艺术设计风格范文精选

摘 要：艺术风格是艺术长期发展过程中形成的，主要包括时代风和和名族风格两部分。一般说来，艺术设计的风格就是指艺术家在艺术设计过程中彰显出来的创作特质和艺术特质艺术风格是人类社会对美得诉求，是民族文化的升华，是时代精神在艺术表现上的体现。

关键词：艺术设计；风格；创作

中图分类号：J04 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）06-0190-01

一般说来，艺术设计风格涉及到艺术创作者诸多方面的因素，创作者的情感思想、性格取向、气质特征、文化积淀、审美取向等等都是影响一个艺术创者艺术风格的因素。除此之外，艺术家在生活和工作过程中又受到民族文化的熏陶，进而他的艺术创作风格中也会掺杂进政治因素、哲学因素、宗教因素以及美学思想因素。艺术风格还呈现出明显的多样性，此外，由于艺术欣赏方面，欣赏的主体由于社会地位不同、文化层次不同、年龄结构差异、不同、民族习惯差异等原因，会造成对艺术审美方面的千差万别，欣赏主体的不同反过来也会极大地左右艺术创作者的艺术风格，本文将就艺术设计风格展开讨论，着重分析艺术创作中的时代风格和名族风格，并探究艺术创作风格的融合性。

一、时代风格

艺术创作中的时代风格是指某一特定时期的科技水平、文化发展水平、欣赏审美意识在艺术创作中的体现。时代风格能够有力地展现某个特定时代在文化观念方面、审美意识方面以及价值取向方面在艺术设计中物化的表现。

就我国而言，商朝、周朝时期出现的青铜器具的装饰性很强，想象、联想的成分较多，形状造型比较怪异、充分展现出神秘、森严、凝重、压迫的感觉。从我国古代青铜器皿的发展来看，总体上的风格特点是，造型较为生动活泼，纹饰较为精细、铭文文字十分清晰、装饰效果普遍较为华丽，但是如果对青铜器进行仔细和深入的研究，就能够从中剖析出各个时代截然不同的时代特色。就商周时期来说，这个时间段是我国奴隶社会发展到鼎盛的时期，青铜器的艺术创作也到达了鼎盛的水平，尤其是出现在商朝末期和周朝早期间断的其同期，往往体积硕大，流行兽面纹装饰，而这些兽面纹往往取材与凶兽形象，向人们展示这神秘的美感，狰狞的美感，这是奴隶社会发展到鼎盛时代的产物，有着深刻的奴隶社会印记，代表着奴隶社会统治阶层的权威以及秩序，是当时那个时代的时代精神体现，只有在那个时代的氛围下，才会出现这样的艺术品，另外一方面，这样的艺术风格也代表着整齐、条理、规范、秩序，是那个时代应有的特点。

虽然周朝和商朝都属于奴隶制社会，但是周朝和商朝在文化特征方面还是有所区别的，商朝的文化特点在于突出祭祀活动，所有的物质文化、精神文化以及物化的生活内容，都必须围绕这一主题来进行，所以，这个时代的青铜器在厚重感和体积感上大做文章，充分满足祭祀活动的需要。到了周朝，由于社会的进步以及理性思想的逐步渗透，青铜器艺术品虽然还属于礼器的范畴，但是在造型方面已经更加趋于理性、遵循伦理意识以及相对严格的等级制度，为当时的礼仪活动服务。

摘 要：艺术风格在我们日常生活中具有重要的意义，它代表了一定的审美，因此对艺术风格进行分析具有一定的现实意义。

关键词：艺术设计；风格

艺术设计风格的多样性，也来自审美需求的多样化。由于欣赏主体存在着不同的社会层次、文化层次、年龄层次，属于不同的民族、不同的地区，造成审美需要的千差万别，反过来刺激和推动着形成不同的艺术风格。

艺术家作为艺术设计中的创作主体，他的性格、气质、禀赋、才能、心理等各方面的种种特点，都很自然地会投射和熔铸到他所创作的艺术品之中，通过创造性劳动使主体对象物化到精神产品之中，艺术家在艺术设计过程中或创作完成后的作品中都物化了艺术家的个性特点和认知原则。艺术风格是设计的时代风格和民族风格。

