舞蹈服装范文精选

一、舞蹈服装设计的意义

1.舞蹈服装是对生活的提炼和对艺术的升华

生活是艺术的摇篮和源泉，艺术是对生活的提炼。舞蹈服装因舞蹈表演而产生，它与生活服装有着很大区别。然而，因为艺术本身来源于生活，因此，舞蹈服装与生活服装又有着许多相同点，它是在生活服装的基础上经过改造和提炼而来的，与生活服装是密不可分的。生活服装是舞蹈服装发展的本源。艺术是不能脱离生活而存在的，是对生活的集中反映，舞蹈服装是在生活服装的基础上进行的艺术升华和再造，它不仅要表现舞蹈演员的人物形象和特征，更重要的是它还是表演艺术的一部分，可以充分、突出地表现舞蹈的主题思想。舞蹈是通过演员的动作来表达情感的一种审美语言。舞蹈服装就是语言的放大器，有了舞蹈服装，演员就可以更好地、更准确地表达情意，传达艺术魅力。透过服装，观众可以了解到人物的身份特征和民族特点，还能看出人物所处的时代和环境。艺术本身就是从生活中提炼出来的更高、更美的形式，它反过来又感染了观众。勤劳智慧的先辈们在舞蹈服装设计上留下了许多的艺术瑰宝，如水袖、披纱、飘带等，极大地渲染了古代舞蹈艺术，并一直延续和影响着现代舞蹈服装的设计。俗话说，“三两步走遍天下，七八人百万雄兵”，舞台以它特有的时空效果，突破了真实生活的局限，舞蹈服装设计也是如此，它可以突破生活的局限，而表现得大胆、夸张，一切只为表达舞蹈的情意，给人以新奇之感。如《南泥湾》是一幕女子群舞的舞蹈，其服装设计应表达出女子优美的形体，达到轻盈和飘逸的效果。演员优美的舞姿，配合美妙的音乐，再加上诗情画意的舞台布景，就把南泥湾那陕北小江南的秀丽风光充分地展现在了观众的面前。又如表现陕北汉子粗狂豪放、勇猛刚烈的《安塞腰鼓》，其服装设计就要求有流畅的线条以方便舞者旋转和表达奔放的情感，这种服装设计可以让舞者尽情地驰骋在舞蹈动作中，充满激情，热情奔放。

2.表达舞蹈的主题思想是舞蹈服装的本质

舞蹈有着鲜明的主题思想，是一种无言的叙事。服装设计是否成功，主要看它是否能充分表达出舞蹈的主题思想。以《安塞腰鼓》为例，这个舞蹈所要表现的是陕北汉子的豪放粗狂、勇猛刚烈。根据这个主题思想，其舞蹈服装的设计在款式、色彩和装饰方面就应充满想象，进行大胆创造，运用夸张而个性的方式，将陕北汉子雄壮的体魄、善良的内心以流畅的线条和粗狂的装饰表现出来。我们仍然可以用白羊肚手巾、羊皮袄、红腰带来表现陕北服饰的地域特点，但是在这个基础上用虎头或者其他的图腾形象作为装饰，会更能体现出舞蹈的历史纵深感，将舞蹈的主题定格在历史的空间中。再来看上文提到的女子群舞《南泥湾》，这个舞蹈所要表达的是素有塞北小江南之称的南泥湾的秀丽风光，它要求演员舞姿轻盈，音乐纾缓。因此，其服装设计也要求轻盈、飘逸，与舞蹈本身的抒情主题相匹配，可选用轻纱面料，以绿色为主、红色为辅，用红袄绿裤来表现陕北人的民族特点，强烈的色差会刺激到观众的视觉神经，不仅彰显了南泥湾山青水绿的舞蹈主题，也给人以美的享受。

二、舞蹈服装的设计

1.设计舞蹈服装应注重面料、款式和装饰的选择

（1）选用合适的面料舞蹈是靠动作来表现思想的，这样一来演员难免在舞蹈时会做出跳跃、翻腾、旋转、柔软等高难度的技艺动作，这就对服装的面料提出了很高要求。但是我们要明确一点，表现高难度动作不是舞蹈的目的，它只是表现舞蹈艺术效果和主题思想的手段。目前舞蹈服装设计已经不再受服装材料的限制了，各种材质的材料都可以用来进行舞蹈服装的设计。大多舞蹈服装还是以质感、光泽、韧性等特性为主，追求面料的垂度和飘逸感，以轻薄面料为主。设计师很多时候会将软与硬、粗与细的材料相搭配，这样会增强材料的对比效果，提高服装表现的立体感。在实际的设计过程中，我们还可以根据需要进行服装的再设计、面料的再处理，以进一步改变面料的质感。一般可以对面料进行变形再造、钩编织、破坏性设计、装饰设计、混搭设计和花型再造设计等，来达到增强舞蹈服装的表现功能的效果。

