绘画艺术鉴赏论文范文精选
绘画艺术鉴赏论文范文第1篇
4、形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味
5、意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次
6、艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生
7、审美接受不单是视觉接受，也不只是大脑接受，而是整个身心的接受
关键词：形式分析意蕴解释价值判断
在常人眼里，画画远比看画难，其实不然。著名艺术社会家豪泽指出：“人可以生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”所以有许多儿童画家，农民画民间艺术家也是文盲；但绝无儿童鉴赏家和文盲艺术家。可见，绘画艺术鉴赏是一种由后天专门训练所获得的一种特殊能力。
绘画艺术鉴赏教育是将受教育者带入绘画这一特殊视觉领域，使他们在大量接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下训练对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而育成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。
在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。
那么，如何培养我们的学生这种特殊努力呢？
“观千剑而识其器”，最重要的是大量接触艺术作品。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。这种接受非观赏接受。象在展览馆看画展，随意遛一遛，大体看一看，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏性接受。在以往的美术鉴赏中，有被戏称为“三段论”的欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏董希文《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。
现将在教学中总结的培养绘画奖赏能力的“鉴赏四步法”略作论述：
第一步：简单描述
在欣赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生直率地描述直观感受。
第二步：形式分析
形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。
>如夏加尔的《散步》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，红色衬布上的花、酒瓶、酒杯也起了很强的烘托作用。
>形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。
第三步：意蕴解释
>意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。
>意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言：“看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑”，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。
美术欣赏课教学
>仍以《散步》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在中间，举手托起婚后刚刚生了第一个儿子的妻子，让她在空中自由回旋，以庆祝他们生活的幸福和快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。
第四步：价值判断
>价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。
>我在评价达．芬奇《梦娜丽莎》时，除了指出它的“优”外，还有意指出它的“劣”，如：人物与背景的处理不自然，似剪贴一般；边缘线的处理过于生硬；受当时材料的限制，色彩单调;现在的色彩也灰暗了等。这样做的好处是使学生不迷信权威，敢于思考，敢于发表自己不同的见解，明白对绘画作品的判断是多元的，没有固定的结论，仁者见仁，智者见智。教师应尽量收集各种意见，以激发学生的思维，开阔学生的视野。
绘画艺术鉴赏论文范文第2篇
1. 抽象绘画的缘起一般认为,美术史上第一幅纯粹意义上的 “抽象绘画”,诞生于 1910年俄国艺术家康定斯基之手。而在康定斯基之前是否有完全符合抽象绘画特征的绘画出现呢?这些绘画是画家有意识的追求,还是偶尔为之的“涂鸦”,抑或是恶作剧式的玩笑?是有一两幅还是成批量、成系列的“抽象绘画”作品呢?这些作品与美术史上的抽象绘画的创始人康定斯基有什么关系呢?
回顾美术史,有人可能会说康定斯基的抽象画是受到立陶宛画家席乌昂尼斯作品的影响,席乌昂尼斯才是世界上第一位抽象画家,他早在 1904年就创作了抽象绘画,康定斯基作品中都可以明显地看到席乌昂尼斯作品痕迹。[1]
即使席乌昂尼斯是第一位抽象画家,也无损康定斯基作为抽象派绘画的创始人的地位,因为,康定斯基是第一个有鲜明的抽象绘画理论和宣言的抽象画家。抽象绘画并不是凭空出现在历史的舞台上的,历史为了她的诞生已经做了充足的准备。主要表现在如下方面:
(1)理论的引导[2]自 19 世纪开始,西方的哲学家和美学家在哲学理论和美学理论上有了本质的突破。唯心主义哲学的兴起,是西方现代艺术从写实走向抽象的重要原因。形式主义的理论在西方最早是由康德提出来的,他关于形式的着名论断就是:审美判断所关注的是对象的形式,并且只是形式。自康德以后,早期的形式主义美学家约翰·弗里德里希·赫尔巴特认为:美存在于1系中,纯粹形式并不是感性的,而是一种由单纯的形式关系所构成的表象,表象就寓有原始的或不。再后来叔本华的“意志”和尼采的“酒神精神”,在哲学和美学的意义上都给后来的抽象主义提供了理论依据。正是基于这些理论的铺垫和现代艺术的蓬勃发展,法国评论家恩斯特·歇思诺早在 1864 年的一篇评论中就说 :“如果印象派倡导的精神和潮流继续下去,绘画在不久的将来将是仅仅几笔刷出来的色彩。”[3]果真是绝妙的预言!
(2)审美观念的变化科学技术是时展的催化剂,推动着生产方式、生活方式乃至人们思想观念的变化,进而使得整个时生了翻天覆地的变化。如同过于超前的技术会遭到搁浅一样,过于超前的审美也会遭到人们的抵制,这样的悲剧在历史上一再发生,所以审美认同与否对于艺术家来说是至关重要的。英国艺术家透纳在其“衰年变法”中出现了一些抽象化的作品。他的经历证明了此时的“抽象”艺术还是个时代早产儿。透纳显赫的艺术地位就是在人们对其“抽象”作品进行批评、辱骂、诅咒声中丢得一干二净,成了一个悲剧,没有得到时代的认同,虽然他的作品对后来的抽象主义绘画产生了极大的影响。由此也可以看出作为新兴艺术的“抽象绘画”在 20 世纪能够得到认可与普及绝非历史的偶然。
(3)摄影技术的发明与普及照相机的发明使写实绘画受到了空前严峻的挑战,也促使了艺术家对绘画有着更深层次的思考,以至于一部分画家认为写实艺术已经枯竭,出于“对画事实的厌倦,艺术家开始追求抽象”①而拓展绘画的新题材。[4]
(4)绘画自身发展的结果[4]抽象绘画是历史传承的结果,作为现代艺术的一部分,抽象绘画是其发展的必然结果。19 世纪中期,现代艺术从印象主义开始在起步,马奈1863 年创作的《草地上的午餐》被视为现代艺术划时代的作品。作为最有代表性的印象派画家--莫奈的绘画对抽象派绘画有着较大的启发②.塞尚是后印象主义的杰出代表,也是首先把现代主义艺术从具象带往抽象形式的画家,其中“把自然还原为圆柱、圆锥与球体的三种基本形状”的观点,影响了立体派的诞生,从而促成抽象艺术的发展。塞尚让抽象画有了理论和实践上的萌芽,立体主义的出现,让抽象画有了大展身手的可能。立体派将透视散点化,用大小不同的几何形状把支离破碎的自然形象的“零件”重新拼合,使画面的人和物几何立体化,使得绘画有了明显的抽象意味。
立体派的巨大影响力直接导致了几何抽象主义的产生。荷兰艺术家蒙德里安 1911 年在巴黎接受了立体派的绘画观念,并且把立体派演化为具有自己鲜明特色的几何抽象画。
2. 抽象绘画概念与特征在《辞海》的词条中还有关于“抽象主义”的解释 :“抽象主义亦称抽象派”,“主张艺术完全脱离现实生活,用抽象的符号表现纯精神世界',反对用具体的造型语言描写客观物质世界,否定艺术的形象性、真实性和社会教育作用”[5].这种解说点出了“抽象艺术”的特点,对于抽象绘画也同样适用。比利时抽象艺术理论家苏福尔(Michel Seuphor)认为“在绘画里,凡其形象切断了自然与现实世界之间的脐带,以致无法辨识、联系或思考其形象的绘画”[6]均称之为抽象绘画。
我们认为对抽象绘画的定义应有更为全面的表述:抽象绘画是用抽象的点、线、面、色的关系所构成的不同意义,以绝对抽象的形、点、线造型符号来表现抽象的时间和空间的节奏、韵律,来表现个人内心的感觉以及潜意识领域的意念,它远离物象的形似,摒弃客观世界的具体形象和生活内容。抽象绘画有两类:一类是几何抽象也称冷抽象,以蒙德里安为代表。另一类是抒情抽象也称热抽象,以康定斯基为代表[7].抽象绘画还具有精神性、内涵的丰富性、形式的独特性、视觉的愉悦性和解读的多义性等特点。
3. 关于具象绘画与抽象绘画按照绘画不同的形态可概括分成两大类:具象绘画与抽象绘画。具象绘画顾名思义能看到具体形象。抽象绘画它远离物象的形似,摒弃客观世界的具体形象和生活内容,看不到具体形象,只有抽象的点、线、面、色的关系所构成的不同意义。具象绘画包括写实绘画和写意绘画,所以绘画按不同形态也可分为写实绘画、写意绘画和抽象绘画三大类[8].