一、时代风格

中国古代的青铜器从总体上讲，都具有造型生动、纹饰精细、铭文清晰、装饰华丽等特点，但如果仔细区分，仍然可以从青铜器的风格中发现鲜明的时代特色。商周时代，是我国奴隶社会的鼎盛时期，青铜艺术也随之达到了极盛的阶段，尤其是商代晚期和西周早期的青铜器，一般体积庞大厚重中国明式家具在设计风格和审美特色上的迥异，也是由于不同文化的影响所造成。明式家具产生于明代私家园林这样一个特定的文化氛围和环境氛围里，而许多私家园林的园主，本身就是能书善画的文人墨客。他们以文人的审美要求和标准，对园林建筑内的家具设计风格进行整体规划，有的还亲自参与家具式样的设计。这就不仅使明式家具散发出浓浓的文人趣味和书卷气息，而且注入了更多的文人士大夫文化的内涵。明式家具是明代江南文人文化的一种物化。明代椅子由于造型所产生的比例尺度，以及素雅朴质的美，使家具工艺达到了很高的水平。家具整体的长、宽和高，整体与局部的权衡比例都非常适宜。明式家具为封建统治阶级所占有使用，例如有的椅子座面和扶手都比较高宽，这是和封建统治阶级要求“正襟危坐”，以表示他们的威严分不开的。 因此，每一个时代设计风格的形成，都与当时的文化发展有密切的联系，一个时代的文化氛围，是那个时代设计发展的土壤，一个时代的艺术设计，又反映出那个时代文化的面貌和特征。

在中世纪，一本圣经是统治阶级的宝典，文化的传播地是教堂，教堂的设计最能代表当时的西方文化。德国的科隆大教堂、巴黎圣母院是其中典型代表。它们都是哥特式的风格，从外观上看，它那高耸的尖塔直刺青天使人敬畏，阴冷的墙面和框架式结构使人震惊。教堂内部狭长窄高的空间，以及一排排瘦长的柱子形成一种腾空而上的动感，使人产生超脱尘世向天国接近的幻觉，再加上教堂内墙壁或玻璃窗上的基督教故事绘画，采用彩色玻璃镶嵌的窗户设计，以红、蓝、紫色为主配置成《圣经》题材的玻璃马赛克，营造了浓厚的宗教氛围。

在建筑中，法国18世纪中后期路易十五统治时期兴起的一种“洛可可”（或“罗可可”）风格，其在建筑外形上显得粗巧、典型，富丽堂皇，注重繁锁的雕刻装饰，这种雕刻上的现象便是“洛可可”建筑以奢侈豪华的反映，“巴洛克”建筑风格中的现象和本质也存在着这一时代风格。“洛可可”艺充满了异国的情调和奇思妙想，追求自由舒展、轻快活泼的自然主义情调。

摘要：现阶段，家居坏境不断引起大家关注，室内专修的风格成为大家关注的焦点，各色各异的艺术设计风格，给我们展现出多姿多彩的家居坏境，使家成为温暖的港湾，具有更多的人文气息和艺术感。本文通过探讨不同的室内专修风格的魅力和未来环境艺术设计风格的多样化趋势，为大家室内专修提供一些参考意见，使得每一个人尽可能拥有属于自己的艺术设计风格。

关键词：设计风格；未来；家居

Abstract: at present, to live in a bad condition caused attention continuously, indoor specialise in the style of choice became the focus of attention, the art of all kinds of different design style, to show a colorful live in bad condition, we make the home become warm harbor, have more sense of culture and the arts. This paper discusses different indoor specialise in the style of charm and diversified trend of future environmental art design, and interior repair only provides some reference opinions for everyone, every people have their own art design style as much as possible.