【摘要】舞蹈服装是指舞蹈演员表演时所穿的衣着和服饰，它是构成角色外部造型的重要组成部分，也是舞台综合艺术不可分割的组成部分。能够充分表现角色的年龄、职业、身份、性格，表现时代、民族、地域等特征，同时能够突出不同舞蹈作品的艺术个性，增强角色的艺术感染力。

【关键词】舞蹈；服装；戏曲

中图分类号：J

戏曲服装作为戏剧中舞台表现最外在的直观形式，是塑造角色外部形象的艺术手段之一。也用以角色的年龄、职业、身份、性格等特点，戏曲服装需显示剧定的时代、生活习俗和规定情景等，在中国戏曲中占有重要的组成部分，习称“行头”。

一、舞蹈服装与戏曲服装不同之处

（一）审美追求不同

在角色的形体表现方面，戏曲服装相对要保守一些，几乎是全封闭，不需要暴露演员的身体，演员通过服装本身的特定性格和身段表演，来变现一种含蓄美。舞蹈服装款式则要开放，通过演员的身体四肢显示演员的形体美。舞蹈服装强调的是给角色所带形式美的物资手段，而戏曲服装本身每种服装都具有特定的人物身份、性格的特征性，和舞蹈服装对比，着重强调的是角色造型。

舞蹈演员从古到今，都是有男性演员和女性演员，而戏曲演员最早只有“男旦”，也就是男扮女装，男唱女腔的角色。在我国古代，汉画中舞蹈角色不少是男女双人对舞，秀颈、束腰，舞臂甩袖，舞姿轻盈，对面男伴，上体……那时就强调男性的阳刚之气和女性的人体曲线美。舞蹈作品里都是通过肢体语言所表达出来的，因此动作幅度大、速度快，复杂繁琐的服装，会不利于演员动作的表演，短小、轻便、开叉多的服装，才便于舞蹈动作的完成。戏曲百年的历史中只有“男旦”，男演员都不具备女性的曲线美，穿着的演出服装大多都是要遮掩身体，通过身段表演来体现，女性的曲线美，这与舞蹈形成了极大地反差。戏曲主要强调的是坐唱念打，大多以唱为主，它的动作只是一个辅助表现手段，比舞蹈动作幅度要小、速度相对缓慢很多，这样就对服装的精美度，有着高要求。演出时，台下观众能清楚地看到服装，服装的每一个具体细节，观众都会仔细品味和观赏，因戏曲服装成为刺绣之服，刺绣成为戏曲服装的一个显著标志。舞蹈动作是表现舞蹈艺术唯一的艺术手段，演员的肢体语言是传达情感的路径。身体幅度大、动作速度快，演员通过舞蹈动作带动服装的衣片（裙片、袖片）等，它的动感就造成了服装的新造型。因此，舞蹈服装具有动态美。

摘要:近年来,我国许多高等院校的服装表演专业都开设了舞蹈方面的专业课程,在立足于复合型服装表演专业人才培养的基础上,不同程度地增加了这门课程的学时比重。尽管各大高校的情况有所不同,但普遍都非常重视舞蹈课程的开设,都积极和充分地利用本专业的师资力量,努力设置适合不同层次学生的舞蹈课程,对没有舞蹈基础的学生与具备舞蹈基础的学生因材受教,从而发挥对舞蹈有兴趣的学生的最大潜力。

关键词:服装表演专业;舞蹈课程;复合型服装表演人才;高校

中图分类号:G64.4 文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)02-0221-02

一、当前高校服装表演专业内的舞蹈课程概况

近年来,在我国的许多高等院校的服装表演专业都开设了舞蹈方面的专业课程,在立足于复合型服装表演专业人才培养的基础上,不同程度地增加了这门课程的学时比重。尽管各大高校的情况有所不同,但普遍都非常重视舞蹈课程的开设,都积极和充分地利用本专业的师资力量,努力设置适合不同层次学生的舞蹈课程,对没有舞蹈基础的学生与具备舞蹈基础的学生因材受教,从而发挥对舞蹈有兴趣的学生的最大潜力。

当然,在高校服装表演专业内开设舞蹈方面的课程,必然会产生利弊两方面的影响。多数情况下,这类影响中存在的问题主要表现在:

