黄永恒:摄影师不是稳定职业 想再和吴宇森合作
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八十年代入行，先后合作过TVB、新艺城，银河映像等制片公司，在他的掌镜下，诞生了《英雄本色》、《一个字头的诞生》、《倩女幽魂》、《喜剧之王》等隽永的作品，香港电影金像奖七次提名，现在仍以充沛的热情前行在电影创作的路上。他经历了胶片到数字的更迭，见证了香港电影的起落，有很多故事，藏了很多秘密
从TV8到新艺城
黄永恒在学生时代就对摄影很感兴趣，但并没有做摄影师的计划。当时TVB如日中天，是香港众多影视从业者心目中的圣殿，黄永恒的一个同学在TVB做收音助理，在他的介绍下，黄永恒也得到了进入TVBI作的机会。但他在TVB并没有过久停留，就和同学出来自己成立了摄影器材租赁公司。在这个阶段，黄永恒掌握了很多摄影技术，包括组合新器材，如何做器材的保养。由于有摄影基础，加之公司业务的扩展，黄永恒开始负责外景拍摄工作，从摄影师助理慢慢做起，开启了他的摄影师之路。
黄永恒入行时，正是香港电影的黄金时代。洪金宝、成龙等动作明星继李小龙之后，继续巩固香港功夫片在东南亚的地位，洪金宝的《赞先生与找钱华》、 《杂家小子》、《败家仔》，如今已被观众奉为咏春拳教科书。在这些经典作品背后掌镜的，是由摄影师入行、后一跃成为导演的刘观伟。黄永恒入行正是从刘观伟的摄影组开始。“我跟刘观伟的摄影组，第一次见到这么厉害的场景。”虽是30年前的往事，但现在回想起来，黄永恒还记忆犹新。
参与了几部电影拍摄之后，黄永恒转投新艺城。在十年的鼎盛期，新艺城凭一己之力，抗衡嘉禾、邵氏两大巨头，从《鬼马智多星》到《倩女幽魂》，在香港电影史上留下了浓重的一笔。香港电影一直以来，在制作流程上都不完善，片场往往一个人要做几个人的事，摄影师更是如此。但到了《最佳拍档》，摄影师陈俊杰改变了这个传统。陈俊杰是从英国求学回港，拍胡金铨的《山中传奇》拿了金马奖，他规范了环节，细化了工种，他是香港第一个摄影指导，有专门的灯光师帮手。黄永恒跟了他五年，从《最佳拍档》到《打工皇帝》汲取了不少经验。
《英雄本色》一役成名
拍完《打工皇帝》，黄永恒参与了吴宇森的《英雄本色》，这是他第一次独立掌镜，同时得到了香港电影金像奖、台湾金马奖的最佳摄影提名，并夺得了金马奖。值得一提的是，这是他第一次提名金像奖并输给了杜可风（《老娘够骚》）。
《英雄本色》拿奖让黄永恒声名鹊起，为他后续的事业打开了一片天，但事情都有两面性，这个奖对他也带来了不少困扰。“《英雄本色》对我的帮助肯定有，但也带来了另外一个问题，每个导演都想找我拍动作戏，枪战、警匪，持续许多年我都被定性在这一类型片，反之容易获奖和赢口碑的文艺片、爱情片就没有人找我。”
拍《英雄本色》的经历让他很难忘，吴宇森的要求很高，八九十年代香港警匪片很流行，但粗制滥造者居多，比如墙壁里有火花爆出来，很多导演为了赶工和节约成本，只在表面贴个胶布，涂一层颜色就开拍，从来不敢给特写，而吴宇森要求把墙壁钻一个洞，把电线放在里面，然后再贴胶布、涂颜色，这样墙壁表面光滑如初，非常完美。但这对摄影师是一个挑战，因为不能确认爆点在哪，只能凭记忆去抓镜头，拍的时候高一点、低一点都会影响画面，当时最多两个机位，摄影师的压力很大，一旦NG特别麻烦，又要重新布景装弹药。香港人都有很好的适应能力，在制作上也在不断进步，到了《辣手神探》，为枪战专门制作了石膏板，在石膏板后面装反应弹，这样即便有NG，也可以迅速换上一块新的石膏板，节省时间。
香港导演擅于学习，迅速进步，一部有创新的戏出来，不超过一年就会被其他导演学会，因此80年代的《英雄本色》引领了枪战片的风潮，并为整个类型片的质量带来大幅度的提升。谈及最想合作的导演，黄永恒表示肯定是吴宇森，不仅仅是因为通过吴宇森的《英雄本色》敲开事业的大门，更因为吴宇森精益求精的创作态度。
作为摄影行业的佼佼者，黄永恒一直片约不断，九十年代的黄金期，最多一年接拍4部电影，当时香港电影产量高，拍摄周期也短，《倩女幽魂》只用了三个多月就拍摄完成，通常一部电影一个多月就拍完，每年的八、九月份就开始拍贺岁档，春节后即开工暑期档的电影。但在他看来，摄影师并不是一份稳定的工作，现在香港摄影师协会大概有100多人，但香港每年有30多部电影，参与合拍片的摄影师不算多，所以还是有不少人没有工开。因此他并不希望子承父业。