Key words: design style; In the future; household

中图分类号：TU113.6+41 文献标识码：A 文章编号：

有的人喜欢欧美的不羁奔放，有的人喜欢中国古典的唯美，有的人喜欢田园的清新自然，有的人喜欢现代的豪华大气各式各样的室内设计风格为我们展现不同的艺术，每一种风格都有属于自己的亮点，让我们走进艺术的殿堂体现不同家居世界带给我们的新奇与感触。

第一、各色各样的环境艺术设计风格

1、 地中海风格

[摘要]艺术风格是艺术设计的时代风格和民族风格。艺术设计的风格，一般是指艺术设计家在艺术作品中所表现出来的创作个性与艺术个性，它是人们社会生活的审美观念、素质层次、民族文化的总体需求与反映。

[关键词]艺术设计 艺术风格

艺术设计的风格，一般是指艺术设计家在艺术作品中所表现出来的创作个性与艺术个性。它是人们社会生活的审美观念、素质层次、民族文化的总体需求与反映。对于艺术设计风格，涉及艺术家主观方面，诸如思想感情、性格气质、生活经历、文化修养和审美理想的特殊性。而所有这些又受到国家民族的物质、精神文明在历史发展中形成的特殊性影响，受政治、哲学、宗教和美学思想的影响。艺术设计风格的多样性，也来自审美需求的多样化。由于欣赏主体存在着不同的社会层次、文化层次、年龄层次，属于不同的民族、不同的地区，造成审美需要的千差万别，反过来刺激和推动着形成不同的艺术风格。

艺术设计风格的形成有着多方面的原因，首先，艺术设计作为一种特殊的精神生产，必然要在艺术作品上留下艺术家个人的印记。艺术家作为艺术设计中的创作主体，他的性格、气质、禀赋、才能、心理等各方面的种种特点，都很自然地会投射和熔铸到他所创作的艺术品之中，通过创造性劳动使主体对象物化到精神产品之中，艺术家在艺术设计过程中或创作完成后的作品中都物化了艺术家的个性特点和认知原则。艺术风格是设计的时代风格和民族风格。

一、时代风格

艺术的时代风格，是反映某一时期、某一时代的科技、文化、审美意识的写照，艺术设计的时代风格，是一个时代的文化观念、审美意识和价值取向在设计上的物化表现。例如在中国虽然商代和周代同属奴隶制，但商代与周代的文化特征还是有所不同。商代的文化更突出地表现在祭祀方面，它的生活内容、物质文化和精神文化，主要是围绕着祭祀来进行的。因此，殷商的青铜器，其造型的体积感和力度大大加强，以此适应祭祀的需要。而周代的“礼”，尽管也有祭祀，但它不同于殷商的“先鬼而后礼”，而是“敬鬼神而远之”，成为一种比较理性的、有着丰富伦理意识和严格的等级观念的礼仪活动。

又如中国明式家具在设计风格和审美特色上的迥异，也是由于不同文化的影响所造成。明式家具产生于明代私家园林这样一个特定的文化氛围和环境氛围里，而许多私家园林的园主，本身就是能书善画的文人墨客。他们以文人的审美要求和标准，对园林建筑内的家具设计风格进行整体规划，有的还亲自参与家具式样的设计。这就不仅使明式家具散发出浓浓的文人趣味和书卷气息，而且注入了更多的文人士大夫文化的内涵。明式家具是明代江南文人文化的一种物化。明代椅子由于造型所产生的比例尺度，以及素雅朴质的美，使家具工艺达到了很高的水平。家具整体的长、宽和高，整体与局部的权衡比例都非常适宜。明式家具为封建统治阶级所占有使用，例如有的椅子座面和扶手都比较高宽，这是和封建统治阶级要求“正襟危坐”，以表示他们的威严分不开的。 因此，每一个时代设计风格的形成，都与当时的文化发展有密切的联系，一个时代的文化氛围，是那个时代设计发展的土壤，一个时代的艺术设计，又反映出那个时代文化的面貌和特征。

二、民族风格

一、中世纪以来，画家们都较为注重临仿的技法，判断一幅绘画作品好与不好，唯一的标准就是客体被刻画得像不像。

显然，毕加索认为这样的标准过于片面，一个稍瞬即逝的物体怎么能用眼睛完整地捕捉下来呢？由于受到了塞尚的鼓舞，他常常用圆球体或圆柱体的视角观察事物，认为只有这样才能更加地贴近真实。例如，毕加索于1912年画的油画《小提琴和葡萄》中，小提琴的整体形式被拆分得七零八落，葡萄也被几何形的块面切割成几个层次，然后再将这些块面拼凑起来，像极了儿童拼图游戏。在这样的作品中，一个画面可以同时看到客体的几个面，同时作者在画面中还加入了人的逻辑推理，使画面更加接近真实，更具有可触碰感。

