配音的技巧
配音的技巧范文第1篇
关键词：声乐演唱；声乐技巧；呼吸；发声；共鸣
1 声乐演唱及技巧的内在关系
声乐是嗓音、曲调、语言的完美融合，它既是一门艺术，又是一门科学。声乐的探索是一个实践的过程，通过日常演唱者的刻苦发声训练逐渐建立其模式化的声乐演唱体系。作为音乐教育的重要研究领域，声乐演唱在音乐教育中也有了新的教学模式的改进和提高，主要表现在对发声的科学化指导，对相关技能的全方位掌握，无论是对声音还是站姿、咬文嚼字都有着系统化的训练模式，从而在声乐演唱训练的基础上使得学生产生音乐的共鸣，达到富有感染力的演唱效果。
声乐演唱讲求技巧，如何运用正确的姿势，如何保证气息的支持，如何让声音自然圆润，如何更富有渲染力的表达歌曲等等，都要依靠声乐演唱技巧得以实现。声乐演唱技巧包括发声技巧、肢体语言表达技巧、共鸣腔使用技巧、咬字技巧等等。发声技巧的关键在于气息的运用，唱歌时，气息畅通无阻，才能将声音似喇叭般高低自由收放，得到圆润、松垮、通畅、宽衡的声音效果。肢体语言表达技巧是指通过肢体动作，配合歌词表达音乐的情感和演唱者的心声，除此之外，适当的肢体动作也可以确保演唱者畅通的呼吸，使整个演唱过程锦上添花。共鸣腔使用技巧是声乐演唱的基本技巧，包括咽喉、口腔、鼻腔、胸腔，通过四腔的协调一致影响声音的共鸣，从而引导或牵制声音的变化。咬字技巧主要运用在对歌词的阐释，通过掌握每一个字发音的规律及腔调，分析并运用到演唱中去，通过对咬字适当的夸张或缩略来配合不同的曲风，从而加强音乐的感染力。
声乐演唱的过程也是声乐技巧运用的过程，声乐技巧作为声乐演唱的辅助工具，对于音乐的演唱及内在情感的表达都有着重要的作用。声乐强调的是演唱，演唱即是声和情感的外在表达。为了更好的阐释声和情感在音乐中的融合，需要声乐技巧予以辅助，通过坚持不断地发声练习和肢体表达练习来达到最终的演唱效果。除了互通的内在联系外，声乐演唱及其技巧还有共通之处，即声音的共鸣。歌唱的动力在于气息，气息又贯穿声乐演唱技巧始终，无论是发声练习还是咬字技巧及肢体表达技巧练习，其都为“气息”所服务。在气息提供演唱动力的基础上，气息又帮助演唱者更好地阐释歌曲，表达歌曲。在音乐教学中，老师会充分利用声乐技巧提高学生的音乐素养，再由学生的悟性感知声乐，表达声乐。在领悟中，需要学生以积极地心态感知声乐演唱及技巧二者的联系，在技巧的辅助下将音乐完美的表达。
2 呼吸训练
呼吸为声乐演唱提供“支持”，这种支持是一种自然的唱歌状态，即讲求气息的平稳通畅，从而推动声的发生，当然这种自然流畅的气息需要不断的气息训练加以强化，使得声音避免僵死和堵死的情况发生，声音在气息的推动下自然的形成“通”、“松”、“空”的特点。在我们的音乐教育中，呼吸训练作为基础训练，同样有着不容忽视的教学作用。古语说的好“善歌者必先调其气”，呼吸训练帮助声音正确的震动，随着不同振动频率、振幅使得声音有高有低，音色各异，在气息的支持下，完成整首歌的演唱。当然气息不仅仅对声音有着支持作用，还有着渲染作用。气息的渲染作用主要表现在“饱满性”上，即随着喉咙的打开，气息的通畅流淌，使得整个上半肢腔体得以扩大，在充足的空间内，产生“共鸣”。因此呼吸训练不仅决定着音色、音调，也决定着共鸣体的渲染作用。打好“气息”的坚实基础是声乐练习的第一步。
3 发声练习
发声训练是声乐演唱训练的基本形式，即提炼出歌曲的基本曲调及动机、乐句，配合母音、音节，根据对不同音域的选择，在一定的音域内做半音上行或下行移动的练唱。正确的发声往往配合横膈膜控制呼吸法，在喉头的位置确定下，使得声与气息密切配合，无论是低音还是高音，无论是美声还是通俗，在喉部器官稳定的基础上配合声、气的调节都能达到理想的演唱效果。发声训练的另一大目的是为了调节共鸣腔体的使用，通过头和胸的控制扩张共鸣腔，在共鸣腔扩张的同时美化发声。训练中，老师往往会帮助学生做声区划分，注重学生呼吸、共鸣腔体的紧密配合，从而达到发声练习的最高效果。在发声练习中，通常选择a、e、i、o、u五个原音作为基础母音，从最易发声、最自然动听的母音练习开始，逐渐引导学生正确的发音，提高声乐学习质量的同时提高学习效率。
4 共鸣腔体的运用
在呼吸训练中我们提到过，共鸣使得声音更有渲染力，更具饱满性，没有共鸣，声音失去艺术特点，由此可见共鸣的在声乐演唱中的重要作用。人体的共鸣腔包括胸腔、口腔、头腔，在歌唱中，由于曲调的不一，演唱形式的各异，咬文吐字的具体化，使得共鸣腔在演唱中的使用比例不同。通常来说，低音更多的使用胸腔，因此在低音域练习中，会注意胸腔发声练习，胸腔共鸣的关键在于保持声音的松弛，切莫用胸腔共鸣压迫喉咙。中音则适用于口腔共鸣，口腔共鸣是声音的直接共鸣区域，声音由喉咙发出后、口腔保持自然打开状、下颚自然放下，在需要时可以稍稍后拉，上颚保持上提感，在烟、喉自然松开的情况下，配合牙齿、唇部、舌获得更好地口腔共鸣效果。头腔共鸣主要应用在高音发声，头腔共鸣的最大特点在于声音的明亮、辉煌，富有穿透力。头腔共鸣不仅决定着音色，更决定着音质，练习时，老师通常会教导学生以闭口打哈欠状，双唇微闭，留宽气息通道，从而使得声音上提，以眉心震动为目标，集中声音的明亮，配合呼吸点、共鸣点、发声点，取得丰富，富有光彩的发音效果。
5 歌唱语言及其表达
声乐不仅是对旋律的表达，也是对语言的表达过程。歌唱艺术以唱腔为基础，搭配语言，自古以来受到人们的追捧和热爱。如何才能充分表达歌唱语言，首先从咬字说起，歌唱时的咬字不同于说白话时的咬字，讲求呼吸的支持，根据音域和音质的要求达到不同的共鸣。吐字同样以气息为动力，以口腔为发声源，在吐字中我们既要考虑口腔的打开状态，找到共鸣点，又要确保呼吸的支持，咬准字的发音，在二者的相辅相成中保持正确的吐字效果。最后要提的是收尾，恰当的收尾做到承上启下的歌唱作用，不仅为下一句发音打好铺垫，更保障了整首歌的自然流畅的表露。
6 结语
通过对声乐演唱及技巧的探索中我们发现，声乐技巧为声乐演唱提供了保障，使得声乐演唱更完美、细腻。此外声乐的各个技巧间又相辅相成，穿插其中，无论是共鸣还是发声还是气息支持，都成为声乐演唱艺术的一部分。
参考文献：
[1] 杨思思.浅谈声乐演唱中呼吸的运用[J].湖南大众传媒职业技术学院学报，2011（03）.