1.专业的舞蹈教师不多

许多高校在设置舞蹈专业的课程时,出于种种原因,其舞蹈课往往是由本院系的服装表演专业老师兼任,这样的师资使课程的专业性势必受到影响。

根据舞蹈类型的不同，舞蹈服装也分为很多种，但其共同特点都在于为了表演而服务，为最大限度适应舞者的需要而存在，通过不同的造型、色彩搭配等烘托出不同的形象，进而升华肢体动作中所蕴含的感情。因此舞蹈服装的设计工作不仅需要具备一定的审美价值，更要从结构、用色和律动等方面入手，从而追求与舞蹈中夸张、浓缩或者抒情、优美、动感等特色的完美契合。由韩春启所著，中国纺织出版社于2013年1月出版的《舞蹈服装设计》一书紧密结合当今舞蹈服装设计专业的建设和行业发展问题，从舞蹈服装设计的内涵、特点、过程以及影响因素出发，附以大量翔实的案例，深入阐述了舞蹈设计的发展之路，旨在为高校相关舞蹈服装设计专业和行业发展提供理论指导和实践依据。综合而言，该书特点主要体现在以下几方面。

研究方法多样、内容翔实丰富是该书的首要特点。该书综合运用了文献研究法、案例分析法、比较分析法等，从舞蹈服装设计的概念、设计特征、影响因素、设计要点、知识补充等方面构建起了完善的设计内容研究体系。该书作者采用通俗易懂的论述语言，结合自己多年的教学、艺术创作实践经验，对舞蹈服装设计进行了清晰、具体的论述。在该书看来，舞蹈服装设计要从舞者自身特点和舞蹈本身内涵出发，在制定设计方案的基础上仔细研究服装面料、工艺特征，以及它们对舞蹈表现力的影响、特点等，方能让服装完美契合舞蹈动作，达到传神的艺术效果。舞蹈服装设计师作为服装设计的灵魂人物，更要从理论知识和实践经验两方面充实、完善自己，并在艺术追求上要求严苛，才能设计出既具备高超审美艺术价值，又能丰富舞蹈动作内涵的服装作品。此外该书对于舞蹈服装的设计过程进行了清晰、全面的论述，从剪裁、色彩搭配到服装成品，每个环节都需要设计师和舞者的密切合作、沟通。丰富的研究方法和翔实的内容不仅让该书变得有理有据、极具可读性，更为服装设计专业的读者提供了大量值得推敲和借鉴的设计理念、方法和素材等，体现了该书作者深厚的学术功底和实践经验。

该书的另一亮点在于实用性强、极具社会应用意义。现如今在新媒体时代背景下，随着人们生活水平的提高，在物质生活日益得到满足的同时，精神享受逐渐成为人们的追求。进出剧院、影院等的观众络绎不绝。在此种形势下，观众对于舞台艺术的鉴赏水平和审美要求日渐提高，这对于舞蹈服装设计工作者而言既是发展机遇又是挑战。因此为了让舞台变得更加有吸引力，让舞蹈艺术变得更有魅力，设计出光彩夺目又与舞台艺术相得益彰的服装便是摆在眼前的头号任务。该书中综合分析了审美特征、舞台灯光、服装效果图等影响舞蹈服装设计的多方面因素，告诫读者在进行设计过程中不能仅凭单一因素做设计，而是应该综合考虑进舞台场景、灯光色彩等其他客观因素对舞台效果的影响，才能有效增强服装的艺术表现力。该书还对舞蹈、舞剧、综艺表演等不同舞蹈表演形式的服装设计要点进行了对比分析，并对舞蹈服装的发展史、大型舞蹈演出和服装设计现状等方面进行了知识补充，得出掌握好O计关键点、分门别类总结设计经验的重要性。此外该书的最后还呈现了丰富多彩的舞蹈服装设计作品选，如韩春启、陈晓君、吕云、张莹等名家的代表作，从不同的舞蹈风格和不同的设计风格出发给读者带来一场视觉盛宴。图文并茂的表现方法极具视觉冲击力和内容说服力。从时代的角度而言，该书对当今社会的舞蹈服装设计工作有极强的推动作用，由此也彰显了该书广泛的适用性和社会应用价值。

舞蹈服装设计的初衷是配合得体的舞蹈表演传达给观众美的视觉享受，从而烘托舞台气氛、凸显舞蹈本身主题意义。当今时代的舞蹈服装设计师更应始终铭记设计初衷，传承设计理念，并不断结合时展特色开拓创新，以满足观众日渐增长的审美追求。《舞蹈服装设计》一书无论从理论综述还是案例分析，都审时度势进行了总结与概括，为未来舞蹈服装设计的发展指明了方向，是一本兼具学术指导意义和实践应用价值的优秀著作。

