到传统的这个问题，那就是基础。要想设计出更好，更加经典的设计作品，就必须得回归传统，从基础绘画入手，培养我们这些方面的能力。
一、学习基础绘画的方向性
设计类专业的同学在大一进校门时都会接触一个阶段的基础绘画的训练，主要以素描、色彩为主。而这些课程在不同的专业已经有了一些方向的转变和延伸，以便能更好的为后期的专业核心课程的学习服务。素描，包括人物素描、设计素描两大类，一些专业还会有速写课程，这些都作为一个基础中的基础课程来学习。主要培养我们的造型能力、观察能力、表现能力及创意思维能力。色彩课程方面，不同的专业倾向点不同，有静物色彩、风景色彩等，主要培养色彩的修养及表现力，为后期专业的色彩认知做准备。而审美能力的培养是通过对美术史上的经典作品的学习及平时实践能力的培养而融合在整个阶段的学习过程中了。认识到课程的学习目标，我们便有清晰的画画方向，也会增强我们对基础绘画的正能量，会有事半功倍的效果。下面具体从观察方法，造型能力、创意思维能力、色彩的修养及审美的提高五方面来具体分析学习及掌握的方向。
二、科学的观察方法
培养成创新实用型人才是设计类专业当下的目标。创新实用型人才首要培养的是我们的观察能力，怎么来观察，怎么去认识，影响到你的作品，也决定了日后的创作角度，我们需要用正确的观察方法来观察对象，并且需要培养我们整体观察的能力。因此，观察方法很重要。有了观察能力，我们就能从万事万物中发现事物本身的特点，可以归纳成自己的语言。而观察能力的培养主要体现在我们的基础绘画学习中，尤其是素描的学习。在我们进入大学的时候，很多学生的观察方法是有些误区的。正确的观察方法首先要从整体入手，局部比较，再回归到整体。尤其是画面的安放位置、整个绘画对象给我们带来的感受是需要备受关注的，这要求我们在画画时，必须相信自己的眼睛，相信自己看到的事实，在画的过程中会训练我们及时调整局部和整体的对比观察，学会同类比较，把我们主观的认识和客观的观察做比较，会发现一些不同于以往认识的元素，提高我们设计类元素的积累，这个训练将会使我们的观察产生一次质感的升华，对后期专业设计的学习会非常有益。
三、造型能力和表现能力
造型能力是培养中不可或缺的一个重要部分。懂得了观察，不懂得怎么表现出来，也是没有成果的，这关系到傍观者怎么欣赏，怎么能让其他人知道你的想法，这个时候，表达能力，就显得非常重要了。表现的是不是心中的那个感受，就对造型能力有了更高的要求了。曾有大师这样评价，在设计领域，设计，软件决定了你的下线，绘画决定了你的上线。作为设计专业的我们需要掌握一定的技法能力，掌握一定的表现手法，甚至要求我们挖掘适合自己的个性表现方式。在表现形式上有了一定的基础后，我们便可以站在基础上来做创新。让我们表达自己的创意时更加的心手合一，在表现方式上也能准确自如的表达我们内心世界的想法，成为我们自己的表达语言。
四、创意思维能力
只会绘画的人也许可以从事美工，但会绘画并且会设计思考的人那就是设计师了。创意对我们设计专业是不可或缺的。在专业的基础课程学习中，它将成为一个思维演变的过程。设计素描、设计色彩是艺术设计专业由基础绘画转向专业设计的过渡，是培养我们创意思维方面的一个便捷的徒手绘画。一般我们不经意间接触的事物，可能会激发我们的灵感，形成有创意的作品。但灵感是稍纵即逝的，因此，在设计素描、设计色彩课程的培养中，根据学生独特的兴趣点，发散我们的想象和思维，培养我们的创意，从一个物体出发，延伸出更多的联想和想象，这种课程的训练会使我们的思维角度大大拓宽，面对不同类别的事物，会有一套自己的思维模式和方法，创作出有内涵、有思想的作品。
五、色彩的修养
色彩在设计类专业中是一个无可替代的设计要素，是表达创意的一个强大的组成部分，它具有很强的情感特征，有着非常强烈的感染力。我们所面临的专业需要色彩实用性更强，就这一点，就需要我们提高自己的色彩修养，能根据各个不同的领域搭配适合的颜色。针对这一目标，前期我们所学习的色彩及设计色彩课程主要是为后期设计中的色彩搭配服务的，在这一基础阶段，我们主要通过实践练习来认识色彩，提高色彩的修养。认识色彩的特性，比如冷暖、前后、轻重等等关系，感受同种色相下明度、饱和度不同所产生的视觉效果，掌握色彩空间的独特体现方式，掌握各个不同颜色的心里效应，通过了解各个时期派别的特点了解色彩的历程，通过平时的练习来培养、激发自我的色彩情感，培养出具有个性审美特征的色彩元素，提高色彩的修养和运用能力。