配音的技巧范文第2篇
【关键词】电视娱乐资讯 配音艺术 创作要求
电视娱乐资讯节目是兼具资讯功能与娱乐功能的节目形式，包容信息的同时又富有娱乐性，丰富多彩的内容、轻松活泼的氛围、时尚潮流的风格是其重要特点。由于信息量比较密集，同时各种文娱活动、演艺动态又会有大量影像素材，所以需要借助配音传达大量的信息。如央视的《影视同期声》、北京电视台的《每日文娱播报》、凤凰卫视的《娱乐大风暴》等，这些节目大多是采用主持人演播室串联消息主线、配音小片报道事件信息和细节的节目形式。在电视娱乐资讯节目这样一个观众寻求信息和寻求放松的契合点上配音，既要清晰高效地传递信息，又要符合娱乐节目鲜明的时代风格和节奏。
一、生动鲜活的语言传达时代快捷的资讯
这个时代带动着一切事物与它一起飞速运行，而信息也在以多样多元的方式进行传播，这样的情况下电视娱乐资讯节目必须跟上这种节拍，配音更是要用生动鲜活的语言传播符合这个时代的快捷资讯。
1.生活节奏加快，要求语速跟上人们的心理节奏
生活节奏的加快，使人们更习惯快速高效的信息传播方式。娱乐资讯节目配音过程中语速的提高不但适应人们的心理节奏，同时也在单位时间内传播更多信息，满足观众对信息的需求。当然，快节奏的配音对我们的语言功力也提出了更高的要求。比如气息要有均衡持久的支撑；吐字归音轻巧灵动富于弹性，不因速度快而吃字、吐噜字；传递信息内容主次有别，句子轻重疏密得当。同时必须注意语速并非越快越好，如果语速影响了语意的清晰就本末倒置了。
2.最新最快的资讯需求，要求具有良好的认读和备稿能力
如果想让观众看到最新最快的娱乐资讯，制作的周期势必比较短，比如，白天进行的演艺活动，可能在晚上的节目中就要播出，晚上发生的事件第二天也会抓紧报道，这都是在争取资讯的快捷。所以娱乐资讯的制作过程都是处于非常紧张和高速的运转状态，这就要求我们配音时要具备比较好的认读能力和备稿能力，这样才能迅速地熟悉稿件，对稿件理解透彻，较好地把握稿件并保证录制的质量和效率。
二、轻巧跃动的节奏体现现代时尚的气息
电视娱乐资讯节目内容大都是娱乐界、影视界、时尚界的信息，所以充满着各种现代和时尚的元素，这也是我们在配音中要通过对声音的塑造来尽量贴近的。
1.符合影像丰富、画面光鲜的风格
电视娱乐资讯节目中的影像资料非常丰富，画面切换相对频繁，衔接手法多种多样，而画面中又充满着明星大腕们的光鲜形象和各种盛大场面，所以配音中要注意用声比较饱满、音色比较明亮，以配合节目的风格。
2.咬字轻巧有弹性，体现语言张力
娱乐资讯的内容一般都比较轻松愉快。为体现这种风格，我们在用声时一般发声位置不要太靠后，这样会显得太过沉稳。咬字方面也注意在保证清晰度的前提下轻巧一些，使每个字都富有弹性，而不只是求稳求实。
3.寻找娱乐感，给声音华丽的外形
娱乐资讯的节目风格使节目本身充满了暖色和亮色，在配音的时候也要力求声音靠近这种时尚感觉，巧妙运用时尚、华丽的音色来营造娱乐资讯的绚丽风格。
4.富于交流感，具有聊天式的亲和
由于喜欢娱乐动态的年轻人都更喜欢交流感强的语态，所以配音时要具有切实的交流感，同时要捕捉类似朋友间畅聊时尚与娱乐话题时的亲近、自然、轻松、活泼的沟通状态，适度运用到配音当中，加强对象感的体会和运用，这样能够使观众听起来更舒适，更乐于接受。
三、丰富细腻的技巧，演绎轻松愉快的氛围
1.充分调动情景再现，如身临娱乐现场
配音时坐在配音间里，面对话筒和文字，却要找到娱乐现场的各种风光和闪亮的感觉，这就需要运用情景再现的方法，进行联想和想象，使自己仿佛置身所配音的活动之中。不管是会、电影节、还是各种片场，都细心揣摩现场应有的氛围和特点，并使自己的语言状态也向此靠近。
2.重音要拎起，着重突出
娱乐资讯配音过程中由于语速很快，所以要通过充分突出重音来表达主要内容。在前期备稿时也要有意识地确定重音，并准确进行表达，同时也要综合运用强弱法、快慢法、虚实法等来丰富表现手法，而不是一味地以加大音量的方式来突出重音。
3.语句连多停少，语流灵活顺畅
娱乐资讯配音信息量大，结构紧凑，在停连的处理上采用连多停少的方式可以让语流更加顺畅，一些比较短的分句之间的停顿可以以直连的方式处理，这样可以让语言流动起来，增添时代感、彰显时效性。
4.语势起伏较大，语气适当渲染
娱乐事件展现出的是一个绚丽多彩富于变化的世界，在配音的表达上也要符合这种特点，在语势上可以运用比较大的起伏，而语气也应着意渲染一些，来体现这种生动和多姿。而且一些板块中还会加入动画特效的画面或是字体，配合这些特效，配音的语言要更具色彩。
5.节奏比较明快，跳跃感强
娱乐资讯节目的画面生动而丰富，配音语言的节奏也应以明快为主来配合这种画面特点。同时，为了显示这个时代信息快速传播、娱乐资讯丰富多元的特征，可以让配音语言具备一定跳跃感来诠释这种特征。这种跳跃感可以通过轻巧、快速地带过铺垫、辅助的文字，形成主次的轻重、扬抑、松紧、疏密的对比来实现。
四、配音与节目中声画的衔接
1.配音要衔接演播室和同期声，“无缝对接”
娱乐资讯节目中的配音要前后衔接演播室主持人、现场同期声或是明星演员的现场采访等，所以要注意前后的语言基调和风格要跟上演播室主播和同期画面嘉宾的语言状态。备稿时不但要对配音部分的稿件做充分准备，还要熟悉主持人部分以及现场人物同期声的语言，并在配音时与之紧密配合，语气、节奏等协调一致，做到“无缝对接”。
2.配音要符合画面进度，内容匹配
配音时要适应娱乐资讯节目灵活变化的画面，与画面对接时候要注意内容的匹配，叙述的具体内容事件尤其是描述具体人物的语言要与画面相对应。
五、电视娱乐资讯配音容易出现的问题和误区
1.单纯追求较快的语速
我们在前面也谈到，娱乐资讯节目的语速相对较快，但在配音中我们不能为了这种风格而单纯追求较快的语速，这样容易产生副作用：一是容易加快了语速而忽视了唇舌力度，影响了吐字归音，进而影响语言的清晰度，这会使信息的有效传播大打折扣；二是追求快速而丢掉了对象感及停连重音等内外部技巧的运用，容易把内容读成流水账，使鲜活丰富的娱乐资讯大大失色。
2.外部技巧过于夸张
配音的技巧范文第3篇
关键词：钢琴教学 左手 弹奏技巧
中图分类号：G420 文献标识码：A 文章编号：1673-9795（2013）04（b）-0194-02
1 钢琴弹奏左手技巧重要性
钢琴为多声部演奏的乐器，各个曲子均包括至少两个声部。因此，演奏者想弹出优美的音乐应注重声部的良好独立与优质配合。多声部的钢琴乐曲演奏需要两只手配合完成。较多钢琴乐曲作品中，均需要演奏者用右手完成主旋律的演奏，因此，演奏者往往投入更多的精力在右手练习中，却忽略了左手声部的技巧锻炼。实际上钢琴演奏以及练习阶段中，左手弹奏技巧的训练尤为重要。左手承担着演绎伴奏声部的重要任务，虽然并非主旋律，却作为衬托主旋律的绿叶而必不可少，起到了画龙点睛的作用。因此，动人的钢琴音符需要左手运用良好的弹奏技巧合理的烘托演奏气氛。一首完美的钢琴演奏作品，不仅要将主旋律音符演绎的恰到好处，伴奏声部也应处理适当，方能令其形成良好的衬托，否则即便是再好的主旋律也会变得淡然无味，不能满足人们丰富多彩的欣赏需求。古典奏鸣曲钢琴演奏作品，其左手伴奏旋律多应用固定音型，而主旋律则多为单音，也就是说主体依靠右手进行演奏。而为了凸显主旋律，则左手伴奏的音量会较主旋律弱一些。同时，左手需负责低音、弹奏转调以及和声变化。足以见得左手弹奏钢琴音乐的重要性。钢琴演奏逐步发展为浪漫乐派时期，其伴奏声部则在和声以及织体阶段均更为丰富，进行和弦的分解、琶音流动，均形成了对右手演奏的有效充实以及衬托。例如肖邦夜曲演奏曲之中明朗且平静的Op9No2，谱例（见图1）。