二、抽象绘画鉴赏的误区
抽象绘画诞生百年以来,对其批评和攻击时有发生,情形千奇百怪,不胜枚举,不分中外。对于抽象绘画这样新生事物的理解与接受是个十分漫长、艰难的过程,既有具象审美思维的惯性作用,也有现实利益的纠缠。
1. 观者的误解“看不懂,抽象画太难了”,“抽象画是乱画的”,“抽象画太简单,小孩子都会”,“抽象画没有标准,不知好坏”[2],这是抽象绘画的观众常说的话。观众对于一幅完全不知从何看起,也不知所云的抽象绘画,说什么都不过分,盲目自卑、盲目崇拜的有之,恼羞成怒的亦有之。于是便根据自己的理解进行演绎、解说,便有了上面的那些说法。
2. 画者的误会在绘画的圈子里,常听到画具象的画家说抽象画家是“画不好具象才去画抽象”,抽象画家则说具象画家“只会抄袭”,这样的相互指责正如林风眠先生说的那样 :“抽象主义和具象画家用相对观念来看对方,都看到对方的荒谬而且可笑”[9].
3. 先进性的误说抽象绘画在 20 世纪初期出现,具有相当的先锋性,对后来的整个视觉艺术产生了相当的影响,席卷了整个 20 世纪。但是现代艺术的脚步一直没有停止,媒体艺术、装置艺术、行为艺术层出不穷,在艺术选择多样化的今天,抽象绘画更是失去了先锋性、实验性。百年以来,抽象绘画和具象绘画一样已经成为经典艺术,都是艺术家探索世界的一种方式,不存在哪种绘画“先进”或者“落后”之说,如果说存在差异的话,就是画面艺术效果的“好”与“不好”的区别。
4. 无限拔高的“骗局”抽象绘画有其独特的审美价值,然而“万事皆有度”,过分夸大抽象绘画的作用和意义也是不适当的。对抽象艺术做了诸多研究的理论家王瑞芸专文叙述抽象绘画不过是一个《被提升的恶作剧》[10],认为“当抽象表现主义的吵闹嬉啼被批评界、画商、收藏家
、媒体等共同操作成一个高雅风格时,大众只有被愚弄的份。波洛克有一次带了朋友去自己画室看画,他指着一圈依墙放着的滴画问朋友 :你能把这些东西叫做艺术吗 ? 如果我知道怎么去好好画一只手,我会去画这些垃圾吗?说完,他痛哭”[11].毕加索甚至说过一句别有深意的话:“ 现代艺术是强加给人类的一个最大的恶作剧。” 任何事物都有正反两方面的意义和价值,当其中任何一个方面被过分地夸大,都是荒谬的,抽象绘画也是如此。这需要用更加理性的态度来对待抽象绘画,随意贬低和无限拔高都是有失偏颇的。为此提高大众的审美意识和辨别能力,就显得尤为重要。
三、抽象绘画鉴赏品评的方法
美术批评家在对美术史及不同绘画作品的研究中创造了多种研究与鉴赏方法,为我们鉴赏不同风格的绘画作品开启了方便之门。要想正确鉴赏绘画作品,首先要了解和掌握鉴赏的基本方法,因为,鉴赏方法是打开绘画鉴赏之门的钥匙,也是绘画鉴赏的核心。绘画鉴赏方法主要有如下几种方法:社会学的鉴赏方法;感悟式的鉴赏方法;比较学的鉴赏方法;形式分析的方法。[8]
1. 社会学的鉴赏方法
社会学式的方法最初是由 19 世纪法国艺术理论家丹纳提出的,他发现文学艺术作品并非仅仅同作者的生平经历和创作意图有关,而且还同种族、时代、环境等社会因素紧密联系。
它注重绘画作品是在怎样的社会历史背景和物质条件下产生的;注重绘画社会学意义的探索,通过对特定时代政治、社会、文化等背景的深入阐发并以此来研究绘画的意义及发展变化,同时考察作者的经历、生平和创作意图,把作品放到社会大背景中去考察。从而帮助我们更好地理解作品的内容和意义。而这些因素不是单靠画面的观察就能完全了解的,所以社会>:请记住我站域名/文化背景,积累相关的知识才能很好地鉴赏作品。因此,这种鉴赏方法适合于对写实的、故事性和情节性较强的绘画作品,所以对待具象性绘画表现的历史事件、宗教题材及有故事性、情节性的美术作品,采用偏重社会学式的鉴赏方法并结合其它方法较合适,有助于对作品进行准确地把握和解读。
2. 感悟式的鉴赏方法
面对一件动人的绘画作品,我们会激动,会思考,会联想。这种激情与思考深切投入的鉴赏方式,就是感悟式鉴赏。感悟式欣赏要求观看者要从自身的经验出发,充满想象和有激情地去欣赏绘画作品,并在欣赏过程中运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验、文化知识和审美修养对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象。它适合于写意绘画和抽象绘画的艺术作品。因为这类作品不是对客观对象的如实描写,而是客观事物反映到作者主观意识中,并在那里经过处理所创造的形象;是内在与外在、主观与客观结合的产物,它和视觉的直接摄象有所不同;是与画家的情感、修养、境遇密切相关,带有很浓的主观情感色彩,造型与形式上表现为夸张、变形,而主题一般较为模糊和曲隐,或者根本没有主题。
3. 比较学的鉴赏方法
比较学鉴赏的目的,是通过对不同主题、风格、流派、造型、形式及表现手法的比较,更好地把握作品的特色。在比较鉴赏中,需要根据具体情况来分析,绘画作品的好坏、水平的高低是可以通过比较来鉴别的,但在有些情况下,作品之间并不是简单的谁好谁坏的问题,而是表现方式和风格上的不同。因此,比较的内容主要是形式方面的,可以根据作品形式上的不同,去分析比较,当然也涉及画家个性、经历及社会等因素。至于具体对比哪些内容,还需要依靠作品本身诸因素的提示,所以比较的方法其实也是多种鉴赏方法的综合运用。比较的方法很多:主要有纵向、横向、整体、局部、同类、异类等比较。
4. 形式分析的方法
绘画艺术鉴赏论文范文第3篇
关键词： 高中美术西方现代艺术鉴赏 知人论世 点面结合 纵向联系 创作实践
艺术作为人类世界的感性呈现，承载着人类精神史的广度和深度。西方学者巴赞认为，一个社会只有同艺术“结婚”，才能生出文化之子；如果与文化离异，就只能导致野蛮，这个社会随之会变成文化的沙漠。高中教育在升学压力下，往往不重视审美教育，在以考分为主要参照的评价体系中，学生的精神世界较为空乏，审美能力较弱，对艺术缺少感知和辨识。艺术同自然一样是人类的精神家园，无艺术的人生是乏味低俗的。在新课程背景下，高中美术鉴赏教学应该为学生提供一片自由充盈的审美空间，综合提高学生的精神素质。在高中美术鉴赏课中，西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点内容，其涉及教材中的四部分：意象艺术、抽象艺术、西方现代艺术、美术作品的意义与价值判断等，教师需要运用多种教学方法和手段，让学生改变以写真的、“像与不像”为标准的传统视觉审美程式，用现代的审美眼光理解西方现代艺术的流派风格和思想情感。本文以西方现代绘画艺术为切入点，探讨西方现代艺术鉴赏的教学策略。
一、知人论世，探知本质。
古典艺术以客观世界为参照对象，艺术家按照看到的世界来描绘对象，画作是世界的一面镜子，真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实，而是追求内心的真实，其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想，所以，要想欣赏现代艺术，就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历，等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法，就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能，于是绘画不再执著对外部客观事物的描摹，而是寻找新的出路和存在价值，从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动，如哲学和宗教新思潮，这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革，现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释，则其确实难以理解。比如，要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起，马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判，从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道，这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的，他们从不承认其他的理解形式，而是在这方面表现出一种幼稚的偏见：除了他们的公式，一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能，从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画，他只不过决心要做他自己，而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室，在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化，进行现场绘画创作，由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情；只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往，才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来，我们是谁，我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解，这种从艺术家的立场来解读作品，是最基本的赏析方法。
