哥特式风格
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哥特式风格范文第1篇
一、哥特式建筑风格与服装的联系
哥特式建筑整体较为修长，又高又尖。整个建筑形式上扬，具有开阔的底部和高耸的外观，这与宗教文化有着密切的联系。在欧洲中世纪的建筑中，哥特风格盛行，尤其具有代表性的就是教堂，这时候的教堂十分常见，宗教文化对建筑产生了极深的影响，可以说，哥特式风格的建筑是宗教文化的产物。这种建筑形式流行于当时，同时深深影响着这个时期的服装，当时的服装设计也受到了哥特式风格的影响。服装设计不是一种孤立的设计，而是与很多领域相互交叉的一种综合性的设计，它也受到建筑风格的影响。其中，最具代表性的就有欧洲的哥特式风格，它不仅仅是中世纪欧洲服装风格的一种特色，这种风格和审美观念也对现代的服装设计有着很深的影响，并在流行服饰设计中掀起了时尚的浪潮，为人们所青睐。
二、哥特式风格在服饰设计细分中的表现
中世纪，欧洲很多建筑具有哥特式风格特点，这种设计理念也对这一时期的服装设计产生了影响，包括服装的外轮廓造型、细节设计、服装配饰等，都具有明显的哥特式风格。如果联系宗教文化，就不难理解这种风格的诞生了。从某种角度看，这个时期的服装设计是随着建筑风格的变化而变化的。中世纪，服饰也进入了一个丰富多彩的时代，人们的服装朝着装饰化、层次化、复杂化的方向发展。服饰行业也开始细分起来，从服装的设计与制作到花边装饰的制作，以及服装的裁剪、服饰配件（皮带、鞋子、手套等）、服装印染、皮制品加工与定制等，都会有专门的部门。这也体现出当时服装设计内容的复杂以及服装在细节表现上的精细程度。
三、哥特式风格与服装外形
哥特式风格对服装外形的影响，是其风格表现中最为明显的部分。从整体轮廓上来看，其服饰整体以瘦、窄的版型为主，在上装中，服饰的袖子以泡泡袖、耸肩袖等高高挺起的袖型为主要特点。从服装的配件上来看，帽子会具有尖锐的形状，鞋子也会长长、尖尖的，或具备富有尖锐棱角的造型。所以，在哥特式服装中经常会看到帽子很高很尖，鞋头尖而又翘起，肩部或者衣角的轮廓都会有明显的尖锐感。这一时期，为了突出服装的紧身性，款式、造型上都发生了很大的变化。其设计特别注重收腰和服饰的立体感，服装的裁剪方式也发生了重大的革新，开始注重立体裁剪，尤其是省道的变化。所以，从哥特式风格的服装中，人们可以看到明显的曲线感和三维效果。这种风格也是人们对传统服饰造型审美观的一种革新，对于服饰款式而言，这是一个承上启下的关键点。从此，哥特式风格的服饰渐渐向着越来越注重制作细节、具有越来越多的款式结构变化的方向发展。
四、哥特式风格与服装装饰
首先，哥特式装饰表现在丰富的刺绣装饰上。这种装饰大量地出现在服饰中，体现一种繁复的气息。其次，服装部位的立体装饰。领子的部位卷起，如，有的领子大大地翻卷出来，还有各种花边的造型；袖子上会垂下很多的装饰布，可以是多种色彩的，材料也是多样的，而且有长有短，配在袖子上显得非常有节奏感。五、哥特式建筑风格与现代服饰哥特式建筑的设计给当时的服饰设计带来了启示，大大增强了服饰本身的美感，契合人体曲线，满足了人们的物质要求。同样，它对于现代服饰的影响也是不可忽视的。从20世纪70年代开始，摇滚风格盛行，其也被称为朋克之风。这种风格在服装设计中流行开来，使得服装具有明显的哥特式印记。其中，具有代表性的如JoyDivision摇滚乐团，在他们的服装中就出现了很多哥特式风格的造型，如黑色的皮夹克、大量的蕾丝等。哥特式风格服饰在现代服装中被演绎成一种具有神秘感的服饰，多数以黑色、蓝色等冷色系为主，这种风格具有一种独特的个性，受到一些年轻人的喜爱。20世纪80年代以后，随着音乐产业的发展，这种由建筑风格催生的服装风格也逐渐发展壮大起来。这种充满个性的服饰风格在当时被看作一种非主流的流行文化，具有消极、颓废的特点与鲜明的个性。20世纪90年代，哥特式风格在音乐或建筑领域虽然不是主流，甚至逐渐消退，但是这种风格已经给服装设计带来了深远的影响，深深地渗透到服装设计中，为服装设计的发展注入了一种独特的艺术美感。如今的电影中也存在很多哥特式风格的象征，哥特式风格时尚中永远流行的黑色紧身牛仔裤直到今天依然存在，并被更多的年轻人所接受。近年来，哥特式风格一波一波兴起，哥特式风格的皮包、服饰、鞋子总会受到一些设计师的喜爱，并且在服装风格设计中占有重要的位置，现代设计师的手中不断衍生出新的哥特式文化风格，如近些年D&G品牌服装中的印花风与配色，都是一种现代哥特式风格的体现。