六、审美能力的提高（时代审美精神）
具备最基础的艺术素养是我们做好设计的基本条件。同时这一点也直接决定了设计作品的成败。而审美能力的提高，会让我们的艺术眼光更加的敏锐，从而可以从生活中的万事万物来发现美、提取美的元素。而在基础绘画学习的过程中，培养审美能力是贯穿于整个过程中的，是通过我们接触的作品背景、评价等等和平时的绘画练习来提高我们的审美的。学习基础绘画的过程中，会接触到很多关于构图、色彩的冷暖、明度、肌理、造型、质感等等很多元素，这些元素的运用与经营，手追目思，审美价值就在这些学习和训练中形成。[1]艺术是来源于生活而高于生活的，中西方无数大师的经历告诉我们，真正的艺术是来自自我内心深层次的挖掘的。正确的观察方法、造型表现能力、色彩的修养、创意思维、审美的意识等等这些都对我们设计的产品有着非常重要的影响，而这些意识、修养是需要经过基础绘画的锻炼，长期的耳濡目染才能做到的。我们必须理论结合实践同步进行，才能让我们的设计站在一个高的基点上，做出更好的设计。
作者：吴美双 单位：西安交通大学城市学院
绘画基础范文第2篇
关键词：美术；基础绘画；教学研究；绘画兴趣；绘画基础
对于美术绘画课程而言，笔者通过多年的工作经验认为其主要包括三个方面：分别是速写、色彩以及素描。学生学习美术的目的是通过绘画课程的学习提升学生的审美能力，之外，在绘画过程中，其内容等都需要学生的自己的想象，因而也可以挖掘学生的创造能力以及想象能力。学生绘画水平能力的提升是科学的教学手段、有效的技巧以及扎实的理论基础共同决定的。
一、结合教学材料，挖掘学生对基础绘画的兴趣
兴趣是最好的老师，因而要想提高学生的绘画能力，就要充分调动学生的学习积极性，那么，怎样调动学生的学习积极性呢，在本文，笔者从学生自生以及营造良好的教学氛围两个方面进行分析。
（一）深入了解学生，因材施教
在美术基础教学中，不能采用大班教学，而要因材施教。每个学生的学习能力都不尽相同，因而教师在教学中，不能进行笼统的教学，而要结合学生自身的学习能力进行教学，使学生找到自己的位置，在使学生的学习能力的得到充分发挥的同时也使学生在学习中得到自信，进而培养学生积极向上的心理，综上所述，教师在教学的过程中应深入了解学生，因材施教。
（二）营造良好的学习氛围，调动绘画兴趣
在上文笔者也有提及兴趣是最好老师，为此在教学的过程中，应重点培养学生的学习兴趣。众所周知，美术基础绘画的学习者大都是中小学学生，存在爱玩的天性，其自制力比较差，而美术的学习，特别是学习的初级阶段，需要学生的自身对作品仔细的揣摩、观察，这一矛盾致使学生在长期的学习中，出现厌学，逃学的现象，因而教师应给予学生更多的耐心，利用不同的教学方式进行教学，在学生学习的过程中培养学生的学习兴趣，在教学中营造良好的课堂气氛，使学生对于绘画的学习充满兴趣。对于教学方法，例如可以采用室内教学，也可采用室外写生。
二、重点关注临摹、写生，指导学生打好绘画基础
除了坚实的理论知识可以奠定学生坚实的绘画基础之外，临摹和写生也是促进学生打好绘画基础的有效手段。临摹和写生的学习对于培养学生绘画的侧重点不尽相同，比如对于临摹而言，它的学习主要侧重于培养学生对于绘画技巧的掌握，临摹，就是模仿他人的绘画方法，为此，其也是学习他人绘画造型技巧最行之有效的方法。而写生则是通过对外界景物的绘画进而表达自己的想法，他则是培养学生个性化艺术特点最有效的方法。因而，老师的教学的过程中，不能仅仅注重学生理论知识的学习，之外还要对临摹和学生安排合理的时间。写生训练是教授理论知识后的集中训练，它属于强化式训练，其目的在于在不断的训练中使学生的绘画基础更加扎实。而临摹则是为写生奠定的基础的：将学到的他人的临摹方法应用到自己的写生中去，从而将知识进行由他变己的转变，但是将他人的绘画方法生搬硬套运用到自己的写生中去是不可取的，而是要对其进行优化，创新。之外，在临摹的过程对于不同的学生应选择不同的临摹作品，并指引学生领悟其中的内涵。