二、点面结合，探知风格。
“点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口，然后结合艺术家的其他作品，感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高，可以把《星空》作为突破口，可以设置一些问题让学生思考：其构图、线条、色彩有何特点？他描绘的夜空和你看到的有何不同？画家这样表现的目的是什么？你从中感受到怎样的情感？经过讨论后，可以让学生欣赏其他作品，如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等，学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度，从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显著的标志，特别是现代艺术中，层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨，每个流派的画家又有不同的风格，如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别，塞尚、凡·高、高更又有区别。所以，点面结合的方法，可以使学生了解画家的整体风格，而不是仅看到局部和表象。
三、纵向联系，彰显个性
现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的，其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线，把各个流派贯穿起来，分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法，而对物象进行深入、长时间的分析，专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现，“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索，毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理，用几何形体的组合拼接来构图，创建了立体主义流派，其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识，从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索，就可以把这些有传承关系的流派联系在一起，这样的纵向联系和对比，可以使学生清晰地把握各流派的异同点，体察现代艺术发展变化的规律，对现代艺术有更深入的认识。
四、创作实践，领悟精神。
现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚，培养学生现代的审美眼光和审美趣味，创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节，加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时，可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象，并说说这样构图的意图，也可以让学生相互评价，还可以加入拼贴和实物要素，让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验，让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来，综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。
五、面向生活，慧眼识别。
现代艺术自19世纪末出现在西方文化舞台上之后，就以一种革命性的姿态，不断突破传统的艺术体系和美学规范，把各种新的观念形式和材料纳入到艺术表达的范畴内。不了解现代艺术的革新及形式和理念上的突破就不会理解当代多元化的艺术风格追求，不会鉴赏当代先锋艺术、装置艺术、行为艺术。在教学中，教师要有意识地把当代艺术出现的现象和问题作为引入部分或延伸部分，让学生思考鉴别。渐渐地，学生就会把鉴赏方法运用到现实中，对当代艺术问题进行评析，建立现代的审美品位和审美标准，从而形成自己独特的审美眼光，识辨当代复杂怪异的艺术现象。
总之，在西方现代艺术鉴赏教学中，教师要结合高中学生的理解认识水平和艺术基础，让学生了解现代艺术生成的社会背景及艺术家经历、艺术理论探知艺术家个性化的风格追求；通过纵横的对比联系明晰流派风格的继承发展；通过绘画实践、当代艺术现象体悟艺术精神，最终达到对新奇多变的现代艺术的鉴赏。在教学中，教师要灵活多样地运用这些方法，设计合理的教学环节，由浅入深，启发引导，把内容庞杂的现代艺术有计划有步骤地进行鉴赏，让学生对西方现代艺术具备初步的鉴赏能力。
参考文献：
［1］［美］苏珊朗格著.藤守尧译.艺术问题.南京出版社，2006.1.
［2］［美］F大为马丁，李A雅各布斯著.包慧怡，黄少婷译.艺术和人文.上海社会科学院出版社，2007.4.
绘画艺术鉴赏论文范文第4篇
【关键词】美术；鉴赏力；审美观
中图分类号：J0 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）03-0226-02
一、大量鉴赏优秀作品
正如多听音乐可以培养乐感，多读文学作品可以提高文笔一样，只有大量地鉴赏优秀的美术作品才能够从实践中领悟美术的魅力，从而逐渐地培养美术鉴赏力。大量鉴赏优秀作品，可以找到它们的共同点，吸取其精华部分，对人们艺术修养和鉴赏力的提高有直接的利好。但是，我们日常生活中接触到的艺术作品多种多样，其中不乏掺杂一些质量稍差的作品，作为初学者来说，无法判断哪些才是优秀的作品，这会阻碍人们对真正美的艺术的追求。因此，我们需要有专业的老师来选择和指导对优秀艺术作品的鉴赏实践。
培养美术鉴赏力就要提高眼睛感受形式美的能力，鉴赏名画可以有效地提高这种能力。中外名画是艺术家呕心沥血的代表作，经过多年的沉淀和升华流传至今。其中包含的不仅仅是美术能力的精湛，更是千百年来精神文化的传承。我们在欣赏名画的过程中，要仔细观察，学习名家在绘画上的细节处理以及他们对色彩、形体和构图的构思，通过长期锻炼，对美术作品的辨析力和领悟力会逐渐丰富和提高，眼睛感受美的能力也会逐渐增长。优秀的美术作品会引来许多人临摹，因此出现了大量的复制品，虽然对原作品的临摹相似度很高，但还是很难将原作的审美和精神准确的地传达给观看者。所以我建议如果条件允许的话，还是应该到美术馆、画廊或者博物馆去欣赏原创作品，与艺术大师通过作品进行面对面的触碰。
由于每个人的个性特点不同以及天生审美观的差异，会对美术作品的风格有不同的喜好。例如有人喜欢雄浑的山河作品，有人喜欢清秀的花植作品，还有人喜欢抽象的思维作品，人们可以根据自己的喜好选择美术作品进行鉴赏，不过对于其他风格的作品也应该有所涉猎，不能轻易地排斥，更不能贬低，要培养全面的美术鉴赏力。美术作品也有高雅的格调和低俗的趣味之分，对初学者来说，要根据老师的建议选择个性鲜明、有独创精神的作品，尤其是那些经过岁月的筛选流传下来的古今中外名作，一定要避免让平庸粗劣、格调低下的作品影响初学者的第一印象。
二、学习相关艺术知识
美术鉴赏力不是个人天生的能力，需要经过后天的培养，学习相关的艺术知识是其中的重要内容。相关的艺术知识不仅包括中外的美术发展史、技法理论和艺术概论，还包括相关的文学、哲学、和民俗文化等。首先，对我国美术发展史上出现过的绘画大家及作品要十分熟悉，包括吴道子的“吴带当风”，黄荃、徐熙的“黄家富贵，徐熙野逸”，董源、巨然的“照耀古今，为万代师法”，还有吴门画派的唐寅和文征明，扬州画派的郑板桥、李蝉。此外，从我国美术的发展历史来看，各个朝代所呈现的画风也有所不同，唐朝雍容华贵，宋朝严谨精细，元朝淡然清幽，明清两朝则以水墨为上。对于西方的美术发展史需要了解的是在不同时期产生的不同绘画流派的风格和特点，要知道西方几种典型的绘画风格，如古典主义、印象主义、现实主义、浪漫主义和抽象主义。对于中西方的美术发展史要了然于胸，当看到一幅艺术名品时，在欣赏形式美的同时要联想到其创作背景，这样可以更加深刻地理解作者的创作意图，从而深刻地领悟作品中所蕴含的精神真谛。