本人原为巴州歌舞团舞蹈演员，根据工作的需要二零零九年团领导就安排我担任了歌舞团演出服装设计和管理工作，从那时起本人就开始学习民族舞蹈服装的设计。二零一一年九月――二零一二年七月本人有幸参加了新疆文化人才定向培训学习，赴上海戏剧学院舞美系服装化妆专业学习了一年。专业的服装设计理论学习后使我的民族舞蹈服装设计水平有了新的提高。本文就我这几年的民族舞蹈服装设计谈一点粗浅的感受。

一、学习蒙古族民间服饰的精华

我国少数民族的服饰丰富多彩，各具特色。民族舞蹈服装在生活服饰的基础上更加亮丽、华贵和复杂。少数民族的舞蹈服装是某一少数民族全部生活服饰的艺术汇集和概括，形象地展现着他们的生产、生活的风貌和地域、风俗、宗教等特点。我们新疆巴音郭楞蒙古自治州的蒙古族传统服装主要是大襟长袍，多为深色调，布料厚重。头饰、配饰都很精美。演出服装许多非常华贵，超过王室贵族们的佩戴（自然以假代真）。本人从小就生活在北疆，我的父母亲都有好几套华贵的蒙古族服饰，平时不穿，主要在重要的节日、聚会和演出时才穿。我到巴州后，又见到这里的蒙古人不同于北疆蒙古人的更有特色的各种服饰，有的更加古老，服装上的图案画各式各样，对我设计新的舞蹈服装非常有启发。

我们蒙古族民族服饰的遗产都极为丰富，作为服装设计我们对民族舞蹈服装的历史了解还很少。向当代人民群众了解民族服饰，搜集有特色的民间服饰工艺，头饰，佩物工艺等还有大量的工作等待我们去做。可以说，我们向群众学习的广度上，向历史学习的深度上都还不足。只有我们较为全面的把握了民族服饰艺术的过去和现在，我们才能有目的的、有根据的、理性的在传统的基础上融入现代特征，传统和现代的结合才是有生活，有内涵，而不仅仅是给传统贴了个现代的标签。

艺术来源于生活，艺术不能脱离生活。在追求现代化生活的今天，我深入挖掘我们蒙古族现代人的精神风貌，在保留优秀的民族精华的基础之上，展现新生活的特点。作为当代少数民族舞蹈服装的设计应在充分把握民族性、充分把握民族生活特点的基础上展示时代特点，使民族舞蹈服装具有时代特点。

二、深入学习萨吾尔登舞蹈的服饰

生活在新疆巴音郭楞蒙古自治州生活的五万多蒙古人，是二百三十多年前从伏尔加河流域回归祖国的土尔扈特、和硕特的后代。在新疆天山腹地的巴音布鲁克草原，由于山高路远，像自然生态得到较好的保存一样，原生态的“萨吾尔登”舞蹈在广大牧民中代代相传。建国以来，在各级领导的重视下，蒙古族聚居的巴州各地在娱乐场所和那达慕、节日集会、结婚喜庆的日子，普遍组织萨吾尔登的舞蹈表演，舞蹈表演以蒙古族为主，维、汉等民族同志也纷纷参加。萨吾尔登舞蹈一般不受场地的限制，既可在蒙古包里跳，也可在室外大小场地里跳，群众普遍参加，气氛热烈欢快，容易推广。

在前好些年民间蒙古人和各族群众跳萨吾尔登舞蹈的服饰没有统一的要求。各种式样、各种色彩的长袍、短褂都上场表演。服饰总体上古老而质朴。近年来在自治州人民政府的高度重视下，巴州歌舞团的专业文艺工作者挖掘、整理、加工、并编排了十几个萨吾尔登舞蹈，如：《胡尔登萨吾尔登》、《汗臣萨吾尔登》、《刀伦萨吾尔登》、《少女萨吾尔登》、《走马萨吾尔登》《飞鹰萨吾尔登》、《山羊萨吾尔登》、《奥拉登萨吾尔登》等，艺术性更强了，每一个舞蹈的服饰也不尽相同了。我仔细地研究了这些萨吾尔登舞蹈的不同的服饰，一般说来，总体轻快的舞蹈是短小的服饰，而动作相对舒缓的舞蹈是长袍或长裙。布料和色彩也根据不同的舞蹈所表现的内容而定。本人在学习我的前辈老师萨吾尔登服饰的基础上，参与设计了群舞《波浪萨吾尔登》的服装，该舞蹈2012年参加第？三届中国舞蹈大赛暨第三届内蒙古电视大赛中获表演银奖？。我还设计了群舞《走马萨吾尔登》和群舞《托布秀尔萨吾尔登》的服饰，该两个舞蹈在2014年全疆第四届？舞蹈大赛获优秀表演奖。