二、与其说毕加索的立体主义手法像是在做游戏，不如说他在做严肃的实验。

因为立体主义的弱点在于要能看懂画面的形式并理解画家的意图，必须亲眼看过客体的原貌。而毕加索在1928年制作的油画拼贴作品《头像》与1945年的石版画《小孩头像》是两个极端的例子。看过后者的人无不佩服他是技艺纯熟的素描画家，但看过前者的人却认为他是难以捉摸的。毕加索用无规律的曲线构成“头像”，用几何形体构成“手”，两只“眼睛”在头的轮廓之外，以及成90度的两行折线构成的“牙齿”等，这些以几何形体的边线勾勒人像的做法史无前例，如他自己所说的，绘画是无法用语言表达清楚的。追随毕加索的不仅仅是法国的艺术家，还有来自荷兰的画家。在1911年巴黎的展览上，彼得·蒙德里安第一次看到毕加索和布拉克的立体主义绘画便受到了极大震撼，于是决定留在巴黎潜心研究立体主义的技法和内涵。蒙德里安认为立体主义有一股神秘的力量，其除了研究人的视觉以外，还揭示了客观世界的真理。因此，他用横纵笔直的线条切割画面，在线条相交形成的块体中填入红、蓝、黄、黑、灰几种纯色，并称这种规则的构图能反映出某种宇宙的法则。蒙德里安想尽可能地从主观世界解脱出来，在构图中寻找一种客观世界的“平衡”。他的风格派并不像立体派那样拥有紧凑的团体，其组织是松散型的，大多人互不认识，只是在《风格》杂志里发表作品。其中“红蓝椅”和“施罗德住宅”是风格派的代表作，它们的共同点是纯粹、抽象，以极简化的线条塑造外形。事实上，抛开蒙德里安绘画中的定式不谈，风格派即是立体主义在荷兰的分支和变体。而将立体主义绘画的构图形式应用在设计中也是史无前例的，虽然当时的风格派并没有提出关于现代主义核心价值的观念，但在形式感上已经是彻头彻尾地符合现代主义美学了。

三、除了蒙德里安的“平衡”外，还有另一种来自瑞士画家保罗·克利的“平衡”。

克利所理解的立体主义不是形式的表现，也不是客观世界的再现，而是探索图形组合的可能性。他在包豪斯学院执教期间，曾经多次给学员讲授自己是如何从线条、色彩和色调中获得灵感的。他认为画家心中想象出来的图形是最贴近自然的，若要得到最忠于自然的画面效果，必须让内心的图形随机“生长”。因此，克利很排斥对图形进行规范和限制，他欣赏偶然巧合得到的图形，并以此作为母题继续探索演化下去。在他的木版水彩作品《小侏儒的小故事》中，画面上出现了许多奇幻的图形，对人物的刻画也很特别。例如，一张长方形的较为庞大的脸叠加在圆形的小脸上面，并将嘴巴和鼻子错位放置，同时动物和植物的绘制也颇具立体派的风格，植物的叶子是五边形的，内接圆形，然后再接两个矩形，这些都成为了克利图画中代表的符号。在包豪斯工作过的立体派画家还有来自美国的莱昂利尔·法宁格。他的经历与蒙德里安、克利很相似，都参加过立体派在巴黎的画展，在展览中被画作深深吸引并改变了个人的美学观，于是决定留在巴黎深造。

四、法宁格的画充满了透明感，他喜欢用绿色调和蓝色调营造出宁静和平衡的效果，同时几何图形的拼凑和叠加给了人一种强烈的层次感。

比如，他在1929年的油画作品《帆船》中，就用了大小不一的多重三角形，并通过光影的变化和透明度的叠加，令画面表达出了空间感。此外，他的自画像也十分有趣，窗外的蓝天与绿色的衬衫搭配得恰到好处，块面感十足的肌肉将法宁格健硕的身材塑造得很到位，同时窗框的厚度也通过几何形的转折面表现了出来。最重要的是人物和背景两个层次分离得很好，将立体派的水平又引领到了一个全新的领域中。

