茶道插花技巧

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茶道插花技巧范文第1篇

本文从日本茶道的创立及形成入手，通过对日本茶道中茶具及茶室布置等方面的分析，来简单探讨日本茶道中所体现的日本人传统审美意识以及其蕴含的禅宗精神。

关键词：日本茶道、审美意识、茶具、茶室、和敬清寂

一、日本茶道的建立和发展过程

日本茶道是日本文化中十分重要的一环。中国茶道是日本茶道的源头，茶道由中国传入日本后，经过发展、变化、融合形成了具备大和民族韵味的日本茶道。

唐代中期，派遣来中国的日本僧人最澄将中国的茶叶盒种子带回日本，并种植在大阪一带。茶叶刚刚出现在日本的时候属于贵族用品，只有权贵、少数高级僧侣才可以享用茶叶。茶道被当作一种特殊的有品位的文化活动仅局限在权贵的身边。

但到了镰仓时代，受《吃茶养生记》的影响，茶道有权贵和僧侣发展到了平民中间。等到了室町时代，以种茶为生的茶农开始对茶叶进行品评和开办品茶会，逐渐的这样的集会变成了平民的娱乐活动，并由此发展成为了日本最早的茶道。

对于“茶道”这个名词，最早则是由和尚村田提出来的。他把对佛法中的领悟融汇到了茶道之中，它起源于“佛法存于茶汤”的道理，并借由此发展成为了最具自然气息和朴素的茶风。

日本战国时代的千利休则把日本茶道进行改进并提高到了艺术层次。千利休把室内富丽堂皇的的装饰简化到了非常朴素的程度，让日本茶道脱离了物质因素的纠缠，让日本茶道更易于被大众所接受。与此同时千利休还特别要求“本心”的重要，并提出简化茶道的特殊动作，要随意的品茶并放弃外界的形式操纵，来达到用心体会茶道的高深意境。

二、传统日本茶道中的审美观念

在伊藤古鉴所著的《茶与禅》中，把日本的传统茶道分为了三个层次：品茶技巧、品茶礼仪、茶“道”。

日本人的审美观和品茶观完美的体现在其中。品茶技巧就是茶人怎么挑选合适的茶具、怎么放置屋内的盆景和装饰品、怎么点茶、怎么调配茶后甜点；品茶礼仪就是主人和宾客间的礼貌问题。主要方面就是主人对房屋的打扫和茶会上的表演节目；第三点茶道，就是品茶人在喝茶的过程中对人生的领悟、最终达到天人合一的境界。下面我们就分别从这几个方面来深入的走进日本茶道文化，领悟其精髓，感受其文化。

（一） 茶具和装饰品

在日本的茶道文化当中，我们要深入的了解下其茶道文化的精髓，就要首先了解下其茶道文化中的重要的一个方面，即：茶具和装饰品。

日本茶道中的品茶工具、书画文字、盆景等饰物，体现了日本人对大自然的热爱。从日本传统茶道的祖先村田珠光开始，日本人在查到中找到了寂静和质朴，来探索平淡生活中的点滴趣味。

在日本的名流中，也不乏在茶具和装饰品中有自己特有要求的，他们中具有代表意义的是：茶道鼻祖村田珠光。村田珠光追求的是质朴，村田珠光自己就经常选择质朴的茶具，反对铺张浪费，提倡节约简朴。他认为大和名族的黑色陶器颜色暗淡，但却拥有有简谱、寂静的美丽。使用这样的简约茶具，情真意切地待客，既有品茶的乐趣，对道德情操养成和锻炼也大有用处。

再挑选和物的基础上，应当多多选择用淡色系的朽叶色、淡青色茶具和适应寂静分为的茶具。茶道鼻祖村田珠光说‘正是这种以严峻、淡然、悠闲寂静为美的审美观点，才能让人把握到生活的乐趣，来达到灵魂上的追求。

自主独立的品茶地点、露天场所、石头灯笼等的设立都是千立休提出来的。品茶地点虽然简约淡然，喝茶的人却让茶具茶室干净整洁。只有喝茶周围的环境干净整洁才能“进入自悟之道的境界，和美、寂静有佛家的气氛才是最正宗的茶道。对于茶道的鉴赏千利休有着自己独到的见解，也正好是日本人对传统审美观的具体表现。

（二） 茶室周围的布置

在布置品茶地点周围的环境方面，品茶的人所看重的就是喝茶时的虔诚心情，对周围大自然的美特殊的重视。插花对于日本茶道来说是非常重要的，必须选用应季的花草树木，必须看重大自然之美，顺应花朵枝干的自然之势，不要求奢华，只需要简约自然，让人怦然心动，让他们所呈现的大自然的魅力，要和茶室中与季节、书画遥遥响应，真正意义上的靠近生命的本质。

从这里看出，这就是日本人传统的和大自然和谐相处的自然理念。《茶之书》中也提到“花瓶滴落的清水其实并不需要加以抹去，因为它暗示着露水一般的纯净与清爽”。同样体现了日本茶道中的人当与自然相融合，在茶道环境的布置与高深技术中，重视大自然，轻慢人人之间的锁事，注重生命最本真的和谐。

（三）和敬清寂

17世纪前期，16世纪末期，千利休用“和敬清寂”四字囊括了日本传统茶道的精神理念，建立了日本最正统的茶道。“和敬”主要代表的是人人之间的和睦相处用心交流，万万不能妄自尊大；“清寂”指的是冷静严肃、淡然、悠闲的审美观点。

在举办品茶聚会之前，品茶人必须先打扫周围的环境，保持室内整洁，茶具的干净，茶叶必须经过精心的加工碾碎，茶具要反复清洗干净一尘不染，插花也要根据宾客的不同和季节的变换来选择。

茶人品茶时的动作符合规范迅速敏捷，“既要让人产生舞蹈时的节奏感和飘逸感，又要精确规范”。因为这样宾客才能感觉到主人的重视和尊重，展现了主人待客的真诚。在茶会上，宾客们的穿着也非常重要，因为要与茶会的背景相互协调，身份再崇高的贵族都必须爬跪进入。入座之后也不能喧哗保持安静，并需要向着主人放置在王床间的画行礼致敬。这样才能体现出人与人交流的“和敬”气氛。

到了室町时代中期，伴随着时代和经济的发展，城市慢慢变的奢华和喧闹。很多人开始厌倦了这种喧闹的生活，把寂静、淡然、悠闲为美，他们期待着过上隐居的生活，来达到心灵上的安慰。茶道之茶称为“佗茶”，“佗”有是幽远寂静”、“闲适”的含义。一边喝茶一边和朋友谈天说地，不问世事，修养身心。“清寂”之美从这个时期得到广泛的流传。

（四）禅茶之缘

日本的传统茶道是必须按照一定的流程规范来完成的一种艺术。并且日本茶道的根本精神，正是包含在这些看似复杂繁多的程序中。而这些繁杂的工序

并不是要让品茶人的注意力从茶本身上移走，而是要茶客细心体会整个品茶的过程，从而把品茶人从世俗的喧嚣、和生活的琐碎中解脱出来。

茶道中禅的意义，就是通过繁琐的品茶程序和规则来锻炼人们的本心，当这些繁文缛节不再使品茶者苦恼，当饮茶人随意之间就能表现出茶道的礼仪规范，才算领悟了茶道本身的真谛。

茶道的最高境界就是把精神修养融入我们的日常生活中，通过茶会本身的形式，宾客和主人之间的相互配合，在寂静淡然的品茶环境中，以喝茶、欣赏茶具、宾主间天天说地的形式，以此来达到修身养心的目的、还能让我们洁身自好，拥有更加的完美意识和品质。这也就是禅宗里的“勿使染尘埃”和“本来无一物”的两个境界。

在整理中，我们发现：人们只有通过不停的反问自己的内心，才能最终令尘埃无可染之处。日本茶道，是用一种仪式来向人讲述禅的思想，是日本文化的结晶，是融佛教、道教、儒家学说为一体的一种精神文化。领悟了这些方面才能更好的领悟日本茶道文化的内涵。

三、结语

日本茶道其基本精神被日本学者概括为“和、敬、清、寂”四个字，主张通过在茶室中举行茶会的方式来了悟禅法，参透本心。日本茶道推崇朴素的“闲寂”茶风，“在不引人注目的外表之下暗含着无价的宝物，在贫困之中深藏着难以言尽的恬静的喜悦”，这种意境被日本茶人奉为美的极致。“闲寂”的美学理念不仅显现于茶具、茶室、茶仪等诸多外在形式之中，更深深渗入了茶人的内心世界，成为日本茶道艺术最为鲜明的个性特征之一，对整个日本民族的审美情趣构成了广泛而深远的影响。

以上所说的，日本茶道不仅仅是单纯的娱乐、和业余活动，它让人们在谨慎的品茶过程中养成认真、并遵守社会公德的习惯。同时，其实茶道本身已经成为了大和民族对对大自然和生活的热爱，并将日常生活行为与宗教、哲学、伦理和美学熔为一炉，成为一门综合性的文化艺术活动。