左手伴奏需有效控制好适宜的音量，并需要演奏者清晰的演绎、准确的诠释，体现明了的方向性。该乐曲演奏左手弹奏需要掌握速度控制技巧，且应做到稳重、安静，方能为右手的弹奏烘托良好的气氛。由此可见，强化左手弹奏技巧的训练十分必要。
钢琴乐曲的演绎中，左手还承担着旋律声部的演奏，一旦旋律出现于左手负责的声部，钢琴演奏者便应有效的突出左手部分的弹奏，体现良好的应用技巧。例如《十一月在马车上》。
这首钢琴曲，由五十一小节，乐曲主题转入左手，需要演奏者强调左手声音，高声部应突出爽朗明快的演奏风格，而左手低声部则应形成共鸣的效应。要想达到这一演奏效果，需要掌握一定的左手演奏技巧。
钢琴乐曲中舞曲以及舞蹈性音乐，其节奏成为展现音乐题材的主体，因此应确保左手声部进行准确清晰的弹奏。例如小步舞曲，左手二拍弹奏应有效控制声音，确保第一拍稍微长，同时二三拍不应过于跳跃。圆舞曲演奏，左手二拍弹奏的第一拍为强拍，因此，应体现良好的弹性，后续两拍则应轻快，并体现一定的控制力。倘若在弹奏该类钢琴乐曲时，无法注重左手声部应有的韵律与节拍，便会影响演奏效果。
复调音乐属于重要的音乐内容之一，其并不进行主声部与辅声部的划分，也不包括旋律与伴奏。也就是说复调音乐各个声部同样重要，均具有独立存在必要性与自身线条。要想演绎好该类作品，便应弹好左右声部，其往往为演奏者应注重的难点以及重点环节。学生倘若仅注重右手训练，则无法达到良好的乐曲演奏效果。只有利用听觉、研究声部连接以及良好的配合，重视左手演奏技巧训练，克服左手演奏难点，促进左手与右手的有效配合，兼顾旋律线条的进展，方能提升演奏水平，演绎出优质、完美的复调音乐。
2 钢琴演奏左手技巧相关问题
2.1 左手欠缺灵活度
一般来讲，人们的右手手指会比左手更为灵活，主体原因在于生理与练习方面的双重影响。生理视角来看，人们的右手天生灵活，左手则较为笨拙。日常生活中，多数人则经常应用右手干活、写字、吃饭，因此令右手更易于左手接受大脑的命令，并完成的比左手好。同时，右手由于经常用力，因此，其手指与手臂体现了优于左手的力量优势。例如学生进行连奏练习，通常右手手指的抬高高于左手手指，左手则相对表现的软弱，欠缺力度。练习层面来讲，针对右手的技巧训练钢琴乐曲显著高于左手，在欠缺系统性训练的状况下，便呈现出了左手演绎技巧与能力的先天不足，较难与右手抗衡，为此如何做好双手弹奏技巧的有效平衡将成为一类难点问题。
2.2 左手演奏应进一步强化歌唱性以及独立性
较多学生进行钢琴乐曲弹奏阶段中，右手演绎主旋律往往能较好完成，然而左手弹奏则会出现旋律弹得别扭、音乐不连贯、欠缺歌唱性以及感彩的问题。出现该状况，则学生往往进行左手的单独训练，即便如此也较难形成同右手相媲美的演奏效果。例如弹奏时，往往左手旋律处理过于生硬、跳音转换太快或较短，欠缺生命力，学生则过于顾及右手弹奏技巧，令左手旋律则被右手技术难度所引跑，欠缺连贯性以及良好的歌唱性。左手声部基本为伴奏声部，由于学生不够重视，将注意力多放于右手旋律，认为左手只需弱弹便可，不顾及伴奏声部自身应有的旋律以及和声走向，进而影响了乐曲的感染力以及生命力。左手弹奏虽需要弱于右手主旋律，然而其自身并非单个声部以及层次，做好左手弹奏的独立敏锐训练，令其具备良好的应变技能十分必要。例如肖邦夜曲左手声部在弱于主旋律的同时，不应将整体音乐弱弹，应合理将低音同和弦的具体层次、音量大小以及色彩有效划分，科学分析探究有效的左手弹奏方法，做好主旋律的优质配合，进而良好的服务于乐曲主题思想，展现完美的钢琴乐曲演绎。
3 钢琴教学提升左手弹奏技巧科学策略
3.1 理论联系实际，注重左手技巧基础理论教学
学生练习左手弹奏技巧阶段中，应注重理论研究、联系实际，明晰如何弹、怎样弹，勤于思考锻炼。实践教学中，教师应做好弹奏原理的教学，令学生巩固理论依据，实现内涵升华。实际操作同理论学习研究均十分重要，操作可为研究理论提供具体分析对象，而理论研究则可为实践演绎、弹奏提供优质练习手段。为此，教师应做好亲身示范弹奏，深化讲解，令学生形成良好的理性认识，进而在技巧练习阶段中能够独立的思考，并举一反三、触类旁通，快速掌握左手弹奏技巧，促进实践及理论相结合。再者，教师应培养学生形成良好的主观能动性，在依据教师讲授方式进行左手技巧练习阶段中，应引导学生阅读卓越钢琴家有关弹奏技巧的著作，令其掌握丰富的技巧应用策略，进而结合自身弹奏水平，汲取丰富经验，学会良好的弹奏方式，强化左手技巧水平。学生在左手弹奏中一旦遇到困难，教师应给予必要的引导，同时，鼓励学生先进行独立思考，思索良好的应对技术难题策略，通过查阅书本寻找答案，积极和同学进行心得交流。应令学生明晰课堂并非演奏知识获取的单独途径，想丰富技能知识，应勤于思考，不应盲目训练，倘若漫无目标，再多的训练也毫无用处。因此，教师应培养学生在弹奏练习阶段中应借助自身理解，发挥逻辑优势，通过用脑练习、理论武装头脑，提升学习时效性，有效补充学生学习钢琴年限有限、手指欠缺锻炼的不足之处。
3.2 注重复调钢琴乐曲作品左手训练
复调钢琴音乐作品对于左手技巧的练习尤为重要，其中声部包含较多，音乐形象却相对单一，进而学生可专一进行手指训练，明晰主声部与辅声部具体层次，令音乐更为均匀、流畅，体现良好的横向感，避免多声部形成的混乱现象。在复调学习阶段中，还可令学生锻炼各个手指灵活度，提升操作力度以及良好的独立性。教师讲授复调作品练习阶段中，应辅助学生合理的转换思路，明晰复调同主调作品的实际区别，复调作品具备的特征与练习操作的主体要求。即不应将左手视为伴奏声部而单纯的进行弱弹处理，应令学生明晰复调音乐之中，声部并不包含主次区别，左手弹奏与右手应同等重要。弹奏练习中应正视左手的重要性，做好同右手的紧密配合、有效衔接。可引导学生多多练习巴赫二部创意乐曲，训练脑部以及手指。谱例（见图2）。
该乐曲由于两声部为更替交叉的出现，因此，可令学生在练习阶段中较易分清声部、明确主题，有目的进行训练。教学阶段中，应令学生明确双手的力量应保持一致相同，进而令两声部显现有效的呼应以及巧妙的对打。弹奏时，应引导学生良好控制各个手指弹奏力度、具体时值以及触键技巧。在学生较好的完成二声部复调音乐之后，教师可为学生设置相应的的复调作品，令其优质控制左手技巧，令各个声部强弱以及走向更加明确清晰，不应将两声部不加区分的混杂为一体，同时，不能令右手将左手声部盖过，应掌握好技巧与度。
3.3 提升左手歌唱性演奏技巧
钢琴教学中，教师应注重提升学生左手的歌唱性演奏技巧。针对左手进行旋律演奏的内容较少，且由于左手存在先天灵活性不足的状况，令其演奏水准、对音量以及音色的整体控制性弱于右手。因此教师更应有目的、合理选择针对左手训练的钢琴作品，提升其歌唱性，令学生用左手演绎出柔韧有余、深沉感性、音色醇厚的乐曲效果。为提升左手弹奏的歌唱性，教师应引导学生良好的应对左手连奏问题。可在学生应用左手弹奏旋律阶段中，详细进行连奏效用的阐释，令学生掌握科学的弹奏处理方式，明晰如何应对旋律连奏及其与伴奏连奏的既定联系与内在差异。例如，在进行平湖秋月钢琴曲的弹奏中，左手演绎第一段内容的伴奏连奏以及第二段旋律连奏存在差异性。首段左手伴奏包括两部分，即低音以及中音声部。整体左手应利用连奏处理弹奏，低音部分应弹奏的低沉，延长声音的传输距离，营造好比岩石沉入湖水之中的音效。而中音部分则应处理的更为连贯，令声音好似较为遥远同时不能含混不清，应具备良好的起伏性，好比湖面之上形成的层层涟漪。弹奏力量要由始至终低于右手。弹奏第二段的乐曲旋律则变为左手，该时期其左手为连奏弹奏，而声音则更为清晰。因此，手指应体现良好的歌唱性，同时展现感情。学生弹奏该段落时，应注重利用手指肚进行键盘的触键，令其力量逐步沉入至钢琴，营造一种厚重、结实的演奏效果。