三、抓紧示范教学，加深学生对绘画技巧的认识
老师讲的好，并不等于学生的听的好，学生的用的好。在现实的教学中就有很多老师向笔者反应，认为自己在课堂上讲的十分细致，学生在课堂上的反应还可以，但是一到实际写生就不会应用了呢？究其原因，由于有很多画理相对较为抽象，在教师的指引下，学生可以理解，但是理解的不够透彻，进而不够很好的应用到实际的写生中去，因而，教师在对于一些较为抽象的知识进行讲解时可以利用示范教学法进行教学，在教学的过程中进行案例教学，如此一来，可以使学生更为直观的理解画理。例如教师在讲解有关色彩知识的内容时，老师纯口头的对其进行讲解，学生对于三原色，相邻色的理解不是很透彻，因而在教学中可以在讲的同时辅助示范作画，一方面，可以突出教学的重点，另一方面，老师可以在演示的过程中将需要注意的重点进行讲解，学生更好的掌握色彩的技巧，进而达到增强绘画基础的目的。
四、正确引导学生，提高学生的绘画水平
如何提高学生的绘画水平，在本文，笔者从整体观察、有效结合长期作业以及作品的调整和修改等等三个方面进行分析。
1.整体观察
由于学生观察方法不正确，导致学生在绘画的过程中突出了局部而没有顾及大局，或者顾及了大局却有没有突出之处，使整个作品很平庸。为此在教学的过程，教师应注重教授学生观察方法，注重观察局部和整体结构的布局，从而提升学生的绘画作品的质量。
2.有效作业的辅助
定量的作业可以达到巩固所学知识的目的。为此，教师在进行教学之后，还需要布置一定量的作业，在奠定扎实的理论基本功的同时提升学生的绘画能力。
3.作品的调整与修改
不要以为作品初步完成后就万事大吉了，其是则不然，在其完成后学生还需要对作品做更进一步的调整和修改。对于色彩掌握的力度，局部和整体的空间排版等。最后就是对作品的评价，对于评价方式主要有互评、自评以及面评等，通过评价学生更为直观的掌握自身的不足，进而在后续的学习中有方向的学习。
五、结束语
综上所述，美术基础绘画教学的优劣对于美术初学者有着极为重要的意义，因而教师在教学中应把握好教学力度。在本文笔者从两个方面分析了如何结合教学材料，挖掘学生对基础绘画的兴趣的方法，进而阐述了关注临摹、写生对于学生打好绘画基础的重要作用等等，以上便构成笔者在本文所阐述的观点，以其为读者，为相关工作者提供帮助。
参考文献：
[1]石磊. 对高职院校《建筑美术基础与应用》课程改革的几点思考[J]. 内江科技. 2011（04）
绘画基础范文第3篇
关键词：绘画课程；艺术设计；联系分析
艺术设计是一门综合性的学科，涉及的内容十分广泛，但是由于各个高校对艺术设计专业的定位不同，设置课程与教学也不同，特别是对待绘画基础课程的态度也不相同，有的高校对其还存在一定的误解。在工业设计上就会更多地重视专业而轻视基础，甚至认为绘画在工业设计中的比重轻，更多的是利用计算机进行绘画，不够重视思想上的表达。但事实上，绘画基础课与艺术设计有着诸多的联系。
一、绘画基础课程与艺术设计教学的联系
艺术设计教学与绘画基础课有着一定的联系，尤其是与其密切相关的有素描、色彩与速写。从起源看艺术设计主要是源于工艺美术，艺术设计中存在着工艺美术的基因，设计应该追求实用化求美的原则。一位有名的设计师，他的作品无论是成品图还是草图，都应该用视觉效果来表达，若想拥有这个效果就应该依赖一定的造型，而造型能力的培养主要通过绘画基础课来进行。所以，绘画基础课是艺术设计教学中的基础，应该受到重视。在各个理科高校中的艺术设计专业都是招收理科考生，这样导致大部分学生缺少绘画基础，创造能力的表达很薄弱，教学过程及教师忽视绘画基础课的重要性，进而导致对日后艺术设计教学产生一定的负面影响。另外，学生在设计的时候，通常会参考现成的资料，这样虽然具有一定的指导作用，可以节省大量的时间，但是很多内容在设计的时候都是有针对性的，不是一成不变的资料就可以照搬的。学生在书本上得到的知识还是很浅薄的，需要通过实践来强化，在艺术设计教学中加强对速写的捕捉，在一定程度上可以促进学生绘画功底的提高。但是当今教学上却很难看到速写课堂，甚至有些课堂上看不到写生，长此以往就会影响学生设计作品能力的提高与兴趣。