要想更好地鉴赏一幅美术作品，了解和掌握美术的基本知识和规律是必不可少的，了解美术的表现形式、艺术特征是学习美术的基本素养。美术从广义上来讲包括雕塑、绘画、建筑和工艺美术等，单从绘画来看，以使用工具、材料和技法来划分可分为油画、水粉画、中国画、素描等；以画面形式和社会功能来划分可分为：漫画、年画、宣传画、壁画、插图和连环画等；以描绘对象来划分可分为：风景画、人物画、历史画、风俗画等，每个画种还可以分为更加细化的种类，如中国画按照描绘题材还可以分为山水画、人物画、花鸟画等等。通过相关美术知识的学习，可以清楚地分出美术作品的题材，感受不同的美术形式带给我们的不同艺术感受。此外，根据不同美术作品的不同表现形式，需要掌握不同的鉴赏方法，例如鉴赏工艺美术时要带有触觉上的感官；鉴赏建筑艺术时要带有运动上的感觉。掌握这方面的基本知识，可以帮助人们正确地把握作品，准确地领悟作品的艺术魅力。
在上文中我们提到过艺术作品反映的是现实生活，因此为了更加准确地领会原创作者的创作意图，学习相关的宗教、民俗和哲学是有必要的。一个民族和时代的艺术和这个民族和时代的哲学是密不可分的，许多流传至今的艺术名品、美术著作中都蕴含着深刻的哲学观念。以中国的美术艺术为例，讲究诗以言志、文以载道、画以立意，这种高度的写意性、表现性就是与哲学相联系的表现方式。通过学习哲学可以更好地理解文艺作品的精神，同时也可以通过对文艺作品的研究来得到哲学方面的启示。不仅仅是中国，西方的美学艺术也深深受哲学、时代和宗教文化的影响。在中世纪，绘画大部分是为基督教服务的，文艺复兴之后也有许多绘画是以宗教为题材的。同时绘画还与文学有密不可分的联系，例如诗经通过绘画的图解，顾恺之也曾经用类似连环画的形式再现曹植的文学作品《洛神赋》。阅读文学作品还可以提升自己的审美情趣，培养想象力和思维能力，为提高美术鉴赏力服务。
三、注重结合审美体验
著名的雕塑家罗丹曾经说过：世界上并不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。提升审美观就是在为自己寻找一双能够发现美的眼睛，那么如何才能提升自身的审美观呢？首先，要多看一些名家的艺术作品，这些作品经过时间的检验，在今天仍然称得上不朽之作，可以充分地验证其艺术造诣和成就。在观看这些艺术作品的时候要充分调动自己的感性直观，细细品味作品中的色彩和构图，经过长期的实践，自己的感悟力和辨析力就会慢慢丰富起来。其次，要带着审美的态度去体验生活。我们知道许多知名的画家和诗人都是十分感性的，他们会带着细腻的情感去理解周围的生活和自然环境，写出“春江水暖鸭先知”的千古绝唱。在美术作品中也有许多描绘大自然、描绘日常生活的作品，正是因为他们有一双发现生活美的眼睛。
提升审美观还要培养开放的艺术观念。所谓艺术观念，指主体对不同流派和风格的美术作品的观念和看法。培养开放的艺术观念就是不仅要懂得欣赏美的、具象的作品，还应该懂得欣赏丑的、抽象的作品，其实作品的美与丑并没有明显的界限划分，要想全面地理解和把握作品的实质，就应该以开放的艺术观念、用一种欣赏的态度去对待每一个作品。此外，许多人会将绘画看作是对实物临摹和复写，将其逼真程度作为评价它的唯一标准，这种做法在鉴赏美术作品当中是有极大误区的。随着照相机的普及和流行，绘画逐渐丧失了其记录和存录的作用，但是绘画并没有因此而衰落，就是因为绘画不仅有其“写物”的特征，还有其“写心”的重要功能，也正是这项功能才使得绘画的艺术境界更高一层。画家在创作艺术作品时，不仅仅是对事物的一种复写，还渗透了自身的情感，这也正是许多著名艺术作品经久不衰、耐人寻味的原因。所以用开放的艺术观念去欣赏艺术，才能鉴赏更加丰富多彩的美学艺术。
美术鉴赏能力和审美观并非一朝一夕就能够培养出来的，需要我们长期实践，不断地积累艺术知识和提升艺术观念，培养良好的审美观。如果有兴趣的话，也可以根据自己的爱好试着练习一些绘画，对眼睛感受形式美有非常好的作用，并且要学会用审美的态度去感受生活，带着一双发现美的眼睛去体味生活，这也是培养美术鉴赏力的最终要求。
参考文献：
[1]孙清予.论高效美术课堂对提高学生审美能力的作用[J].戏剧之家，2015，（01）：137.
[2]何岩.关于中小学美术欣赏教学的思考[J].长春教育学院学报，2015，（11）：136-137+157.
绘画艺术鉴赏论文范文第5篇
一、知人论世,探知本质。
古典艺术以客观世界为参照对象,艺术家按照看到的世界来描绘对象,画作是世界的一面镜子,真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实,而是追求内心的真实,其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想,所以,要想欣赏现代艺术,就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历,等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法,就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能,于是绘画不再执着对外部客观事物的描摹,而是寻找新的出路和存在价值,从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动,如哲学和宗教新思潮,这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革,现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释,则其确实难以理解。比如,要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起,马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判,从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道,这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们从不承认其他的理解形式,而是在这方面表现出一种幼稚的偏见:除了他们的公式,一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能,从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画,他只不过决心要做他自己,而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室,在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化,进行现场绘画创作,由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情;只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往,才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解,这种从艺术家的立场来解读作品,是最基本的赏析方法。
二、点面结合,探知风格。
“点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口,然后结合艺术家的其他作品,感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高,可以把《星空》作为突破口,可以设置一些问题让学生思考:其构图、线条、色彩有何特点?他描绘的夜空和你看到的有何不同?画家这样表现的目的是什么?你从中感受到怎样的情感?经过讨论后,可以让学生欣赏其他作品,如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等,学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度,从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显着的标志,特别是现代艺术中,层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨,每个流派的画家又有不同的风格,如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别,塞尚、凡·高、高更又有区别。所以,点面结合的方法,可以使学生了解画家的整体风格,而不是仅看到局部和表象。