3.4 优选训练左手弹奏技巧的教材
目前，我国钢琴教材中有关专门指导左手弹奏技巧的出版书籍相对较少，虽然如此，基本所有关于训练手指技巧的钢琴教材之中均包含一部分左手手指训练的钢琴曲目。为此，教师进行实践教学阶段中可依据学生自身特征以及缺陷，有目的为其选择一些适合的教学书籍与钢琴曲目对学生展开专项训练。例如，《哈农钢琴练指法》书籍便是针对手指弹奏技巧的钢琴书籍，通过讲解指导训练学生双手手指弹奏的灵活性、触键力量以及耐久性。同时为强化左手弹奏技巧的练习，教师在参照书籍讲解阶段中，应强调对学生的左手展开独立的讲解训练，还可在双手一同演奏时，令学生强弹左手，进而强化头脑对学生左手的有效控制。还有一本有关技巧训练的教材为《每日十二首钢琴技术练习》，其内容详实、观点独到、编写优秀，涵盖断奏、弹奏音阶、连奏、钢琴演奏双手更替交叉以及琶音等较多技能练习，同时还注重双手并重，由简单逐步加大难度、由浅入深，具有广泛良好的适用性。同时，书籍之中还配设了有关生活之中学生们熟悉的生动丰富的动作、形体插图，简单易懂，可提升学生学习兴趣，营造良好的教学效果。参照教材进行教学阶段中，教师应辅助引导学生明确左手处理的难点，实施细化练习，科学应对各个重要环节。当学生左手可全部胜任弹奏技术后则可令其进行双手合奏演练。再者，教师可优选涵盖五度以及八度音阶、六连音技巧以及分解和弦演绎技术的曲目，对学生展开专项教学训练。令其丰富左手技巧，更全面的汲取弹奏知识，提升综合演奏水平。
4 结语
总之，钢琴教学是提升学生弹奏技巧，强化音乐理解力、鉴赏力，丰富艺术内涵的重要工作。要想演绎出一首充满情感、引起共鸣、获取听众认可的优美钢琴乐曲，不仅需具备良好的音乐素养，将主旋律处理的动听、美妙，同时，还应注重左手技巧的训练。为此，教师只有明晰左手技巧练习重要性，针对左手教学训练存在的问题，制定科学有效的实践教学策略，优选教材、科学设计教学内容，提升学生左手歌唱性弹奏技巧、注重基础理论教学，科学联系实际，引入复调钢琴乐曲作品的针对性训练，方能提升教学水平，营造良好的教学效果。令学生双手形成良好的配合，正确、到位的演绎钢琴音乐作品，进而实现素养内涵、实践能力的全面提升。
参考文献
[1] 刘惠明.心理学在钢琴演奏中的运用――克服钢琴演奏中的紧张心理[J].北方音乐，2012（8）：73.
[2] 马莉，林昊.科学视野下的演奏艺术―― 读乔治・考切维斯基《钢琴演奏的艺术》[J].人民音乐：评论版，2011（9）：90-91.
配音的技巧范文第4篇
关键词：钢琴演奏 技巧 问题
钢琴演奏有别于其他众多乐器，钢琴是可以与整个交响乐相比拟、相对应、相抗衡的独奏乐器，同时钢琴演奏还可以调动人体多个器官如手、眼、耳、脚、口、脑、身等，能够更好地锻炼人的协调能力、反应能力。钢琴演奏好坏与演奏技巧有着直接的关系，良好的钢琴演奏者必须要具备较强的演奏技巧，才能让钢琴演奏实现音乐感人肺腑的功能。
一、钢琴演奏技巧的发展历程
钢琴可谓乐器之王，钢琴的音域囊括了交响乐团由最低音区到最高音区间全部音域，钢琴可以发出类似交响乐队合奏时的雄浑、嘹亮、光辉、铿锵的音响，钢琴上能同时奏出十余音的和弦以及多声部的复调音乐。
钢琴演奏的历史发展至今达到300多年，相继产生了诸多的钢琴作品和优秀的钢琴演奏家。在拨弦古钢琴时期，由于乐器结构与发声原理均不需要也不可能承受太大的重量，演奏技巧则以手指动作为主。18世纪末19世纪初，主要以击弦现代钢琴为主，这种钢琴结构的不同改进，直接影响了钢琴演奏的音量和音域，演奏技巧也随之发生了变化，钢琴演奏的发力部位从指尖开始，成为包括腕、肘、臂、腰、脚在内直到全身整体运动的综合。
二、钢琴演奏的技术要点
（一）双手手指是演奏技巧的关键部位
钢琴演奏的主体就是双手手指，通过手指的力度、敏感度和速度，都会给琴键进行很好的把控，要想提高钢琴演奏的技巧，手指的训练是重中之重，指关节的坚挺而富有弹性的支撑是处于第一位的。如当我们日常培养钢琴演奏技巧时，要注意高抬指和低指的训练，不要只注重高抬指训练，其实尽量小的低指训练，还会使手指凝聚到最大的力，从而得到最佳演奏技巧提升的效果。
（二）手腕是钢琴演奏的发力“中转站”
在钢琴演奏技巧中，手腕从中起到的作用是无法取代的，它是连接指尖与大臂的桥梁，更是钢琴演奏的用力中转站。如当手腕配合大指转弯时，弹奏的音阶与琶音需要大指与手腕作柔顺的水平动作的配合;在弹奏连奏句时，手腕则需要作水平运动，以达到力量的转移，使声音更连贯及歌唱性;在弹奏某些轻巧的连续快速的双音、八度、和弦，以及在需要强化触键深度的时候，需要手腕的上下方向的动作，从而控制手指演奏的灵活性，为钢琴演奏带来更多的生气。
（三）大臂发力带动音色变动
钢琴演奏的音色变化不仅仅取决于手指间的动作衔接，其实提高钢琴演奏技巧，与大臂的发力也是有很大关系的。不单单在音量响亮或大和弦处要运用大臂，在最轻弱处、转弯处、连接处都需要运用大臂。大臂用力的速度、时间、力度都会对钢琴演奏的音色带来不同的变化，如当钢琴音色明亮时，演奏者的臂力就要用力速度快，爆发力大。
（四）全身的高度配合
钢琴演奏会有乐曲的抑扬顿挫，旋律的起伏波动，而恰恰这种钢琴乐曲在演奏过程也会对演奏者全身带来诸多变化，如当钢琴演奏者演奏《我爱你，中国》时，演奏者的全身各个部位会高度配合乐曲的旋律，随着高昂的《我爱你，中国》曲调，爆发出对祖国热情的满腹激情。
（五）倾听鉴别，协调统一
钢琴演奏不仅仅是面对听众的表演展示，更是演奏者对钢琴音乐的自我理解，用耳朵倾听演奏的节奏音律，校准着每一个触键力度。钢琴演奏的技巧是离不开耳朵的辨别协调功能的，演奏者在日常钢琴演奏练习过程中，要处于一个寂静的空间练习聆听，无论是读谱还是想谱，都要努力去“听”，要确实地清晰地听到每一个音的质量。通过冥听的反复练习找准钢琴演奏中每个演奏音节的校对，最终听到属于自己的新声音，为钢琴演奏创造出更多的演奏灵感。
（六）内心与演奏的完美融合
钢琴演奏除了基本身体整体的配合外，最重要的还是要将钢琴演奏技巧中融入内心的情与理中，感情演奏技巧的把控和安排要用心去思考，从内心对演奏乐曲的感受出发，演奏者在演奏时流露出来的热情不应该是矫揉造作的，不应该是虚假的，将心与演奏充分融合，让完美的钢琴乐曲赋予更多演奏者的内心独白，更多的演奏激情与热情，从而使钢琴演奏更加具有生命的价值，吸引听众对钢琴演奏音乐的欣赏。
三、结语
钢琴演奏艺术离不开在日常生活中演奏者的刻苦练习，要想将钢琴演奏达到更高的艺术境界，演奏者不仅要具备敏锐的乐感，还要具备高超的演奏技巧。钢琴演奏者的演奏技巧是否良好，在很大程度上决定着钢琴表演者艺术表演的成功与否。因此，将身体、心理、音乐技巧三者完美地结合起来才能创造出完美的钢琴演奏的艺术效果，实现钢琴演奏者对演奏艺术的最高追求。
参考文献：
[1]高华曼.谈钢琴视奏[J].重庆科技学院学报（社会科学版），2010，（16）.
