声乐作品的艺术表现浅析
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摘 要: 如何表现好一部声乐作品是每一位演唱者都迫切关心的问题,也是决定他们的声乐作品获得成功的关键。本文就该问题提出了需注意的四个方面,即了解作品的音乐风格,领会作品的深该含义,保持均衡的演唱和在艺术处理上做到恰到好处。
关键词: 声乐作品 演唱者 艺术表现
如何表现好一首声乐作品,准确把握好作品所具有的内在含义,是每个演唱者都迫切关心的问题。我认为有以下几个方面需要注意:一是作品属于何种音乐风格;二是如何领会作品的深刻含义;三是如何保持均衡的演唱;四是歌唱者在艺术处理上的恰到好处。
一、了解作品的音乐风格
要了解作品的真正内涵,了解作者的音乐风格是必需的。例如,维也纳古典乐派的作品的音乐特征是:理性主义。他所反映的人文主义内容较普遍,在思想倾向上是尊重人权,反对神权,反对君权神授的观念,崇尚个性解放。反映在艺术上的表现是个人的独创性,音乐语言的理性化在处理理智与感情的关系上,表现为理智控制感情的分寸感。音乐对象为第三等级的大众化,提倡的是“四海之内皆兄弟”的大众语言,这是十六、十七世纪时期的音乐风格。而到了十八世纪,浪漫派则崇尚情感,由于历史的原因,浪漫乐派的作曲家对理性丧失了信心,精神性、主体性增强,比古典乐派更强调揭示内心世界,更具体地发展了自传性和抒情性,突出了民族性。由于民族战争频繁,民族之间的矛盾尖锐化与民族解放运动的高涨,促进了民族运动的觉醒,反映为民族解放运动的题材在音乐中占有了重要地位。重视社会功利性,重视作品的思想影响与追求易解性和群众性的社会效果,提倡艺术作品的标题性与综合艺术,所有这些特性,演唱者都必须了解,而搞清楚特定时代所包含的音乐流派也是非常重要的。
要表达作品所包含的思想,先要了解作品的时代背景在何种情况下所作,因何而作。例如,维尔第的歌剧《茶花女》,是先有了小仲马,再有歌剧的剧本,而后才创作了这部歌剧,音乐在很大程度上依靠的是小说的原型进行创作。又如,格里格的交响组曲《谢赫拉查德》,也是先有了《一千零一夜的神话》,作者再据此而作。因此,演唱者对文学作品的了解也是加强艺术修养的一个重要方面。
二、领会作品的深刻含义
在我们准确把握作品歌曲的特征与协作背景之后,接下来就要揣摩作品的内在含义,我们所作的每一个表演都是一件作品,是对作品意义的演绎与表述。演员在台上演唱,观众更多的是聆听的感受,那么就需要演员更多的情感和外在表演,单纯的没有思想的演唱是无法打动观众的,因此演唱者必须用头脑去思考,用心去体会,用真实的情感来演唱。当我们演绎一首作品时,有些作品需要表演者运用几种思想去营造一种氛围、一种意境与幻想的画面,以丰富的想象带领听众一起去体验、去感受,观众因感受到这种气氛而被带到故事中去,大多数影响派的歌曲都是如此。当然,这类歌曲是不易做到表情完美的。有些歌曲可以采取“叙述故事式”的表演方法,将歌词的意义用第三人称的方式表达出来,使之栩栩如生。表演所要表现的方式可以用面部表情,用眼神,更直接的是用动作,因为动作更能加强语气的程度,使观众通过动作理解歌曲的含义。一个优秀的演唱者,必须学会用面部表情来表达,而且切忌过分渲染,否则就会起到相反的作用,听众往往会忍俊不禁,这样气氛就会被破坏。作为一位表演者,只要你一出台,你的步伐、笑容、身形、服饰、眼神及示意伴奏开始和最后的答谢礼节,都会被在场的每一个人所注意,你以为一个小动作不会被人注意,但往往因之毁了整个音乐会。演唱者在台上,眼光需稳重,切不可东张西望,因为你的眼神会让观众走神,也会让自己走神。观众奉上的鲜花不可随意地放在地上,最好是放在钢琴上,或是放回后台去,这也是对观众的一种尊重。
三、保持均衡的演唱