三、纵向联系,彰显个性
现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的,其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线,把各个流派贯穿起来,分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法,而对物象进行深入、长时间的分析,专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现,“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索,毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理,用几何形体的组合拼接来构图,创建了立体主义流派,其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识,从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索,就可以把这些有传承关系的流派联系在一起,这样的纵向联系和对比,可以使学生清晰地把握各流派的异同点,体察现代艺术发展变化的规律,对现代艺术有更深入的认识。
四、创作实践,领悟精神。
现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚,培养学生现代的审美眼光和审美趣味,创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节,加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时,可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象,并说说这样构图的意图,也可以让学生相互评价,还可以加入拼贴和实物要素,让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验,让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来,综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。
五、面向生活,慧眼识别。
绘画艺术鉴赏论文范文第6篇
在常人眼里，画画远比看画难，其实不然。著名艺术社会家豪泽指出：“人可以生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”所以有许多儿童画家，农民画民间艺术家也是文盲；但绝无儿童鉴赏家和文盲艺术家。可见，绘画艺术鉴赏是一种由后天专门训练所获得的一种特殊能力。
绘画艺术鉴赏教育是将受教育者带入绘画这一特殊视觉领域，使他们在大量接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下训练对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而育成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。
在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。
那么，如何培养我们的学生这种特殊努力呢？
“观千剑而识其器”，最重要的是大量接触艺术作品。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。这种接受非观赏接受。象在展览馆看画展，随意遛一遛，大体看一看，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏性接受。在以往的美术鉴赏中，有被戏称为“三段论”的欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏董希文《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。
现将在教学中总结的培养绘画奖赏能力的“鉴赏四步法”略作论述：
第一步：简单描述
在欣赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生直率地描述直观感受。
第二步：形式分析
形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。
>如夏加尔的《散步》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，红色衬布上的花、酒瓶、酒杯也起了很强的烘托作用。
>形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。
第三步：意蕴解释
>意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。
>意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言：“看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑”，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。
>仍以《散步》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在中间，举手托起婚后刚刚生了第一个儿子的妻子，让她在空中自由回旋，以庆祝他们生活的幸福和快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。
第四步：价值判断
>价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。
>我在评价达．芬奇《梦娜丽莎》时，除了指出它的“优”外，还有意指出它的“劣”，如：人物与背景的处理不自然，似剪贴一般；边缘线的处理过于生硬；受当时材料的限制，色彩单调;现在的色彩也灰暗了等。这样做的好处是使学生不迷信权威，敢于思考，敢于发表自己不同的见解，明白对绘画作品的判断是多元的，没有固定的结论，仁者见仁，智者见智。教师应尽量收集各种意见，以激发学生的思维，开阔学生的视野。
绘画艺术鉴赏论文范文第7篇
“中国艺术市场最早可以追溯到新石器时代后期，汉代已出现了书画市场的初级形态，即‘佣书’、‘佣画’市场，至唐代中国书画市场才真正形成……”(章利国《关于中国艺术市场的起源》)，笔者认可此观点。唐代书画艺术市场，作为一个专业艺术市场的出现与成型，杜甫诗句中就有“忆昔成阳都市合，山水之图张卖时”。此诗句，可以反映唐代书画艺术市场的繁荣情况，也说明这个专业书画艺术市场的出现与成型是客观存在的事实。为何唐代能形成一个专业的书画艺术市场?笔者通过仔细阅读晚唐张彦远的《历代名画记》(张彦远著，俞剑华注释，江苏省美术出版社2007年版)，试图探索出其书画艺术市场形成的真正原因及特征。
二、唐代书画艺术场形成的原因
1 专业收藏家、鉴赏家和专职书画商人的出现
唐代书画艺术市场的真正形成离不开专业的收藏家、鉴赏家和专职书画商人(艺术市场的中介人)。正是这些人的存在，推动了其艺术市场的繁荣昌盛，并为书画艺术品的消费提供了强大的消费对象。他们经常活跃于当时书画艺术市场，并大量收藏、购买书画作品。从某种程度上说，他们是唐代书画艺术市场形成的真正原因之一。
据张彦远《历代名画记》的记载，在唐代就有了一批专业的收藏家，如窦瓒、席异、潘履慎、蔡希寂、窦绍、薛邕、王方庆、张易之、薛稷等。在古代，一般将这些人称之为“好事家”。然而，“好事家”即古代书画的收藏家这一称呼，张氏的《历代名画记》也有所记载。除在其《历代名画记・论画体工用拓写》中有“好事家宜置宣纸百幅，用法蜡之，以备摹写”的记载以外，还在其《历代名画记・论鉴识收藏购求阅玩》中也提到：“则有收藏而未能鉴识，鉴识而不善阅玩者；阅玩而不能装褫，装褫而殊亡铨次者。此皆好事者之病也。……非好事者不可妄传书画，……既颓然以忘言，又怡然以观阅，常恨不得窃观御府之名迹以资书画之广博，又好事家难以假借，况少真本。”
同时，唐代除了以上一批专业的收藏家之外，在《历代名画记・论鉴识收藏购求阅玩》和《历代名画记・叙自古跋尾押署》的记载中，也说明唐代出现了一批专业的鉴赏家，如虞世南、褚遂良、薛道衡、窦蒙、窦U等。事实上，这些鉴赏家大部分也是收藏家，如虞世南、褚遂良、窦蒙、窦崴等。在张氏的《历代名画记・叙自古公印记》一文中，就有过他们收藏印章的记载。因此，从以上的记载，可以说明一个事实，即在唐代一些鉴赏家可以是收藏家，一些收藏家也可以是鉴赏家，他们具有双重身份。