[2]丁君君.浅析钢琴演奏中的“呼吸”[J].大舞台（双月号），2009，（03）.
[3]蔡杰.如何科学练习钢琴[J].大舞台，2011，（03）.
配音的技巧范文第5篇
关键词：钢琴演奏；钢琴伴奏；心理素质
钢琴伴奏也被称为钢琴艺术指导，是钢琴艺术的一种表演形
式，近年来被运用得更加广泛，逐步形成了独特的艺术魅力，并且与钢琴演奏有着同等重要的位置，在艺术实践中起到了重要的
作用。
一、钢琴演奏与钢琴伴奏的区别
钢琴伴奏与钢琴演奏都属于表演专业，他们之间既相互紧密
联系，又存在着区别。
首先，在心理上，钢琴演奏者会单独地面对观众，这对演奏者的心理上就有一定的要求，不同的演奏者在心理素质和心理调控
上都会存在着一定的差异，有的演奏者心理素质比较好，会处于一种兴奋、亢奋的状态，这种心理在演奏过程中往往会收到比较好的效果，甚至会超水平发挥；而有的演奏者心理素质比较差，而且心理调控能力也不是很好，会出现紧张、消极的情绪，由于紧张过度，更有人在演奏过程中出现各种意外情况，比如，忘记乐谱、出现错音等等，这在作品的表现方面就会有一定的影响。在这一点上，钢琴伴奏者会比钢琴独奏者的情况好一些，钢琴伴奏者并不是单独地面对观众，而且在伴奏的过程中，会有乐器或者人声与之配合，有主有次，这可以让伴奏者在心理上有一个缓冲的过程，当自己处于次要位置的时候，可以放松心态、舒缓情绪，在主要位置的时候又可以表现自己的演奏水平，伴奏者不会长期地处于紧张的情绪当中，相对来说，这样的配合会使音乐的整体效果比较好。
其次，在灵活性上，钢琴演奏者会有比较大的灵活性，由于是单独完成演奏，对于乐曲的控制完全由自身的情况来把握，独奏者可以充分地发挥自己的想象力和创造力，对于同一首乐曲，完全可以在演奏的时候塑造出不同的风格、情感，甚至在演奏过程中突发奇想，换个方式来演奏都是有可能的。但是，在这一点上，钢琴伴奏者的灵活性则没有这么高，甚至可以说不能有太多的灵活运用，因为钢琴伴奏讲究的是与其他乐器或者人声的配合，追求的是团队精神，不能过多地融入自身的灵感，一般来讲，两者在配合的时候，要按照事先的排练进行演奏，钢琴伴奏者只可以在前奏、间奏和尾奏的部分给予新的想法或灵感，这样，对于钢琴伴奏者的灵活性就有了一定的限制。
二、钢琴演奏与钢琴伴奏的技巧转换
首先，钢琴的演奏技巧分为很多的种类，本文简要地分析运用在钢琴伴奏中的演奏技巧。钢琴演奏最基本的技巧就是手指的技巧，在伴奏中，钢琴的音量不能过大或过小，音色要与配合者相融合，例如，在声乐演唱过程中，演唱者的演唱处于比较柔和、缓慢的状态，这时钢琴伴奏要配合演唱者的演唱，音色要柔美、舒缓，手指放松，音量适中偏弱，而当演唱者处于激动或者是悲愤的情绪时，钢琴伴奏要起到强调、引导的作用，音色要清脆，手指触键的颗粒性比较明显，音量加强，从而烘托气氛，帮助推动演唱的情绪。
其次，钢琴演奏的歌唱就是处理表情符号的技巧。在钢琴演奏过程中，表情符号的处理往往被演奏者所忽视，这就是为什么有的人弹钢琴“不好听”的原因所在，乐谱中，“字里行间”的东西是最为珍贵的，也是乐曲灵魂的所在，起到了画龙点睛的作用。这一点在钢琴伴奏中是非常重要的，可以说伴奏者有一多半的精力都应注意在表情符号上，注意强弱、快慢等等表情术语，是保证作品完整性的重要因素。
最后，钢琴演奏的关键技巧就是乐感，乐感是指人对音乐的感受能力和理解能力。良好的乐感是弹好钢琴的关键因素，在钢琴独奏中，演奏者要通过自身的乐感来体验作品的情感、内涵，有的时候通过听、模仿来与作曲家“对话”，这也是培养乐感的一种方式。乐感，体现在钢琴伴奏中，就是人们常说的一种韵律，以声乐演唱中的钢琴伴奏为例，判断钢琴伴奏者与演唱者配合得是否默契，主要看的就是乐感，演唱者在演唱中体会到了这种韵律，并与钢琴伴奏者达成共识，二者有了相同或类似的乐感，从而进行默契的配合。在教学中，经常会遇到这种情况，在学生演唱时，节奏、节拍并没有问题，但是钢琴伴奏在与之配合的时候，往往就是差了一点点的默契，这里所说的默契，就是本文中提到的乐感。
如果说钢琴演奏是基础，那么钢琴伴奏就是升华，它是钢琴发展史上的新历程，也是人们对钢琴的一种新的需求，我们要学会运用它，发挥其特点，为音乐、为艺术提供更加新鲜的因素。
参考文献：
[1]李长青，张健.浅谈钢琴伴奏的艺术[J].艺术教育，2005.
[2]张桂林.钢琴演奏与伴奏技巧[M].中央音乐学院出版社，2004.
[3]钱致文.怎样提高钢琴伴奏的演奏水平[J].钢琴艺术，2007（01）.
配音的技巧范文第6篇
关键词：练习曲 来源 技巧 功能 方法
在中外器乐创作、表演、教育史上，练习曲作为一种为掌握某种乐器演奏的基本技巧或特定的技术及表现手法的乐曲，为各类器乐演奏艺术日臻完善起到了极为重要的作用。二胡从民间伴奏乐器中脱颖而出成为一门独奏乐器，发展至今已有近百年的历史，与其他著名的乐器比较，二胡艺术还很年轻。虽然二胡艺术发展起步比较晚，但因为有许多热爱二胡艺术的前辈们为之努力奋斗，积极探索敢于创新，使得二胡的发展如今有了一套相对完善的教学体系，将二胡这门学科带入了专业化的发展道路。
一、二胡练习曲的定义与来源
在西方音乐中练习曲的定义：它是一种专门为掌握某种乐器演奏的基本技巧或特定的技术及表现手法而设计的乐曲。这类乐曲可以具有一定的旋律艺术性，也可以是只为锻炼手指的各类技术而提供的技法训练的素材。可以通过这些练习曲来改善在二胡演奏技巧中存在的不足，从而提高演奏者的演奏技术，更好的服务于乐曲的演奏及表达。
在20世纪之前，中国的传统乐器都是以“口传心授，以曲代练”这一民间传统教学模式来教授，并没有科学的练习曲。直至20世纪20年代，我国伟大的民族音乐教育家刘天华先生借鉴西方乐器的教学体系及经验，为二胡编写了47首规范性的练习曲，把小提琴的科学训练移植到了二胡上，才打破了中国乐器的民间教学模式。随着时代的发展，由王国潼，赵砚臣等名家丰富发展，二胡艺术有了一套系统，科学的教学模式，从而促进了二胡教育逐步的规范化、专业化。
二、二胡练习曲的主要功能
（一）练习曲的基础性
学习乐器是一个长久的过程，在这个过程中花费时间最多的就是基本功训练。许多练习曲主要训练右手的运弓和弓法及两手配合的训练。虽然这些在二胡教学和演奏中都是最乏味的东西，但是这些基础性的练习曲可谓是重中之重。从刘天华先生的47首练习曲开始，作为二胡基础性训练的练习曲发展至今依然很受重视，占据着练习曲教材的较大部分。
（二）练习曲的针对性