参考文献

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茶道插花技巧范文第2篇

关键词:东方元素;运用;评析;2010世界花艺大赛

1 引言

2010年3月26日~28日,2010第13届世界杯花艺大赛(Interflora World Cup 2010)在沪上举办,Interflora是一个由24个国家(地区)级单元组成的世界性机构,是世界上规模最大、最权威,也是最受欢迎的鲜花速递网络,这一号称“花艺界奥斯卡”的盛事,不仅首次移师发展中国家,而且20个国家和地区的20名选手参赛创历届规模之最,上万参观人次也破了历史记录。可以看出此届赛事以东方文化为基本主题,无论初赛展位比赛中4件作品的命题还是决赛神秘箱两场比赛,所有命题全部围绕“东方”、“中国”来设置。唯一不同的是,展位作品中的自由命题――“餐桌花”主题和“手捧花”主题都是半年前公布的,所以“花在东方”(“Flowers of the Orient”)前所未有地成为本次世界杯花艺大赛的总命题,它引领着舞台中央的20位花艺师,尤其是欧美参赛选手,不得不穷其心智研究东方文化。东西方文化的碰撞交融,迸发出异彩纷呈的火花。

2 2010世界花艺展中东方元素的展示

2.1 应用东方传统花卉传递中华神韵

2010世界花艺展由组委会指定或提供的具有东方元素的花材主要包括预赛二人绿茶和决赛中的紫竹、 富贵竹、 柳等,而在预赛中各国选手,利用他们所了解的能反映主题的东方传统花卉如(挪威)、荷花(中国、挪威、日本) 、竹(香港)、蝴蝶兰(瑞士)和松(中国)等演绎东方文化。获得本次世界花艺展总分第9名的日本选手Nakayama Yoshimi的命题作品旨在表现东方的神秘,追求一种空间的美感[1]。花艺师选择东方的传统花卉――荷花作为花材,据考证,早在13世纪前后,日本庙宇中出现供奉佛祖的莲花插法与造型,具有一定美学概念[2],作品大型架构向里延伸,表现东方文化深邃的内涵。比较有创意的是,花艺师以仿真荷叶搭配鲜花做设计,见图1。日本插花(Ikebana)即日本花道,起源于中国[3],日本花道同茶道、剑道、书道等一样,其中的“道”是象征进步的含义,即是为了达到艺术殿堂所必经之路[4] 。

图1 花在东方(日本)

2.2 借具有东方韵味的非植物材料表达主题

除了在决赛中由组委会提供的车胎、红纸、伞、丝绸等外,选手们还想方设法发掘具有典型东方元素的材料加以表现,如筷子(澳大利亚)、宫廷壁灯、碟子、玉、珍珠(瑞士新娘) 灯笼、珍珠(西班牙)、剑山技巧(法国)韩国传统乐器(韩国)、月牙、小舟、鸟巢(英国) 、长城、龙(澳大利亚)、东方明珠、珍珠(芬兰) 、屏风(美国)等.获得本次世界花艺展总分第4名的澳大利亚选手Grant Collins在压克力片W型排列的支架上使用圆型压克力圆片连接起来,透明的压克力间黑色漆筷支撑起弯曲的龙形架构,架构上一朵朵盛开的鲜花怒放在试管中。见图2。

2.3 利用天圆地方诠释东方空间

这方面既有自由命题作品表现,如双面绿玉色圆盘(瑞士),也有“二人绿茶”(德国、芬兰)展现.获得本次世界花艺展总分第2名的瑞士选手Yvonne Roth认为:公元前5 000年的中国,圆就被用于正式的礼仪、祭祀、庆祝场合,而且中国有“天圆地方”的说法,圆盘一面象征着天空,另一面象征着大地。在多个“碟子”组成的墙上不断旋状的圆又像中国的翡翠玉,这种圆盘在公元前5 000年就已经被拿来使用。这种圆盘代表着天空,中间的洞是通往另外一个世界的窗口,光盘的表面代表着地球,见图3。

图2 花在东方(澳大利亚)

图3 花在东方(瑞士)

2.4 运用文化名胜景观风情传说

运用中国情节在中国传统文化中,一些名胜、风俗、传说、故事等家喻户晓,恰当地运用到花艺作品中能引起人们广泛的共鸣。尤其在眼下,人们的时空观念发生了很大改变,在感慨“天下真小”的同时,人们更加惊叹于传统文化所蕴含的深度和广度。各地的地域特色,包括风土人情、名胜古迹、历史传说等,这些内容给花艺创作提供了广阔的空间,叙述的内容也具有浓厚的中国文化。 如中国庙宇和山水景观(荷兰) 、 盆景(挪威) 、写意山水景观(中国台湾、大陆).荷兰选手Stoffer Veurman的命题作品在金属圆盘上搭建了一个中国庙宇造型,圆盘底部固定了一些石头并在其间插满鲜花。石间的水看起来像个清澈的池塘,庙宇下面像山一样的木质雕塑相当吸引人眼球,见图4。

命题作品用盆景造型来演绎心中的东方文化,盆景需要不断修剪才能塑造成型,作品用到了800个独立的小试管,制作工序也非常多,就要表达这个不断修剪直至完美的过程。选用为主花材,不仅因为其被认为是具有东方禅味的花材,也是花艺师的一种自我挑战,见图5。第一轮比赛排在第一位,无论是出自对选手技巧和技能的认同还是有感于对选手作品所表达的作品内涵的慨叹,不难看出,评委对选手表达的对东方花卉和东方文化的理解还是有认同感的,艺术无国界,一个成功的艺术品不是 图1~5花在东方(挪威)让人看不懂,而是要让更多人在作品中获得精神的、意趣的、情感的升华。

图4 花在东方(荷兰)

图5 花在东方(挪威)

2.5 东方色调吸引观众

主要包括红色、金色、橙色、黑色等,获得本次世界花艺展总分第5名的德国选手在二人绿茶中把茶桌制作成圆形,符合宋代开始的中国传统文化中天圆地方的理念,茶桌的颜色采用金色,这是中国文化中富丽堂皇的标志,桌上一丛自然设计风格的装饰性设计作品赫然在目,技术上技巧上不做过多的评价,从选手的胆色上值得称道,见图6。美国选手J.Keith White的命题作品典型的亚洲风格,色彩选择了传统的红色到橙色,寓意着好运和传统中国风。

2.6 季相变化显生动

这方面既有反映春夏秋冬连续变化的韩国作品,也有体现特定季节的景观,如秋季的盆景(挪威) 获得本次世界花艺展总分第3名的韩国选手Chang Sung Won的命题作品有着明显的春夏秋冬4季轮回更替,就像是一个圆圈。“圆”是作品的主要表现形式,色彩也是围绕四季的色彩,春天绿色盎然,夏天红热似火,秋天金色满地,冬天白雪皑皑,背景选择黑色,是为了更好地突出四季的颜色,特别是秋天的桔色。为此,选手自我诠释的作品设计思路是要表现韩国活泼的四季的感觉,见图7。

图6 二人绿茶(德国)

图7 花在东方(韩国)

2.7 阴阳五行禅理念

如越南作品中的“五行”观念、中国大陆作品的阴阳说、日本作品中的禅意表达等。越南选手Cherrie Mai Hoa的餐桌花由5个基本元素组成:金、木、水、火、土,寓意平静的环境里充满了向上的活力。

2.8 诗情画意借神风

如中国香港和台湾画意花艺作品。香港选手Au Yeung Hing,Joe的命题作品将花卉与代表东方文化的绘画、书法等结合,表达了一种保持运动、勇往直前的精神,见图8。中国画讲究诗、书、画、印相结合,使中国画具有传统艺术的浓厚风味。中国插花也非常注重画面的完整统一,并与环境和谐,讲求诗、书、画、花的协调结合。花材之间的有机结合,容器与造型的浑然一体,几座与配件的运用,题名的表现以及多层次的欣赏方式(酒赏、香赏、茗赏)等等,都充分体现了中国插花不仅是与书、画密切关联的多学科的艺术,而且也是融生活于一体,充满生活气息的艺术。

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图8 花在东方(中国香港)

3 2010世界花艺展中东方元素的表现差距原因分析

3.1 中国元素“符号化”

东方特定元素与现代花艺要恰当地融合,不能仅仅局限于在作品上挂个中国结,放上蜡染蓝色花布,戴上京剧脸谱,就是融入中国元素的现代花艺作品了。花艺是一种静态的、抽象的艺术,要想表达中国文化,就绝不只是简单地加入一些符号或是龙凤造型就能够阐释的。

3.2 重历史,轻技术

我国是东方插花的发源地,有悠久灿烂的插花文化传统,但这只能代表我们有着辉煌过去,不能代表我们今天依然先进;它能说明我们先人的聪明才智,却不能说明我们是否优秀。许多所谓的融入中国元素的花艺作品是参考中国画和古籍中有关插花的记载描画、借鉴日本插花中保留的中国传统插花的概念,加以综合的模仿。说白了就是仿古插花,刻薄一点可以说是“中国古典插花赝品”。真正的有生命力的艺术,应该有自我反省、自我更新的能力,仅仅有着辉煌的过去是远远不够的。在表现技巧上还是有较大的差距,有的作品在空间固定上存在明显的人工痕迹。

