雪莱的诗歌
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雪莱的诗歌范文第1篇
一、比拟与象征手法的相辅相成
在这首抒情长诗中,诗人雪莱主要运用了比拟和象征的写作手法,两者相辅相成,融为一体。诗歌中的“西风”既是“剽悍的”,又是强劲的;既是“破坏”者,又是“保藏”者。它使得大自然由枯到荣,是大自然周而复始的辩证规律的执行者。可见在诗人看来自然界中的“西风”,其实是他希望看到的革命力量。这一革命力量不但能够破坏眼前的旧世界,而且能够创造出新世界。
但在诗中诗人并没有直接抒写这种深层次的象征意义,而是反复运用比拟的修辞手法形象地呈现出来。如写“枯叶”“如同魔鬼见到了巫师,纷纷躲避”“像遭受了瘟疫的群体”,形象地突出了西风的力量与破坏力;再如写“在高空的骚动中,纷乱的云块就像飘零飞坠的叶子”,同样有力地表现了西风“喷迸”出的“坚固的气势”。不仅如此,在诗人笔下西风还有着重整乾坤的伟力,如“西风,你让种子展开翱翔的翅膀”,撒播了生命的希望;再如西风“从天空和海洋相互交错的树丛”“抖落出传送雷雨以及闪电的天使”,赋予了其革故鼎新的意志和魄力。类似的使用比拟修辞手法的句子贯串全诗,在形象的描述中委婉而又巧妙地暗示了诗歌的寓意。
二、反衬手法与映衬手法的交叉运用
一般评论家认为雪莱的抒情诗有两大类:一类以鲜明的政论性为特色,诗句简明有力;另一类以奇特的想象和优美的语句取胜。而作为“三大颂”之一的《西风颂》兼得其长。《西风颂》中所选取的诗歌意象密集,色彩奇异,看似十分繁乱,实则井然有序。其目的都是为了突出诗歌主体意象――“西风”。
如诗人选取“四处逃窜”的“枯叶”“纷乱的云块”“亮闪闪的青丝”“四合的夜幕”“大西洋的水波”“胆战心惊”“颤栗着”的“海花、珊瑚”等意象在“西风”面前躲避,这就有力地反衬了其强劲的破坏力;再如诗人遴选了“蔚蓝色的阳春姐妹”“蓝色的地中海”“烈日之下的海波”“吹卷的枯叶”“飘飞的云彩”“喘息的水波”“未熄的炉中拨放出”的“火花”等诸多意象来表现“西风”带来的希望,有效地烘托其催送“保藏”的建设意义。在多种意象的反衬或烘托下,诗人歌颂了西风的“敏捷、高傲、不驯”,传达了对其“非凡和谐中的狂放的激情”的渴望。故而,反衬手法与映衬手法的交叉运用使得诗歌意象虽多,却鲜明有序,极具表现力。
三、浪漫主义与现实主义的巧妙融合
雪莱是英国最著名的浪漫主义诗人之一,他的诗歌向来长于以浪漫的抒情手法来表现诗人内心的诚挚与热切,《西风颂》也毫不例外。但这首诗与其说是一首单纯的浪漫抒情诗,不如说是一首带有浪漫气息的政治抒情诗。因为这首诗包含着诗人对现实的回顾、考虑与对未来的期望、预测。浪漫主义的外壳下,游动着诗人关注现实、关注民生以及对未来充满信心的赤子之心。
雪莱的诗歌范文第2篇
关键词：雪莱；含羞草；爱；泛神主义
中图分类号：I106 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）30-0058-02
“爱”对雪莱来说，是贯穿其一生的神圣宗教和哲学信仰。在《两个精灵，一则寓言》中，雪莱称“如果我立志定要穿越夜的黑暗，爱的明灯将炽燃在我的内心，这就是我的白天！”在他的代表作《解放了的普罗米修斯》中，他也热情洋溢地宣称，“除了爱，一切希望都渺茫”。《含羞草》一诗更是多方面地表现出雪莱对爱的理解和态度。
一、雪莱对爱的理解
雪莱所说的“爱”绝非仅限于狭隘的两性之爱，而是普遍存在于自然万物之间的“爱的精神”。雪莱在散文《论爱》中说，“当我们在自身思想的幽谷中发现一片虚空，从而在天地万物中呼唤、寻求与身内之物的通感对应之时，受到我们所感、所惧、所企望的事物的那种情不自禁的、强有力的吸引，这就是爱。”可见，雪莱所谓的爱是灵魂之间的共振与交融，以及在彼此交融相通之中所产生的脉脉温情。而雪莱信奉的泛神主义认为万物皆有性灵，这些灵魂之间相互感应，因此，在自然万物之中到处都能感到爱的踪迹。这样，雪莱就打破了爱为人类所垄断的局面，使原本被认为是冷漠无情的大自然洋溢着爱的温馨。“所有的花都感染和浸润/临近花朵泻来的芬芳和光明，/正象由于青春和爱而亲近的年轻恋人/为彼此的气氛所缠绕，所充盈。”除了相互吸引、共振之外，自然万物的爱还表现在彼此间的关怀、互助。如诗中描写的，“还有各种小花，随着日色西沉/也垂下头去，形成白色紫色蓝色的凉亭，/使萤火虫免受夜露的侵凌。”
正是基于对爱的这番理解，雪莱对自然万物均怀有一种恋人式的亲切。他喜爱自然，也理解自然。他对自然景物很少像华兹华斯那样满足于客观的描摹，而总是别具匠心地赋予自然以精灵式的情态和意识，就像本诗中的玫瑰、百合、含羞草、溪流、云雾无不具有各自独特的性情、生命。这就使人仿佛回到了古希腊神话中人神共处的黄金时代。
雪莱所理解的爱的精神同时也表现为一种圣徒式的博爱，它不仅只存在于所有美好的事物之间，而且将温情、关怀指向所有弱势群体。雪莱在生活中就常常以他并不宽裕的生活费周济附近的穷人，按勃兰兑斯的说法，“这种慷慨几乎达到了过分自苦的程度”。并且雪莱还将这种悲悯情怀由人推及一草一木，甚至推及卑贱的昆虫。这在诗歌的第二部分就有所表现：照管花园的姑娘将一切害虫、不洁的东西装进筐笼，抛到荒野丛林，同时“为了使可怜的被逐昆虫得以疗饥，/框里还装满她双手所能采集的/最鲜嫩的野花和青草作为食物，/因为它们虽然为害，本心却也无辜。”
雪莱同时还认为“美”也是爱的一种表现形式，爱与美是同一的，美即是爱的精神的外化。在《含羞草》的第二部分中，作者虚构了一个照管花园的姑娘，将之作为美的象征，并说“优美形体内的优美心灵，/规范着也显现于她的仪态和举动，/象海花开放在大海洋中。”这里就以优美的形态和仪态源于优美的心灵象征美同样也需要一个心灵，这个心灵即是爱的精神，并以海花之于海洋表明了美与爱的同一关系。美诞生于爱出现之时，爱消亡了，美也必将随之而去。正如雪莱以诗歌形象化的语言所描述的那样，代表美的姑娘是从早春起开始活动在花园里的（在诗歌的开篇，春天即作为爱的精神的象征被明确地指了出来），而未见第一片黄叶就死去了。
二、雪莱对爱的渴慕