在整个二胡的学习过程中，从最基本的入门学习到后来的乐曲学习以及演奏，随着学习内容级别的提高，演奏技术也越来越难。每一首练习曲都有它的目的性和针对性，这时，演奏者应该找出自己的不足，通过练习曲进行有效的训练，来改善在二胡演奏技巧中存在的问题。
1.针对基础技术技巧的练习曲
如：音阶练习、指法练习、弓法练习、换把练习、节奏练习、换弦练习及两手配合练习等。这些都是我们在二胡学习过程中必须掌握的基本技术技巧，透过这些技巧可以丰富乐曲的表现力。
（1）音准对于二胡来说既是重点也是难点，由于二胡是一种多律制混用乐器，没有品位和指板，这就给演奏者带来了音准方面的困难。除了平时要进行严格的听觉训练外，还应勤练各个调式调性的音阶练习，熟练每个调式在不同把位的指距关系，能够熟练地掌握每个音的准确位置，由而改善音准问题。
（2）右手的运弓技巧是完成乐曲和表现音乐的重要手段之一，乐曲中静与动及其缓、急、轻、重、抑、扬、顿、挫的变化，乐曲优美的音色、纯净的音质和风格都要通过右手的运弓技巧来体现。运弓最基础的就是长、短弓，换弓，换弦这三方面的技术练习。针对运弓练习有闵慧芬的《长弓练习》、赵砚臣的《十一种换弦练习》、王国潼的《混合弓法练习》、张韶的《四种换弦方法练习》等各个弓法练习。
（3）两手配合主要是节奏、力度、音色这三个方面的配合和动作协调平衡的问题，这要求我们的两只手在配合过程中要达到高度的统一。这方面的练习曲有王国潼的《两手配合练习》、周耀锟的《两手配合练习》、张韶的《两手配合练习》等。练习时我们要找出配合好坏的关键问题，对症下药，以勤补拙。
2.针对地方风格的练习曲
如：《豫剧风格练习》（杨永林编曲）、《河南音乐风格练习》（张泽伦曲）、《河北梆子风格练习》（谭明才曲）、《湖南花鼓戏风格练习》《广东音乐风格练习》等等。在众多的二胡作品中，民间乐曲和创作乐曲比例非常大，而这些乐曲大多取材于各地的民间音乐。各种不同风格的民间音乐在滑音、装饰音、揉弦、压弦以及特色音程关系等方面都存在着一定的差异性。所以，想要演奏好这些具有地方性的音乐作品，就必须要掌握好全面的风格。
（三）练习曲的音乐性
随着社会的发展和时代的进步，二胡乐曲的演奏技法仍在不断创新，其技法越来越复杂、艰深、学术含量和技术含量也越来越丰富，二胡练习曲的表现形式及内容也越来越多样化，发展至今练习曲已不单是纯技术的练习。练习曲在以技术训练为目的的基础上，逐渐加入了音乐元素，丰富了练习曲的音乐性。练习曲由原来单一的音型变成多种音型相结合、速度从前后统一到不断变化、音乐情绪从无到有，这些变化都逐渐呈现在我们的练习曲中。
三、科学的练习方法及步骤
学习与练习练习曲是两个不同的概念，在学习了练习曲之后，更多是要练习。需要一个科学的方法和步骤，才能有效的练习练习曲。
（一）做全面的分析
在平日练习过程中，有很多学生一拿着曲谱就没有计划，不动脑地乱练习，效率低下。所以在练习时首先应该做的是对其全面分析，重点注意以下三点：
第一，练习曲中的各个调号、拍号、速度、力度记号、变音记号、表情提示记号等，这些记号都是先要辨别清楚的。
第二，要学会分析乐句、乐段的结构，分析音符的组合规律。以及在一个练习曲中它的调式、调性、织体等变化情况。
第三，确定练习曲中需要解决的一个或多个技术难点和重点。
通过对练习曲整体细致的分析，能使练习者对练习曲总体内容有个初步印象，对需要解决的难题做到心中有数，从而为正确顺利的完成练习曲做好充足的准备。
（二）学会慢练
在学习任何新的练习曲时，开始都必须放慢速度练习。这样可以减轻技术上的压力，这样才能有充分的精力去处理好难点和音色上的问题，保持正确的演奏方法。在新的练习曲中，如有没能掌握的技术技巧，慢练能加快大脑与演奏器官的神经联系，有利于大脑与演奏器官的协调性。随着反复的练习至熟练，这些信息便沉淀在大脑中，一旦某种音乐信号出现，大脑就会自动指挥演奏器官正确的把它演奏出来，这种协调一致的演奏行为也就标志着技能的练习已经基本掌握和完成。
（三）攻克难点
每首练习曲都有它的技术难点，练习时我们可以将难点分解出来一句句反复练习。如赵砚臣的《活指换弦练习》，这首练习曲的难点就在换弦技术上。“换弦练习”目的是为掌握各种不同弓序和弓向的快速换弦技术。四种不同组合方式，再加上推拉弓变化就有了八种。在练习换弦时可以先抛开音符，用空弦练习这八种不同弓序组合的换弦练习，通过空弦练习过后再将整个曲子连接起来练习，掌握了换弦技术那这个练习曲的难点也就攻克了。
（四）完成练习
难点的攻克只是局部的练习，当技术难点解决之后，就应该将练习的重点转移到全曲的完整性上。练习曲中要求的速度、每个音符、每个力度记号、表情符号等都要有所体现，然后将这些带入其中完整地演奏，这样才算是完成了一首练习曲的练习。
（五）带入情感
学习演奏技能的目的是为了提高乐曲的表现能力，但好的音乐是离不开情感的投入，所以演奏者在学习练习曲时也应该注重情感表现的培养。练习曲现在可分为两大类：一种是旋律型的练习曲，这类练习曲多蕴含着情感与意境，在学习这类练习曲时比较容易培养情感的表现：另一种则是技术型的练习曲，这类练习曲缺乏旋律感，不容易带入情感练习。但是只要认真的去聆听去感受，仍可以在这类练习曲中捕捉到某些音乐气质和情感，这些朴素的情感同样能唤起我们的某些联想，从而使内心产生情感上的触动。
丰富的情感培养不是一天两天就能形成的，它是从学习生活中的点点滴滴积累而来的。所以，在练习中一定要力将乐曲所蕴涵和捕捉到的音乐情绪、意境、情感表现出来。只有日积月累使自己的情感丰富起来，才能成熟地表达乐曲的内涵，提高和丰富乐曲的表现力，使演奏技术得到升华。
四、结语
二胡技术的学习、巩固和提高，都是从无数次的重复练习中才能达到熟练的程度，即使是最优秀的二胡演奏家，也必须不断的重复练胡的基本技能，才能使自己的演奏技术稳固在最佳状态。二胡练习曲不仅仅是入门技术的学习材料，在日后的学习过程中，通过练习曲的训练还能够改善我们在二胡演奏技巧中存在的不足，对掌握各种技术技巧和音乐表达能力有明显的促进作用。因此，无论是在教学研究中还是实际的学习过程中，二胡练习曲都是具有实用价值和重大意义的，它更是二胡这门学科不可或缺的重要组成部分。
参考文献：
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[3]林俊卿.刘天华二胡练习曲初探[J].音乐与表演，2002，（01）.
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[8]张跃进.练习曲有效练习应该重视的几个环节[J].乐器天堂，2007，（04）.