3.3 创新思想的缺乏

中国花艺是重精神的,是以物传情、以物抒怀、以物言志的典范。佛、道、儒的思想对中国插花风格的形成,都有着重要的作用。因此要创造出好的融入中国元素的花艺作品,不研究其创作思想,是无法创作出好作品的。但从作品中能看出许多花艺师的创作观念却还一直停留在“玉堂富贵”、“竹报平安”的水平上。有些参赛的作品让观众和评委感觉“似曾相识”的感觉,这对评分是相当忌讳的。

3.4 创作准备不够充分,经验不够丰富

四年一度的世界花艺展有许多选手准备充分而表现突出,如挪威选手在中国有10年的生活经历,为本次比赛花费了一年多的时间精心准备,另外如瑞士和韩国选手的整体空间表现相当突出,除了表现理念和水平外,其中很重要的是准备充分让观众和评委为其折服.而我国选手准备时间短促。同时是首次参赛,缺乏经验,导致在本次大赛中由于犯规而被扣分(本次大赛只有法国、中国台湾和大陆选手由于犯规被扣分) 。

3.5 缺少团队的支持和帮助

国际花商联的世界杯比赛中有经验的选手背后都有强有力的分工明确的成员协助选手参赛的团队合作参与,为选手节省了许多宝贵的时间和精力投入到主要的创作和工作中,而我国选手只有1名助手帮助,显得力不从心。

4 对发展中国现代花艺的建议

4.1 弘扬民族性

4.1.1 在花艺作品中恰当地运用中国元素

这些元素包括花材、色彩、图案、造型、饰品等。例如红色是中国传统的喜庆色彩,用红色的花材、红色的辅料制成的新娘捧花就非常具有民族特色。又如在传统图案中,海棠形、如意形是非常有特色的,也符合现代花艺对造型简洁的要求。在造型上也同样如此,既符合现代花艺的设计理念,也能使观者能够联想到中国传统文化的内涵。但是要注意,中国元素与现代花艺要恰当地融合。

4.1.2 运用中国情节

在中国传统文化中,一些名胜、风俗、传说、故事等家喻户晓,恰当地运用到花艺作品中能引起人们广泛的共鸣。使人们更加惊叹于传统文化所蕴含的深度和广度。

4.1.3 表现出传统文化的神韵、风骨

在中国传统文化中,不包含情感、意境的作品是没有存在价值的,因为“意境”是传统艺术的根本所在:诗歌、绘画、书法、戏剧、古代园林都是如此,中国传统插花更是如此。以写意的手法表现自然,同时也是运用心灵的智慧与情感,体现个人对待自然的生命和态度。现代花艺中,根据中国艺术插花意境的内涵创作方向,可以主要从文学所包含的内容里、现实中的自然景观和人造景观里及构成插花的花材器具等方面构思,通过对它们的运用,或从中得到的启发,激发创作的灵感。应该发掘传统文化内在的精神[7],将“形”的东西进行抽象,将“神”的内涵进行吸收,将中国元素潜移默化地运用到现代花艺之中。要做到对传统文化神韵、风骨的深刻体会与运用,是需要设计师对传统文化认真学习的[8]。

4.2 反应时代性

4.2.1 创作主题要与时俱进

时代文明发展日新月异,现代花艺要紧跟时代脚步、顺应时代潮流,表现时代文明的主题。新的世纪已经到来,它是绿色环保的年代,在这个主题的召唤下,我们从事的插花事业应考虑以怎样的方式方法把花与绿色这种现代文明更科学地渗透到社会的方方面面,让我们在每一种场合都能见到插花艺术的身影,让更多的人从大自然的花花草草中,得到生命的感悟和人生的启迪[9]。

4.2.2 创作风格要洋为中用,中西合并

深入学习和发掘中国传统花艺,加以继承和发扬,讲求“物随原境” “形肖自然”即所表现的景观需符合万物自然生长规律。这就要求插花者要深入了解观察植物的习性,思考其美之所在与其美之精华,并融入个人情感,才能创作出具有感染力的作品[10],这是我们东方插花艺术的本源,是今后进一步弘扬含中国元素的现代插花艺术的基础。西方式插花受西方哲学影响提倡的“人文主义”,西方美学极具多元、外放、不受束缚,在抽象设计领域可以避免思想单一化、有限化,自然感知容易转换成艺术体悟,这是我们可多借鉴的。以西方的形学为基础,加入东方沉稳内敛精神,让自己回到原点,找寻植物的另类美学[11]。

4.3 鼓励创新性和团队合作性

4.3.1 创新理念的培养

创作理念是作者创作的生命力,对它的培养是每一个插花爱好者应该特别重视的事。创作理念源于作者对文化的理解、艺术的领悟、社会美的捕捉、敏锐的悟性和联想能力,这些知识和能力需从相关科学中获得,并经常将其在插花设计中运用和体会,从而在心中自然形成美的积淀,成为以后创作设计的“心源”。同时要充分借鉴现代造型艺术理念,因为不同的造型艺术源于相同的美学思想的指导,因此其设计理念常常是有一定共性的,只是造型要素不同而已。因此,为拓展设计思路可从绘画艺术、园林艺术及自然景观、建筑、雕塑艺术等吸收创作思想,加以借鉴。日本一位著名插花大师曾说:“花瓶(盘)代表良好的土地,我们要将花去,使他们看起来就像从土地上长出来的,而且还在继续长”,此话道出了日本插花艺术的最高境界[12]。

4.3.2 加强创作新造型

创新造型的实现需要在基本造型手法的基础上,通过突出主题表现的技法加以综合设计来完成。现代花艺设计中可抓住色彩设计、线条运用、选材及花材加工、组合4个主要方面配合一定的架构支撑来完成创新设计。

4.3.3 形成团队合作

1994年,组织行为学权威、美国圣迭戈大学的管理学教授斯蒂芬•罗宾斯首次提出了“团队”的概念。团队合作是一种为达到既定目标所显现出来的自愿合作和协同努力的精神。它可以调动团队成员的所有资源和才智,并且会自动地驱除所有不和谐和不公正现象,同时会给予那些诚心、大公无私的奉献者适当的回报。如果团队合作是出于自觉自愿时,它必将会产生一股强大而且持久的力量[13]。

5 结语

目前,中国的花艺界非常活跃,从首届中国杯插花花艺大赛,到近期的世界花艺展,无论是国际花艺大师应邀来中国表演,还是中国花艺师到国外学习花艺,这些都充分表明我们正不断追赶国际花艺设计潮流,与国际先进的花艺差距在不断缩小。现在到了国内花艺界同仁思考将中国元素与现代花艺有机结合,形成真正意义的“中国现代花艺”的时候了[14]。

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即使对于中国传统插花,其风格在形成时并没有一定的模式,它是顺应时代而生的,是当时的时髦,今天之所以变成阳春白雪,就是因为太过久远的历史风格转变起来不是那么容易。倘若再死抱住单一旧有的模式,势必会被不断前进的社会摒弃[15]。在现代花艺的创作中要留意“现代”风格的花材、色彩,还可把其他领域中的色彩系列移人现代花艺创作作品中来。同时还要求作者关爱我国固有的生活习俗,以儒雅的审美观来构筑时代感。现代花艺是古典与现代的结合,西方与东方的结合,是现代甚至已融进了后现代主义手法的多种造型艺术和花卉艺术的结合,更为现代人所接受和喜爱,折射出现代文化的内涵和底蕴[14]。

参考文献:

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An analysis on Application of Oriental Elements in the Interflora World Cup 2010

Chen Jiaying

(College of life and enviroment,Shanghai Normal University,Shanghai 200234,China)

Abstract:Based on the research on the typical entries of flower art in the Interflora World Cup 2010, it is found that the Eastern entrants (especially the Chinese entrants) can not grasp the essence of the oriental elements exactly and commonly lack modern innovative ideas. To deal with these problems, this paper analyzes the eight main ways to perform the oriental elements in the modern floral works, and puts forward some countermeasures ,such as carrying forward the national character, reflecting the times and encouraging creative and collaborative team,etc, so as to raise the floral level.

