戏剧演员声乐教学初探

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笔者在秦剧团从事音乐相关工作,多年来在带学生的过程中慢慢摸索到:声乐课是培养演员掌握正确发声基本功的主要手段,而戏剧演员进行声音训练是因为舞台艺术语言的需要。生活中语言不受时间、条件的限制,听不清楚可以再重复,又是在比较近的距离中进行交流的;舞台上的艺术语言,则是在一定的时间和空间条件下进行表达的,因此要求演员要有优美动听的嗓音、伸缩自如的音量和对它的控制能力。舞台艺术语言相比在生活中的语言要作适当的夸张;吐字归韵的着力点和过程也要相应地作适当的夸张;语言的音调和音色也要根据剧本提示的不同规定情境和人物年龄性格上的差异作适当地处理和变化;是诱惑、伪善巴结的,还是粗鲁、清亮、热切深厚的等等,都要求演员要有驾驭自己嗓音表现的能力,使之富于变化、生动而灵活。仅凭天生的嗓音条件是达不到以上要求的。所以作为戏剧演员,重视掌握科学的发声方法和技巧是使自己的演技纯熟而高超、创造出鲜明生动的人物形象的重要基础之一,地方戏――秦腔尤为如此。

虽然在台词课程中也有发声训练,但是从训练的技术角度看,台词的发声基本功和声乐的发声基本功二者之间是不尽相同、但又相辅相成的。

我认为台词主要是侧重舞台语言发声基本功、舞台语言的基本技巧和表现手段的训练。而声乐课主要侧重于呼吸、发声方法和声音表现力的训练,更重要的是要使学生会运用和掌握发声器官的各共鸣腔体的调节搭配,能为丰富人物的声音造型而服务。二者同属于辅助演员的声音语言表现力的基本技能训练,但采取的手段和重点是不同的。

戏剧舞台艺术不同于歌唱艺术,所以我认为戏剧演员声乐基础教学也就要有别于歌唱演员的声乐教学。

舞台艺术语言和歌唱艺术是建立在不同技巧基础上的:说和唱在共鸣腔体的运用,声音力度、字的音韵扩大、缩小与均衡,以及气息的支点和控制都是有所不同的。

对于戏剧演员,他们要塑造出鲜明的生动的人物形象,手段是多方面的,最主要的是通过生动的语言进行人物情感、思想交流,也就是通过说的艺术。说的艺术又是建筑在字句上,生活中人们说话无须考虑字的结构、规律、发音部位特点,年龄差距等,但是舞台艺术语言却有其一整套技巧、手段和规律。

所以作为戏剧演员的发声基本功训练,除了要坚持以科学的发声方法训练这一原则外,更重要的是应着重于如何更有效地发展声音表现力和持久力、语言的清晰度和穿透力。要使声音能够放大也能收缩,还有声音要准,节拍要稳,这些做到了,就有了声音表情的基础。

在声乐的科学训练中,原则是强调要在生理学、声学和语言学三者规则的协调下工作。

一个戏剧演员应该知道,在舞台上能成功地塑造人物形象,必须要借助于嗓音这一工具,去创造出符合人物形象的声音色彩,用科学的方法把声音引渡到说话中去,用声音美化字,用字去美化声音,使语言富于情感和性格化。要达到这一标准,演员必须坚持严格的声音基本功的训练。

我开始的训练原则,就是“以情引身”、“字明声行”、“抑扬顿挫”、“节奏分明”。训练人声器乐,切记庸声无情。作为戏剧演员声音训练的原则,首先就是要有助于语言发音的表现力和人物形象的声音造型,不应使学生被声音共鸣位置所束缚,变成声音的奴隶,要使学生做声音的主人。

声音的发出使有生命的心理――神经力量,注入和通过发声机能,在放光的共鸣点中得到最高点而使声音自然有力地发出。

所以在声乐课堂上,首先追求和强调的不应当是纯声音位置和共鸣技巧的训练,而是启发学生的情感,以情感诱发学生的内因,使他们思维、记忆、想象和谐运转,并达到高潮,激起追求探索的欲望。

兴奋是歌唱演员的方向,是情感调动的总指挥,是求知和激发思维的心理条件,只有它积极地开展工作,才会有各发声器官部位的协调一致。如果演员的训练是慵懒、紧张而毫无生气,就会影响他发出的声音,是僵持而无生气、单调而死板的。

我的训练原则:根据学生条件,从他们最有效、最松弛的声区开始,逐渐地先向低声区发展,这既有利于他们消除紧张恐慌的心理状态,又有利于他们放松喉咙,找到自如发声的感觉,还可以使他们找到呼吸的支点,这样做的结果,学生会逐渐获得更大的声音容量和宽广的音域,增加他们的信心,如同建造房子,地基打得越深,房子就盖得越高,将来才能游刃有余,把各种细微的变化表现得尽善尽美。

强调以说话声音作为完备教育的基本元素,以准确的读法,作为歌唱发声的基础,是概括了基本原则在内的。这样就能自然地包含正确的位置及形成的声音,这就是戏曲中所谓的字正腔圆。