对话实录
《倩女幽魂》等电影，都有很多夜间拍摄的戏，如何布景？在器材上如何选择？
在布景方面要先和导演沟通，如果受限制的话，就把环境缩小一点。 《倩女幽魂》建的景比较大，所以夜戏用了两台升降车，尽量拍的大气一点。当时用的是胶卷拍摄，感光度500，因为我不太满意800的质量。用C4的光圈，才能满足升格拍摄的要求，而动作戏上，使用了变焦镜头，但光圈就没那么大了。
拍动作戏升格比较多？
每个动作导演拍戏时，很多动作瞬间闪过是看不过来的，正常格拍摄难以展现细节，想看清楚，就要用升格。每个升格的动作都有不同的效果，可能会用50格，也可能最快用到300格去拍，所以还是要看导演想要表达什么。
对于没有武术功底的演员，在动作戏上有很大局限性吧？
看每个人的天分，有些人不能打，就看武术指导怎样处理，或者直接用替身。有些演员会找一些与他神态很像的替身，也有一些则会先用替身拍，再自己上阵去做一些能做的动作。比如郭富城也能打的很好，我们认识的时候他跳舞已经很棒了，在《赤脚小子》里吊威亚，看起来像真的会打一样。
降格用的多吗？
要看动作而定。我们正常拍一般用25格，但也有用23格的，拍洪金宝时永远都是22格，因为当时的功夫片一慢就不好看。到80年代以后，吴宇森开始用high speed，《英雄本色》里就有很多。每个阶段风格都不一样，现在影片会合理的用升格，每个高手最厉害的那一招怕你看不清，就会用，其他时间用正常格拍。
不同类型的电影，在拍摄上会不会有难易程度的不同？
拍戏就好像做厨师一样，每道菜都有一种烹饪的方法。我们拍戏之前自己会考虑，比如拍枪战片的时候要想想近几年的同类作品，尽量不要跟别人一样，看剧本的时候要想好每个镜头要怎样去处理，给观众不同的感觉；喜剧的话，则找到搞笑的梗，去思考如何用镜头将其放大。
不同的类型片，在器材上的选择有没有规律？
这个是肯定的。爱情片对画面的要求很高，要拍的很漂亮，我会选择Alexa，但拍动作片，要过雪山、进沙漠，我肯定用EPIC，轻便。两部摄影机画质上有差距，如果Alexa打80分，EPIC可以打60-70分，但后期可以花多点时间将差距拉到最小，这样的话在整个制作过程中会方便很多。另外现在又很多3D拍摄，两台Alexa太笨重，用两台EPIC就要轻便很多。
电影一般都是导演主导，作为摄影师如何将自己的特长发挥出来？
最主要还是多沟通。导演想要什么样的效果肯定他自己最清楚，但你看过剧本之后有什么想法可以和导演交流，他信任你就会采纳你的意见，如果完全按照他的要求去拍，那么自己就太被动了。
喜欢哪几款摄影机？
真正开始用数字摄影机也就是这几年的事情，目前用Alexa和RED比较多，其他如Panasonic也用过，但印象不深。不过对于我们摄影师来说，每台摄影机的性能都要百分百了解，才知道拍摄么戏选择什么样的机子。目前来讲，对画面有高要求的文戏我会选择Alexa，动作戏则交给RED。
胶片时代现场看不到画面，拍摄流程是怎样的？
现在我们有了监视器，导演随时可以看到画面，数据百分之九十一模一样。胶片时代我们拍戏时导演从来都看不到画面，所以拍摄时要跟导演讲，两个演员在画面中大概多大尺寸，他要自己划分演员的比例，当天拍完，最快也要明天下午才可以看到。我们要求冲印公司每天都洗出来，这样第二天开工前会先去公司看一遍再开拍，比较有要求的影片都是这样的。也有低成本的电影，可能一个星期才去洗印公司看片，发现拍的不好再重新补拍。
内地有些小成本电影，用胶片机的时候为7节约成本，会让演员先走位，觉得差不多7才开拍，香港也是这样吗？
香港基本不会这样去做，但新导演也不会拿到很多胶片拍戏，通常一部电影剪出来是8000-9000尺，但可能最多给你40000尺。动作片和枪战片比例会高一些，5：1或6：1。吴宇森拍片的时候可能就是5：1。
如何看待技术的演变？从黑白到彩色、4：3到宽银幕、从胶片到数字，分辨率也越来越高。