茶道插花技巧范文第3篇

关键词；日语教学；问题；建议

近年来。从毕业生的实际日语能力来看，听、说、读、写、译的能力远远不能适应实际工作的需要。看似简单的寒喧、打电话、写信函等这些日常生活、工作中经常能够用到的内容，许多学生应用起来还不能得心应手；在实际交流过程中无法准确地表达自己的意图与想法；实用的知识和技能更缺乏实践性。造成这方面问题的原因是多方面的，最根本的原因在于日语教学体系不能很好地为教学目的服务，主要有以下几方面的表现。

一、日语教学中存在的问题

1、教材不完备

虽然近年来大学日语教材增加了口语、听力的内容，但书面语言的阅读文章仍然占主导地位，实用性和实践性较差；缺少口语教材(特别缺少有场景会话的音像教材)、应用文写作及翻译基础知识的教材，而这些恰恰是培养和训练学生的实际日语能力不可缺少的非常重要的因素。

2、教学方法不科学

很不科学的教学方法是现行日语教学体系中的又一大弱点。由于日语语法比较复杂难懂，句型较多，长期以来主宰；日语教学界的传统教学法偏重知识传授．忽视了对学生的实际语言能力的培养。这种重知识传授、轻能力培养的传统，不是个别院校的个别现象，它具有普遍性，在外语教学界代代相传。实际上已成为一种习惯。至今大部分外语教师仍自觉不自觉地将其运用于自己的教学工作之中，这可能与各校追求四、六级的过级率有关。当然，客观因素也使外语教师别无选择，要在规定时问内完成大量的教学内容，使学生通过国家的外语四级考试，若完不成教学任务则达不到外语考试要求。另外．现行的考试体制一直起误导作用，外语考试大多以考核学生的外语知识水平为主，考核实际应用外语能力的内容只占一小部分。为了顺利过级不得不把教学重点放在外语知识的灌输上，不得不用大量的时问讲解语法条文，分析句型、句子结构，辨析词汇用法，传授考试技巧。结果培养出来的学生在外语方面仍是高分低能。只会看文章．不能进行实际的语言交流。

3、语言实践重视不够

现行的日语教学忽视了语言实践活动对外语教学的主导作用，其结果是学生缺乏实践活动而不能大幅度地提高实际日语能力。语言是在劳动实践中创造的，语言的学习也应依赖实践，语言教学是一种实践性极强的教学活动。人们学习外语是为了把外语当做工具进行工作。正因如此，学习外语不仅仅懂得外语就够了，更重要的是应该学会实际运用它，掌握它的技能。只解决懂的问题，通过大量的语法、语言理论的学概可以办到，但要获得语言能力和技巧。只有大量地实践。即便没有语言实践的机会、场所。各大专院校也应开设与学生所学专业相应的专业日语课，但要注意教材的选择。以我院为例，虽然开设了医用日语课，但所选教材仍是阅读文章，没有以医学专业有关的口语会话、听说内容为主。针对以上问题，解决的唯一途径就是加速实行日语教学改革，充分发挥语言实践对日语教学的主导作用。建立比较完整的日语实践性教学体系，使高校日语教学逐步走上务实、活跃、高效的健康轨道，以开创外语教学的新局面。

二、提高日语教学的建议

1、激发学生学习兴趣，提高学习效率

日语入门比较简单，但随着教学的推进，不少学生觉得日语枯燥无味，感觉越来越难。因此，教师在日语教学的过程中，要采取灵活多样的教学方式来激发并维持学生学习的兴趣。每节课中教师可穿插介绍一些日本的饮食、服饰、艺术，或者通过看日本原版电影或学唱简单的日语歌曲，增添日语学习的趣味性，寓教于乐，把日语的文法知识传授给学生，通过对日本风情的介绍，课堂气氛活跃，观看日本原版影片，边播放教师可以边讲解，帮助学生对语意的理解，学生兴趣高涨，会把对白里面的习语记得很牢固，学习效率很高。教师还可以教学生唱简单的日语歌曲，或者请日籍老师传授茶道、插花等日本传统技艺，增加学生学习日本文化的趣味性。

2、创造轻松的课堂气氛，培养学生的跨文化意识

教师在教学过程中，要创造轻松的课堂气氛，照顾到学生的情绪，多加鼓励和表扬，使他们消除不安情绪，树立学习信心。教师要面带微笑，和蔼可亲，对学生不懂的地方，要耐心地讲解。在进行听说训练的过程中，可以利用动画模拟会话场景，为学生创设逼真的语言环境。在日语教学中，教师要培养学生的跨文化意识，多向学生讲授关于日本的人文、历史、地理、国情、风俗和基本礼仪的知识，让学生掌握日语中有代表意义的敬语使用的文化内涵，增强学生对日本文化的了解，避免学生用本民族文化的标准来衡量日本文化，培养学生的跨文化意识。

3、加强实践教学，提高日语实用性

发音是学好日语的关键，教师要做好示范，并播放标准的日语发音给学生听。学生要练好发音，需要多听磁带，多开口练习模拟发音，并持之以恒的坚持下去。教师要精讲多练，充分利用课堂上有效的教学时间，着重于日语发音等技能方法的训练，使学生掌握正确的方法，课下自己多听多练习，巩固课堂所学知识。鉴于课堂上学生开口说日语的机会少的状况，在每一节课开始10分钟，请一名同学用日语讲一个简短有趣的故事，这样的效果很好。学生会因此阅读大量的课外小故事，阅读面增大了，日语语感也增强了，听力和口语能力也提高了，而且强化了自身的心理素质。这样通过每天的轮流训练活动，在很大程度上，真正达到了兴趣培养的教学效果。教师要加强实践教学，培养学生对日语的运用能力，在真实的工作场景中感受日语，可以通过聘请日企的工作人员来教室进行实践教学，让学生更多的了解日企的文化信息。教师在课外还可定期举办日语沙龙、日语歌曲表演、日语演讲比赛、日本插花和茶道表演等活动，提高日语的实用性。

4、利用多媒体教学，渗透日语文化知识

多媒体技术把各种教学信息以文字、图片、声音、视频的形式形象直观地展示给学生，把逼真的语言环境带入课堂，提高学生的注意力和认知兴趣，充分调动学生的积极性。通过逼真的画面和标准的日本语丰富了课堂教学内容，使学生真正在快乐中学习日语，加深学生对日语的理解和记忆，并且扩充了日语学习的信息量，使学生能够掌握日语的新生词汇及其用法，极大地提高了日语教学的实用性。教师采用播放录像来反映日本丰富的文化背景，介绍日本的饮食文化、生活习惯以及日常行为禁忌，使学生更加直观的了解日本的风土人情，把抽象的语言知识的学习变为形象生动的文化学习，可以极大地提高教学的效率和学生的积极性。例如，在讲授日本的歌舞伎和相扑等日本传统文化时，可以播放日本歌舞伎表演和相扑比赛的相关视频，在学生津津有味的欣赏活动中渗透日语的文化知识，加深学生对日本文化的认识。

总结；

高校日语教学单纯注重语言教学的模式，已经不适应时代的要求，长期以来，高校的日语教学较多地突出对语言的学习，而对学生综合素质的培养较为欠缺，使得学生的视野和知识面窄，毕业参加工作后出现不适应工作要求的情况。因此，高校日语教学要紧密联系社会实际，不仅学生日语要熟练，要优化日语人才培养模式，采取多种手段，提高学生适应日企的综合素质。

参考文献：

[1]陈琳琳;提高高职日语专业学生日语能力方法探析[J];辽宁高职学报;2009年08期

茶道插花技巧范文第4篇

关键词：艺术内涵；意境；禅；幽远

一、禅在艺术意境中的位置

在艺术境界中，无论是“象”还是“境”都不是某种简单的外在的可证实的物象，而是经由艺术家的知觉，情感心灵想象，生命，意趣，乃至对宇宙本体的认识和体悟等弥漫、渗透、化合而构成的东西，并通过艺术家富有灵性生气的笔里文字创造出来的艺术世界，“境”不止于“象”，而是延伸于、超越于“意象”之外，在中国艺术内涵追求更高的就是在其中融入并渗透“禅”。

禅，本来是印度大乘教东传中国之后，同中国本土的道教、儒家融合。重新建构的佛教修炼门，“空”是禅的最高境界，“悟”则是禅的入门之道。如拿度司空的“不着一字，尽得风流”字来作为禅的注释，可谓入木三分，精辟之至。

二、禅在中蛋山水画意境中的蕴含

中国古代山水画，是通过线条墨色等艺术造型手段来体现画家的个人精神的，和对自然，对社会，对人生，对宇宙的深刻认识的感悟，表达不同的意境和蕴含，在中国古代山水画有着不同的风格和流派，如所谓南京和北京，体现出艺术技巧和艺术手法上的相异来。画的神韵全在画家对于画的诠释，而能将这种禅韵融入画中的一定是个人修养层次上了一定高度的画家，这种高度有个名称，就是气韵，清代的盛大夫在《溪山卧游录》中这样说道：“士大夫之所以异于画工，垒在气韵间求之而已。”清代的张式这样讲道：“要之书画之理，玄玄妙妙，纯是化机。从一笔贯到千笔万笔，无非相生相让，活现出一个特地境界来。”

气韵乃是南朝谢赫在其所著的《古画品录》中首先提出来的，是“六法”中最重要的一法，也是我国传统绘画突出的美学准则。气韵的本意是对人物画所描绘人物形象的精神气质而言，与顾恺之所说的“神”“神明”有异曲同工之妙，皆出于魏晋南北朝时人论鉴识的习惯用语，但是谢赫提出的气韵生动，与顾恺之的“传神论”相比较，前者的说法更为精辟，更为到位。