舞蹈是一种通过丰富的肢体语言和灯光、旋律陪衬带给观众视觉享受的艺术形式，能够给观众带来强烈视觉冲击力的除了舞蹈动作本身，舞蹈服装的搭配也是重要元素。舞蹈服装既要彰显出舞姿的灵魂，又要便于舞者的动作施展，更要从视觉上给人留下深刻印象。因此舞蹈服装设计过程不同于一般日常生活中人们所穿的服饰，而更具有夸张性、艺术性等特点。对于舞蹈服装设计师而言，除了掌握必要的设计知识，更要有针对性地理解舞蹈所表达的内涵主旨和舞者自身的动作特点，方能做到有的放矢，设计出符合情境、色调俱佳的服饰作品。故而从舞蹈服装设计的理论与实践角度出发研究服装设计、制作的过程，以及艺术特性、审美价值等，对于舞蹈服装设计的发展至关重要。韩春启的独著《舞蹈服装设计教程》（上海音乐出版社于2004年11月出版）一书便针对舞蹈服装设计，对其基础内涵、审美特征、设计要点和影响因素等进行了具体研究和论述，旨在为舞蹈服装设计专业学生和教师进行理论指导和实践点拨。综合而言，该书特点主要体现在以下几方面。

首先该书极具代表性和可操作性。该书作者除了对舞蹈服装设计基本概念、艺术及审美特征进行简要探究之后，将舞蹈服装设计的整体过程、设计要点和工艺流程以及影响因素等都进行了具体的论述。口语化的语言和浅显易懂的概念陈述可以帮助初学者入门，也可以帮助服装设计师找寻不同的设计理念并寻求自身突破。可见在作者看来，服装制作的过程和审美艺术特征同样重要，且对于读者而言完全可以参照该书中所提及的服装制作方法去设计实际的舞台表演服装，因此增强了该书的操作性。另外，本书还附带一部舞蹈服装设计图集，主要是作者近十年来演出实例中的服装作品，图文并茂的论述方式增强了该书内容的表现力，也为初学者和从事舞蹈服装设计的人提供了丰富的设计素材。因此从内容上来讲，该书不仅具有学术价值，更极具表现力和实践应用价值。该书的另一亮点在于其追根溯源，结合舞蹈服装历史发展阐述当今设计工作的重点。

众所周知服装设计师是整个设计工作和制作流程的灵魂人物，必须深谙影响设计的重要因素，在熟知设计发展史的基础上洞悉设计现状中存在的问题以及未来的发展趋势。该书综合分析了舞蹈服装设计的历史与现状，并对部分优秀的舞蹈、舞剧服装作品进行了赏析，分析得出只有立足中国的文化历史，挖掘不同民族、不同地区舞蹈风格和着装服饰的特点，才能在设计出既拥有民族特色，又能传递民族文化的舞蹈服装作品。设计师则要根据具体的舞蹈风格制定设计方案、制作工艺、选定面料等，并结合实际的舞台灯光效果进行颜色搭配。此外设计师不仅要具备专业的音乐舞蹈知识和丰富细腻的情感，更应具有扎实的绘画功力、文学修养、强烈好奇心和组织协调能力，才能做到将创意构思、图案描绘、色彩搭配完美组合在一起，从而针对舞蹈、舞剧、综艺表演、广场表演等不同的舞种风格游刃有余地向观众传递不一样的感彩，在整个舞蹈服装设计过程起到枢纽和桥梁作用。

当今舞蹈服装设计行业需要能不断突破、大胆创新的设计人才，更需要科学先进的服装制作工艺，信息时代为人才的培养和工艺流程的推进都创造了条件，舞蹈服装设计行业需审时度势、抓住时代机遇，在创新发展之路上更进一步。因此该书综合分析了影响服装设计的重要因素以及作为舞蹈服装设计师所应具备的基本素质，又站在时代的角度对未来舞蹈服装设计行业的发展做出了展望，为该书赋予了一定的时代特色，也增强了该书的可读性。综上所述，《舞蹈服装设计》一书从服装设计的本源出发，结合理论与实践，对服装制作流程和审美艺术特征都进行了详尽的论述，也为未来舞蹈服装设计行业发展指明了方向，是一部极具学术研究价值和实践指导意义的优秀著作。

作者：李青青

摘要：舞蹈课是高校服装表演专业基础课程之一。其教学宗旨是从教学计划入手，调整舞蹈课程的设置，以及妥善修订舞蹈课程教学大纲，尽量使学生在有限的学时内，更多地了解和掌握不同风格、不同舞种的典型素材以及提高学生的编排能力、基本素质和舞蹈理论修养，为今后的学习服装表演奠定良好基础。