一、工艺美术运动中设计的主题性——回归性

在工艺美术运动之初就提出明确的设计原则，并在具体的设计行为中设计者一以贯之，莫里斯引导的设计运动，在开始就提出了从中世纪的建筑中寻找人文的设计因素，并在设计中追求中世纪的田园的生活模式，去除设计中的伪饰成分，设计是人与自然之间的天然的交流和通感。在莫里斯和韦伯设计的“红屋”的建筑设计中我们可以看到戏剧化的块面、简朴的外观、和拘束的装饰，这是早期现代主义建筑回归最初要素的先驱。在室内设计中莫里斯可以说承担了所有的设计任务从家具设计到陶瓷产品设计、墙面的壁纸的设计都体现了人们对传统文化的一种回归，对当下的矫揉造作的维多利亚风格的反感。体现了人们对贵族化设计的背离，而更多的是追求文化的宗教生活。莫里斯憎恶现代生产方法在他的观念中设计是一种出于自然的艺术是一种愉快的锻炼，所以这在很大的层面上是将设计中的建筑设计和室内的设计两者很好的链接在一起体现在设计中的统一性，这与自然的统一性相一致的。所以在设计的原则和设计的情感中都具有很强的造型统一性，这种设计是近乎完美的设计，在后期的现代艺术设计中设计师同样是步其后尘的。在莫里斯的设计中体现了人们在设计中需要的是更多的情感文化，而这种文化体现在设计的质感设计的适当装饰性，以及设计本身的愉悦性设计中的一切就是在创造中使人们意识到本质的东西，普遍的东西，大自然内在精神的表现。

二、新艺术运动中的设计主题性——自然性

在新艺术运动中受到东方文化的影响，在设计中设计师主动的向自然学习在自然的状态下寻求美的形式感，最终在整个运动中人们发现了线的美感，并且是自由的有机曲线，线条具备生命力的感受，好像在空间中寻求阳光的感觉，并在具体的空间中没有重复的机械节奏，整个造型是在对自然的分析和理解的基础上，在设计层面对自然的理解和解读。同时也表达了对机械化生产的反对。在这样的审美思维中，设计是一种自然的状态，符合自然的发展规律和自然的节奏关系。这带来了设计中浪漫主义和象征主义的造型手法，在建筑设计和家具设计以及在平面设计中都具有了很深的影响，设计本身在强调功能的同时进行了适度的装饰性，这种装饰的形式是建立在对自然的感官方式上的形而上的文化状态。在新艺术运动中还可以看到对时间的理解，特别是在平面的设计中可以看到将少女的状态都是以一种很强烈的动感体现出来的，对时间的表现方式就是运动对运动的深入理解也是对自然状态的理解，自然界所有的一切都是在运动中存在的，运动是生命的表现形式，所以在新艺术运动中同样是体现运动的文化主题。新艺术运动中的设计同样是非常注重空间的整体性在设计当中从建筑设计到室内的产品设计都呈现一种高度的统一性，在风格上在具体的造型处理上都具有统一的设计风格，不管是曲线的风格还是直线的风格都在具体的空间中寻找到了自己的文化定位。在设计中具有了很强的生命的感觉，并且造型在空间中的变化都是一种非对称的均衡状态，这些无疑都是一种自然哲学的体现方式，是进化论对设计的一种文化的显现。