《含羞草》不仅表现出雪莱对爱的独特理解，还表现出了他对爱的重视和渴慕。
雪莱相信只有爱才能使世界充满欢欣和希望。《含羞草》的前两部分中，象征着爱的春天使花园里花发草萌，象征着美的姑娘的精心呵护更使得花园呈现出勃勃生机，就表明雪莱认为爱是使世界变得美好、欢乐的核心因素。而诗歌的第三部分描写失去了春天和姑娘的照料，花园就变得萧条、败落，从反面肯定了爱的必要。
既然爱被赋予如此崇高的地位，那么雪莱对爱的执着追求也就成了必然的了。在这首诗中，雪莱对爱的渴慕是以化身为含羞草这个形象表现出来的。这首诗中出现了许多芳美的花草，如，玫瑰、百合，但雪莱没有选择他们，而只是以不起眼的含羞草自喻，这是有着深刻原因的：一方面雪莱是以含羞草的敏感喻指他自己内心对爱的敏感；另一方面，玫瑰、百合等花本身已具有美的形态，已经吸引人们较多的关注。爱之于他们，就像精致的美食之于酒饱饭足的人，并不是非有不可的，他们无法表现出雪莱对爱急切、焦虑的渴望。而含羞草开不出美的花，这也注定它缺乏人们的关爱，含羞草就像一个饥肠辘辘者那般迫切地渴望着爱与美，正如诗中所描写的，“含羞草从根到叶都感受着爱，/却没有什么爱的果实结出来，/它接受得最多，也爱得更深，/在只需要它时，可以完全献身——/因为含羞草没有艳丽的的花，色彩和芳香的秉赋不属于它；/它爱得像爱神，热情充沛心内，/它只渴望一种珍品，它所没有的美！”雪莱这哪里是写一株草，这完全是对自我情感的隐喻。对爱的渴慕已成为雪莱的生命本能，单纯、强烈、执着。就像他在《致——》这首诗中所说的，“我献不出常人称道的爱，/呈上的是虔诚崇拜；/……这是灯蛾对星光的向往，/黑夜对黎明的渴望”。
三、雪莱对爱的信念
一般而言，对爱怀揣着信仰和追求的大多数是一些涉世未深的年轻人，但那些未经历过痛苦的爱大多是肤浅而脆弱的，一旦碰上严酷的现实即会化为乌有。雪莱的爱与那种流于表面的爱有着本质的不同，他经历过常人无法承受的苦难。但是正是因为撑过了苦难的磨练，雪莱的爱才显示出如此异于常人的伟大卓绝。
《含羞草》创作于1820年，当时雪莱正处于人生的最低谷。从1818年到1819年，诗人先是由于个人婚姻问题，毫无理由地遭到英国社会卑鄙的诽谤中伤，并丧失了他和赫丽艾特所生的两个孩子的抚养权。其后，他和玛丽所生的两个孩子相继死亡，这更是给雪莱以毁灭性的打击。这些接踵而至的困难迫使一向坚强的雪莱在《西风颂》中呼号到，“我倾覆于人生的荆棘！我在流血！”在《含羞草》第三部分中那个萧条、阴冷的花园也就是雪莱当时悲凉心境的象征。但丁在《神曲》中曾将地狱的亡灵喻做秋天的落叶，雪莱在这里就巧妙地化用了这个比喻，“棕色的黄色的灰色的红色的/和有着死者才有的白色的落叶，/象鬼魂的队列乘干燥的风飞行，/它们的呼啸使飞鸟惊心。”由此建立一个巧妙的互文。在诗歌的第三部分中，雪莱也确实为我们描绘出一幅比地狱更为凄惨可怖的世界。
正如勃兰兑斯评价的那样，“但是雪莱的精魂，展开他向往自由的崇高而热情的羽翼直升晴空，高飞在所有这类伤感情绪之上。”尽管生活将种种苦难与不公加诸诗人敏感的心灵，但这些都不能使雪莱灰心丧气，放弃对爱的信仰。在《含羞草》的第四部分中，作者说，“……但是既然在生活里，/一切都是表象，没有什么是真的，/充满了谬误、愚昧和纷争，/我们自己只是梦中的幻影，/那么，这虽是个简朴的信念，/考虑到它却足以令人开心颜，/那就是承认：和万象一样，死亡本身也必定是虚妄……对于爱，对于美和喜悦，/不存在变化和毁灭，/它们的威力超越过我们的感官”。可见雪莱仍然能从柏拉图学说和泛神论思想中汲取积极的力量，力求超越苦难。
按照柏拉图的观点，我们感觉到的现象世界是理念世界虚幻的摹本，人类所有的知识也源于对理念的回忆，只有理念才是实在的。现象世界则充满了无常和变迁，理念却是永恒不变的。一般来说，在现实世界之上建构另一种实在的学说很容易将人导向虚无。但雪莱却从这种学说中汲取了积极力量，以之作为他保持乐观的哲学基础。雪莱坚信爱的原型存在于理念世界中，它是永恒而绝对的。现象世界中爱可能会消亡、毁灭或被人类遗忘，但爱的原型却是超越时续、永恒存在的。现实的黑暗、生活的冷酷无法伤及于它，人们也必将通过内在于他心灵的回忆理解到爱的精神。基于这种思想，雪莱超越了纷乱变迁的表象着眼于永恒，对未来充满乐观，并始终坚持爱的信念。
另一方面，泛神论思想也对雪莱产生了积极的影响。泛神论的代表人物斯宾诺莎认为，“只有从有限的创造物的眼光来看，才存在所谓的否定。唯有神完全实在，在神讲，没有否定。因此我们觉得是有罪的事，当做整体的部分去看它，其中的恶并不存在。”这个学说启发雪莱跳出狭隘的个人利益的圈子，站在历史和整个宇宙的高度，以一种悲悯的情怀去关照人生，并以开阔的心胸去包容苦难。受此启发，雪莱在《含羞草》的末尾说，“感受不了光明是由于本身的阴暗”。雪莱也是以此自勉，不断寻求个人精神境界的超越。从雪莱一生的诗歌创作中也可以看出，他并没有止步于个人痛苦的感伤，而是进一步将之深化、升华，使之上升到对人类整体共同命运的关注。而这恰恰与雪莱对爱的理解是相通的。
由此可以看出，雪莱对爱的信仰是真挚、坚定的，这种信仰使他一直保持乐观的心境，其后不久，他就超越了苦难，挣脱了疑虑，创作出那个时代“欢乐的强音”——《致云雀》。
参考文献：
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雪莱的诗歌范文第3篇
关键词：象征；历史；缩影；结晶；诗歌；联想
象征是历史的缩影，一般都要有较长的时间堆积和历史的渊源，如长城能成为中国的象征的一个主要因素就是它有几千年的历史.。布鲁克林大桥成为美国的象征是因为它的雄伟壮观体现了美国已成为世界强国之一；自由女神像被看成是美国的另一象征是她包涵了美国的建国的基本理念。