唐代除了有一批专业的收藏家、鉴赏家队伍之外，还有一批专门的“专职书画商人”，我们可称之为“书画艺术市场的中介人”。张氏称“专职书画商人”为“卖书画人”。书画中间商人，在当时被称为“书侩”，其主要活跃于当时著名的大都市长安、洛阳等地的书画艺术市场。他们就是唐代书画艺术市场书画买卖的中介人和专业买家。在书画艺术市场中，他们既是“消费者”(初级书画艺术品消费者)，又是书画艺术市场中的中介人，所担任的角色与作用，就是经过他们之手再把书画作品转让给其他艺术品消费者。关于唐代“专职书画商人”或书画买卖的中介人，张氏的《历代名画记・论鉴识收藏购求阅玩》就有过详细的记载，文中就记述了唐代的王昌、叶丰、杜福、刘翌、齐光、孙方等皆为专职书画商人或书画买卖的中介人，如“辽东人王昌，括州人叶丰，长安人田颖，洛阳人杜福、刘翌，河内人齐光皆别识贩卖，……贞元初有卖书画人孙方与余家买得真迹不少，今有男盈在长安，顷年又有赵晏皆为别识也”。从以上的记述，说明唐代专职书画商人(艺术市场的中介人)的眼力是非常高的，具有很高的鉴赏能力，文中就提到孙氏为张彦远家买到过诸多书画作品的真迹。因而，从某种程度上来说，这些“书画艺术市场的中介人”也可称之为书画鉴赏家。下面，笔者根据《历代名画记・论鉴识收藏购求阅玩》的内容，初步统计出了唐代开元年间的书画收藏家、鉴赏家和书画艺术市场的中介人的人数，如表1所示。
事实上，这只是张氏所记述的书画艺术市场参与者的一部分人员。因为，在其《历代名画记》中，还有许多这样书画艺术市场的参与者，笔者在此就不详细列表。从此表中，我们可以看出唐代书画收藏家有带官职身份和无官职身份之分。此外，唐代书画鉴赏家也有官职人员和民间私人身份参与书画品收藏，如上文提到的虞世南、褚遂良等。
从整个中国古代美术史的发展来看，唐代可称之为“绘画盛世”，即绘画繁荣。此时，已经出现了大量的书法家、画家等艺术生产者，笔者将在后文叙述。
因此，从艺术市场的运行机制来看，正是因为唐代有了一批稳定而又庞大的书画家(艺术生产者)、书画收藏家、鉴赏家和专职书画商人(书画艺术市场的中介人)等的队伍。由于他们作为专业的艺术品生产者，书画艺术品买家、卖家、消费者和书画买卖的中介人，才使得唐代书画艺术市场得以正常运行并趋向繁荣。根据艺术市场运行机制的理论来看，如果没有艺术生产者，书画艺术品的专业买家、卖家和书画买卖的中介人等，书画艺术市场是不可能正常运行的，更谈不上专业书画艺术市场的真正形成。
与前代相比较，唐代就是因为有了一批这样的专业队伍，才使其书画艺术市场正常运行。因而，他们在书画艺术市场中所扮演的角色和地位，为唐代书画艺术市场的真正形成及成型奠定了客观的条件。
与前代相比较，唐代就是因为有了一批这样的专业队伍，才使其书画艺术市场正常运行。因而，他们在书画艺术市场中所扮演的角色和地位，构成唐代书画艺术市场真正形成及成型的客观原因。
2 繁荣的经济，绘画题材、画科的完善和绘画的昌盛
唐代是我国封建经济发展的繁荣时期，在历史上就有过“贞观之治”、“开元盛世”等经济繁荣现象。因而，在此繁荣昌盛的经济基础之上，唐代书画商品的交易也是非常普遍的现象，这也符合经济学的原理，前文就提到过唐代有一批专业的收藏家、鉴赏家和专职书画商人等。换句话说，唐代经济的繁荣为其书画艺术市场的真正形成、繁荣发展，奠定了深厚的经济基础，是唐代书画艺术市场形成的重要原因。
关于唐代经济的发展状况，笔者认为，也可以从张彦远的《历代名画记》中推测出来。张氏的《历代名画记・论名价品第》中记载：“则董伯仁、展子虔、郑法士、杨子华、孙尚子、阎立本、吴道玄屏风一片，值金二万，次者售一万五千。其杨契丹、田僧亮、郑、乙僧、阀立德一扇值金一万……”。
俞剑华先生认为，此处之金未必为黄金，应为钱之通称，并据此推算，当时钱二万合米约十六七石，也有学者认为是对绘画价格的炒作。但是不管怎样，在唐代艺术品消费者能够以此价钱来购买书画作品，笔者个人认为，它或多或少地都能反 映出唐代经济的繁荣景象。试想，如果唐代经济发展不够昌盛，一般的书画艺术品消费者会以此价格来购买这些书画艺术品吗?毕竟书画艺术品只是一种精神上的艺术消费，而这种精神消费还必须依赖于现实的经济基础。因而，从张氏对唐代画家作品的价格定价，间接地反映出唐代繁荣的经济景象和书画艺术市场的运行情况。
根据艺术发展的理论，经济的繁荣发展会促进绘画艺术的繁荣。当然绘画艺术的繁荣发展自然包括绘画的题材和画科的完善等方面，但是这种现象也不是绝对的，由于艺术发展具有不平衡性的原理。然而，唐代经济的繁荣昌盛确实促进唐代绘画艺术的繁荣发展，以张氏的《历代名画记》有关唐代各种绘画题材的画家人数记载为例。唐代是以前各朝代画家的记载人数最多的朝代，共记载唐代的画家人数为207人，分唐朝上128人，唐朝下79人。但是，其他的各朝代画家人数的记载，只是几个到几十人而已，如轩辕时一人，周一人，齐一人，晋二十三人等，这足以说明唐代绘画的繁荣昌盛情况。
同时，唐代也是中国古代绘画的全面发展时期，各方面的绘画题材、画科也逐渐完善。唐代绘画题材包括人物、山水、花鸟、鞍马等，并使花鸟画、山水画成为一门独立的画科。《历代名画记》就有人物、山水、花鸟、鞍马画家的记载，如人物画家有初唐的阎氏兄弟、盛唐的吴道子等；仕女画家张萱、周防等；青绿山水画家李恳训、李昭道等；花鸟画家薛稷、边鸾等；画马名家曹霸、韩斡等。笔者认为，这时的书画艺术市场的昌盛情况，也可以以流失到国外的佛像画、佛经为例。据史记载，中国书画作品流传到国外最早的时期应该是在唐代，这也说明了此时的书画艺术品就开始远销国外。因为此时的书画艺术市场已经形成，加之有很多来自国外的高丽使、遣唐使到长安学习佛经，因而，他们带走了一批中国的佛像画以及佛经到其国家是理所当然的事情。吴道子、周P等，就是唐代著名的宗教画家。
从某种程度上来说，唐代的绘画盛世是绝对离不开其繁荣的经济。唐代繁荣的经济促进了绘画的昌盛、绘画题材和画科的逐渐完善等，这也满足了其书画艺术市场消费需求的多样化，如有些艺术品消费者就喜欢人物画、仕女画、山水画、佛像画等。因此，所有这些有利条件都是其书画艺术市场真正形成的重要原因。
3 唐代宫廷与民间书画收藏之间的矛盾
书画收藏，最早始于汉代，《历代名纸本墨笔，现藏日本大腹市立美术馆画记・叙画之兴废》云：“汉武创置秘阁，以聚图书……”。据现有的美术史料记载，唐代书画收藏已经蔚然成风，这既包括皇家(内府)收藏又包括民间私人收藏。这两大收藏之间也产生了一些矛盾，因为书画艺术品的数量是极其有限的，加之唐代不同时期的人为因素、战争等，对书画艺术品的毁坏，最终导致了艺术品供需矛盾的紧张，这也是唐代书画艺术市场形成的重要原因之一。
关于人为因素和战争对书画作品的毁坏，张氏的《历代名画记・叙画之兴废》中记述：“时薛少保与岐王范、石泉公王方庆家所蓄图画皆归于天府，禄山之乱，耗散颇多。肃宗不甚保持，颁之贵戚，贵戚不好，鬻于不肖之手。物有所归，聚于好事之家，及德宗艰难之后，又经散失，甚可痛也!”值得注意的是唐人首次开始在书画作品中钤盖鉴藏、收藏印章，这也是其书画艺术市场发展的客观要求。由于印章可以作为辨别书画真伪的辅助依据，正如张氏在《历代名画记・叙自古公私印记》所说：“若不识图画，不烦空验印记。”此外，在此文中还记载，内府收藏印章太宗皇帝就有“贞观”二小字作二小印，玄宗皇帝就有“开元”二小字成一印等。民间私人鉴藏、收藏印章就有彦远高祖中书令河东公印“河东张氏”、议郎窦蒙印“窦蒙謇定”和“褚氏书印”等，从以上记载的公私鉴藏、收藏印章来看，这足以说明唐人对书画收藏的喜好。事实上，唐代帝王统治者就非常喜好书画古玩，就以唐太宗李世民为例，如在张氏的《历代名画记・叙画之兴废》中记述：“太宗皇帝特所耽玩，更于人间购求。”我国十大传世名帖之一《兰亭序》真迹，就被唐太宗视为稀世珍品，并最终殉葬，足以说明唐太宗李世民对书画作品的狂爱。可惜的是现在我们只能欣赏后人的摹本。
为了满足唐代帝皇统治者对书画艺术品的收藏爱好，他们就通过各种手段收购书画艺术品入内府收藏。张氏的《历代名画记・论鉴识收藏购求阅玩》中记述：“开元十年十二月太子允张悱充知搜访书画使，天宝中徐浩充采访图画使，前后不可具载名代也。或有进献以获官爵，或有搜访以获锡赉。……时有潘淑善以献书画拜官。”从以上的记述，我们可以得知，唐代帝皇统治者为搜寻书画而采取进献书画以获官爵的手段及赏赐的方式，来达到大量收购书画的目的。通过这些手段与方式，从而使唐代宫廷内府收藏的书画数量大增。《历代名画记》记载：“贞观开元之代，自古盛时，天子神圣而多才，士人精博而好艺，购求至宝，归之如云，故内府图书谓之大备。”同时，裴孝源的《贞观公私画史》序中也记载：“终于大唐贞观十三年，秘府及佛寺并私家所蓄，共二百九十八卷，屋壁四十七所……”，以上这些史料的详细记载，都说明了唐代宫廷(内府)收藏颇丰。