禅从古代就一直贯穿在中国艺术的脊髓中，中国的山水画中的题款就不难看出，苏轼在其画中这样写道：“幽人隐时寂无语，心在飞鸿灭没间”元代本诚这样写道：“花下抛书枕石眠，起来闲漱竹间泉，纸窗哦罢闲无事，残烬时飘一缕烟”，明代陆治是这样写道的：“松下寒泉落翠阴，坐来长谈玄心。溪头定是仙源路，开遍桃花正可寻。”清代的高风翰书画中的题款是这样写道的“奠嫌老圃秋容淡，只看黄花晚节香”。中国人自古就讲究内涵，说话要有深意。而禅的出现，不得不使得中国的艺术提高了很大一个台阶，无独有偶在同一时期的谈友仁说道：“瑟瑟西风拂面来，黄花数朵傍篱开。谁能学作陶元亮?把酒持整醉几杯。”，画家的画中有诗，诗中还参透着一幅画，画家在画中寄托着一种情感，蕴含着一种禅味，只有你去参悟，才能体会，而每个人的思维不一样，那么他所悟的“禅味”也是不一样的，绘画是借景物抒情怀，描绘的虽然是山、水、花、鸟、人、物，但是反映的却是画家自身对客观世界的一种情感认识，是画家真是的情感，“天地与我并生，万物与我为一”画家在观赏山水的同时也被山水观赏，所以他们看到的是种禅语，己视山水，非也；山水视己。禅语中画家早就和山水相融了，“即心即佛”“众生皆佛”能享受到这种“人乐，天乐相和”就是中国艺术中的蕴含。

中国艺术中女性对于禅的诠释更为柔美，在马守真的《兰竹石图》①中王稚登题“叶带朝烟翠陆离，花含春紫葳蕤。美人遥忆湘江水。折得方馨欲寄谁”粱辰鱼题：“金陵小姬笔札工，兰枝叶叶生秋风，怀人何处最肠断，多在长干细雨中”杜大受题：“谁在芳兰写此真，飘飘浑似玉娟身，幽香时逐轻纨送，方信清风是故人。”从这些文人在为马守真所提的诗中不难看出她所看到的兰、竹、石是怎样的情感，每个人的欣赏结果是不同的，而这其中的禅味却蕴含着她所想要表达得所有情感，林雪在《雪景寒林图》②中将自己对己在林中，林在雪中，雪在画中描绘的栩栩如生。

三、禅在中国艺术中的融合

中唐之后禅宗的确立和兴盛，禅学逐渐被文人墨客融入并渗透到他们的文化理念和艺术精神中，使得禅学对古典园林的影响更加普及和深化。佛教与禅对中国文化的意境、审美产生了影响，从而寄托了古人追求宁静，脱俗的人生哲学。

禅宗在中国艺术语言里面含有一种深远、寂寞，超群脱世的境界，无论书画的内容再多变，但是万变不离其宗，而这个“宗”就是我所要表达得“禅”。禅的最高境界就是空，万事万物都有它的上界，当领悟到禅的境界时，就是忘我，无我的态度了。禅是艺术家们要表达得一直精神的寄托，在他们的心里活动中或远或近，或有或无，禅给人一种独自思考的空间，这与庄子的思想有些同秒之处，庄子在《逍遥游》中写到：“至人无己，神人无和字功，圣人无名。”庄子是主张无为的，洒脱与忘我是对他的描写，庄生梦蝶，蝶是庄生，亦庄生是蝶，庄子的思想在艺术的领域中很恰到好处的诠释了禅的韵味。

北宋末年的韩拙在《山水纯全集》中提出“三远”：“愚又谓三远者，有近岸广水，旷阔遥山者，谓之阔远。有烟雾瞑漠，野水隔而仿佛不见者，谓之迷远。景物至绝，而微茫飘渺者，谓之“幽远”。景色空茫，愈远愈淡，愈远愈无，这是一种“空”的放大，对于很多墨客来说，能将禅味蕴含在自己的词赋中是很重要的，就像树的根一样，五代两宋时期山水画发展最为显著，五代时中原地区的荆浩、关仝，江南地区的董源、巨然分别以不同的笔墨技巧塑造了不同地区的山水画，风格各异，他们的风格对于后世影响颇大。《溪山行旅图》画中巨峰巍然耸矗，山涧中瀑布直泻而下，峻厚的山峦长着茂密的林木，岩石皴纹历历可辨，显示出一种逼人的磅礴气势。山脚下雾气迷蒙，近处大石兀立，老树挺生，溪水潺潺。山路上有旅人赶着驮队走过，人畜虽皆画得其小如蚁，然却真实生动，使人仿佛能听到驴蹄得得之声，禅在绘画中的融合是将动态的事物以静态的方式表达，将有声的效果以无声的手法播放出来，只得欣赏者自己去领悟，画家在做画的时候早就将这种自己的“禅味”吸收到自己的气韵中，再将它融入到画笔中，再在纸上灵动的展现，禅的真谛就是融合与渗透。

不仅仅是在中国文化中能体现禅味，日本作为中国文化的学生，无论是他们的茶道、插花、和道等等，它们的根都是在中国，日本的文化是将中国的艺术精华发展到现今优美的水平，无论是东京都、大阪府、奈良县，或是冲绳县，日本的园林艺术、橱窗艺术、服装艺术、寺院艺术、食品艺术等等都融合和渗透着中国文化的禅味一空。正是如此，“空”是禅的精髓。禅味贯穿了中国艺术。超越艺术所具有的韵味，却又提升了艺术的价值。幽远之极，仿佛是在严冬鹅毛大雪之后飘来的一缕寒梅的淡香，禅在心间，没有语言，只得自己去领悟。

参考文献：

[1]陆家衡；历代中国画题款精选人民美术出版社

[2]李建盛；艺术学关键词　北京师范大学出版集团

[3]赫俊红；丹青奇葩晚明清初的女性绘画文物出版社

茶道插花技巧范文第5篇

    综合材料

    1910年,瓦西里?康定斯基(WassilyKandinsky)创作了一幅满是穿插着粗野、激荡的色彩与线条的水彩作品《即兴》,标志着世界上第一幅抽象主义绘画的诞生。这种强调“非具象、非理性的纯粹视觉形式”③为艺术家的创作提供了更为广阔的视野,诸如表现主义、立体主义等许多现代主义艺术流派都深受其影响,纷纷将精力投入到抽象语言的探索和研究之中,纤维艺术也不例外。除了传统的毛、麻、棉、丝、人造纤维等编织材料外,木、竹、纸张、稻草、谷类、蜡、金属、光纤、珐琅、有机玻璃、人造皮毛、人体毛发、树脂、装饰纱、包装带等各种天然的或具有物理、化学属性的纤维材料也逐渐进入到现代纤维艺术的创作领域。这些或坚硬柔软、或艳丽暗淡、或光滑粗粝、或沉静路动的材料传达着各自不同的精神氛围与艺术感染力,为作者提供了更多个性化的表达,也由此开启了纤维艺术从二维向三维空间转换的前行之路。

    日本纤维艺术家的作品大多侧重东方文化有的含蓄、唯美和隐忍。在艺术家KakukoIshii的作品《Work-Bp-C》中,细长的竹纤维被纵向剖开,虚虚实实的固定在近三米的长卷中,作者充分运用喷绘的手法,使作品中出现了类似中国书法中“飞白”的效果,宛如一幅泼墨山水,从主题到意境处处流淌着如音乐般的“禅意”,充满着浓郁的抒情意味。第三届亚洲纤维艺术展中刘晓蓉的作品《春满人间福满门》则借鉴了传统剪纸、屏风等中国元素。六帧黑色剪纸的正中间配上长方型和菱形的大红色块,造成了一种喜庆而热烈的氛围,在“透”与“不透”、“看得见”和“看不见”之间创造了一种美妙意境,十分符合中国文化含蓄内敛的特点,同时还具有一定的实用价值。这些新颖别致的作品早已颠覆了传统纤维艺术的概念,综合材料的运用为作者提供了便利,从而更细腻、更准确地表达了个人情感与创作意图,实现了与观者的交流和共鸣。

    随着科技水平的不断提高,现代纤维艺术逐渐向高科技和功能化的方向发展。电脑提花、数码输出、光导纤维、化纤、高分子聚合物等新材料逐渐被越来越多的艺术家运用到自己的艺术创作之中。有些作品在不同的光线条件下会呈现出不同的吸光和反射效果,有的作品甚至超越了传统的三维空间概念,在“声”“光”“电”的综合演绎下呈现出光怪陆离的视觉效果。它们所带给观者的种种新奇的心理体验是传统材料难以企及的,这些材料的另类使用,使当代纤维艺术呈现出百花齐放的局面,反之纤维艺术的无限开放性又为艺术家探索多元的纤维材料、开拓新颖的艺术形式提供了更为广阔的表现空间。

    空间装置

    作为环境与人类情感联系的纽带,现代纤维艺术自诞生之日起,就和空间的陈列与展示有着密不可分的关系。自第四届洛桑国际壁挂双年展以来,立体的形式陈列作品越来越多,到了70年代末,许多作品走出展厅,甚至走出建筑,成为和环境融为一体的空间装置艺术。这些作品利用纤维柔软可塑的特性,于现实和理想之中创造出了一个个奇幻的空间情境。

    从展示形态来看,空间装置又可分为落地式和悬挂式两种。落地式指以地面为支撑,以各种综合性手法及材料围绕中心支架创作而成的,具有三维立体效果的纤维艺术品。它可以置放在室内外任何需要的地方,像雕塑一样从多个角度进行陈列与观赏。波兰艺术家玛格达莲娜?阿巴康诺维兹的《黑色阿巴康》、南斯拉夫艺术家雅格达?布依奇《可变的黑色数字》、日本艺术家八木真理代《原始-星系DNA912》等作品都是这一形式的杰出代表。作者旨在通过这些尺幅惊人的鸿篇巨制来表达人与自然、社会、甚至宇宙之间的关系,通过强烈的视觉冲击来传达和平、环保、伦理等重大命题,具有很强的哲学寓意。