三、现代艺术运动中的设计主题性——机械性

在工业高度的发展背景下，人们开始由原来的对工业文化的反叛到对工业机械的依赖再到对机械文化的深刻的肯定，这都体现了人们面对工业化生产方式和社会关系的肯定和依附。从而出现了符合社会发展潮流的艺术形态——现代艺术出现了。现代艺术的出现是对艺术科学的发展的必然趋势，在西方的科学发展的思维模式下，艺术成为了科学的代言，艺术中科学的成分变得非常重要。从而影响了艺术中的观念和思路以及审美。在工业文明的状态下，生产方式发生了革命性的变化，以前的生产方式不可避免的逐渐的被代替，人们开始看到机械化生产的趋势和优点，并开始逐渐的在设计测层面深入的研究设计的核心价值观，这就为现代艺术的发展奠定了基础，人们在肯定工业的同时领略到工业化生产的特点及其对功能急切的满足所需要的形式目的。那就是直线的文化和形式以及对几何造型的大量的应用，几何造型本身是一种高度机械或是高度工业的文化特性。在现代艺术的整个发展历史上，直线以及几何造型的出现是一种文化发展的趋势，在20世纪的文化中就带有了极度抽象的文化特征，甚至可以说抽象主义是这个时代艺术最大的特征，抽象主义的出现是对现代艺术最好的解释，这是一种全新的社会伦理哲学，原来的宗教的文化消失了，人们变得茫然和不知所措，机械又像是一只无情的野兽一步步的吞噬着人们的宗教文化内涵，生命的意义逐渐的成为了一部无知的文化状态，我们不知道信仰跑到哪里去了，我们找到了一个工业的替代品来充当了目前宗教性或是无知的一种恐惧感，这都体现了人们在工业文明的背景下情感的稀薄。所以在现代艺术中我们更多的注重形式，注重造型，但省略了这其中的文化载体。当形式本身就是一种文化的时候，这样的形式是枯燥和乏味的，自然带来了人们情感的崩溃。人与人之间的社会形态发生了变化，这是一个民主的社会同时又是一个情感丢失的年代，功能本身不存在美学，功能只是需要相对应的形态而已，所以在后现代艺术中人们感觉到了时代的步伐，这也是人们在艺术中呼唤自由的理想。在整个现代艺术中，艺术形态经历了一个世纪的追寻最终找到了可以自我的形态。每个不同的历史时期人们对文化的认知是不一样的，人们的精神诉求是不同的，这就需要我们要有区别的认知文化现象。工艺美术运动中，新艺术运动中还是现代艺术中，每个时代都有自己的形式样式，并且也都体现了不同时代的人文印记。对历史文化的总结是为后面的艺术风格奠定基础。

四、结语

设计艺术形态在不同的历史阶段所体现的造型形式是不同的，主要是在不同的历史时期人与之间的社会关系和生产关系是不同的，所以设计艺术用自己的情感符号体现了自己的无法用语言表达的情感体系，但是不管在什么时期艺术形态都具有一种统一的审美感受，虽然不同的时代具体的审美形式和审美内容不同但都是一种统一的文化形式，在当代我们的设计美感在哪里，我们被后现代的无规律的体系所垄断，我们要思考这个时代的美学问题。

【摘要】风格的形成的规律是可以讨论的。本文讨论的是将艺术元素附着在功能性的元素上的认识处理过程,将这个过程推导出来可以看到对基本元素整合和附着的过程就是艺术设计的风格设计的过程。

【关键词】“原体”;艺术元素;功能性元素

装饰设计中的艺术风格的形式建立是个大问题。风格的呈现可能是多样化的,多表象的。风格的形成的规律是可以讨论的,这里所分析的风格形成原理是从基本元素来认识的,基本元素有功能元素和艺术元素。将艺术元素附着在功能性的元素上的认识处理过程,将这个过程推导出来可以看到对基本元素整合和附着的过程就是艺术设计的风格设计的过程。本文介绍这个理念,起抛砖引玉作用。

1功能性元素

功能元素是个很大的集合,包罗万象。功能性元素是要考虑实用作用的。只有透彻的了解了功能性才能进行设计,对其的艺术变形和装饰附着后不破坏它的实际作用。

1.1使用目的。所有功能性物品都有某种使用目的。我们称其为功能元素的就是我们往往能叫出名的某个东西。一般设计是从功能性的设计展开的,对设计界面内的必须的功能安排使功能性的物品到位。装饰性质设计的前提是了解使用目的、优化实用功能。使用目的和造价也相关。门面的设计,中心区域的考虑是关系着整体的视觉效果,功能性的考虑是带着全盘观念的。

1.2构造及材料。每个功能性的器物为了实用功能带着它特有的构造,这种构造是功能的设计者的智慧加上历史的改进,我们往往就是对器物的外形创新包装,不能破坏了构造的实用性。材料的性能也要注意,防水、防锈等也是重要。

1.3尺度。尺度的概念是设计的要点。尺度是直接关系到实用功能的,设计如果只是所谓的美观那就不及格了。尺度还有个实用范围的问题,比如一把公园的长椅摆在那里,除了椅子本身的尺度以外还要考虑椅子周围的活动空间,这样才能完整地安排好这个活动点。