象征还有它的独特性，如袋鼠成为澳大利亚的象征是因该动物只能在澳大利亚看到和袋鼠本身的特性；而有些象征被全人类所认同，如玫瑰象征爱情；万寿菊象征长寿等。这类象征不分民族、国家和地区。人们的认同是一致的。但有些象征就只能象征一个国家，一个地区或一部人或事物，如国旗、具有历史意义的建筑、地方小吃等。有些象征还为一些个人所独有，如叶芝使用的象征和艾略特使用的象征就为两位诗人所独有。象征作为一种修辞手法与诗歌同存，也正是象征手法的运用才使得诗歌充满魅力和吸引力。只要有诗歌，就有象征。英美的诗人，如哈代、弗罗斯特、迪更森、罗赛蒂、蒂斯代尔等很好地运用了象征着一手法使得他们的作品广为流传。运用象征手法，彭斯写出了动人心弦的《红红玫瑰》A Red Red Rose；拜伦写出了令人心驰神往的《她走在美的光影里》She Walks in Beauty；雪莱写出了叫人婉惜的《颂一朵凋零的紫罗兰》On a Faded Violet和催人奋进的《致云雀》To a Skylark；惠特曼写出了悲壮有力《啊，船长，我的船长》O Captain， My Captain。诗人克莱恩写下的《致布鲁克林大桥》To the Brooklyn Bridge就使这座大桥迅速成为美国的象征，也成了人类文明的象征之一。这座大桥象征着美国已迈进世界强国之林。叶芝和艾略特将象征在诗歌中的运用推向顶峰并因此双双获得诺贝尔文学奖。叶芝和艾略特的创作生涯都在象征形成一种文学流派时期。他们在诗歌中大量使用象征使他们的诗充满了魅力和神秘。叶芝所著的《乌辛的流浪》The Wanderings of Oisin就充满了象征，连作者本人都难以一一说明。但也正是这些象的使爱尔兰的人民回忆起了他们过去的历史和民族的存在，使他们为曾经的历史感到自豪，使他们看清了眼下民族的痛苦和国家灾难都是由英国殖民主义者造成的。这些象征使人民恢复了民族自信心，为爱尔兰的民族运动提供了强大的动力。这些象征唤醒了民众。
叶芝因他的爱情诗而闻名于世。他曾用“玫瑰”、“海伦”、“天鹅”和“凤凰”来象征他所钟爱的毛德・冈Maud Gonne。在那么多的动人诗篇中，读者找不到一个毛德・冈的名字，而毛德・冈的美丽身影在这些诗中却又无处不在。读者通过象征认识了毛德・冈，目睹了她的十全十美，感受到了她为爱尔兰民族独立而战斗的坚定决心。
叶芝用四十年的光景写就的《当你老了》When You Are Old感动了世界一百年。诗中的象征和象征成分让全世界的读者产生无限美妙的联想。该诗百读不厌的效果就是通过象征的运用来达到的。
艾略特因诗歌创作获得诺贝尔文学奖。他写的《荒原》The Waste Land被看成是二十世纪西方文学的一块丰碑。艾略特的影响延伸到现在和将来，而这样的艺术效果也是通过使用象征得以达到的
叶芝和艾略特两位诗人被看成是象征主义诗歌的代表人物。在他们诗歌中，象征不计其数，可以用“象征的森林”来形容。叶芝和艾略特对人类的未来担忧失望。叶芝在冥想中想象出了象征人类美好未来的“拜占庭”，而艾略特却用“火”来象征人类根本没有未来。两位诗人都想挽救人类。叶芝想到的办法是用“艺术”去感化“恶人”，而艾略特却认为人类要想得到拯救的唯一方法是信仰宗教。
对于“生和死”的问题，叶芝和艾略特都认真地进行了思考。他们都希望能够得到永生。叶芝想象自己在艺术中永生，他用“金枝”，“金鸟”“唱歌”来象征自己永远在“拜占庭”进行艺术创作。而艾略特却希望在“火”中永生。
象征主义作为一股文流发端于十九世纪末期，兴盛于二十世纪前期。这股文流有自己的纲领和宣言，诗人众多，名家倍出，名篇传世，影响深远。虽然随着诗人的离世，该文流慢慢退去，但象征作为一种修辞手法将与诗歌共存。
参考文献：
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[7]黎志敏 《 走进剑桥 二十世纪英美诗歌精选 》，广州 ；广东音像出版社 ，2002
[8]聂珍钊 《英语诗歌形式导论 》，北京 ： 中国社会科学出版社 ， 2007 。
雪莱的诗歌范文第4篇
摘要：在当代的生态批评语境中，“自然”被提升到具有多样的不能被忽视的性质。太阳、月亮、大地是“大自然”的基本构成元素。在海子的诗歌中对太阳的礼赞、对大地的崇敬、对月亮的讴歌正体现了海子对自然的倾心，从某种意义上暗合了中国传统的思维方式。
关键词：海子诗歌； 太阳； 大地； 月亮
西方生态批评试图为“自然”本身恢复其独立存在的价值和意义，旨在通过理论的探讨，促进当代意义上的“自然写作”，进而起到唤醒人们生态意识和建设人与自然新和谐 关系的目的。在以往的文艺批评中，“自然”基本上是作为一个文化的术语而存在，也就是说“自然”只是符号系统中的一个符号。在文学和文化研究中，并没有自觉把自然作为“自我”的对象。而在当代的生态批评语境中，“自然”被提升到具有多样的不能被忽视的性质。
在《海子诗歌：双重悲剧下的双重绝望》一文中，宗匠认为海子诗歌中存在两类相对抗的意象：一类是麦子、麦地，一类是太阳（阳光）、月亮（月亮），“这两类意象的相互碰撞、物质与精神的永恒对抗，构成了海子诗歌的基本主题，也即生命痛苦的主题”。
一、对太阳的礼赞
太阳是生命之源，它普照大地，给人类带来光明，孕育万物生长。它有毁灭的力量，有着最原始的生命强力；它又是秩序的中心，东升西落，亘古不变。它是所有个体生命的集合，是王者的化身。
纵观海子诗歌的创作历程，可以看出，从1986年开始，父性意象――“太阳”成其诗歌的主要意象：《河流》（1984）、《太阳 土地篇》（1986）、《太阳 大札撒》（1987）、《太阳 弑》（1988）、《太阳 诗剧》（1985-1988）、《太阳 弥赛亚》（1988）。“海子是死于不可能的伟大梦想”海子的梦想就是从“太阳王子”上升到“太阳王”的渴望。捍卫诗歌的王位，成为太阳的永生，这种执著的宗教般的夙愿，使“一颗年轻的星宿，争分夺秒地燃烧，然后突然爆炸”。海子自认为是诗歌王国里的一个天才（在海子的诗作中他多次以“王子”自称）。海子曾说：“我通过太阳王子进入生命，因为天才是生命最辉煌的现象之一”《王子 太阳神之子》）。这说明海子带着造化之神似的智慧光芒，是一个追求诗性天才的诗歌王子。海子说：“我所敬佩的王子可以列出长长的一串：雪莱、叶赛宁、荷尔德林、坡、马洛、韩波、克兰、狄兰……席勒甚至普希金。马洛、韩波从才华上，雪莱从纯洁的气质上堪称他们的代表。他们的疯狂才华、力气、纯洁气质和悲剧性的命运完全是一致的。他们是同一个王子的不同化身、不同肉体、不同文字的呈现，不同的面目而已。