    悬挂式是将作品固定在天花板上或借助纤维悬垂性强的特点将作品悬挂起来展示的方法。1973年第六届洛桑国际壁毯双年展上,日本艺术家小名木阳一的作品《红手套》引起了很大关注,作品虽然仍用“织”的手段,但在空间陈列上却完全打破了传统纤维艺术的平面表现模式,以立体或半立体的方式悬挂,使人感到幽默而新鲜。

    从传统的日本设计来看,它主要建立在中国、韩国等东方文明的意识形态之上,非常注重本国独特的造型语言,具有浓郁的审美意识与民族情调,但在形式与功能方面又吸取了英国、美国、德国等现代工业文明的精华。如川井由夏(YukaKawai)等一批日本现代纤维艺术家的作品在造型模式上既受到解构主义等西方现代设计理论的影响,同时又深刻融入了艺术家对于玄奥的传统文化的理解。褶皱、包裹、鼓起等一系列看似简单甚至无结构的立体制作手法,实则是作者对于自然、人生和社会最真实的情感表达。而小野山和代、桥本京子等艺术家的作品则十分强调轻快而缥缈的感觉,他们擅长将纤维特有的柔软、飘逸、摇曳的特性与悬挂式空间装置艺术形态结合起来,当风吹过的时候,作品能营造出特殊的情调与空间层次感;当人从其下穿过的时候,也能极大的拉近人与环境之间的距离。悬挂式的空间装置艺术品能够在单调而冷漠的钢筋混凝土建筑中充当人与环境之间交流与共鸣的媒介,这种特性是其他刚性材料所不可比拟的。

    “迷你软雕塑”(miniature)

    “miniature”在法语中的原意为中世纪手稿中,章节开头的彩饰文字或微缩的模型、影像。在现代纤维设计领域则被转译为各种形式多样、小巧精致的艺术品。其可以是传统意义上的纯手工制作,也可以是将各种现成材料通过一定的设计而进行的二次创作,具有很强的空间装饰性。迷你软雕塑以其小巧可爱的尺幅、独具匠心的构思以及灵活多样的创作手法而受到许多女性朋友的欢迎。

茶道插花技巧范文第6篇

关键词现代陶艺，存在问题，解决办法

1引 言

严格来说，中国现代陶艺的发展起源于上世纪70年代末、80年代初。中国具有丰厚而悠久的陶瓷文化历史，并对世界文明进程产生过巨大的影响。我们不光有辽阔的疆土所提供的丰富的自然资源，也有上千年的制陶历史所积累的丰富经验，更有民族文化传递给我们的精神滋养，其中更为珍贵的是先民对陶瓷物质特性和人文品格的深透而独特的理解与把握。这一切，为中国现代陶艺的发展以及人们接受这种发展提供了广泛而深厚的基础。同时，1999年以来，密集的展览和活动使中外陶艺家有了更广阔的交流和展示的平台，大大提高了中国现代陶艺的总体水平。

尽管中国现代陶艺发展很快，并取得了较大的成绩，但也存在不少问题，这些都与中国的独特国情密切相关，或者受传统的因素影响过大。在此，笔者对中国现代陶艺提出了一些建议，希望对中国现代陶艺的发展有所裨益。

2陶艺作品的风格仍不够多样化

陶瓷本体作为一种表现媒介，没有什么不可表现的。现代艺术中的种种风格、流派，如抽象表现主义、波普风格、超写实主义、具象风格、装置风格、极少主义、怪诞主义等，在陶艺领域都可以得到体现。有很多陶艺家仍然仅仅沿用原有的“实用”、“装饰”手法，仍然沿用传统陶瓷语言样式，缺少对陶瓷造型的把握或理解，缺少从社会和文化的角度表达自我的感受。象在景德镇，釉中、釉下、釉上是主流，现代陶艺仍然是以画为主，有很多陶艺家只懂临摹古董。有些人还没有把陶艺作为现代艺术中独有的语言与媒体，观念仍然停留在产品设计上，尽管很多陶艺家已经有了现代设计的意识，但这一观念终究不能取代现代艺术的观念。在这方面，我们应该学习一下西方，在西方，无论是材质范围p工艺手段p形式语言和个体精神，还是对材料非单纯可视性和在公共环境中的运用等方面，都大大地超出了陶瓷艺术的中国经验。中国的现代陶艺转型较迟，所经历时间较短，还没有建立起较完整的观念，而且没有较现代的技术支持以及教学和社会审美的跟进。中国陶艺一贯提倡向传统和民间学习，一直在传统的边缘徘徊，而这种对艺术传统的过度崇拜，也压抑了国人的思维和想象力。不过，我们从材质、工艺手段、形式语言等方面学习西方时，也不应该全部照搬西方，不然就会掉进别人成果的窠臼里。

真正的陶艺家必须亲身实验，找出适合自己的方法，来表达自己的体验，这样才能形成具有自己特色的陶艺语言。一个有创造意识的陶艺家，只有善于用将来的眼光来审视传统与现代的陶艺创作现象，这个陶艺家才富有创造性，才不会重复别人已经走过的路。

3国内陶艺缺乏创造性

陶艺家应该尽可能以陶瓷为媒介，去表达自己所追求的某种精神或审美上的价值，放弃对物质性、实用性的追求，多一点强调精神价值和审美价值。有些陶艺家太受传统观念的影响，还是把现代陶艺当成工艺品，没有表现出现代人的理想、个性、情感心理、意识和审美价值，没有运用暗示、隐喻、象征、联想、意象等手法把陶艺视觉化，还没有把“器”转化为“艺”，还是把实用放在第一位上。对于陶瓷的材质、工艺手段、形式语言等方面没有把握好。从目前状况来看，强调形式、泥性、肌理、釉色美感仍是陶艺主流，作品的深度显得不足，基本还是在遵循陶瓷的工艺技法范围内进行。在我国，官方的界定还是将陶瓷划归入工艺品之列，或是工艺美术范畴，长期以来倡导的是实用、美观、经济的产品化要求。陶瓷审美的评判标准是严格、规矩、精美，中国的陶瓷艺术太受传统观念的束缚，还没有脱离实用的观念。在西方，陶艺已经较早地与实用陶瓷分离，形成独立的、纯粹的艺术形式，加上其良好的现代艺术环境，现代陶艺得到空前的发展，陶瓷材料的丰富表现性和创造性也得到充分的展现，而新技术、新工艺、新材料的应用和挖掘也由观念的更新推动了发展。许多中国陶艺人怀着“民族的就是世界的”的思路，从中国传统陶瓷艺术中寻找所谓的“本土化”风格。但在传统文化中，陶艺是作为工匠存在的，所谓“劳心者治人，劳力者治于人”的古训使中国的文人雅士不屑与之为伍，造成了中国制陶缺少理论的指导，甚至以视觉造型上以及釉色上的完美无缺和复杂的装饰为追求目标。中国艺术教育一贯是技巧重于材料，功利重于游戏，缺少对材料的关注和放松的心态，这正是陶艺不可或缺的元素。不可否定，灵感之源是传统，传统是一块丰富的沃土，传统的价值随着时代的推移，表现出某种相对性，并显示出与时代同步的积极方面，就此而言，能不能“再发现”传统的价值，也是评价一个艺术家高下优劣的重要标准。

4现代陶艺未能引起普通大众的持续关注

中国艺术界对于现代陶艺的关注与讨论仍然较少。例如去年在景德镇举办的世界陶瓷博览会，参加的大多是搞陶艺的人，搞其它艺术门类的人甚至也很少参加，更不用说是普通大众。人们对于现代陶艺的概念还很模糊甚至有一种误解，认为陶艺仅仅是陶艺家的工作，不是普通人所能做的，缺乏对陶艺的关注。目前，中国虽然有些地方出现了陶艺热，在专业界，京城各大商场甚至办起了陶艺作坊，电视等媒体也纷纷介绍，但是也只是在某几个瓷区和都市中基础较好，也只能成为一种时尚和文化消费，是一种有钱人的游戏。总的来说，它的群众基础还是相当薄弱，没有培养出一个大范围的陶艺欣赏群体。与此同时，市场上大量粗制滥造的陶瓷制品大量充斥，也给许多群众造成了负面影响。造成这种局面一方面是由于陶艺在我国有着太深厚的传统，因此无论是对于进行创作实践的艺术家还是理论工作者，实现陶艺的现代转型都是一件艰难而收效缓慢的工作；另一方面是陶艺一直以来都是以工艺品的身份而形成自给自足的圈子，很少与“纯艺术”拉上关系。

据资料介绍，陶艺教育在台湾的比例为：高等院校11%都设有陶艺课程，高中学校有8%、初中和小学有50～60%左右都设有陶艺教育课；而我们内地省份中陶艺教育推广最好的是深圳市，中、小学合在一起也只有3%的学校有此类课程。在美国各大院校里，陶艺总是被列为一个主要的专业。作为一种文化的普及，陶艺的培训项目在美国很多艺术中心里都有设置，在百姓的家庭里面也经常看到主人甚至是孩子们自己创作的陶艺作品，因此在美国，陶艺已是大众喜闻乐见的艺术种类。