结语
哥特式风格范文第2篇
哥特式建筑风格主要流行于13~16世纪之间。由于当时是西方封建社会王朝的鼎盛时期，宗教气氛浓厚，因此，哥特式建筑风格带有强烈的宗教气息，并且具有华丽、色彩鲜艳和神秘色彩等众多独特的建筑特性。哥特式建筑追求的是一种线性美，每个建筑物都像是要与苍穹相连接一样，高耸的双塔兼之十字平面的独特造型，在高耸双塔上还筑有塔尖。这种美学观念在西方封建社会时期大行其道，与封建的宗教思想有莫大的关系。哥特式建筑物内部通常都是采用尖细的石柱作为族柱，并且在族柱上雕刻有浮雕等众多艺术元素作为内部装饰。其自身高耸直挺的建筑外形和华丽内部装饰风格都带给人们一种强烈的视觉震撼。在阳光照耀下建筑物色彩纷呈、造型奇特华丽，并且带有强烈的宗教气息。
2.现代建筑的基本要求
2.1先进的设计理念是现代建筑设计的基本要求
经过几百上千年的发展，传统的现代建筑设计已经越来越无法满足人们关于建筑设计多样性的要求。因此，根据以往传统的建筑风格进行设计创新，现代建筑随着经济和技术的发展正在呈现出一个井喷的发展趋势，人们对于建筑的多样化需求心理也在日益的强烈，在这样的环境下进行建筑设计创新是非常迎合市场的一个重要契机。先进的设计理念是现代建筑设计的基本要求，因此现代建筑设计要具有一定的科学性和合理性，还要迎合现在人们对于环境绿化和生态的重视程度，才能满足人们日益膨胀的建筑需求。
2.2现代建筑结构设计上的具有很强的合理性而且功能上也比较多样化
现代建筑设计具有很强的合理性，其理念大大有别于以前的传统建筑设计，而是更加注重科学化合理化的建筑计算和设计，从材料和建筑方式上都进行各种革新，给建筑性能方面带来很高程度的提升。同时，现代建筑设计也摆脱了功能单一的困境，相对于传统建筑功能比较单一的特点，现代建筑其功能多样化且能满足人们和社会的各种需求。
2.3现代建筑技术和手段不断在提升，使得建筑寿命也在跟着提升
传统建筑设计寿命只有50-70年，并且在居住使用过程中容易出现老化和损伤，有时甚至情况会比较严重。与传统的建筑设计相比，现代建筑设计则更加注重材料的选择和技术的使用，更多地使用新的设计手段，使得现代建筑较传统建筑在牢固程度要提升很多，并且寿命也会延长很多。
3.哥特式建筑在现代建筑中的价值和影响
随着人们生活水平的提高相应的对各种审美感官也在提高，其中尤其以对建筑审美需求变化最为有代表性。传统的建筑风格不论是从外部还是内部都显得很单一，没有形成一定的风格特点，乏善可陈的建筑风格远远落后于现代建筑市场的需求，也无法满足人们日益提高的审美需求。对于现在建筑来讲必须要有更加独特的建筑风格或者新颖的造型和舒适的内部环境才能达到人们的审美需求。而哥特式建筑风格早在1840年就已经开始对中国的建筑产生了一定的影响，也从这个时期开始中国出现了大量了结合欧式风格的建筑物群体，人们喜欢探索历史喜欢追求新鲜和神秘感十足的事物，越是历史悠久的东西越能够让人们对于它本身的价值产生认可。而哥特式建筑风格这种具有悠久历史，并且也在建筑物上形成一定影响和独特造型的建筑形式，更加是人们所追求和向往的目标。中国国内目前不乏有哥特式风格的建筑，不过基本都是以教堂为主的早期建筑物，这些哥特式建筑都不是经由国人自己设计建筑，要将这种风格运用在具有中国文化特色的建筑市场中来，还是一个有待开发的全新领域，将这两种不同概念不同风格的建筑理念进行融合创新，必然会给现代建筑带来一个全新的创意高度。
4.哥特式建筑在现代建筑中的运用
哥特式建筑风格不论在欧洲还是国内，都已经对现代建筑形成了很深的影响，欧洲也已经在现代建筑中运用了哥特式建筑风格，将古老的哥特式建筑风格融合到现代建筑中来，产生了众多造型独特、风格别致的建筑群体。而国内在现代建筑领域这块还没有开始引用哥特式风格，在建筑风格创新上已经落后于国外，我们不能墨守成规一直沿用传统的建筑风格，面对需求日益高涨的群众心理需求，就必须要有对应的价值建筑去迎合群众这种心理。哥特式建筑不论从造型还是内部装饰上，都有值得国内现代建筑借鉴和运用的地方，国内目前的现代建筑设计大多都是传统文化元素，在众多建筑群体中已经没有其鲜明的特点，而将欧式风格的哥特式建筑运用融合到国内的现代建筑中来，两者之间在文化上具有一定的贯通性，都有一定的历史过程，都具有浓厚的文化气息，可以有绘画雕刻等元素也让两者在某种程度相吻合。合理科学精确的将两种风格文化进行结合取长补短，从建筑外形内部装饰和周边环境进行建筑上的创新，创建出一种全新的建筑风格，是目前国内现代建筑最需要面对也是必须革新的一个重要方针。