他们是同一个王子，诗歌王子。太阳王子。”（《王子 太阳神之子》）海子将他们统称作“王子 太阳神之子”。这些王子都是短命天才，虽然拥有疯狂的才华，但他们抗争的结果却都是悲剧性的，海子认为带着宿命的色彩，“他们美好的毁灭就是人类的象征。我想了好久，这个诗歌王子的存在，是继人类集体宗教创作时代之后，更为辉煌的天才存在。我坚信，这就是人类的命运，是个体生命和才华的命运。它不同于人类早期的第一种命运，集体祭司的命运”（《王子 太阳神之子》）。王子们不可避免地走入宿命般的结局，成为咏叹，可王子们泣鬼神、惊天地的挑战和矢志不渝的精神却激励海子去勇登王位，成就“一种民族和人类结合，诗和真理合一的大诗” “海子期望着从抒情出发，经过叙事，到达史诗，他殷切渴望建立起一个庞大的诗歌帝国：东起尼罗河，西达太平洋，北至蒙古高原，南抵印度次大陆”把诗歌带入人类集体宗教式创作之中。
考量海子的诗歌文本和诗论会发现，都是太阳的自我象征，无论是他的诗歌理想，还是诗歌观念，甚至死亡礼仪。海子的诗人之旅就是从“太阳王子”上升到“太阳王”的心路历程。以此基点进行探究，就会还原出一个人品与诗品、行动与思想统一的为艺术而死、为艺术而生的诗人的本真形象。
二、对大地的崇敬
“海子可以说是大地的赤子，他疯狂地迷恋麦地和丰收后荒凉的大地，在他短短的生涯中留下了大量关于麦地、土地的诗。关于土地的诗有《亚洲铜》、长诗《土地》等。《亚洲铜》展现了古老土地的忧郁和个人对土地的认同，以及人根自土地的本质；而长诗《土地》所直接表达的就是：土地是生命的家园，是生命的依恋。海子在《诗学：一份提纲》一文里谈到对大地和长诗《土地》的认识：‘在这一首诗《土地》里，我要说的是，由于丧失了土地，这些现代漂泊无依的灵魂必得寻找一种替代品――那就是欲望’， ‘大地本身的恢宏的生命力只能用欲望来代替和指称’。诗人歌唱大地，正是由于失去了土地，而漂泊的灵魂必得有所归依。由此可知，海子的‘欲望’是生命的肯定形式，是爱，是生命的欲望。他在短文《朝霞》里也谈到‘欲望的田园、欲望之国：土地’。这里欲望就是生命，就是土地。”
大地酒馆中酒徒们捧在手心的脆弱星辰
漠视酒馆中打碎的其它器皿
明日在大地中完整
这才是我打碎一切的真情
大地魔法的阴影深入我疯狂的内心
大地啊，何日方在？
故乡和家园是我们唯一的病
――《土地》
这疯狂的欲望、疯狂的内心是生命，于是“大地绵绵无期”，“我们玉米身体的扩张绵绵无期”（《土地》）。这生命既是大地上的农作物，也是诗人本身。虽然海子采取自杀的方式，早早的结束了生命，但他的确是生命的挚爱者。正是因为他迷醉生命，关注生命，他对大地才会有赤子般的如此深情，因为大地是生命之源，是孕育生命的母体：
果实牵着你的手大地摇晃
麦穗的纹路在你脊背上延伸如刀刃如火光
大地在深处放射光芒
――《土地》
“大地，酒馆中酒徒们捧在手心的脆弱星辰”是《土地》中反复歌咏的一句。对大地的依恋之情绵绵无期，它是现代不羁的魂灵不断找寻的精神慰藉，有着深深的归依之感和回归母亲子宫般的情感依恋。对大地的依恋深情来自于对土地神圣力量的膜拜。自古以来，土地滋养生命，大地不息的勃勃之力，使得生物世代繁衍，亘古绵长。
三、对月亮的讴歌
与太阳相比，月亮是个阴冷的意象,是阳光的反叛者。当我们自我解剖时,往往不知道生命的方向,独守夜里,我们举头遥望, 生命遥远,月光遥远,惟有死亡,在仇恨中,也在爱中,在温暖与冷漠中,向我们迫近。月作为一种富有意蕴和可以给人无限想象的视觉自然景物，能够为塑造丰富的意象深化某种特定的意念，从而实现、阐释“言外之意”的深层内涵。月是美的烟波，月的意象是生命的飞逝，是悲欢离合的人生演绎，是爱情的沐浴和寄寓。正因为月具有这些丰富鲜明的语言形象，所以月在中国文学艺术和历史文化中的地位十分显赫。当诗人舍弃所有的外在而向内压缩,月亮成为必不可少的一种事物。
这是一支大地和水的歌谣 月光！
不要说 你是灯中之灯 月光！
不要说心中有一个地方
那是我一直不敢梦见的地方
不要问 桃子对桃花的珍藏
不要问 打麦大地 处女 桂花和村镇
今夜美丽的月光 你看多好！
不要说死亡的烛光何须倾倒
生命依然生长在忧愁的河水上
月光照着月光 月光普照
今夜美丽的月光合在一起流淌（《月光》）
对太阳、大地的关注,自然上升到对夜空的关注，上升到对空灵的事物的注视,这说明海子的灵魂开始发生转逆。这个一生都在流浪和游走的诗人,寻找到“月夜”这一空间，收敛光芒，容纳自我。一个吉祥和幸福的诗人，赶走昼的喧嚣和暗夜,让月光从灵魂深处慢慢地升起, 擦尽过去流过的泪水。 “不要说死亡的烛光何须倾倒/生命依然生长在忧愁的河水上”和“羊群中生命和死亡宁静的声音/我在倾听！”，这里将“死亡”和“生命”并置，显示了海子独特的诗学观：“死亡” 就在“生命”之中，与“生命”相互亲吻和拥抱，并非独立于“生命”以外的另一种物质，正如日光与月光本为一体。
中国社会的特点是，由于漫长的农业社会历史，传统的生态文化有着深厚的思想基础，传统文化的“天人合一”在人与自然亲密的基础上形成了一种发达而又原始的文化心理，这就是人们总以诗意的情怀去体悟自然。农耕社会认为人与自然本为一体，是一种亲和关系。古代哲学家认为自然万物更是移情悦性的对象，人在对万物的观照中可以获得身心的愉悦。特别提出在审美活动中，个体投身到自然文化中去，实现个体生命与宇宙生命的融合。中国美学正是从“天人合一”的生命情调中，即人与自然的亲和关系中去寻求美。
太阳、月亮、大地是“大自然”的基本构成元素。在海子的诗歌中对太阳的礼赞、对大地的崇敬、对月亮的讴歌正体现了海子对自然的倾心，从某种意义上暗合了中国传统的思维方式。
参考文献：
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雪莱的诗歌范文第5篇
一、中外诗词的由来
诗歌是最古老也是最具有文学特质的文学样式，它来源于上古时期的劳动号子（后发展为民歌）以及祭祀颂词。诗歌原是诗与歌的总称，诗和音乐、舞蹈结合在一起，统称为诗歌。中国诗歌具有悠久的历史和丰富的遗产，如，《诗经》《楚辞》和《汉乐府》以及无数诗人的作品。欧洲的诗歌，由古希腊的荷马、萨福和古罗马的维吉尔、贺拉斯等诗人开启创作之源。