我国陶瓷的历史悠久、文化灿烂，有着深厚的普及教育的基础和条件。陶艺教育是培养情操极好的课程，像日本的插花、茶道一样，人们可以从学习中受益良多。我国有如此深厚的基础和条件，却沦落到今天的局面，这与院校的陶艺教育几乎是零有着直接的关系，这不能不说是造成陶艺发展缓慢的重要因素。对陶艺教育的忽视直接影响到我国陶艺在世界上的地位，我们应齐声呼吁陶艺普及教育的到来，迎接中国陶艺的新生。

5部分陶艺家缺乏较全面的艺术修养

在陶瓷艺术的创作中，艺术家是主体，他的知识结构、思维方式、文化水平等人格素质，以及他的生活实践范围、思想与情感的社会化程度、具体的人生体验等生存状态都对他的陶艺作品有影响。众所周知，艺术是相通的。但是有些陶艺家只是了解陶瓷这一种艺术，而对别的艺术种类不关心或不熟悉。其实，一个陶艺家可以从其它的艺术中寻找一些适合自己的手法并将其运用到陶艺创作中。有些陶艺家缺乏一定的文化素养，对社会不关心，对中国传统文化的认识不够，仅仅是展现一种纯粹的形态；有些陶艺家静不下心来，对陶艺自身语言的一些规律没有把握好，浮躁、不扎实，创作心态没有把握好；有些陶艺家与外界交流不够、较闭塞，没有掌握一定的信息量，另外与外国同行的联系也比较少，以上这些问题严重影响陶艺家的创作。现代陶艺也如同绘画、雕塑、装饰等现代艺术形态，是全方位地向当代文化展开的一门艺术。当代优秀的陶艺家应该深刻地掌握陶艺的特性，培养现代意识，以积极参与当代文化的势态，把中国陶艺推到现代艺术的前台。在此，一方面要求陶艺家重新审视自己的社会位置，调整陶艺家与公众的关系，更多地走向社会；另一方面，陶艺在创作上应该走向开放，将陶艺家和公众的界限变小。真正的陶艺家应该积极参与展览、研讨会，与群众打成一片，不应该孤芳自赏。另外必须要勤奋，与世界上许多陶艺大师相比，有些中国陶艺家还表现得不够。

纵然艺术家的“主体性”是有限的，但是任何一种艺术形式没有什么不可表现的内容与形式，一般来说，艺术本体价值的实现，就是对社会问题和文化问题的一种贡献。所有的陶艺家都应该注重自己本身的修养，实现本体价值的艺术便是真正的艺术，因为它能帮助人们从精神上超越现实。

6陶艺理论的构建没有跟上陶艺创作的进程

陶艺理论的构建取得了一定的成就，但又缺乏平衡。陶艺创作发展很快，日新月异，而理论方面却发展缓慢，没有对陶艺的创作起到指导的作用。目前的陶瓷理论把研究重点仅仅放在了实物史料的搜集与专题研究上面。现代陶艺的理论与批评几乎没有，陶艺界甚至整个艺术界对于“现代陶艺”的一些基本问题仍然含糊不清。现代陶瓷理论在逻辑上没有较为完整的理论文字，批评上有时能见到一些文章，但是大多是将陶瓷的学科批评作为陶瓷的历史评论和文化批评，缺乏对陶艺理论建设的高见。有很多陶艺书籍只是介绍一些作品，没有涉及到理论方面，这也在一定程度上限制了人的思维。“现代陶艺”的概念问题，因为有沉重而丰厚的陶瓷传统作为对应物，概念问题就已不单纯是一个名词的辨析，而是一种根本性观念的选择，可是今天陶艺家在谈论它的时候，仍然说不明白；再如陶艺中的“设计”和“装饰”问题，又牵扯到实用和非实用性的争议等，这些瓶颈，成为制约近十几年来中国现代陶艺整体水平无法提高的问题。有些陶艺理论大多只是介绍陶瓷成形的技法，或只是介绍一些好的作品，没有教人从心底激发对陶瓷艺术的热爱。陶艺理论应该指导人注重陶艺的品质，使大家对陶艺语言的探索、语言的规范形成一种共识，在本民族的基础上，把陶艺向前推进，充分体现中国人的情感和情趣，使作品的语言更简练，去掉那些粗野、浮躁、哗众取宠，以及急功近利的想法。

7结 束 语

尽管现代陶艺已经有了相当的发展，但不可否认，中国现代陶艺发展的时间不长、风格样式也不成熟，更没有形成人数可观的高水平创作队伍。面对现代陶艺的发展现状，陶艺家们还有许多扎实的工作要做，抛开浮躁，纳入新生力量，在继承、延伸基础上真正做到创新与突破，达到质的飞跃，走上与世界艺术同步发展的道路。

参考文献

1 中国陶瓷工业专辑.2004中国景德镇国际陶瓷艺术教育大会论文集[C]. 2004,6

2 杭间.语焉不详的中国“现代陶艺”[J].文艺研究,2003,1

3 陈淞贤.陶艺的当代风格[J].新美术，1989,2

4 范迪安. 演泽泥性――中国当代青年陶艺家学术邀请展作品集[M].广东美术馆,2000,3

5 孙振华.传统资源与公共空间・千年之烧――佛山陶艺走进新纪元文献图集[M].2001

茶道插花技巧范文第7篇

关键词：室内设计；职业教育；教学；改革

国内房地产业的迅猛发展引发了室内装饰设计行业的快速膨胀，各类室内设计公司前景看好，市场对室内设计从业人员的需求量大大增加。

室内设计就业市场需要不同层次的从业人员：既要有设计和项目控制能力较强的大学本科或更高学历的专业设计人员，也要有具备基本设计技能的普通设计师以及充当助手的绘图员和施工管理人员等。以一个中等大小的室内设计公司为例，公司技术人员通常包括设计总监1名、主笔设计师2~3名、设计师3~4名、绘图员若干名，此外还有公司施工管理人员（工程部经理）1~2名等等。除了设计总监和主笔设计师以外，其他岗位很适合中职和高职毕业生作为就业选择。从毕业生的反馈情况来看，职业院校的毕业生动手操作能力强，谦虚、肯学，很受用人单位青睐，适合的岗位也很多。但也有不少学生遭遇就业障碍，原因一般有以下几方面：（1）电脑软件掌握的深度不够，不能达到实际工作的要求。例如，只能掌握3DMAX的一些基本操作，不能独立绘制专业效果图；使用CAD绘图速度较慢，不能达到实际工作的时间要求。（2）缺乏实际工作经验，对于所学的技能不能灵活运用。我校2004级室内设计专业学生面试时就有这样的例子：橱柜公司要求学生用非建模的方式绘制CAD效果图，即直接在电脑上画一点透视。其实学生都会手绘一点透视效果图，现在只是换了个工具，改用电脑画，于是去面试的几个学生便不知所措。如果学校与企业有良好的合作关系，学生在学习过程中和实习期间有机会接触这些内容，就不会出现上述问题。（3）学校的教学与市场脱轨，教师缺乏对市场变化的了解，不能及时调整教学内容以配合市场的需求。以家具市场为例，1978年，中国家具行业产值仅为13亿元，1998年达到870亿元，2004年达到2650亿元，到今天为止，从总量上已有望超过意大利成为世界第一大家具出口贸易国，这一发展态势造成家具设计师的严重短缺。在广东，有将近10000家家具企业，家具设计师缺口达3万名。家具设计是室内设计专业的一个重要组成部分，在教学中完全可以根据市场的需求，增加家具设计的专项课程，鼓励学生参加家具设计大赛，同家具企业建立校企合作关系，提供“订单式”培养和学生实习双向服务。

综上所述，随着室内装饰设计行业的快速增长，中职毕业生必将成为该行业的一支生力军。我们应该顺应市场的需求，大力发展室内设计专业的职业教育，使学生能够学有所长，学有所用，拥有优质的就业前景。那么，怎样对室内设计专业教学进行改革，使之适应不断变化的市场需要呢？

（一）主动走进市场，了解市场变化，调整教学内容

以橱柜公司为例，现在市场上整体橱柜公司很多，主要从事家庭厨房橱柜、整体衣柜、衣帽间以及其他配套家具的设计制作和安装。这些公司一般由展示间、家具加工厂和设计室组成，有些公司只招一两个人，既负责门面接待，又负责画图设计，有时还要现场测绘。由于橱柜设计的技术简单，出图量小，因此，综合成本因素，本科或研究生这样层次的设计人员并非最佳选择，而职校生凭借熟练的CAD绘图水平和良好的沟通技巧，只要稍加训练，就能胜任此工作。整体橱柜行业是一个朝阳行业，十年以前国内还很少有人涉足，在2002年出版的中等职业教育《室内设计》规划教材中也没有提及，现在既然市场上出现了需求，我们在教学中就要顺应潮流，增加相应的内容：（1）在理论教学中增加“厨房空间布局原则及理论”、“家具设计及加工”等相关课程的课时。（2）在室内设计课上布置类似的厨房橱柜或步入式衣帽间的设计作业，进行课题模拟，依据橱柜公司出图的标准，要求学生出齐平面、立面、效果图以及相关水电位置图，为了切合实际，图纸要求达到施工图深度，尺寸详尽，材料标注清晰，最后要有详尽的预算报价。（3）橱柜公司需要设计人员现场给客户演示如何布置厨房和衣柜，很多公司运用了专业的橱柜设计软件，在十几分钟内就能为顾客出一张效果图，这要求设计师熟练掌握软件，并具备与客户沟通的良好技巧，所以要增加相应的橱柜设计专业软件介绍，同时训练学生的表达能力，增设《表达与沟通技巧》课程。以此类推，其他如“装饰建材”、“家具设计”、“人居空间室内设计”及“公共空间室内设计”这些设计分支又各有其特点和行业要求，教师在教授以上内容时，应根据市场信息对教学内容做出相应的调整。