摘要：环境艺术设计作为一门新兴的学科，是二战后在欧美逐渐受到重视的，它是二十世纪工业与商品经济高度发展中，科学、经济和艺术结

合的产物。它一步到位地把实用功能和审美功能作为有机的整体统一起来。

关键词：环境；艺术设计；室内设计风格；

“环境艺术”是一个大的范畴，综合性很强，是指环境艺术工程的空间规划，艺术构想方案的综合计划，其中包括了环境与设施计划、空间与装饰计划、造型与构造计划、材料与色彩计划、采光与布光计划、使用功能与审美功能的计划等，其表现手法也是多种多样。著名的环境艺术理论家多伯解释道：环境设计“作为一种艺术，它比建筑更巨大，比规划更广泛，比工程更富有感情。这是一种爱管闲事的艺术，无所不包的艺术，早已被传统所瞩目的艺术，赋予环境视觉上。”

一、中国室内设计的主要流派

（一）新古典主义

采用民族传统的装饰手法，在现代结构、装饰材料、施工工艺、高新技术的建筑内部空间进行处理和装饰，同时采用陈设艺术手法来进行分割空间，装饰空间的设计，使中国传统的室内样式具有明显的时代特征，例如：1959年中国的十大建筑，特别是人民大会堂的室内设计和民族文化宫的室内设计，充分体现了以典雅的中国传统文化风格为基调的空间形象，都是运用新形式和古典风格结合的新古典主义作品。

（二）新少数民族风格

1埃舍尔图形设计作品中的数学思想

数学是埃舍尔的艺术之魂，他把图形设计与数学巧妙地相结合在一起，他的大多数作品，颇有平面构成和立体构成的形式感，而且在他的图形作品中数学的原则和思想得到了非同寻常的形象化，而他的创作过程，则使其俨然更像一位数学家。但显然他关注的不是纯粹的形式美感，而是隐藏其后的秩序关系，他作品中经常直接用曲面、三角、拓扑几何、序列等数学命题来表达自己的思想，因而富有数学意味。例如，《相对性》这作品一共有三个灭点，它们形成了一个边长为两米的等腰三角形，它们既代表“左派”，又有“”，更有“中间派”，但只要将这幅图转换一个角度，所有的“派别”便随之更换，在作品中，埃舍尔以其高超的想象力表达了数学中这种相对性思想。

在《画廊》中，扭曲的画廊演变为城市的一角，体现了拓扑学领域中的对象和概念创造；《骑士》中埃舍尔也采用了一些具有重要拓扑学价值的形象，使时空的变换自然而协调。1969年，埃舍尔创作了他的最后一件作品《蛇》，这是介绍纽结理论主题的一件完美艺术品，作品突破了以往向内或向外单一分形处理，而是制作了一个特殊的结构，整个画面布满了圆环，三条蛇于圆环之中相互穿插并相互缠绕，显示了埃舍尔精益求精、追求极致之美的作风，也增强了对观者的视觉震撼。而在《方极限》中，埃舍尔也突现出趋向边界的无穷序列的感觉；《圆极限》则可以说是有界又无限的非欧几何的理想模型。可见，埃舍尔很多图形设计作品都充满了数学气息，他用数学的眼光来创作他的许多图形作品，借数学中的思想来表达自己的感情，进而将图形作品融入到其数学世界之中。

2埃舍尔图形设计作品对大自然的关注

埃舍尔一生用木板、石版和水彩等创造了大量的图形设计作品，埃舍尔图形设计作品里的图形主要采用自然形态的物体，如鸟、鱼、蜥蜴和人类的形象等，这些大多是来源于具象的，但又被加以变化和创造，从而形成全新的视觉形象，使观者仿若置身其中聆听到自然和历史的回声，流露出埃舍尔对大自然的无限热爱和独到的观察力。例如，《鱼》是一幅在平面上组合出富于美妙节奏感的整体图形，它描绘了红蓝绿黑四种颜色、不同方向的鱼，经过艺术家的计算、设计和排列，组成了完美的镶嵌图形，这是其所有作品里面最具想象力的代表。在《爬行动物》中，埃舍尔的二维蜥蜴活泼地逃离出了二维平面的束缚，变成了在现实三维空间中爬行的生命，之后又重新陷入原来的图案。《鱼和鳞》让我们看到了一片鱼鳞如何“演化”成一条鱼。《星空》则是体现了埃舍尔对多面体喜爱的一幅名作，通过描绘飘浮着无数规则立体的星星，赋予了天空蓬勃的生机。总之，他通过对物质世界、对大自然的关注和探索，通过他独特的艺术表现形式，给予了大自然以运动和生命，促进了现代艺术与科学的互融和艺术的多元化发展。