关键词：服装表演专业舞蹈课程

目前，国内很多院校的服装表演专业都开设了舞蹈课程，并不同程度地加大了舞蹈课程的开设比重。但各校的情况不尽相同。就笔者所在的学校服装表演专业，立足于复合型人才的培养，比较重视舞蹈课程的开设，充分利用本系专业的师资条件，除了在第一年必修的基础上，还在以后的两年分别设置了不同层次内容的舞蹈课程，并且为有一定基础和有兴趣的学生还设置了较深层次内容的特色舞蹈班，走出了具有自身特色的办学途径。

然而，任何问题都有两面性。存在的问题表现在：（1）缺乏专业舞蹈教师，有些院校的舞蹈课是由服装表演的老师兼任。（2）缺乏合适的教材。就服装表演专业舞蹈课程使用的教材而言，国内目前尚少见有出版过一本合适的面对高校服装表演专业的舞蹈课教材。（3）开课学时偏少。从舞蹈作为一门基础课来看，大多数学校的学时安排还相对有限，加之真正实施时还会因其他活动的冲击影响而打折扣。（4）生源基础差。长期以来，舞蹈教育一直处于附属和依从的地位。就生源基础来看，虽然服装表演专业的学生自身体形条件较好，但绝大多数学生在中小学阶段从未接受任何形式的舞蹈教育，对舞蹈的认识几近空白。（5）重视程度还不够。有些院校舞蹈课仅作为服装表演专业中副设的专业基础课，对舞蹈修养基础知识的学习和利用所学舞蹈知识进行服装表演编创能力的培养还不够重视。

总之，在面对社会新时期复合性人才的需求，笔者所在的学校服装表演专业在制订教学培养计划时，根据本校实际情况，借鉴其他专业服装学院的教学经验，对服装表演专业中舞蹈课程的设置和教学大纲内容的编排进行了大幅度的调整，形成了自己具有特色的教学优化体系。首先，根据学校专业办学培养复合性人才的方向和特色，对2007本科培养计划中有关舞蹈课程的设置进行了大幅度调整。既考虑到开设具有实用意义的课程，如舞蹈基训、形体训练，又兼顾到学生的基本素质和舞蹈理论学养的提高，尽量使学生在有限的学时内，更多地了解掌握不同风格、不同舞种的典型素材以及编排能力。调整教学培养计划时依据“一专多能”“循序渐进，因材施教”的基本原则，改变以往服装表演专业学生学习舞蹈走过场的误区。在夯实专业基础的前提下，形成了以“舞蹈基础，舞蹈素材，舞蹈鉴赏，舞蹈编导，T台表演编创”为线索的学习板块。这些课程可分为三个学段来实施完成。第一学年为基础阶段，第二学年是提高和积累阶段，第三学年除了继续进行不同层次内容的舞蹈作品鉴赏外，学习重点则转为舞蹈编排并结合专业进行T台表演编创，达到学以致用。此外，又因本校地处江西赣南，赣南有客家风的赣南采茶戏，赣南采茶戏有着动听的音乐，优美的舞蹈。因此在舞蹈课时，我们也增加了赣南采茶舞，让学生更多地了解了客家生活情态，也丰富了课堂教学内容。这样，不仅使服装表演专业的学生在T台上能走“猫步”，还能使他们更好地适应毕业后走进社会的实际需求。

我们在合理修订教学计划的基础上，进而对舞蹈课教学大纲进行了妥善细致的修订：舞蹈课程教学大纲内容是为服装表演课程奠定基础。例如根据服装表演学生舞蹈知识技能欠缺，但理解能力相对较强的特点，通过对一些有深刻主题寓意和表现手法独特的经典作品赏析，培养学生的审美情趣、知识学养和鉴别能力。如根据学生基础较差且大学生入校年龄在18岁以上，骨骼发育基本定型（比较硬，软度差）的生理特性，加上服装表演自身的专业特点，在舞蹈课上更多要求形体的训练、身体韵律和协调感的训练，而非专业性较强的技能技巧训练。使学生能够完成大部分规定的基本动作，了解舞蹈训练的基本步骤、方法和要领，适度地淡化或删除专业性较强的高难度动作要求，培养学生利用舞蹈课所学的舞蹈知识，充分运用到服装表演当中。

大纲内容的编排要有明确的计划性和目标性。就本校服装表演专业三个学年分设的舞蹈课程教学内容来看，如何合理分配教学内容和教学进度需要认真思考，第一学年具体内容安排应以基础训练为主，这样才能使教学获得实效。到了第二学年，课程内容的设置要体现层次性。应在继续加强形体训练的同时，着眼于舞蹈素材的学习和舞蹈创编（流动造型训练、结构训练、组合编排等）能力的培养，为服装表演时不同的服装展示奠定基础。此外，还将舞蹈赏析的内容始终贯穿在教学过程中，以培养学生鉴赏能力，提高他们的综合审美能力。在课堂授课练习的基础上，还要引导学生把舞蹈课程中所学的创编知识融合到服装表演的编创中，创编出学生自编自演的节目，鼓励他们积极参加各种有益的艺术实践活动，让他们在实践中锻炼，在实践中体验，达到学以致用。