二、中外诗词的发展
无论是中国的古诗词还是西方的诗歌都经历了一个漫长的发展过程，从不完善逐渐发展为完善，从单一的诗歌形式慢慢发展到丰富多彩的诗歌形式。这其中的过程太过复杂繁琐，在此我就不仔细叙述，一一道来了，仅是简单的概述一下。
中国的诗词文化源远流长，最早的诗可追溯到距今三千年左右的《诗经》，其内容有“风，雅，颂”三个部分，句式为四言句。继《诗经》之后，在楚国出现了一种新的诗体，叫“楚辞”，它的创始人是屈原，发展为五言句和七言句。到了汉代，出现了为配合音乐而歌唱的诗即“乐府诗”多为五言诗。到了魏晋，出现了作诗要注意平仄和韵律的性质，形成了格律诗的主要内容。唐代，是我国诗歌发展的全盛时期，分为：律诗和绝句。宋代最为发达，这就是词，也叫长短句。到了元明两代，又出现了一种新的体裁，叫曲，也称散曲。近代出现了新文化的“现代诗”。
西方的诗歌同样也拥有悠久的历史，在西方的文化发展史中占据了举足轻重的地位。
接下来我就大致的将西方的诗歌发展史大致分为以下几个阶段：
第一阶段：远古时期（前40世纪至5世纪）古埃及，古巴比伦。
第二阶段：古希腊、罗马时期（前8世纪至公元5世纪）。
第三阶段：中世纪（5至15世纪），亦可称圣经诗歌时期。
第四阶段：文艺复兴时期（14至16世纪），伟大诗人有英国的莎土比亚、意大利的彼得拉克等。
第五阶段：古典主义时期，（17至18世纪），有弥尔顿、伏尔泰等历史名人。
第六阶段：浪漫主义（18至19世纪），诗歌群星璀璨，俊采风流。德国有歌德；英国有布莱克、彭斯，有湖畔派华兹华斯、柯勒律治、骚塞及雪莱、拜伦、济慈三个少年天才；法国有雨果；俄国有普希金；美国惠特曼；匈牙利有裴多菲、等。
第七阶段：唯美主义、象征主义、意象派超现实主义、先锋派各种风格的诗层出不穷，东西方碰撞、交流，融合已近百年，流风所及，以至于今。
三、中外诗词的区别
诗歌，作为一种极其重要的文学形式存在，无论在诗歌文化显赫的中国还是理性充斥的西方世界，诗歌在其文学领域都有不可忽视的地位。今天，我将从诗学的角度解读中外诗歌。
一般来说，诗的本体的确定总是要求建立起一种与之相应的诗化哲学。在西方现代诗人眼中，诗和哲学是相互贯通和相互联系的，它们同是人类精神的器官，同是认知世界的有效方式，因而，诗不仅不应拒斥理性和普遍性的概括，反而应在自己的大地上搭起一架神秘的云梯，接通理性的天。于是，西方诗人普遍表现出强烈的哲学冲动。从波德莱尔开始，西方现代主义诗人大都较为重视理念等知性内涵在诗中的作用和地位。波德莱尔在《异教派》中强调指出：“任何拒绝和科学及哲学亲密同行的文学，都是杀人和自杀的文学。”艾略特对那种只会唤起读者情感的浪漫主义诗极为不满。他指出：“诗不是放纵感情，而是逃避感情，不是表现个性，而是逃避个性。”所以他特别强调诗歌“非个人化”，即注重诗歌的客观性、普遍性与知性表现。在艾略特看来，诗人在创作中“知性越强就越好，知性越强他越可能有多方面的兴趣。”当我们在解读艾略特等现代西方诗人的这些对知性强调的论述时，我们一方面深深感到了知性对于诗与诗学的重要性；另一方面，我们也发现，艾略特等西方现代诗人的思维无论怎么变化，都没有超出西方传统诗学那根深蒂固的逻辑思维模式的制约。西方人那种喜欢按一种理性思辨方法去进行思维的意识已经化入了波德莱尔等人的骨髓里，使他们总想通过逻辑推理从杂乱的世界中把握出它的发展规律。理性就像上帝和灵魂一样，盘旋在西方的思维上空，散发着经久不息的科学的认知精神的光芒，它照亮的是诸如知性、理念、理智等诗学概念和范畴。
四、中外诗词的相互影响
西方一些比较文学的研究者曾经指出：不同民族的文学在平行发展的过程中会出现殊途同归的现象.这种现象在文学作品中的确有所反映，中西的诗歌虽然有各自不同的文化底蕴，但我们从中还是可以寻找到彼此的影子.中国的诗歌长期处于世界领先的地位，在很长的一段时间内西方的诗歌或多或少都受到中国诗歌的影响.中外、古今之间虽自成体系，但依然存在着一定的关联，并非（也没有可能）完全隔绝。
我们从中国古典诗歌和英美现代诗歌说起，因为中国古典诗歌对西方的影响从汉诗英译开始。
与此同时，随着中外文化日益频繁的交流与碰撞，中国古典诗学的意象观和意象体系也受到了西方话语和时代潮流不可阻挡的冲击。象征性意象取代意境化意象成为了现代诗学中意象的最高品格，与此相关，矛盾性、动态性、审丑性的意象也取代了和谐性、静态性、审美性意象而成为了现代诗学中的主要审美构成和结构方式，它们共同促成了中国诗学风格由朦胧向晦涩的转化。这种由追求意象的意境化到追求意象的象征化导致的诗学风格的晦涩，从更为宏阔的背景上看，一方面源于诗人立足在一切都裂变成了碎片的现代沙漠中，已经不再相信古典诗学中的人与自然和谐圆融的乌托邦之境有关；另一方面，也与西方的话语有关。西方现代主义诗人认为，现实世界和自然世界都是不真实和丑恶的，唯一真实的只有人的内在世界。而要表现人的隐秘的内在世界，就不能不用隐秘的、晦涩的象征和暗示。因为只有隐秘、晦涩的象征才具有一种暗示的神力，才能最为深刻的表现人的内心深处那些可见而不可见，可感而不可感的情绪波动和千回百转、转瞬即逝的欲望。
中国的诗歌越来越西化，开始具有西方诗歌的一些特点，但不能否认中国诗歌因此得到了长足的发展。
雪莱的诗歌范文第6篇
关键词：艾伦 坡 诗歌 美学思想 论文下载
一、埃德加 艾伦?坡其人
艾伦 坡生于美国一个演员家庭，自小失去双亲，随后被当地一商人收养，坡童年和青年的大部分时光在养父母艾伦的家庭度过，缺少足够的父母之爱，其养父很少过问坡，并且到了坡十几岁时，又与其养父感情决裂，过上了缺衣少食的生活，造成其与众不同的性格与思维意识，造成了他酗酒如命。他一生坎坷，在四十几年的生涯中颠沛流离，但是他的笔下从没流露出艰辛和屈辱感，相反他乐观和好强的性格充满了其作品。可以这么说，他是一位绅士，一位孤独的天才，在他短暂的一生中，只有更短暂的十几年美好时光，剩下的都是些身后之名。坡是位小说家，文学评论家，更是位诗人，其自认为是美学问题专家，他的诗歌美学在当时看来独树一帜，对文学评论也具有独到的见解，罗威尔的传记中就赞扬坡是美国最有见识、最富哲理的大无畏评论家。