二、由绘画基础课培养艺术创新能力
我国的美术教育长期以来只是重视纯正艺术方面的培养，导致美术作品所表现出来的就是与形象、意境等关联的事物，无法表现出具有一定功效的产品。最近几年来，我国的艺术专业不断扩招，但是作为其中重要的组成部分的绘画基础课在艺术设计中却得不到重视。这主要是由于以下原因造成的。第一，绘画基础课中大多数的时候都会模仿，很少要求学生进行创新。另外在艺术设计教学中通常把绘画课作为附属课程，那么学生也就不会认为其有多重要了。实际上，在艺术设计教学中应该对绘画基础课提出更高的要求，不仅应该要求学生了解对象的色彩等特点，同时也要对组成的对象的色彩进行提炼，这样有利于形成新的视觉状态，这就是一个创造的过程。例如，可以在教学中需要的课程体系进行一定程度的改革，可以在教学中加强速写课程，在绘画基础课中要求学生进行创新。绘画基础课主要是为了培养学生的感觉技能，提高学生的动手能力与审美能力。若想使学生获得一定的设计能力，要从两个方面入手：第一，培养学生的设计观念；第二，要培养学生的设计技能。有句话说得好，技术容易教，艺术不容易教，要在艺术设计专业教学中培养学生的创造能力，就应该重视绘画基础课，而重视绘画基础课就应该留意艺术思维的想法与看法。离开了这两点，绘画基础课也就失去了本身的意义。在艺术设计教学中绘画基础课程起着重要的作用，有利于培养学生的创造能力。在艺术设计专业中应该开设一定数量的绘画基础课，因为艺术修养对培养一个设计师具有重要的作用，不能随心所欲。我们不能说绘画基础课是为艺术设计教学而服务的，这是不正确的，它们二者之间具有一定的联系。在艺术设计教学中开展绘画基础课在一定的程度上可以提高学生的创造能力，有利于提高学生在设计艺术时的创造能力。
三、总结
艺术设计可以看作是艺术与技术二者的结合，但是我们又不能把它们看成是简单的二者相加，按照自己的想法进行分割。绘画基础课程与艺术设计教学是相互联系的，在整个教学中不应偏废其中一个，两个都特别重要。要格外地重视绘画基础课。
参考文献：
[1]于雷涛.中职艺术设计教学中绘画基础课的作用[J].现代教育，2013
[2]郑少俐.中职艺术设计专业绘画基础课教学模式探究[J].美术教育研究，2013
[3]李志强.高校艺术设计专业绘画基础课教学改革思考[J].艺术教育，2014
[4]王晴.谈绘画基础课与艺术设计教学的关[J].美术大观，2009
绘画基础范文第4篇
关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把他们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破他，超越他，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去反复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；现在我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中假如还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么他的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。
绘画基础范文第5篇
关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。
绘画基础范文第6篇
一、 材料研究是掌握绘画语言的基础