坚持因材施教与循序渐进。要充分考虑到教学对象的生理、心理的个体差异，不能“一刀切”。在施教中，要尽量考虑确定某种让绝大多数学生都能接受的教学方式和教学进度，既不能按照舞蹈专业的舞蹈课内容来教学，也不能当作是业余爱好课程来对待。在教学形式上，除了集体课外，也可以组织学生走出教室，观摩优秀的演出。此外，在教学中采用鼓励欣赏、扬长避短的原则，可以增强学生自信心，进一步激发学生的学习兴趣。

【内容摘要】舞蹈课程作为服装表演专业基础教育的重要组成部分，对学生完善形体美、提升艺术修养起着至关重要的作用。作者通过调研发现，目前服装表演专业的舞蹈课程与专业舞蹈院校的课程一样，并没有凸显出服装表演专业的特殊性与针对性，而在教学内容与授课形式上也缺乏以专业需求为目的的教学模式，难以为学生的实际需求服务。文章结合作者实际教学体会，通过与学生的交流及效果展现，从服装表演专业学生的基本情况、身心特征，舞蹈课程的师资、授课方式、教学内容几个层面做具体分析。

【关键词】服装表演 舞蹈课程 设置

模特一词是由英语“Model”音译而来，主要指以身体作为媒介载体传播时尚信息、展示艺术作品的人。作为时尚潮流的引领者，传播美的代言人，模特需要依靠形体语言展示服装主题，显现设计师的创作意图。1979年法国设计师皮尔・卡丹（Pierre Cardin）率领法国模特在北京民族文化宫举办时装表演，将“服装模特”的概念正式引入中国。1980年，我国有了第一支时装表演队，到现在短短30多年中，我国的服装表演行业伴随着改革开放的大潮突飞猛进，迅速赶上世界时尚的潮流。

服装表演是在国际化市场经济推动下，不断发展与壮大的世界服饰与肢体展示艺术。为了更好地适应多方位、多层次的社会发展需求，服装表演专业面临着巨大的挑战与竞争，培养模式从最初的单一化人才转向多元化复合型人才。无论该专业如何发展创新，对于学生来讲，肢体展示艺术还是最为直接的目的。关于服装模特的评定标准，首当其冲的就是对完美身体形态的考量，包含对身体比例、身体围度、身体状态、肌肉线条、骨骼形态等多方面的综合考察。服装表演与舞蹈虽然分属于不同领域的艺术范畴，但都是在舞台上依靠肢体动作来表达的艺术，都需要通过有表现力的步态（舞步）与造型（舞姿）进行艺术表现。舞蹈课程作为服装表演专业基础教育的重要组成部分，对学生完善形体美、提升艺术修养起着至关重要的作用。标准完美的身体形态是服装模特迈向成功的敲门砖，在教学大纲中进一步规范与完善模特舞蹈训练的教学内容十分必要。

关于舞蹈训练对服装表演专业人才培养的重要性的研究很多，但关于该专业的舞蹈课程教学内容与方法的研究较少。即在众多舞种中如何选取适应于服装表演专业人才的舞种、具体的学时分配、区别于专业舞者的教学方法等方面的研究。笔者在相关院校做调研发现，目前服装表演专业的舞蹈课程与专业舞蹈院校的课程一样，并没有凸显出服装表演专业的特殊性、针对性与实用性，这样的教学难以为学生的实际需求服务。

一、服装表演专业学生的基本情况

首先，各高校服装表演专业的学生在进入本专业学习前大多没有接受过正规的舞蹈训练，身体柔韧性与力量性普遍薄弱，平衡性与稳定性欠佳，也欠缺协调性与灵活性，因此学习进度较慢。在教学内容与方法上如果照搬专业舞蹈教学模式，其千姿百态的舞姿、复杂多变的律动会使学生对舞蹈课程望而却步。

其次，服装表演专业中男学生占少数，笔者在采访这些男学生时发现，舞蹈课程均为男女生同班授课，学习内容上也无划分。由于女生人数居多，教师在授课时经常选择以傣族、维吾尔族等突显女性特质的舞蹈，因此，男学生们将舞蹈课程视为。