（二）要求学生练好基本功，以不变应万变

市场的变化使得设计公司和商家根据市场的情况来调整自己的经营。学校教育不可能包罗万象，职业训练既要适应市场变化，也要抓住重点和关键，加强学生的基本功训练，这样才能以不变应万变。室内设计专业的学生应具备的基本功有：关于素描、色彩、构成的专业训练，对于CAD、3DMAX、PHOTOSHOP等软件的熟练操作能力，室内设计基础理论、室内设计风格和室内设计相关材料的掌握和运用能力，制图、手绘表现、模型制作能力以及表达能力等等。这些都需要经过系统的训练才能达到，无论室内设计专业教学怎样改革，这些基本功的培养都是必不可少的。一个好的室内设计专业的职业教育应该强化学生的这些训练，使毕业生具有较高的职业素质，有能力迎接未来市场的挑战。

（三）结合中国实际，向国外职业设计院校学习，改进教学模式，形成系统化、专业化的课程体系

我国的室内设计专业教学是从20世纪80年代起才在几所大学里开办的，中职的室内设计教学也是近几年才开始的，而国外在设计类专业的教学和职业培训方面则积累了大量的经验。西方的设计教学始于1919年的包豪斯学院，该学院对现代设计产生了深远的影响，奠定了现代主义设计教育的结构基础。近百年的设计发展史和教学史使西方各类设计学院不论是在教学方法上还是在课程设置上都有值得我们学习和借鉴的内容。上海东华大学—拉萨尔国际设计学院（Raffles Design Institute）是由亚太地区著名的设计与管理教育机构——新加坡莱佛士学院集团和中国东华大学合作创建的，成立于1994年，也是上海市第一批获得国家批准办学的中外合作学院，秉承了西方的设计教育传统，其室内设计专业（三年全日制）的课程设置颇具特色，详见表1。

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从课程设置来看，其课程体系更加系统化，同样是三年全日制，学生所受到的专业训练更全面，同时实行开放式的教学模式。例如，聘请材料供应商来校讲授材料知识，现场参观，设计概念阶段的资料收集，模拟设计项目训练，小组设计及设计介绍表达训练，实习及商业项目的参与等改变了传统的教学观念，不仅培养了学生的专业能力，更培养了学生适应社会的综合能力。长期友好的企业合作与知名外企的实习机会为学生提供了良好的就业前景。我国现有的中等职业教育国家规划教材，源于1997年6月由国家教委职教司在北京组织召开的全国职业高中实用美术类专业教学计划及部分专业课程教学大纲审定会。教学计划中专业课和实习课采用模块式的教学结构，即在学习基本相同的专业基础课的基础上，根据具体专业方向（就业方向）选开专业课，其中，专业基础课有素描、色彩、图案、书法、构成基础、字体设计基础等；专业课有广告设计与制作、展示设计与制作、包装设计与制作、室内设计与制作等。室内设计专业的课本只有《室内设计与制作》这一本，这本教材涵盖了室内设计的基础理论、相关设计因素、室内装修材料与制作工艺、室内设计表现技法及室内设计简史等内容，由于在一本书中要容纳如此之多的内容，所以很多知识点都是概括介绍，教学的深度和广度不够。2001年，教育部再次组织编写中等职业教育国家规划教材，根据教育部2001年颁发的《中等职业学校工艺美术专业课程设置》和《室内设计教学基本要求》等文件，由邱晓葵组织编写了《室内设计》这本专业教材，增加了一本《室内设计作品赏析》作为辅助教材，但仍是杯水车薪，无法跟上迅速发展的室内设计专业教学的步伐。为进一步提高学生服务社会的能力，促进我国室内设计行业的进一步发展，改变国家规划教材建设和课程设置相对滞后的局面，各院校应根据实际情况做出相应的调整，对室内设计专业的课程设置应从原来的一本教材一门课向专业化的课程体系迈进。例如，笔者所在的珠海市第三中等职业学校借鉴了国内外室内设计的教学经验，结合实际情况开设了如表2所示的以下课程：

通过全体教师的努力，专业教学日趋系统化，但是由于中职国家规划教材建设的滞后性，大多数课程的教材都是由教师根据需要自定，有些是大学教材，不太适合职校学生，例如，《室内设计表现技法》课程选用了中国美术学院出版社的《室内效果图表现技法》，《室内设计简史》课程选用了鲁迅美术学院的《环境艺术设计史导学》，《材料与工艺》课程选用了天津人民美术出版社的《环境设计装饰材料应用艺术》，《CAD绘图》课程选用了清华大学出版社的《AutoCAD2004中文版建筑制图》，只有《素描》、《色彩》、《图案》、《构成基础》、《展示设计》、《平面广告》这几门课使用的是教育部对中等职业学校的规划教材。鉴于此，笔者建议，为适应市场和教学的需要，应进一步完善室内设计专业国家规划教材及配套用书的建设，各院校也应根据本校的实际情况，加强校本教材的编定工作。

（四）因材施教，确定不同学生的不同培养方向，使学生的能力得到最大限度的发挥

由于每个学生各有不同的特点——有人擅长手绘，有人擅长电脑绘图，有人思想活跃，有人动手能力强，我们应该针对他们的自身条件，帮助学生确定自己的发展方向。为了这个目的，同一次作业，不同的学生可以选择不同的完成方式，例如，关于“办公空间”的设计可以这样安排：对家具设计感兴趣的学生可以设计一套办公家具；喜欢模型制作的学生可以做一个办公室的沙盘模型；擅长效果图的学生可以画三四张效果图；精通CAD的学生可以出齐一套办公室施工图等等。还有一些设计作业可以让学生分小组完成，并且不是要求每个学生都完成从概念构思到绘图的全部过程，而是让每组学生根据自己的特长与爱好来选择工作，通过分工与合作，一方面可以发展每个学生的长项，另一方面也有助于模仿社会环境中的团队工作方式。例如，我校室内设计专业的学生在进行“餐饮空间”专题设计时，就以4人为一组：手绘能力强的学生负责画手绘效果图，擅长电脑的学生制作电脑效果图，思想活跃有创意的学生负责设计概念的确定和整体平面规划，动手能力强的学生则专攻模型制作和作品装裱，通过分工，学生各自的任务都是与自己喜爱和擅长相关，学习的积极性得以调动，作业质量也大大提高。我们对于中职学生的培养是以就业为导向的，而学生没有就业和求职的经验，对于如何学以致用也没有概念，这就需要教师在课程设计上多下工夫，不但要丰富课程的种类，而且要科学合理地设计课程的结构。首先，要把训练学生基本功的课程设定为必修的专业基础课，这样可以为学生打好基础，以适应未来多变的择业可能；其次，要紧跟就业市场的形式，设立模块化专业限选课，帮助学生为未来的就业做好准备，同时指导学生根据自身的特点和兴趣，发展自己的能力；设计行业对从业者的艺术修养、鉴赏力及生活品位都有一定的要求，为使学生能够受到艺术的熏陶，可以开设茶道、插花、艺术和音乐欣赏、美术欣赏等专业任选课程来提高学生的修养。

（五）逐步建立开放式的教学模式，倡导学生走出校园，多参观，多实践

在知识更新换代如此之快的今天，教师不可能完全而及时地掌握所有的新材料、新技能、新知识，为了与市场接轨，学校应当与室内设计公司建立联系，在教学中安排一定数量的课时，聘请相关专家来校讲学，使学生领略著名设计师的风范，同时加深企业对学校的了解和认可，为学生拓宽就业渠道。每年各大中城市都会有丰富多彩的房地产展销会、建筑及装饰材料展、家具设计展、厨房设备展、卫浴设备展、灯具及电器设备展等，组织学生参观这些展览会，不仅能够使学生学到很多在书本上学不到的知识，同时也能感受到建筑装饰行业的蓬勃发展，使他们更加热爱自己的专业。引导学生参加各种设计竞赛，增加对设计的感性认识和实战经验，体验实际工作中设计投标的一些概念。此外，参加设计竞赛是对学生所学知识全方位的考验，同时可以促使学生在赛后总结、吸收其他选手的优点，对学生能力的提高尤为有效。

以上是笔者在教学实践的过程中对于室内设计专业教学改革的一些想法。随着国家对职业教育改革的重视和投入的增加，教学与市场接轨已是大势所趋。相信在不久的将来，室内设计专业的职业教育一定能开创出一个既具有中国特色，又能与国际教学接轨，既能培养高素质的学生，又能适应市场发展的新局面。

参考文献