演唱者应注意保持均衡的演唱,这是考量一位演唱者有无艺术修养的标尺。一个有修养的艺术家,在他的内心中,不但对一个作品有深刻的认识,同时在乐曲的进行中,也能维持作品艺术上的均衡,不会将乐曲过分夸张或疏忽了事,歌唱者在歌曲的发展过程中,无论在量上还是在质上都要保持一个极均衡的状态,甚至在力度发展中那细微处也应有这种均衡感。均衡包括艺术上的各种对照。例如,不同的调性强调的力度、曲线的形成、节奏的变化和各种不同音色与情绪的变化等,这些对比要在有修养的艺术中、均衡中表现出来,才算得上是优良的表现。这不但要靠直觉,还要有完美的控制和丰富的经验才能做到。我曾经听过一位歌唱者的演唱,他是一位男高音,具有洪亮的嗓音和美丽的音质,然而他却不懂得处理好一首作品的强弱关系,总想把自己的漂亮的高音全部凸显出来,以此征服观众,结果反而出现了令人难堪的破音,实在令人沮丧。在一次演出时,他在我的劝说下试着用弱声去唱,结果产生了意想不到的效果,他也由此认识到强弱对比的重要性。
声乐演唱的过程犹如一幅画,演唱者要努力使色彩富有生气,要想使画面的色彩具有引人入胜、万众瞩目的效果,必须依靠整体的安排,依靠艺术家和观众之间情感的交流。尽管艺术家做得很好,但没有引起场内观众的响应,这是因为演唱者超过了艺术上所允许的程度,过于增强热情或加强情绪。因为这种带电的连接是不能强迫的,常常双方很快就会表现出镇静的感觉,即使激动少了,但镇静的效果却是巨大的,演唱家和听众之间的平静,是相互之间了解为目的的过程。只有对所从事的事业无私奉献的贡献,并放弃以获得嘈杂的声音喝彩为目的的尝试时,才能实现艺术家与观众之间的交流。
对于一件艺术品来说,能获得观众的喝彩固然重要,但更多的是对艺术作品耐久地了解,这比许多人暴风雨般的掌声更有价值。有艺术修养的观众,只渴望接受最好的艺术,他们会无情地谴责低俗的和平凡的艺术。艺术家的任务是通过提供最好的、最精心准备的成就来教育观众,使观众更崇高,这就是艺术家的使命。如果能做到这一点,并且不受个人爱好标准的影响,他就完成了他的使命。
四、在艺术处理上做到恰到好处
演唱者在艺术处理上要做到恰到好处,有的演唱者过分注意枝节,虽然他已具备了高超的技术和美妙的声音,却无法有成功的表演。原因之一:许多歌唱者过分自信,将音乐中的技术问题做得很完美,把每一句、每一音符都精心设计得无暇可击,这种表演却未必能成功。还有技术好的歌唱者,对于单独的乐句处理过分注重,每一小节都考虑再三,这样的话乐曲的整体就会受到破坏。这种情况,正像有些演唱者对某首歌曲已滚瓜烂熟,唱起来容易机械化,激情和灵性的东西少了,这样的演唱是失败的。所以,我们要牢记一句话:弦歌全征途,在留意小节。原因之二:以效果取悦观众,优秀的演唱者是不屑于以效果取悦观众的,即如前面所说,在细微处过分做作,或将乐句无故过分延长或缩短,或把速度无故改变,或滥用强板和故作戏剧性的唱法,或滥用渐强或渐弱,或随时作无意义的呼吸和随便改调,这些都是违背艺术高尚风格的做法。有些歌手以为用这些方法能达到成功的目的,这是极为愚蠢的做法。曾经在音乐会上听一位歌手演唱,每演唱一首歌,必在高音处作无限延长,直至观众在无可奈何之下给予掌声方肯罢休。有一次演出,他又如法炮制,结果那天的观众不知为什么,任他延长多长也不鼓掌,有观众说:“憋死他,就不给他鼓掌。”结果可想而知。由此可见,有些手法虽好,却也不可滥用。用得恰当能收到效果,反之则破坏了乐曲的进行与连贯。另外还要注意的是音乐表现符号的使用,例如kunstpause译为艺术上的停顿,这个并非所指的是艺术上的延长,而是在特殊的表情需要时才使用,不过这种雅致的、细微的间断不可有丝毫的夸大,稍有不慎及流于庸俗。还有滑音的唱法,也是一种音乐表现,但一首歌里用得太多则不可取。另外swell译为音的收缩,即在一个长音上或在组音或一个短句上,将它或扩大或缩小,目的是为了增强效果。另外,还有抢板的运用,抢板虽然可以帮助演唱者抒感,但过后,应能理智地回到原速也不是件易事,所以要慎用。
演唱者如果能做到以上这些,起码就是一个有艺术修养的歌唱演员,但不懈的努力还是必需的。德国著名的歌唱家莉莉・雷曼曾经说:“世界上所有的喝彩,都不能偿还我为艺术所做出的牺牲,在我感觉到一个单独的音或试图表达的感情遭到失败时,世界上没有什么喝彩欺骗得了我。”所有从事艺术的人都应有如此严谨的态度,只有这样才有可能成为一位真正意义上的歌唱家。