一、女士拉丁舞蹈服装设计原则分析

女士拉丁舞蹈服装设计是指专门为拉丁舞蹈女演员在舞台表演、平时训练场所穿着的服饰进行的艺术设计,具有塑造外部形象，展现表演风格的作用。作为舞蹈服装能够使观看舞蹈表演的人们联想到实际生活,并与表演者们所表现的内容达到精神上的共鸣。女士拉丁舞蹈服装设计不仅要考虑舞蹈本身的艺术表达和文化内涵的阐述，更应考虑如何灵活的运用服装色彩、款式、装饰进行设计，使舞蹈服装成为一种艺术的追求。现对女士拉丁舞蹈服装设计原则进行概述分析如下：

1、穿着场合适应原则

女士拉丁舞蹈服装根据场合可分为表演服装、比赛服装及训练服装，不同的场合其穿着和装饰也不同，当然设计原则更是不同。比如表演场合，主要是针对舞台表演，舞台灯光的照明需要在表演时选择和灯光相对应的服饰颜色，凸显表演者舞姿的曼妙，当然服饰材料也是极为重要；比赛场合时，服装应该款式新颖，色彩艳丽，拉丁舞是一种可以展现女士魅力的一种舞姿，因此其设计时可将性感大胆表露出来，选材要有创意；训练场合穿着的服装则不需过于哗众取宠，满足身体伸展运动，同时面料易于吸汗、快干、可水洗，颜色可多样性。

2、韵律美原则

任何美的东西又会展现出一定的韵律美，当然女士拉丁服装更应展现其特有的韵律美。在这里阐述韵律美主要指服装穿着后所呈现的美，主要包括舞者舞动时服装底摆，袖口的流苏装饰等摆动，表现舞蹈的美感。同时作为表演服装，不仅满足舞台观赏的需要，同时也应表现穿着者的性感、时尚、活力、青春等特点，借助于表演者的舞蹈、服装、性感吸引观众。

3、面辅料搭配适应原则

面料是表现服装穿着效果好坏直接的影响因素。作为拉丁舞服饰，面料要吸汗、凉爽、透气，满足运动的需要，同时面料要选择可洗性的材料，洗后收缩性较小，能保持原来的尺寸。当然辅料也是至关重要的，辅料要和面料相适应，能支撑和表现面料，辅料不单指服装内材料，也包括装饰材料如珠钻、羽毛、蕾丝、流苏等。总之为了更好地表达服饰，面辅料的搭配要多次进行尝试，最终选择较适合的搭配。

[摘要]服装表演的主体是模特，模特要具有良好的形体表现能力，通过展示服装表现出服装设计师的作品。模特表演作为一种审美活动，以形体、表现力、音乐等形式因素引起人们的视觉反应、情绪变化，满足审美主体的感观需求，并从审美的外观形式中揭示其与整个文化变动的关联。人们通过模特的表演，感觉到这种形体表现力的所在，并由此感受美、鉴赏美并得到美的享受，这才是模特表演所应达到的最佳境界。

[关键词]模特 形体美 舞蹈

模特要具有良好的形体表现力，通过舞台表现出服装设计师的作品，展示服装的款式、色彩、面料，让沉静的服装有了生命的朝气。服装表演的主体是模特，模特要具有良好的形体表现能力，通过展示服装表现出服装设计师的作品。服装表演是用肢体语言动作来展示服装设计师构思的，是用直观而又充满生命力的整体形象来传递穿着的服装艺术。

舞蹈是一种肢体语言，它跟服装表演艺术有非常多的相似点。在服装表演中，舞蹈的姿态以及造型的运用又是极其常见的。模特在服装表演时是极具美感的视觉享受，舞蹈是极具美感的艺术行为，二者都是极具美感的行为。舞蹈主要是进行传播美的表演工作；模特进行的也是传播美的表演工作；二者又都是一门向人们传播美的艺术。模特经过了一定舞蹈的训练后，其身段、气质、感觉都极具美感。所以在服装表演中，是可以借鉴舞蹈的。模特表演作为一种审美活动，以形体、表现力、音乐等形式因素引起人们的视觉反应、情绪变化，满足审美主体的感观需求，并从审美的外观形式中揭示其与整个文化变动的关联。“形体美”，是模特文化突出的审美特质。接下来就分析一下服装模特的形体美特征以及模特的舞蹈训练：

一、服装模特的形体特征

要做服装模特的基本条件，就是要有一个良好的形体。形体即人的整体外形。服装经过动态展示被注入活力，时装的艺术魅力通过服装模特的形体动作表现出来。形体这一基本条件对模特来说是重要的一项，如果基本条件答不到所要求的标准，其他条件在优秀也不能称为优秀模特。具体标准：

1.身高：女模特一般在174cm――181cm之间，男模特一般在182cm――190cm之间；

2.体重：女模特在50kg――55kg范围之内，男模特在75kg――80kg范围之内；比例：上下身比例测得比值0.618为最佳；