3埃舍尔的视错觉艺术

埃舍尔的视错觉艺术，也有人称为“悖论艺术”，他像一名魔术师一般施展了魔法，将作品创造出奇幻的视觉效果。为了达到这种效果，他所应用的解析方法就是透视法，即透过透明的平面来观看景物。在埃舍尔创造的空间感中，透视的方法并不是用在写实表现，而是形式处理的一种手段，从而研究透明平面（即理论画面）所形成的图形。例如，在《凸与凹》中，当我们不停的移动目光时，屋檐和楼梯仿佛在不停的变动，画面充满了变化和魔力。而《上和下》则令人震惊地运用了曲线透视法则，使我们看到弯曲的拱柱、树木和高塔，当我们变换观察角度时，这些形象又处于不断地变化之中。而在《骑士》里，埃舍尔让黑色骑士与白色骑士反向嵌套排列，直接的结果就是在视觉上产生图形悖论，表达出令人称奇的视觉空间。

《手画手》也是如此，初看平淡无奇，可是当我们仔细端详时，就会感到其中的玄妙，因为不论我们怎样去推断，也无法在这幅充满了立体感的图形中断定是左手画的右手，还是右手画的左手。同样，埃舍尔在《昼与夜》中使用他最擅长的富有哲理的虚实渐变结构，构思巧妙，寓意深刻，虚实相生，使我们分不清画面所表示的到底是昼还是夜。而《异度空间》中描绘了一间奇特的屋子，六扇窗户，每两扇为一组，窗户上是一只波斯人鸟和一个悬挂的号角，埃舍尔把它们完美地结合在一起，制造了这个神奇的小屋。总之，正是由于埃舍尔这种独特的创作手法，使得他的图形设计作品让我们在视觉上产生了错觉，也正是艺术家这种独具匠心的表现手法，使其在设计界以及艺术界引起了振动。

室内陈设艺术设计是在文化艺术及科学技术不断发展中逐渐形成的，属于室内设计。室内陈设包括室内墙面、顶面、地面等起到实用作用或观赏作用的各种摆放物品，如艺术品、植物、家具、织物等。风格是室内陈设中体现的风度和品格，体现了创造过程中的个性和艺术特色。本文主要研究我国室内陈设艺术的设计风格。

陈设艺术按照不同使用功能可分为欣赏性、实用性和宗教性三种，其中实用性是室内陈设的重要基础，欣赏性以装饰、观赏、摆放等功能为主，宗教性是为宗教活动而服务的室内陈设工艺品。室内陈设艺术设计不仅反映了我国民族特有的文化传统，还为人们创造良好的室内环境。以下主要从近代、现代两方面对我国室内陈设艺术设计风格进行研究。

近代室内陈设艺术设计风格

1.20世纪50年代-70年代

室内陈设艺术在此阶段的设计风格体现了为政治服务特点。在当时社会背景下，以人民大会堂为主，逐渐走向中西结合方向。例如大会堂造型艺术及建筑空间等方面的艺术处理，天花设计、檐口和门头等。室内界面表面装饰是当时的设计重点，大量使用具有政治题材的装饰图案，如麦穗、太阳、向日葵、五角星等，室内陈设色彩多采用红暖色调，以此象征革命。

2.20世纪70年代-90年代

改革开放及旅游业的迅猛发展，促使室内陈设不断成熟与完善，设计水平迅速提升，在意境创造及环境氛围设计等方面均有一定的探索和追求。90年代，室内陈设逐渐形成新古典主义、新地方主义两种风格。（1）新古典主义是指运用陈设艺术相关手法、装饰手法和空间处理方式等，对使用现代材料、技术和结构的建筑物内部空间进行设计，赋予具有传统风格的室内陈设一定的时代特征。代表作品如北京民族文化宫、人民大会堂和纪念堂等。（2）新地方主义是指设计师对建筑物所在地区的人文环境和自然环境等方面进行充分了解，然后进行设计，赋予具有地方色彩的室内陈设一定的时代特征。代表作品为香山饭店等。

现代室内陈设艺术设计风格