二、艾伦?坡的美学思想
1. “美”的完整性。古罗马诗人贺拉斯在《诗艺》中说：“话要说的简短，……一个人的心里记不了太多东西，多余的东西必然溢出”，坡也认为诗歌是最美的文学艺术，应当篇幅短小，让读者一次读完，从而获得完整的印象。诗歌要包含刺激，任何长篇诗著里，刺激的过程是不会保持长久的，一旦刺激衰歇，在效果上就不是诗了。他强调诗是灵魂的升华，只有一口气读完的诗才会保持诗歌美的完整性，才能在欣赏者的心目中留下完整的美感。他在《诗学》第七章写到：美在于大小和秩序，他主张诗要短小精悍，诗歌的长度问题体现了他诗歌理论中整体性的美学思想。
2. “美”的情感性。诗和散文等其他文体不同，诗歌不能容忍长篇叙述，要让欣赏着在欣赏诗歌时感受到诗的感情和情绪，感受到灵魂的升华。坡的诗作强调想象，强调灵魂，强调主观情感，诗需要展现出其特有的形式美，要散发着闪烁的思想光芒。他对情感美独到的见解可以从他《创作哲学》中得到充分体现，他认为最美好、最纯洁的情趣存在于对美好事物的沉思过程中。坡的诗作中充满情感，他在诗歌中拥有自由的翅膀，快乐的飞翔，忘却生命与死亡。瓦莱里说，坡是创造世界的上帝，的确，坡创造了诗歌世界中令人振奋的灵魂。
3. “美”的理性。雪莱认为诗歌是从“永恒之地将光芒和火种传送到人间”，诗人是抹去人们心尖上灰尘的使者。坡始终认为诗歌的创造需要理性，又敢于挑战自己的智慧。他的诗作从不缺少智慧和理性，其代表作《乌鸦》历时四年创作，在整个创作工程中小心翼翼的深思熟虑，他说：“诗歌的创作没有一点是源于直觉”，诗歌创作始终要保持目的性，时刻考虑到诗的效果。坡的诗歌主体没有离开死亡，但是在这忧郁悲伤基调的背后，正是坡不断追求的理性目标——美学思想。
4. “美”的音乐性。诗歌是人类最早的文学样式，它通过节奏感和流动性展现诗歌音乐性的美感，诗歌的音乐性调动了人们的情感，正是在音乐中，诗的感情才被激动。音律是最能调动人们感情的形式，坡曾说：“诗是美的节奏性创作”，从人类最早以歌的形式来表达诗的思想开始，音乐性就融入到诗歌之中，成为诗中重大的契机，在创作诗时放弃音乐性便是不明智的。坡的诗作大多富含音律，一韵到底，使人欣赏起来意犹未觉。 三、艾伦?坡的美学思想对文学创作的影响
1. 对自身诗歌创作的指引。其实坡自始至终都把自己视作一名诗人，他曾表示，小说和另论只不过是他为了维持生计的手段，而诗才是不容玷污的圣洁的东西，对他来说，诗是一种激情。艾伦?坡的这些美学思想自始至终指引着他的诗歌创作，他一生所创作的不多诗集之中，从不缺少他对美的感悟和对唯美主义的追求，他的每一首诗都闪现出美的光芒，都是他对“爱”与“美”的渴望。比如在他的代表诗集《帖木儿及其他诗集》、《诗集》、《乌鸦及其他诗》等中，我们都可以看到坡的美学思想对其诗歌创作的指引作用。
2. 对自身其他文体创作的指引。其实在坡的一生中，创作最多的并不是诗，而是小说，其中包括两篇长篇小说和七十余部短片小说。其所创作的绝大多数文学作品都符合他对篇幅的长度标准，即“任何文学作品的长度都有个明确的限定，那就是一口气读完”。众所周知，坡一生中创作了许多侦探小说和科幻小说，无论在那种文体中都不缺少他独特的美学观念，理性、情感、完整及音乐性。依靠他严谨的数学才华和丰富的天文地理知识，他的作用总是能够达到细节和情感上的真实。
3. 艾伦?坡文艺美学思想对世界文学的影响。各国文学是独立而又相互依存和侵润的，坡的美学思想对各国文学的影响是普遍而又广泛的。象征主义、唯美主义、浪漫主义等都多多少少的收到坡的影响，尤其在侦探小说和科幻小说上，坡可以说是侦探小说的先驱，科幻小说的鼻祖。艾伦?坡对世界文人产生了深远的影响，象征主义代表波德莱尔说，坡是“一位密友至交，一位寻觅已久的兄长”。坡的“诗论”和唯美追求影响到世界各地的诗人、作家和艺术家，给世界文学带来深远的影响。
参考文献
雪莱的诗歌范文第7篇
关键词：华兹华斯；我们是七个；语言；自然；童心
中图分类号：I106 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）24-0065-02
威廉・华兹华斯（William Wordsworth 1770―1850）是英国浪漫主义诗人，也是“湖畔派诗人”之首。在其代表作《抒情歌谣集》的第二版中，他对他的诗歌进行了定义，他认为一首好诗是来自于内心深处的情感。这种情感是自然而然流露出的，是在强大的宁静中追忆起来的情感。他的诗描写和关注的多是普通老百姓的生活。诗中的语言虽然看似平淡、朴素，却给人以返璞归真的感觉。
《我们是七个》是华兹华斯于1798年写的一首抒情叙事诗。这首诗的开头描写了一个单纯的孩子，他有力的呼吸，挥舞着洋溢着青春活力的四肢，过着他快活的时光。他真的懂得什么是死亡吗？由这个问题出发，诗人记述了他与一个八岁的农家小女孩的对话，带着读者进入了儿童的心灵世界。
下面就从诗中的语言，诗中的自然和诗中的童心三个方面进行赏析。
一、诗中的语言
尽管华兹华斯的体裁各异，诗体多变，但在字里行间无不透露着清新、隽永、朴素、亲切的气息。这种语言特色不但与18世纪新古典主义者诗人擅用的工整优雅、警句格言迭出的英雄双行体截然不同，而且与同属于浪漫主义时期的布莱克，以及第二代浪漫主义诗人拜伦，雪莱，济慈等人也大相径庭。正如华兹华斯在《抒情歌谣集》第二版中对诗歌的定义那样，他的诗多关注普通老百姓的生活，用的都是普通老百姓生活中的语言，故其语言也较为简单，朴素，这使得他的诗读起来朗朗上口，不晦涩，且简单易懂。
比如本诗，整首诗共十七节，前三节讲述了诗人偶遇农家小女孩，简单的描述了一下小女孩的外貌及穿着，剩下的十四节全是诗人与小女孩的对话。描写小女孩外貌时，简单的几个词“一头茂密的卷发，头发像杂草”、“她就是个乡下孩子的样子，但是她的眼睛非常非常漂亮”，就勾勒出了农家小女孩的特征――外表普通，心灵单纯，美丽。在下面的诗人与小女孩的对话中，更是体现了简单朴素，清新易懂的语言特色。诗人在诗歌中描写小女孩的回答时，先是她“惊奇地向我张望”，而后又是“随口回答”，然后是“回答得又快又利索”，最后是“坚持回答”。这一连串对小女孩语气的描写，简单而直接，却能使读者对小女孩的形象有深刻的认识。诗中语言虽简单，却有返璞归真的感觉。