同时，为了满足唐代帝皇统治者书画收藏的爱好及宫廷书画收藏与民间私人书画收藏之间的供需矛盾，唐代帝皇就采取“进献书画可以获官爵”及赏赐的方式，如前文张氏就提到“时有潘淑善以献书画拜官”，以此来大量收购古书画人内府收藏。在此强烈的诱惑下，导致民间对书画收藏兴趣之大增，驱使众多人不惜重金购买书画，甚至文人、朝廷官员也都纷纷进入收藏、鉴赏队伍行列之中，这也可以从前文的表l中看出来。隋代就有私人藏家杨素，此前有不多的私人藏家，但是记载不详。可以说，中国私家收藏真正的兴盛应始于中唐。盛唐以后，私家收藏渐多，如钟绍京、张易之、窦缵、褚遂良、韩斡、窦蒙、张嘉贞、张弘靖等，这些人中的大部分在张氏的《历代名画记》中都有记载。他们作为民间收藏家，其收藏书画作品的数量也是非常多。除以上这些人之外，张氏的《历代名画记・论鉴识收藏购求阅玩》中还记述了一些收藏家，这些收藏家是带有官职身份和无官职身份的，具体情况详见前文的表1。
然而，书画艺术品的数量是极其有限的，在唐代远远满足不了当时强大的消费需求。因而，这就产生了书画艺术品供需之间的矛盾。笔者认为，这一矛盾的来源是唐代内府与民间私人对书画作品的大量收藏，正如前文所提由于书画艺术品现存的数量是极其有限的，远远不能满足唐代公私收藏对书画的需求。除了上文提到“进献书画以获官爵”的方式之外，唐代帝皇统治者还采取了什么样的措施来解决公私收藏书画之间的矛盾呢?下面，我们就看张氏的《历代名画记・叙画之兴废》中记载：“彦远家代好尚，高祖河东公曾祖魏国公相继鸠集名迹。……元和十三年，高平公镇太原不能承奉中贵，为监军使内官魏弘简所忌，无以指其瑕，且骤言于宪宗日，‘张氏富有书画’，遂降宸翰，索其所珍。……乃以钟、张、卫、索真迹各一卷，二王真迹各五卷，……顾、陆、张、郑、田、杨、董、展洎国朝名手画合三十卷…，彦远时未龀，恨不见家内所宝，其进奉之外，失坠之余，存者才二三轴而已。”
绘画艺术鉴赏论文范文第8篇
一、美术鉴赏的作用
美术作品来源于生活，高于生活，美术作品的存在主要是以人类观察为欣赏基础。美术鉴赏是属于观赏者积极思考的过程，观赏者根据自己的经验和艺术审美能力对作品进行理解，从而使作品更加具有价值。美术鉴赏在美术教育中开展，不仅能够培养学生的素质，而且对提升学生的精神境界也具有重要的作用。美术鉴赏的意义在于使学生的思想得到净化、情感得到陶冶、品格得到升华，从而促进身心合一发展，精神境界得以提高。
美术鉴赏活动是一种认识和感情相统一的精神活动。美术鉴赏人员能够通过对美术作品的欣赏提高自身的认识，感受到文化与历史的辉煌，对人格的完善和灵魂的雕琢，对心灵的净化，对自身精神境界的提高。并且美术鉴赏对培养人的自尊、自信、自立以及自爱的意识，不断提高自身精神文化品位和生活质量也具有重要的意义和价值。如同恩格斯所认同的那样，包括体力、智力、思想、道德、信念等方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，艺术素养已经融入时代的潮流中，受到人们的重视。美术鉴赏作为美育教育的重要手段，对促进学生艺术审美能力的提高、人格的完善、精神品质的升华等各个方面的发展具有重要的作用和价值。
二、在了解美术的基本知识中提高鉴赏能力
美术基本知识包括美术史常识和一般的美术理论，不同的美术门类有各自不同的物质特征和美学特性，必须采取不同的欣赏方法去欣赏，才能获得审美感受。如欣赏雕塑，就要把握它在空间的团块感和质量感；建筑则是凝固的音乐，欣赏时除注重它的空间体积感之外，还要注重它音乐般的流动感。对于工艺美术的欣赏，除了注意它的审美特性之外，还要注意它的材料美感以及实用中触摸的手感等。由于美术各门类具有各自不同的美学特征、工具材料和表现手法，我们必须掌握熟悉这些美术知识，才能真正体会美术作品的特殊美感和艺术魅力。
三、一定的社会、历史、文化知识有助于提高鉴赏能力
马克思说过：“你如果想得到艺术的享受，你本身就必须是一个有艺术修养的人。”我们知道，美术作品是由美术家在特定的历史时期、特定的社会环境下创作出来的，因此一定的社会、历史、文化知识对美术欣赏力的提高是十分重要的。油画是西洋画中的一个主要画种，在给学生欣赏外国油画名作时，我们可以选择抽象绘画作品和具象绘画作品这两种不同风格的作品，形成强烈的对比，让它们在学生心中留下深刻的印象。具象绘画，简单的理解就是有具体形象的绘画作品。如文艺复兴巨匠达・芬奇的《最后的晚餐》。而抽象绘画与具象绘画相反，作品中没有具体的某种形象，只是由一些色块、线条等绘画语言所组成，必须依靠理性观念和思维来欣赏，从而获得精神上的享受。同时，在美术作品所提供的欣赏条件中注意引导，举一反三，触类旁通，由此及彼，由表及里，由现象到本质，逐步地、深入地把握美术作品，从而拓宽学生的思路，而不要把他们框死在一个固定的欣赏模式里。只有这样，才能让学生取得一定的欣赏美术作品的经验，获得对美术作品初步的欣赏能力。
四、在自由评论的过程中提高鉴赏能力
每个人的思维都是有限的，每个人看待事物的角度也是不一样的。如果学生之间没有交流，每个人只是坚持自己的想法，这样学生的审美观是得不到发展的。所以，在教学过程中，教师要让学生自由评论，自由发表自己的看法，让学生在共同交流思路的过程中，集思广益，真正了解作者在作品中所寄予的思想，逐渐提高学生的鉴赏能力。
如鉴赏中国古代建筑代表作品故宫，通过故宫建筑的整体规划、屋顶样式、木结构构造以及建筑装饰彩画雕刻等方面的介绍，使学生从中了解皇权至上的体现，了解中国古代建筑的审美特征。所以，在授课时，向学生展示了故宫的全景图，让学生谈谈自己对故宫建筑特点的感受。此时有学生对故宫的柱子进行了观察：我在电视上看到过，故宫柱子上的刻龙，简直是鬼斧神工，栩栩如生，不难看出，建筑师在这方面花费了不少的工夫，在那个没有电脑、没有网络的时代，古人的技术竟然如此精湛。还有同学从故宫的格局、彩画、优美的屋顶等方面进行了鉴赏，这样学生从不同的角度进行欣赏，既提高了学生的观察能力，又让学生对故宫进行了全面的鉴赏，让每个学生在听取他人的鉴赏结论过程中，补充自己没有想到的地方，让每个学生都能够得到个性而全面的发展。
五、在理解作者的绘画用意中提高鉴赏能力
美术鉴赏，目的是让学生获得美的享受，让学生去体会作者在绘画中所要展现的想法，让作者的作品价值可以流传下去，这样既可以提高学生的审美能力，又能让作者所赋予作品的价值得到流传。所以，在鉴赏的过程中，教师要引导学生去理解作者绘画时的真正用意，发挥想象力，结合作者当时的背景，揣摩作者的想法，展现作品的价值，提高学生的审美能力。然而，在授课时，我们经常犯的毛病是仅让学生记住该作者的绘画风格：此画展现了作者什么样的心情？寄托了作者什么样的感情？其实这样在某种程度上会让学生失去鉴赏的机会，学生的想象力也得不到锻炼。所以，教师要转变这种教学方式，让学生亲力亲为，真正地去感受作品的含义。
绘画艺术鉴赏论文范文第9篇
关键词：比较鉴赏 空间 时间 线条
美术鉴赏教学是指教师指导学生体验美术作品或美术现象，提高审美能力的教学实践。其优势在于:(1)引起学生鉴赏的兴趣，教师在指导学生进行鉴赏活动之前，先讲述或讲解某种文学或艺术作品的创作背景、故事、轶事等，联系学生过去的经验和当时的情景，引起学生鉴赏的心向。(2)激发学生强烈的情感反应，教师在教学过程中要善于利用各种情境，激发学生的惊讶、赞叹、欣羡、钦佩、敬仰等情感反应，才能收到预期的效果。(3)指导学生的实践活动，当学生对鉴赏的对象发生强烈情感的时候，教师指导他们从事阅读、创作、表演等实践活动，进一步发展学生的审美情感、道德情感和理智情感。
王大根在其《美术教学论》中指出:“美术欣赏是一种视觉心理活动。它从视觉对作品的直观感受开始，通过知觉与联想、知觉而变成情感和艺术的过程。而且从严格意义上说，在初中、高中的美术欣赏中应包含‘美术鉴赏’的成分，即从哲学、美学、美术学、历史学、社会学等角度对美术作品的表现形式、艺术技巧、思想内容、文化价值等方面进行分析和批评后，所作出的价值判断。而比较鉴赏法是较为行之有效的方法。”比较，是把两种或多种事物放在一起进行对比，使各自的形象、特点更加鲜明突出。通过比较才能概括提炼出事物自身的本质特征，正确的评价和判断是建立在反复比较的基础上进行的，有比较才能有鉴别。
在美术鉴赏教学过程中，当学生孤立地赏析某一件或某一流派的作品时，学生往往认识模糊，难以真正理解作品的涵义及艺术特色。通过作品的比较分析，能使学生找出作品间的差异和共同点，了解作品各自的特点，有一个清晰的认识，从获得深刻的审美体验，达到美术鉴赏教学的目的。因此，比较是进行美术鉴赏教学的重要方法。其中有“横向比较”(在鉴赏过程中，对有可比性的作品或有关因素进行一种空间平行性的比较分析)和“纵向比较”(在鉴赏过程中，对有可比性的作品或有关因素进行一种时间纵向的比较分析)。以下，笔者以美术作品中的绘画作品为例，简要介绍比较鉴赏法的应用。
1.中西方美术作品的比较