在绘画作品最终完成后，材料审美和属性就被画面整体语境和精神属性掩盖，材料作为绘画表现媒介在绘画语言形成过程中的作用也被隐藏起来。绘画作品虽然承载了很多思想和内涵，但它最终是物质的，是通过物质的形式展现出来，画家表现的思想、内容、审美取向也是通过组成画面的材料媒介来实现。虽然材料审美属性和表现属性被绘画精神属性掩盖为教学中材料研究制造了困难，但材料作为绘画语言形成的根本，在教学中对材料进行讲授和研究是使学生成功走向绘画实践的重要开始。
材料以媒介形式存在是绘画得以形成的基础。这里，材料作为绘画作品的媒介，它承载了各种绘画语言，通过材料的不同存在形式，展现了材料作为媒介对画家意图的描述。正是由于画家的意图和目的，材料才成为画家利用的手段，将思想和目的强加于材料，成为通过画面传递某种意义的媒介。然而，材料要在画面上体现画家的意图和目的就必须将材料转化成画面需要的绘画语言元素――造型元素。这些造型元素包括：色彩、结构、肌理、线条、形状等等，都是材料的各种存在形式和表现形式，它们承载了画家的表现目的和意图。
“在绘画中实现的造型元素的种类源于材料使用的方式，因为材料具有开放的潜在可能性，每一种材料都可以以一种无限不同的方式得以实现，通过它们，产生的造型元素的种类同样也是开放的。”（[英] 尼吉尔・温特沃斯 著，董宏宇 王春辰 译《绘画现象学》P55， 江苏美术出版社2006年版）绘画材料是画家创造造型元素的工具和物质，而每一种造型元素表现形式的创造必然是绘画材料潜能的体现，是材料价值的审美彰显。材料的开放性为造型元素提供了表现机会，为画家拓展了自由、充分运用材料进行表现的空间，绘画语言也因材料的开放性和审美表现而变得丰富。每种材料作为媒介在造型语言上都存在未曾开发和未曾探知的潜在的表现可能性，这些都是通过画家在创作需求的情况下将材料潜在审美表现开发出来。在绘画实践中，学生只有选择并组织了适合其绘画语言的材料，通过材料的媒介属性表现对自然、人生、生活的理解与认识。
二、 绘画技法使材料性能得以显现
学生能够正确表达绘画语言和审美意图，需要对材料进行正确把握，必须了解和掌握材料的审美属性和表现属性。材料审美属性包括材质美和经过绘画技法表现后形成的形态美。材质美是指材料的质地美感，材料具有不同质地，表现出不同美感。材质美是材料具有表现力的根本，是被选择和应用的前提，如果材料失去其材质美感将不再是这种材料。绘画中材料还具有形态美，画家将材料按照意图表现出来，形成各种形状、肌理、颜色，表现出不同效果。材料各种表现形态构成了绘画造型元素，画家通过这些造型元素表达自己意图，将材料潜在表现能力开发出来形成画面或画家需要的形式，形成画面视觉语言。材料审美特性的深入开发和运用成为绘画表现语言的重要组成部分。每一种表现形式都是材料形态美在绘画语言中的具体体现，又是画面造型元素的具体存在形式，材料如果失去了表现形态，在绘画中它将失去存在的意义。总之，“物质手段是通过显示自己而不是使自己消失，即通过展开自己的全部丰富感性，实现自己的审美化的（杜夫梅纳著寒树站译《审美经验现象学》P341，北京文化艺术出版社1992年版）”。绘画材料既要表达视觉形象又要体现材料自身审美特性，并要将二者构成一个有机统一的绘画语言。学生在绘画实践中要体现思想和表现内容，在材料选择和运用中就应当注重并掌握材料的材质美和表现力，通过对技法进行锤炼，使形态美和材质美得到最恰当的体现。
黄宾虹在《画法要旨》一文中指出，“不明笔法、墨法，而章法之间，力期清新，形似虽极精能，气韵难求苍润（黄宾虹著《黄宾虹自述》P45，文艺出版社2006年版）。”说明绘画实践中，合乎画面语境需要的方法对于材料性能展现和画面语言表现有至关重要的作用，是绘画语言成功表现的重要环节。绘画技法是材料审美得以体现的手段，也是绘画语言得以成功表现的需要，是对绘画材料的使用方法，是材料成功转化为造型元素和绘画语言的手段。“画家通过对材料的使用，一个世界展现在他面前，这是一个他开始生活于其中的绘画世界。他的存在的一种新方式发展了出来，并开始实现自身”（《审美经济现象学》P51）。绘画技法在表现世界和审美思想过程中，将材料潜在表现力开发出来，使绘画表现和材料审美同时得到实现。技法是绘画材料形成画面整体性表现的需要，成功的绘画作品不是绘画材料简单的罗列，而是材料审美属性和表现属性的整体表现，是符合画面整体性表现语言要求的。在绘画实践中，学生不但要掌握材料的审美属性和表现能力，而且要将材料表现与绘画语言联系起来，通过技法实现材料与画面表现的完美结合。