配音的技巧范文第7篇
关键词：作曲技术理论；艺术教学实践；歌曲钢琴伴奏
作曲技术理论作为高师音乐教育专业知识结构中必不可少的一部分，学生们在学习的过程中除了要有理论知识之外，更重要的是学会音乐技能的实际应用。比如在音乐课上为歌曲即兴伴奏或者进行即兴创作歌曲等。而传统高师音乐课堂因为仅仅重视学生们的音乐理论知识而忽视了学生们音乐技巧的实际应用，所以导致他们安排的音乐课时非常之少。因此为了有效地改变这种情况，本文结合作曲技术理论课程以及艺术教学的实践内容对高师音乐教育进行了分析探讨，以此来确保高师音乐教学的可持续发展。
一、作曲技术理论课与艺术教学实践相结合的重要性
简单来说，高师音乐教育专业的作曲技术理论课程与艺术教学实践进行结合也就是在学习作曲理论的基础之上还要保证音乐技能的实际应用。此外，经过多年的调查分析，高师音乐教育专业作曲技术理论课程之中最大的一个教学问题就是学生们的音乐技巧的实际应用能力非常差且完全不能满足作曲技术的理论。造成上述音乐理论与实践完全脱节的原因是多方面的:首先我国传统的教学模式都是重理论而轻实践应用的，所以无法很好地把作曲理论与教学实践进行结合起来。其次作曲技术理论课程的内容比起其他的音乐理论更为复杂难懂，所以学生们根本没有掌握其理论知识，而实践能力也就无从谈起。最后还因为高师院校音乐教育专业的课程繁多，作曲技术理论课程的教学时间非常少，所以学生们在学习理论和实践应用时往往顾此失彼。从上述分析的情况来看，造成我国高师音乐教育对于作曲技术理论教学的实际应用能力较差的原因是多方面的。因此这些原因都需要引起高师音乐教师们的重点关注，以便高师音乐教师们在今后的作曲技术理论课的教学过程之中可以有针对性地进行音乐教学，然后着重培养学生们作曲技术理论的实际应用能力。当学生们把作曲技术理论课程以及艺术教学实践能力进行完美的结合之后，学生们就可在逐渐提高自身作曲技术水平的同时而不断提高自己音乐技巧的实际应用能力，以此来满足当前我国对于音乐教育的需求。当然这个具体的学习过程不是一蹴而就的，需要所有的学生们循序渐进的努力，然后经过长时间的经验积累才能获得成功。
二、作曲技术理论课与艺术教学实践训练的主要内容
作曲技术理论课与艺术教学实践的训练主要有以下几个方面：首先是为歌曲配置和声以及即兴钢琴版伴奏等技术的专业训练。然后就是对一些较为小型的音乐艺术作品进行分析以及对一些乐队的作品进行二次编配等。四部合唱歌曲的改编练习。最后就是对于一些钢琴的小曲进行简单的写作练习。
1.为歌曲编配钢琴伴奏的训练根据多年的调查分析得出为歌曲编配钢琴伴奏训练之中存在着如下一些问题：首先是对于和弦的选择有些简单和随意，当学生们在进行歌曲选配和弦的时候，他们大多使用V正三和弦而基本不用副三和弦和属七和弦以及重属和弦和副属和弦等。因为缺少合适的和声语言，不仅会造成和声效果的单一性，更会严重影响整首歌曲的表现价值。除此之外，和声练习的另一个突出问题就是和弦的选择不合理，当选择不合适的和弦时将会影响歌曲的完整性以及丰富性。其次就是歌曲编配钢琴伴奏训练之中的民族调式以及和声理论非常之少，同时在和声内容的教学过程之中，学生们在进行编配钢琴伴奏没有使用传统的西洋大小调功能和声而是普遍使用五声性调式风格进行编配，这就导致旋律与和声的风格有所不同。最后就是在同学们为歌曲进行伴奏的过程之中，很多学生们会对选择什么样的伴奏织体而感到迷茫，这就导致他们选择的伴奏曲会跟原来的歌曲风格相差较大。出现上述这些问题的原因是多种多样的，其中最为关键的一个原因就是学生们对歌曲伴奏织体的积累量较为困乏且接触很少，这就导致学生们在选择伴奏织体时难以抉择。
2.改编四部合唱歌曲的训练想要顺利改编四部合唱的前提就是要完全掌握四部和声以及二声部合唱的写作练习，因此一定要着重加强对于这两方面内容的专业化练习。此外在选择一些民歌等其他类型音乐的时候，务必要循序渐进，先训练四部合唱的主调写作，最后就行四部合唱的复调写作。
3.分析中小型音乐作品的训练高师院校音乐教师在对学生们进行曲式与作品分析的课程讲解时，因为教师们讲解的过于繁多，而课下为学生们留下的作业以及课外练习非常少，长此以往，这就使得学生们缺乏了自我分析音乐作品的能力和方法。所以想要有效的提高高师学生们的曲式与作品分析能力，教师们就一定要加强学生们对于曲谱的分析。
4.为小型乐队编配的训练高师院校对于小型乐队编配课程的讲解与过去传统音乐学院作曲系配器的教学过程有着较大的差异。因为音乐教育专业在掌握乐器法、配器法基础理论知识的基础之上，还应掌握最基本的完全织体等小型乐队编配技术，然后再进行对于其他织体类型的了解掌握。除此之外乐队的编制以及编配形式都要向着多样化的趋势发展，而编配形式也不要仅局限于对钢琴曲的改编，要着重加强对于一些流行等歌曲的改编。
5.写作钢琴小曲的训练对于目前高师音乐教学中对于学生们钢琴小曲的专业化练习而言，实际上它们不能称之为真正的钢琴作曲的创造，而是仅仅在钢琴旋律或者和声的前提之下进行的钢琴小曲的创作。写作钢琴小曲训练的真正目的就为了更好的激发学生们对于音乐的创作能力以及作曲能力的实际应用。所以音乐教师们在具体的训练教学过程中，一定要安排一些时间为学生们进行耐心的辅导和讲解难题。
三、艺术教学实践应贯穿于作曲技术理论课程的各个教学环节
1.加强为歌曲配置和声的能力在高师音乐教师们在对学生们进行多声部音乐分析与写作以及和声学这两门课程的教学过程之中，教师们一定要根据学生们的实际学习情况以及对和声知识的理解和掌握能力，然后针对性地选择一些适合学生们练习的歌曲。除此之外，学生们想要有效地掌握和声方面的知识，就一定要对弦乐知识进行全方面的了解才能进行往后的练习。学生们经过这些系统化的和声训练之后，让学生们逐渐的学会从歌曲的整体出发并把控歌曲的和声布局，除此之外学生们通过训练还掌握了一定的编配歌曲的伴奏，为今后对一些音乐进行即兴伴奏打下了坚实的基础。
2.加强编配与写作歌曲钢琴伴奏的能力在高师音乐教师们在对学生们进行多声部音乐分析与写作以及和声学这两门课程的教学过程之中，除了要进行必要的和声教学以外，还需要对钢琴伴奏的和声转变为钢琴伴奏织体来进行写作的练习。高师音乐教师们当对学生们进行全面的钢琴伴奏和声的讲解之后，可以让学生们完整的了解并掌握多种多样的织体类型。此外，教师们可以逐渐引导学生们根据和弦并结合相应的歌曲配置和声以及钢琴伴奏织体的写作练习来引导学生们进行钢琴伴奏的写作训练，然后有针对性的根据实际情况来让学生们选择不同的结构来进行写作练习。以便来不断提升学生们写作歌曲钢琴伴奏的能力以及对于和弦的运用能力。
3.增加改编四部合唱歌曲的教学内容而高师音乐教师们在对学生们进行多声部音乐分析与写作以及歌曲分析与写作两个科目的教学过程之中，一定要适当的添加一些关于四部合唱歌曲的改编教学。想要更好地进行多声部音乐分析与写作以及歌曲分析与写作的教学，音乐教师们就一定要在学生们较为全方面对四部合唱以及二部合唱的歌曲写作进行了解并掌握的基础之上，进而教导他们自我改变简单的四部合唱歌曲，以此来让他们熟悉并掌握四部合唱的主调写作方法。
4.加强分析中小型音乐作品的能力高师音乐教师们在对学生们进行多声部音乐分析与写作以及曲式与作品分析的教学过程之中，虽然大部分的学生们都可以完整性的学习一些较为基础的音乐作品的曲子类型以及结构，但是因为每一个学生的理解和掌握的程度都有所不同，除了只有非常少数的学生们才能进行独立准确的分析小型音乐作品之外，其他大多数的同学们哪怕到学期结束都无法真正的掌握独立准确分析小型音乐作品的能力。造成上述原因的主要因素就是因为大多数学生们的音乐基础水平较差。所以音乐教师们要根据学生们学习音乐的实际情况来制定相对应的教学方法和教学模式，而且要花大量时间为高师的学生们全面讲述一些音乐方面的基础性知识和技巧，以此来夯实他们的音乐基础。然后只要学生们可以坚持性的努力训练，他们的小型音乐作品的分析能力一定会与日俱增。