我没接触过黑白，入行就开始用柯达的彩色胶片。虽然早就演变到彩，但有些导演会有拍黑白的需求，为了方便，多数都会将彩色交卷冲洗成黑白，但颜色上和黑白胶卷还是有差距，白色偏黄，黑色偏灰，像《辛德勒名单》这种是特例，用黑白胶片反而拍摄成本更高了。在画面比例方面，我入行开始就是1：1.85，是欧洲宽银幕的标准，比现在的宽银幕小一点，而现在的IMAX又回到4：3，每个时代的要求都在变化吧！
胶片到数字的变革如何适应？
相对而言，数字摄影机比较容易掌握。毕竟有摄影基础，在拍摄过程中已经可以看到成品，如果有问题可以马上改，这是数字时代最大的便利。拍摄时的亮度也可以根据150随时调整，不像胶片的感光度是固定的。胶片时代大家用的胶片一样，镜头也一样，所以掌握的好不好很重要，现在多机位很保险，如果你担心整部戏看起来很暗，用Alexa会比较放心，它在黑暗中的表现很出色，熟练运用器材后，拍什么戏都会把握的好。
数字代替胶片是重要进步，但也带来争议性，不少导演都还是支持胶片，对此你有何看法？
我也听说还有不少导演在坚持用胶片，侯孝贤、杜琪峰等。
但对于大家强调的“胶片质感”，现在也越来越不明显了。也许三年前你一眼就能看出来数字和胶片的区别，但近两年很难再做区分。随着数字技术的发展，二者的质量已经很接近。三年前已经开始流行用数字摄影机，我为什么不用呢？试片的时候大家都知道是数字机拍摄的，它的黑色只有全黑和少量的浅灰色选择，胶片的黑色有黑、灰等多层次感，目前的数字机已经做的很好，跟胶片差不多接近了，CMOS越来越大，只有专家次啊能看出细微的差别。
如果将来再也没有胶片，在你看来会不会是一种缺憾？
对于我们老一代的摄影师没什么，新一代的摄影师可能是个遗憾，因为他们可能没有机会再接触胶片了。我们则将胶片和数字时代都经历了。现在很多电影都要拍3D，做特效的话，更是需要数字摄影机才方便，所以，数字摄影机是巨大的进步。
现在的调色技术，是否能达到和胶片一致的效果？
如果胶片100分的话，现在的数字能拿到80、90分吧！但要细究的话多少还是会有差别，但时代变了，胶片不生产，我们也只能向前看。
数字拍摄比胶片时代节约多少成本？
以前在香港，胶片的成本大概是两块钱一尺，胶片冲洗费用大概要10多万，冲洗、剪片、拷贝花费很多。现在数字机没有胶片的成本，但剪辑更加辛苦，每部片子至少用两三台摄影机，拍完回来挑镜头、剪辑才是最辛苦的，摄影师也很少会介入到剪辑环节，所以我现在很担心，一些拍的很好的画面，导演和剪辑也不一定有时间仔细看，都剪掉了。
提名香港金像奖7次，但都没有获奖，如何评价金像奖的口味？三次输给杜可风（英雄本色vs老娘够骚、喋血街头vs阿飞正传、和平饭店vs堕落天使、）怎样看待杜可风摄影？
我觉得拿奖是要讲缘分的，当然，也要承认确实对手太强。我提名的很多都是动作片，通常金像奖喜欢把奖颁给文艺片，杜可风在我看来，是大师，他有很强的自我风格，比如《阿飞正传》，我也非常喜欢，他跟王家卫一起的作品特别好看。而拿不拿奖对我来说并不是最重要的，很多人也像你一样，会时常跟我提到《一个字头的诞生》，拍摄的作品能得到你们的认同已经很开心了，反之，就会有点失落。
香港和内地电影很少能在国外拿奖，你觉得我们的差距有多大？差在哪？
我们跟好莱坞用的器材都是一样的，但人家做出来就是要先进一些。很多东西我们还是人手去做，好莱坞已经开始用电脑，即便都是用绿幕做特效，差距也还是挺大的。除了技术上的差距，在摄影环节也有差距。好莱坞每个环节分工很细，有专门的工程人员，负责搭建模板等等，但我们没有这些，就算是预算足够的电影花时间去做，也都没有那么完美。好莱坞十几年前就开始用Cable Cam，这在国外很普通，也都是由专门的工程部门设计出来的。但我的想法其实很前卫，早在《英雄本色》的时候，片尾狄龙那场戏，我就想用直升机来拍，当时还没有航拍的小飞机，但当时的预算明显不允许，包括最后狄龙被警车围住，其实连警车都没有几辆，我用了一些红蓝灯，交替闪烁做出来的效果。
有没有想过什么时候退休？
没有想过，真的有一天再也没有人找我拍片，或者身体撑不住了才会退休吧！现在进片场比没有工作更开心。其实现在已经很幸运了，我刚入行的时候，我的前辈通常都是五十出头就退休，我现在55了，还能继续工作，所以现在我更珍惜拍摄的每一部戏，所以会减产，5年拍10部戏，但一定都会选择最有价值的，赚钱已经不是我的第一想法。