二、诗中的自然
华兹华斯是英国浪漫主义诗人，又是“湖畔派诗人”之首，他追求浪漫，热爱自然。华兹华斯深受流行于19世纪的一些哲学思想的影响，其中包括启蒙主义运动，卢梭“回归自然”的理论思想以及泛神论，从而使华兹华斯形成了自己对自然独特的认识：人与自然“天人合一”的关系，自然使人的心灵得以净化，自然是人类的良师，朋友和保护者。在他的眼里，自然才是真善美的完美体现，才能给人以生命的真谛和领悟。自然是人类的精神家园。因此华兹华斯的诗歌无不体现着他对自然的这种情结。
虽然本诗并没有像“Lines Composed a Few Miles Above Tirtern Abbey”那样描述大自然的风景，但在诗中，他写道“She had a rustic， woodland air. And she was wildly clad.”她就是个乡下孩子的样子，胡乱穿几件衣服，一身山野的气息，就是这样一种自然的美，”Her beauty made me glad.”诗人被震撼了。这既描写了他们所处的环境，又间接反映了作者对自然的热爱。在下面的和小女孩的对话中，虽然没有直接描写自然风景，但是在对话中，当诗人问小女孩兄弟姐妹几人时，小女孩回答道：“我们是七个，两个去了威尔士的码头，两个去了海上工作。”让人联想到浩瀚无尽的大海。在诗人纠正小女孩他们是五个人时，小女孩反驳道：“坟堆看得见，青绿一片”“离我家门口二十步左右”“两座坟相挨相靠”。通过小女孩的回答，我们可以看出，虽然逝去的人不再具有肉体，但是灵魂长存，已经与大自然融为一体。这里体现了诗人“天人合一”的自然情结。只有在大自然中，人的灵魂才得以永生，才能给人以生命的真谛和领悟。
三、诗中的童心
真正优美的诗歌必然是诗人内心世界的真实显露。华兹华斯很小时就喜欢独自在田间漫步，欣赏大自然美丽的风景，思考自然与人生。童年的经历，对其儿童观的形成起了举足轻重的作用。他所提出的“儿童乃成人之父”以及“灵魂前存在”的观点是其儿童观的核心内容。
本诗中讲述的童心，是本诗带给我们的最重要的启示。开篇第一句写道”A simple child”一个纯洁的孩子，仅此一句，就让读者感受到诗人对儿童的爱怜与欣赏。在诗中的第四节，诗人问小女孩她兄弟姐妹共有几人，她说我们是七个，两个在威尔士的码头，两个去海上，还有一个姐姐一个哥哥，在她家附近教堂的墓园里。在这个小女孩的心里，分不清生与死的界限，她自己还常常到那织自己的毛袜，常常带着她的碗到墓园里，独自地吃，独自地唱，唱给她的在土里长眠的哥哥姐姐听。虽然他们静悄悄地没有回应，但在小女孩烂漫的童心中却不曾感到生死间有不可思议的阻隔。所以，尽管诗人一再纠正女孩，说他们只有兄妹五人，但小女孩却断然否定道：“不，我们是七个。”简单的话语，执拗的语气，虽然幼稚，却反映出儿童的天真和对亲人无尽的爱。在诗人看来，儿童虽然对世俗事物懵懂无知，却保持着内心的纯洁与天真，在成人的世界里，却缺少了这份纯洁与天真。诗歌不仅体现了诗人对儿童的怜爱，更体现了诗人对儿童的热爱，对童真的赞美和对儿童时代的向往。在当今社会，人们的很多情感或许会变淡，情感变淡或许会减少许多失去的痛苦，但是，很多情感，我们是无法改变的，很多信念我们会一直执着的。就像那个小女孩，一直坚信“我们是七个”，无论身处何方，经历何事，唯一不变的是“我们是七个”，天上，人间，只要是你在心中。这里正体现了诗人的儿童观――“儿童乃成人之父”。在诗人看来，在文明社会中保持对自然的虔诚，成人后保留一颗童心，是实现完美人生的必要条件。
总之，诗歌以对话的形式，用简洁、质朴的语言，表达了诗人对自然的热爱，对童真的赞美和对童年的向往。华兹华斯对儿童时代的留恋和对童真的赞美，使得诗歌超出了纯粹写景咏物的范围，深化了诗歌的主题，体现了诗歌真正的美。
参考文献：
[1]郑侠.解读华兹华斯的诗歌《我们是七个》[J].商丘师范学院学报，2010，10：122-124.
[2]王盈盈.华兹华斯诗歌的浪漫主义――诗歌《We Are Seven》评析[J].吉林省教育学院学报（学科版），2011，07：36-37.
雪莱的诗歌范文第8篇
可惜我们的社会，还是过于功利，以至于读诗歌、学诗歌、写诗歌、分享诗歌的社会氛围，非常淡薄。一个不喜欢读诗歌、不喜欢学诗歌、不喜欢写诗歌、不喜欢分享诗歌的民族，多少是有些无趣和悲伤的。
归根结底，有一个很重要的原因是，我们很多语文老师迫于现实的压力，是不鼓励学生们写诗的。
温州市的中考语文作文题，多年来都是不禁止写诗歌的，唯一的要求是“写成诗歌，不少于16行”，但真正能把中考作文题写成诗歌的学生，毕竟是少数！而在现阶段的浙江省高考语文作文题目要求中，是“诗歌除外”的，即绝对不能写成诗歌，因而诗歌的价值一直被高中语文教学所淡化和忽略。
但诗歌本身的价值是不言而喻的，而且它对于高中生学习写作也有着不可替代的作用。
诗歌是最古老也是最具有文学特质的一种抒情言志的文学体裁。《毛诗・大序》载：“诗者，志之所之也。在心为志，发言为诗。”南宋严羽《沧浪诗话》云：“诗者，吟咏性情也。”
我国现代诗人、文学评论家何其芳曾说：“诗是一种最集中地反映社会生活的文学样式，它饱含着丰富的想象和感情，常常以直接抒情的方式来表现，而且在精练与和谐的程度上，特别是在节奏的鲜明上，它的语言有别于散文的语言。”这个定义性的说明，概括了诗歌的几个基本特点：第一，高度集中、概括地反映生活；第二，抒情言志，饱含丰富的思想感情；第三，丰富的想象、联想和幻想；第四，语言具有音乐美。
更重要的是，学习写诗歌，起点并不高。也许我们的诗歌没有那么惊天动地，但我们至少可以打动自己。因为只要我们对诗歌学习要求有所降低，多做一些鉴赏的工作，并了解一些基本的诗歌创作方法，那么，完全有理由相信，我们是能写出一些像样的诗歌作品的。而且同学们在作文学习中很难找到的成就感，也许却能在诗歌学习中找到。
我个人认为：爱上了诗歌，也就爱上了写作。
那么，学习诗歌，写作诗歌，同学们到底需要怎么做呢？