中西方人的宇宙观、世界观、哲学背景和对世界的审美方式不同，导致了传统中西绘画在时间、空间等方面的差异。中国绘画历来是含道应物、澄怀味像，讲究精神对过程的体味，对生活真谛的追求、对心境意絮的表现。西方绘画则讲究焦点透视、光影、明暗、色调等，对真、善、美的追求。这两大传统绘画体系不仅成了世界美术的两大支柱，也体现了世界文化的多元性。从中西绘画中对空间、时间、表现手法等方面加以比较分析，进一步阐释中西艺术家在对待客观世界的不同认识和哲学思想。通过比较可使学生加深理解中外绘画作品的艺术特征。
第一，空间的比较。以北宋著名山水画家王希孟的长达6米多的青绿山水长卷《千里江山图》为例，与印象派后期保罗・塞尚的《圣维克多山》作比较。前者以中国画特有的高远、深远、平远三者结合的构图方法，将繁复的崇山峻岭表现在一幅长卷中。后者虽然与文艺复兴时期的绘画风格有所不同，但近处的地平线和房屋墙面的直线、房屋屋顶的斜线，均体现出科学严谨的透视法则，塞尚试图通过线条、色块的摆放来表现事物的形体、透视及内在结构。通过比较，我们可以认识到:对于空间的表现，西方画理的透视是运用近乎科学的几何方法来认识理解空间的，是精确的、自然的。西方艺术家往往采用“焦点透视”的方法，利用观者视觉上的错觉和幻觉，来克服画面这一平面局限，使观者产生空间上的距离感。而我们常以“散点透视”来理解中国绘画中的空间特征，中国艺术家则往往采用散点透视的方法表现空间的无限伸展，体现一种绘画的意境。
第二，时间的比较。我们说音乐是时间的艺术，绘画是空间的艺术，而从古至今，中西艺术家们也一直在探索着绘画中的时间表现，同时也形成了各自的时间表达方式。法国立体派画家杜尚在1912年画的《正在下楼梯的女子》，很像一张重叠曝光的照片，画面充满了动作，而没有静止状态中的形象。画家的目的是通过这种特殊的手段，表现在一段时间内一个女子下楼梯的连贯动作，克服时间对绘画的局限。中国山水画中，宋代张择端的《清明上河图》所采用的手卷式构图，在克服时间对绘画的局限上，是非常成功的。《清明上河图》在结构上有序曲、高潮(虹桥部分)、尾声，形成鲜明的情感节奏，突破时空的局限，在同一时间里展现不同环境。通过这样的比较，使学生了解在克服时间的局限上，西方艺术家往往强调瞬间的因素，在表现上选择富有暗示性的动作的一瞬间，需要观者的想象；中国艺术家则往往采取横幅手卷形式，表现连续性的故事情节或场面，引发观者的回忆。
第三，线条的比较。对中西绘画中的线条，可以将中国画中的线条提炼出来，与西方绘画素描、速写中的线条加以比较。总的来说:中国画基本上用线条、墨块组成，中国历代画家们十分重视用笔、用线，因此，中国画也可以是线的艺术。西方绘画中的线条是依附于形体的，没有上升为一个具有独立价值的审美范畴，就如《罗丹艺术论》中提到:“由于线条的显然的来龙去脉，你们才能够深入空间而获得物体的深度。”从中细想起来，罗丹绘画中的线条的确优美，但线条的表现并不是为了其本身的审美意义，而是为表现事物的形体和空间，也正如罗丹自己所说:“你们要记住，没有线，只有体积。当你们勾描时候，千万不要只着眼于轮廓，而要注意形体的起伏。”而中国画笔墨审美体系中的线条，内涵丰富，具有自己的“笔法”(各种描法、破法、点法等)，既传达不同物象的质感、量感、运动感，又因以书法入画成为相对独立的形式美要素，体现着一定的人文内涵和不同的个性特征。
2.同时代艺术家的比较
通过比较让学生把握艺术家个人独特的艺术风格，理解社会、文化环境、艺术思潮、时代的审美理想等对艺术家创作的影响。如赏析意大利文艺复兴时期艺术三杰的作品，学生就可以体会到:达芬奇的绘画典雅高贵，充满神圣和神秘之美，是智慧的艺术，深沉、含蓄、理智；米开朗基罗的绘画雄健有力，充满阳刚之美，是力量的艺术，博大、雄伟、激情；拉斐尔的画风则秀丽典雅，充满阴柔之美，秀逸、和谐、优雅。精神气质以及审美理想的不同形成了艺术家各自的艺术风格，但他们的作品共同体现了意大利“文艺复兴时期”的“人本主义思想”，风格虽然不同，但都是对人性的赞美，反映文艺复兴时期的时代特征。另外，还可以进行中国元代山水画“元四家”比较，扬州画派诸家的比较，现代画家黄宾虹、张大千、李可染、齐白石等的比较。实践证明通过比较，学生们不仅能体会到艺术家独特的个人风格，而且认识到形成其风格的个人及社会因素，加深了对艺术创作过程及理论的理解。
总之，运用比较鉴赏教学方法，从中西美术作品对人物、风景的不同表现形式入手，通过观摩、教师引导、学生讨论等方式，总结出中国画与西方传统绘画在艺术特点和形式特点的不同，进一步探讨形成不同绘画风格的人文背景，认识中西方不同的审美观和价值观，从而更深刻领悟本民族的及西方文化艺术的精髓。
参考文献：
绘画艺术鉴赏论文范文第10篇
【关键词】美术鉴赏；教学；策略
著名艺术社会学家豪泽尔说过：“人生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”高中阶段专门开设美术鉴赏课，其目的在于通过鉴赏教学，启迪智慧，陶冶情操，提高学生的艺术修养，促进学生人文素养的提升及身心的健康发展。
一、中西艺术交融，了解文化差异
关于高中美术鉴赏课的教学内容，中国传统绘画与西方传统绘画这两方面都可进行，因两者皆有其特点与魅力所在。中国传统绘画可以让学生充分体验了解中国绘画的特点，更深入地体会中国绘画艺术博大精深、哲学化的审美倾向。中国传统绘画其门类也很多，可以从其中挑选其一种或两种进行教学。例如：花鸟画中可选梅兰竹菊，也可选简单的山水画等。西方传统绘画也可以进行教学，学生从中可以学到西方的绘画理念，了解西方造型艺术的特点及其规律，学习西方的审美观。在教学方面也可以选取其中的素描、速写、色彩等进行实际教学。中国传统绘画与西方传统绘画同步教学能让学生真正全面地了解东西方文化艺术的差异，在欣赏与鉴赏中逐步获得审美愉悦，受到教益和启迪。
二、合理利用资源，开发特色课程
在美术鉴赏课中一般比较重视对理论知识的探讨和理解，令学生感到乏味，我们可以利用学校周边现有资源，适当开展一些取材容易而又操作简易的手工制作课，让学生自己创作艺术作品，把成功的体验与众人分享。比如，如果学校离河边较近，可以在河边搜集小贝壳。我们可以把贝壳黏结起来做成各种各样形状的小雕塑制品，容易制作也容易形成课程。鼓励学生进行大胆和可能的尝试，着重感受、体验和兴趣培养。然后，开一个小型的“雕塑作品展”，当学生们看到自己的作品被展示出来时，会有很高的成就感。如果学校依山傍水，那山上少不了石头，可以直接采集石头做盆景雕塑，效果也会很不错。无论贝雕、盆景还是其他，都可以就地取材，只要合理安排教学设计，必会带给学生新颖而又难忘的一课。
三、美术鉴赏，走出单一理论教学
上好一堂精彩的美术鉴赏课，需充分掌握教材知识，把握教材的教学宗旨，找到美术鉴赏教学与实际生活中鉴赏审美应用的连接点，对教材进行深入挖掘与突破。对于美术鉴赏课来讲，教材有其局限性，我们应该把学生带出教材，走到生活中去，让“活生生的教学”巩固提高学生的审美体验能力。我们要不断挖掘自身所在城市或者环境资源的美术鉴赏层面，让学生有空间和时间去体验及应用审美知识。任何小小的审美实践都要胜过“死记硬背”的“纸上谈兵”，我们相信：美术鉴赏教学会逐步走向理论与实践相融合的道路，而学生会有机会去读一本包容万象的“大书”，而不是“死记硬背”那本教材。在美术课堂上，他们明亮的眼睛和时时发出的惊叹声可以告诉我们：他们的内心充满了对美术知识的渴求。教材是死的，教师是活的，灵活使用和挖掘教材成为目前美术鉴赏课教学环境下对教师提出的新要求。
四、把握中国特色，奠定传统文化底蕴
在当今大众追逐时尚的潮流中，毫无例外的，美术教学领域也受到了很大冲击，一律追求“新颖”“新概念”“新花样”的“新”却恰恰掩盖了中国传统艺术的传承与推广，更少了传统艺术特色的革新与发扬，传统艺术人文精神的缺失更是越来越难以赋予作品更深邃的内涵。大众正在被逐步、被完全地西化，其根源应该归结于我们传统美术教育的普及推广。我们的技能模块学习应该首先立足于中国传统文化的基础之上，这样既有利于中国传统艺术的普及也有利于对西方文化艺术精华的吸收和融会贯通，对于提高艺术素质有着更好的继承发展。我们并非排斥外来文化，而是想让本民族的文化瑰宝得到更大的继承和发扬。中小学美术教育中多注入中国因素是继承与发扬中国传统美术的一个非常重要的模式。
五、创设轻松的教学环境，提高学生的审美体验
没有一个能让学生更好地发散自己思维、发掘自己创新意识探索发现自己艺术潜质的环境，其他的空谈都是假的。风景优美、依山傍水的环境因素对学生的身心发展是有利的，利用当地的优势资源开展美术鉴赏课也是很好的。以前的学校教育要想在短时间内转变也需要一个过程，我们只有尽自己所能去改变并去营造对学生更好的环境，尽自己所能在有限的环境中取得最大的成绩。在现有的条件下，我们应该给学生创造宽松的课堂环境，让他们在没有压力的情况下轻松地学习；在聆听各种各样的“故事”中，展开想象的翅膀，任思路自由飞翔。
潜移默化之中，深刻细腻的观察与感受能让我们的学生具备“不寻常”的眼睛，让他们能够捕捉到更多美丽的色彩，尽享这曾经熟悉但又有所不同的形色世界带给他们的新的感官体验，独特的审美观察也会塑造出他们的多彩人生，这才是我们艺术鉴赏课的主旨所在。
参考文献：