三、 画面整体性与材料表现整体性的要求
在绘画教学中，对画面整体性把握是培养学生绘画表现能力的重要内容。画面整体性表现在绘画语言中材料表现对绘画元素的整体性组合，表现在材料开放性与绘画元素需要之间的和谐关系。造型元素和材料同样具有开放性，绘画元素的开放性表现在绘画语言形成整体语境的需要，绘画意图和审美性差异又要求绘画元素具有多样性；绘画材料的开放性则表现在其表现形态具有多样性。材料各种审美表现共同形成统一的画面语言，是材料质美及表现形态的综合性整体表现。画面中每一种材料和其表现形式都必须与其它材料和形式相协调，形成一个整体，否则材料审美性和绘画整体性将都不能得到体现。
造型元素在绘画作品中具有开放性，它们体现了画家创作的意图需要。“在每一幅绘画中，色彩、结构、肌理、色调以及线条都通力合作，以形成一个单一的统一整体。……每一幅画都被创作为一个总体，于是每一个造型元素都被重新创作，这样它才适合总体中的其它元素。在每一个情形中，每次的结果都是一个完全一致的总体”（《绘画现象学》P13）。也就是说，在绘画实践中，需要运用适合画面整体语言要求的造型元素完成创作。绘画作品中每一种造型元素的存在、形成，都是以材料作为媒介进行创作，它以其开放性表现，创造出画面需要的造型元素，形成作品整体表现语境。
材料必须符合绘画语境表达的要求，材料整体性是影响绘画语言形成和表现的重要因素。一件成功的绘画作品是各种材料之间和谐、统一的整体表现。材料的整体性表现在材料表现的双重性上，一方面它是绘画语言的中介和载体，另一方面又展现着自身材料特性的审美性。材料在绘画作品中如果失去了自身审美表现就不能实现造型元素审美要求，也将失去其存在的价值；如果过分展示自身审美不符合绘画语言要求，必将破坏画面整体，两者只有协调一致才能创造出具有整体性的绘画作品。绘画实践只有选择适合其语境的材料表达，才能形成统一的绘画形式和语言。从中国传统绘画发展历程看，可以明显看到材料整体性在整个绘画语言的形成和发展方面起到的重要作用。在形成中国传统绘画写意性特征的审美过程中，画家运用水墨材料的可渗化性、不可覆盖等材料特性形成中国绘画的整体表现语言，成为文人“畅吐胸中逸气”的手段，形成中国画整体绘画语言和特有的绘画语境。
从画面整体性说，造型元素的整体性就是材料审美的整体性每一件成功的绘画作品都是绘画材料的整体性体现，在绘画教学中，对材料各种属性的研究是学生成功把握绘画整体性的基础。
绘画基础范文第7篇
1. 时间三到四个课时
2. 临摹工笔白描的花、鸟、鱼、虫或简单的黑白装饰画
3. 以线描的形式对实际物体进行自主创作
（具体课程内容视学生能力决定）
教学目标：
使学生快速理解、掌握绘画中基本的构成要素，即点、线、面和黑白灰的画面对比关系，为以后的课程打好基础。
教学内容：
一．为学生讲解范画，讲解画面中各元素之间的相互关系，再导入点、线、面的内容使学生能够理解平面空间中基本元素的性质。
二．临摹练习，临摹内容为线描和黑白装饰画。
1.线描的练习，提升学生在绘画过程中的控制能力。
2.黑白装饰画的练习，提升学生对画面整体关系的理解能力。
（在临摹的过程中对学生进行指导，辅以绘画知识的灌输）
绘画基础范文第8篇
【论文摘要】正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系，强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中，注重学生的创造性思维和创新能力的培养，运用恰当的评价方法，培养学生的学习兴趣，使学科发展更规范、更完善，为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。wwW.133229.cOm在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。