首先，自然是多读一些古今中外著名诗人的经典诗歌作品。
没有哪位作家的创作，不是建立在充分的阅读之上的，诗歌亦然。在此，我向大家推荐以下诗人及代表作：
国外：济慈《夜莺颂》，雪莱《西风颂》，威廉・华兹华斯《咏水仙》，席勒《欢乐颂》，莎士比亚的十四行诗集，普希金《致恰达耶夫》，海涅《罗蕾莱》，缪塞《哀愁》，波德莱尔《黄昏的和谐》，马拉美《牧神的午后》《天鹅》，庞德《在一个地铁车站》，艾略特《序曲》，叶芝《当你老了》，里尔克《杜伊诺哀歌》，帕斯《废墟里的赞歌》，洛尔伽《梦游人谣》，金斯堡《嚎叫》，策兰《死亡赋格》，汉德克《颠倒的世界》……
中国：郭沫若《天上的街市》，徐志摩《再别康桥》《海韵》，闻一多《红烛》《死水》，冰心《繁星》《春水》，戴望舒《雨巷》《寻梦者》，何其芳《预言》，余光中《乡愁》，海子《面朝大海，春暖花开》《麦地》，王家新《帕斯捷尔纳克》，北岛《白日梦》《回答》，舒婷《神女峰》《致橡树》，顾城《远和近》《一代人》，欧阳江河《水晶幻象》……
这个名单还可以继续拓展，但入选者应该是经典的，如果读一些没什么太大价值的诗歌作品，或许不如不读。当然，你也可以读读某位著名诗人的诗集，譬如，海子和顾城的诗集，就值得一读再读。
其次，在一定阅读量的基础上，可以尝试用诗歌来表达自己的情感。
你不必担心你会不会写诗这个问题，因为形式都是为内容服务的，你要走进诗歌的世界，首先就要摆脱这种困惑。对于写作诗歌，一种简单而不是很成熟的理解，就是用比较凝练的语言，分行分节表达自己的情感和思考。
1983年，美国诗人威姆斯的短诗《便条》，第一次由中国学者引入国内，就遭遇了“阅读的障碍”。
便条
我吃了
放在
冰箱里的
梅子
它们
大概是你
留着
早餐吃的
请原谅
它太可口了
那么甜
又那么凉
请允许我把这首诗还原一下：“我吃了放在冰箱里的梅子，它们大概是你留着早餐吃的。请原谅。它们太可口了，那么甜，又那么凉。”
这不就是一张生活中的便条吗？
这也算是诗？也许你已经惊掉了下巴。
推崇这首诗的人会说：“这首诗口语化，具有轻盈的特质，意境悠远，回味无穷……”而不喜欢这首诗的人也会说：“把一张便条分了行就成了诗，那谁不会写诗呢？”
其实，诗，不仅仅在于形式和语句，更在于那字里行间，有没有一种情愫，能打动人心，让读者久久无法释怀！
这首简单明了白话口语的诗歌，字里行间流淌着日常生活里的体温，这是生活的诗，这是诗的生活！
如果我们理解了诗歌的本质，能在诗歌中表达出自己真挚的情感，形式就真的那么重要吗？
俄罗斯著名诗人库什涅尔曾说过，“生活中的一切都能用诗歌描述”。有很多人称库什涅尔的作品是“日常生活的诗”“观察着身边的一切”。评论家陈晓明评价库什涅尔的诗歌时，也说：“他的诗简洁、纯净。这样一种诗性的力量，影响可能会更为久远。”同学们不妨找他的诗歌来读一读，学学像他这样，用“诗歌描绘生活中的一切”。
最后，享受与人分享诗歌的快乐。
诗歌是需要分享的，否则便容易失去这种写作的成就感。
据说海子曾在某个天空飘着细雨的初春傍晚，到一家饭店对老板说：“我给你朗诵自己的诗歌，你给我酒喝。”老板看着这个身材不高、头发又长又乱、衣冠不整的瘦削而落魄的小伙子，冷冷地说：“我可以给你酒喝，但你不能在这里朗诵你的诗。”于是海子大受打击，从此更加抑郁。
我不知道这个故事的真假，但我知道海子是找错了诗歌分享的对象。
假如你写作了一首诗歌，自我感觉很不错，你可以和朋友分享，也可以向他人请教。假如是位懂得生活的朋友，他一定会尊重你的诗歌，也会乐于与你分享。假如你遇到了一位有情怀的朋友，也许他还会帮你向有关报刊推荐，让你的诗歌有机会变成“铅字”，让更多的人读到你的诗歌作品。
我曾经拿学生们的不少诗歌作品向各类报刊推荐，结果发表了不少。《楠溪江》还曾特意开辟了一个“师生作品”的临时栏目，来发表我和学生们的诗歌作品。
这些慢慢喜欢上写诗歌的同学，不仅写作积极性有了很大的提高，而且写作水平也有了很大的提升，甚至语文成绩也有了提高。
我也曾经遇到过一个学生，当我向学生们介绍完现代诗歌的时候，他在课后拿了一首以前写的诗歌向我请教。我看了大吃一惊，因为他的诗歌水平已经远远超过了身边的同学，甚至，你看了他写的诗歌的第一句时，可能就会和我一样得出这样的结论：这是一个懂得诗歌、会写诗的孩子！这孩子在高中三年里，写出了一本厚厚的诗集，真是了不起！
有一句名言，我特别喜欢：权力使人腐化，诗歌使人净化。
有一年，我读了陆游的《临安春雨初霁》，于是不揣浅薄，写了一首和诗并告诉了我的学生。结果第二天，有好几个学生也和了这首诗。我有一句写“无缘骑马客京华”，结果有个学生也写了一句“无意骑马客京华”，我开玩笑说，他一句诗就把我的整首诗歌比下去了。
我和我的学生享受诗歌、分享诗歌的故事还有很多，我们确信，因为诗歌，我们更加懂得了写作的味道，也有了更多写作的成就感。
同学们，假如有机会，你真该好好读读诗歌，特别是近现代的经典诗歌，它们是如此凝练，如此精彩！假若有一天，你走进了诗歌的世界，你会发现，写作的世界是如此迷人！
2011年6月，《人民文学》等主办的首届全国高校文学作品征集、评奖、出版活动结束，重庆理工大学学生杨康创作的诗歌《我不喜欢有风的日子》获一等奖，获得万元大奖。而这个获奖的理科男生，是在大一时才开始学习诗歌的，获得大奖时，他才读大二。
你心动了吗？心动不如行动。想写好作文，不如先从读诗歌、写诗歌开始。
假如有一天，你真的爱上了诗歌，你也就爱上了写作！
附：
我不喜欢有风的日子
杨康
我不喜欢有风的日子，我怕
一阵从南到北的风，腰肢一扭
就把我单薄的父亲，刮到脚手架边
只要起风，多数的时候就会有雨
更多的时候，父亲就会无处可归
风吹散了父亲刚刚倒出来的水泥
风又把水泥吹到老板身上，吹到父亲眼里
这可恶的风，就这样白白吹走
父亲的半斤汗水。风，吹来暮色和寒意
风吹着，父亲就开始想家，想远方的儿子
时间比陷入泥淖还要缓慢
没有电视和空调，甚至没有一张
舒适的床，用来安放父H疲惫的心
他想着他的儿子，一个在延安，一个在重庆
在广播里听到与这两个城市有关的讯息
他都会忐忑不安，彻夜无眠，直到风止
我不喜欢有风的日子，风是父亲的苦难
我怕什么时候风一吹，就把我的父亲