5.更加注重实用性配器的练习高师音乐教师们在对学生们进行小型乐队编配以及配器法的教学过程之中，一定要着重加强学生们实用性配器的训练，比如说适当增加一些总谱改变为缩编谱的教学。在具体教学的过程之中，音乐一定要根据总谱的一些内容来适当地选择合适学生们欣赏的管弦乐曲来进行深入的分析教学，以此来逐渐提升学生们对于音乐总谱的领悟能力。除此之外，在教学过程之中还要多加强学生作曲技术理论的实际应用能力并逐渐强化艺术教学实践环节。要让学生们在掌握音乐基本技能的同时还可以灵活的去应用。
配音的技巧范文第8篇
关键词；即兴伴奏；技巧；和弦；音型；视奏能力；
劳动创造了人类，也创造了音乐。晟初人们所使用的音乐是没有规定好的曲谱，而是即兴的说唱、乐舞、演奏。随着人类生活的发展。音乐由最初的随心所欲，发展到为了使其更加悦耳产生理论上、技术上的规定和约束。即兴伴奏就是建立在乐器演奏技巧、和声基础和演奏者创造力三者之上的。它是根据即定的歌曲旋律，在键盘上即兴弹奏出包括一定的和声与织体的伴奏声部。
歌曲手风琴即兴伴奏是手风琴伴奏形式中一种最实际、最常用、最快捷的演奏技能。它要求伴奏者将手风琴演奏技巧、键盘和声手法、作曲理论知识结合起来，在旋律的限制下，在事先毫无准备的情况下进行瞬间的艺术再创作。它是一门集技艺性、实用性为一体的基础课。因此演奏者对键盘技能与作曲技法应用的高低好坏，对演奏水平能达到何种程度起着决定性的影响。
一、歌曲手风琴即兴伴奏特征
歌曲手风琴即必伴奏由于事先毫无准备，好象“即兴发言”或“即兴演讲”。所以一般说来，歌曲手风琴即兴伴奏不大可能完全采用歌曲的伴奏谱所采用的那样复杂的表现手法与技巧，而更具有实用性、即时性、灵活性等特点。这就需要伴奏者具有扎实的音乐理论知识和较好的键盘弹奏能力。
歌曲手风琴即兴伴奏，这不仅仅只是一个技术手法的处理问题，还应从作品的内容和整体结构出发，经过精心的艺术构思。激情地将它表现出来。所以必须具备敏捷的创作思维能力和丰富的想象力。
歌曲手风琴即兴伴奏，是音乐作品的有机组成部分，它虽以“伴”为主，但它与其伴奏对象共同塑造了一个完美的音乐形象。但是毕竟是“伴”，所以必须要注意以“伴”为主，不能“喧宾夺主”。
综上所述，歌曲手风琴即兴伴奏是手风琴艺术综合能力的反应。它不仅需要伴奏者具有敏捷的思维、灵活的手指能力、熟练掌握和声编配的理论知识，也将丰富的伴奏音型、织体及各种表现手法储存在大脑中。在键盘上正确的弹奏方法、设计合适的指法、在各常用调上移调弹奏等综合能力也是不可缺少的。
二、歌曲手风琴伴奏的技能、技巧
手风琴既是一件和声性很强的乐器，同时也是一件富于歌唱性的乐器，但不是每个人都能使其歌唱。你除了要有一双聪明灵巧的手和一个优秀的头脑，还要拥有坚实的基本练习基础。手型非常重要，它不但利于完成乐曲，而且利于表演和谐统一。手型不是固定不变的因为乐曲的本身也是高低起伏、强弱变化的。手型的原则应是尽力发挥手的积极性，培养指尖弹奏的准确性。要编配好的伴奏，首先要对这首乐曲进行全方面准确的分析研究，然后才能将各种技法使用得恰到好处。
(一)分析歌曲的内容，体裁、调式、调性以及曲式结构的特点
任何歌曲都有自己的音乐内容，它不仅仅体现在旋律中也体现在歌词当中。因此。在为歌曲编配伴奏时，应要先熟悉乐谱，通过歌曲的旋律和歌词来确定歌曲的题材、体裁以及调式调性、速度力度等诸多因素，从而来设计伴奏的手法与和声的织体。
(二)配置和弦
和弦的配置是重要的环节之一。不同的和弦连接可以表现不同的思想内容，塑造不同的音乐形象，在开始时，可以先学用I、IV、V级三个正三和弦，慢慢随着学习的进一步深入可以逐步扩大和弦的选择。编配和弦最重要的一点是强调歌曲的调式调性。开头和结尾和弦大多数是主和弦，这样才能够明显地体现出歌曲是大调、小调或民族调式。结尾部分往往是正格、变格等终止形式。歌曲的中间部分或一个乐段结尾处常常有半终止的出现，这时往往落在属和弦、下属和弦等。和弦确定下来后，接下来就是琴上实际弹奏，根据弹奏的效果改变部分不协和的和弦。为旋律配置和弦时更换和弦的频率要由歌曲的性质来决定，比如：活泼的、节奏轻快的歌曲和声较疏，几个小节配一个和弦。慢速抒情的歌曲，可以一个小节配一个或两个和弦。总的来说，和弦的使用要以“少而精”为主要原则。
(三)确定伴奏音型
伴奏音型是即兴伴奏中和声进行的具体形态。音型是和弦的形态，和弦是音型的灵魂。所以，必须从和弦的角度去归纳音型的基本型态。柱式和弦的音型使用无论是在传统艺术歌曲，还是在现代通俗歌曲中都广为应用，在不同的类型、速度的歌曲中所造成的意境也迥然不同。如《掌声响起》的第一乐段仅用几个柱式和弦便造成一种轻静抒怀的味道。同样是柱式和弦如果用在《没有共产党就没有新中国》、《中国，中国鲜红的太阳永不落》、《国际歌》等歌曲中，就会使这些进行曲式的歌曲更为有力度，共产党的光辉形象就生动地树立起来，也有了震撼人心的内在力量。
因此，在选用音型时，一定要从充分表现音乐内容的前提出发，充分发挥每种伴奏手法的内涵表现力量。
(四)歌曲的前奏、间奏与尾声
许多歌曲都有前奏、间奏和尾声，用以补充、发展或是烘托歌曲的内容与感情，成为整个歌曲不可分割的重要组成部分，艺术效果也非常显著。
那么怎么样才能更好的处理歌曲的前奏、间奏与尾声呢?
1、前奏是乐曲的序幕、开场白，它应该造成听众的期待心理。前奏一般应该是短小精练、个性鲜明的。
1 提示主旋律材料的前奏
以歌曲的末一句作为前奏的较为多见。由于首尾相通，可以自然地引进主旋律。乐曲结束句的和声进行大多都有终止式进行，用在前奏中能充分地揭示出调式的和声功能，肯定调性。同时，还可以将主旋律中节奏型、音调等最有个性的句子或片段抽出来作为前奏。这种手法可以使一首乐曲的精华部分更加醒目、难忘。
2 用新旋律材料写成的前奏
用不同于主旋律的曲调做为前奏可以增加变化。它受主旋律的限制比较少，创造性想象的余地就更广阔。不过也不能随心所欲，可以是旋律型节奏型和主旋律类似，也可以是风格意境与主旋律融合。比如《我们的明天比蜜甜》，就是用主旋律的片段加装饰变化和紧缩的反复手法写成的，左手与右形成二声部模仿。
2、间奏与乐曲高潮的处理
间奏是指歌曲中长音或休止符以及乐段之间的伴奏处理。它的作用是为了更鲜明地衬托出音乐的情绪发展，伴奏可根据歌曲或乐曲的性质采用一些适当的手法来使音乐更加流畅、完整。
1 节奏性的填补；当主旋律声部是长音或休止时，伴奏中持续着特性的节奏律动。
2 音型性填补：将乐曲的主要旋律音调与和弦音进行有机的组合，写成具有一定规律的音型进行填补。比如《军港之夜》。
3 尾声的处理
尾声是指在歌曲主体部分结尾以后，或是在最后的结束音上弹奏的那一部分旋律。它可以使歌曲的主体更加突出、集中，并达到更高的境界。同时也使演唱者的情绪随着尾声的进行推向高潮或渐渐平息。手风琴可以奏出持续且渐强的音响，因此当歌曲的结尾是在激情中结束时。用震音式最恰当，特别是在震音后再用和弦做结束更显得整齐有力。
三、嘉庆视奏能力的训练，掌握正确的弹奏方法
手风琴是一种技艺性很强的乐器。正确良好的弹奏方法、富于层次感的触键方式、较好的音阶、和弦技术，都是弹好歌曲手风琴伴奏的基础。
从弹奏技巧来说，技巧不等于伴奏技巧，二者有本质区别。前者是以机械练习为主来再现乐谱的，而后者是以创造性的劳动完成歌曲伴奏的伴奏任务，使之成为与歌曲相辅相成的整体。因此不必作大量的机械性技巧练习。但要练习脑的反应，不论何时何地，反复思考弹配方案，在内心视觉的“键盘”上配弹，用心听觉感觉、感受配弹的音响，最后上琴检验配弹的效果。
除此之外。还要坚持做移调练习，熟练掌握常用调的基本和弦配置，建立起键盘上的牢固的调性思维。所谓“台上有一分钟，台下十年功”。掌握正确的弹奏技巧是需要长期艰苦、坚持不懈的努力方能巩固和完善。
四、丰富的想象力合创造力思维是关键