5.结语
哥特式建筑风格不仅从其诞生之始就对整个欧洲建筑艺术的发展产生了巨大的影响，还对现代建筑设计也同样具有很大的影响力。随着经济的发展人们生活水平的提高，对建筑的要求和建筑风格也在逐步提高，不仅追求要吃的好，穿的好，而且更追求住的好，住的舒服等健康理念。所以现代建筑格局风格都必须要进行一系列的改革，创新创造出更多新颖造型和内部唯美装饰的建筑群体，才能满足人们日益强烈的建筑审美居住需求。传统的建筑模式和风格都过于单一格局简单，将哥特式建筑融合到国内的现代建筑中，必然能够给现代建筑带来一个飞跃式的发展。
作者:高峰 单位:中国电建集团华东勘测设计研究院有限公司
参考文献:
[1]王振宇.华彩乐章——英国哥特式建筑[J].安徽建筑.2011（01）
[2]任辉.哥特式建筑的美的研究[J].文艺生活（艺术中国）.2010（05）
[3]李磊.浅析哥特式建筑的结构与其轻盈向上的气质[J].齐齐哈尔大学学报（哲学社会科学版）.2009（06）
[4]陈杭.关于哥特式建筑风格与巴洛克式建筑风格在我国运用的初探[J].现代经济信息.2015（04）
[5]余小梅.浅谈中世纪哥特式建筑艺术[J].美术教育研究.2014（16）
哥特式风格范文第3篇
【关键词】哥特式 教堂建筑 民主性 世俗化
公元13世纪期间，伴随着中世纪后期欧洲城镇的兴盛和商业崛起，整个社会产生了重要的变化――权利渐渐由封建城堡向城市转移。城市越来越富裕，而封建领主却越来越穷困。权利的转移为无业农奴提供了更多的工作机会。人们感到“城市的空气是充满自由的空气”，因此，大量无业农奴奔向城市。这时的他们大部分不需要依附于封建主生存，越来越不被土地所束缚。
此时形成的新市民阶层（西欧商人阶层）对哥特式建筑的产生和城市化（Urbanization）进程的贡献是不可忽视的。这一时期呈现出前所未有的世俗化风气。基督教传统中那些原罪学说、禁欲主义和固化的神学教条开始动摇了。商人的政治力量和经济势力在不断增长，他们以极大的热情探讨城市生活，纷纷出资赞助教堂的修建。就在这种世俗化的风气下，诞生了哥特式建筑。新风格的教堂成为了城市公共生活的中心、市民的公共空间。从这点上来说，也许从哥特式教堂建筑的起源开始，其民主性就已然奠定。
一、教堂建造的普遍化
“哥特”最初的意思是“野蛮的”，因此其粗鄙之处不必讳言，然而它的生命力却无比旺盛。拉斯金认为哥特式艺术执着地追求着崇高的无阶级民主目标，“任何建筑如果得不到穷人的欣赏，就不是真正值得欣赏。所以，从本质上来说，文艺复兴时代的建筑是卑鄙的，而哥特式建筑是高尚的。因为前者自命不凡，后者则非常谦卑。”①
诚如拉斯金所言，高尚的哥特式教堂建筑不再仅属于宗教，而是包括穷人在内的全民所有。哥特式建筑的发展历经了几百年，不曾受限于某个具体的国家或，从苏格兰到西西里，遍及整个欧洲。除教堂建筑之外，受到影响的还有宫殿、城堡、住屋、衣饰和家具。乡村小教堂建筑也引用了哥特式主教堂成熟的形制和方法，耸立起尖尖的钟塔。
不分阶层、不分种族的传播呈现出哥特式建筑最大的民主性特质。哥特式建筑是一个十分开放的技术与形式语言体系，最标准的哥特式教堂建筑的概念是模糊的，人们只能通过局部来辨认。也正因如此，没有教条的哥特式建筑在各地流传的时候，产生了形形、特征明显的地域性风格流派。即便在法国和奥地利，其各自的哥特风格也是多样性的，有垂直风格、火焰风格、装饰风格等。
二、教堂建造的全民化
民主建筑首先必须是属于大多数人民的，而市民在哥特式教堂的建造过程中无疑是主导力量。12世纪以前，教堂建筑受封建贵族的管制。其设计一般都是由修士完成，参与建造的工匠地位底下。到了12世纪，城市的发展改变了这一格局。逐渐壮大的市民阶层开始自主兴建教堂和公共建筑，并经常讨论聚会，公然表达他们的权利。为了兴建一座教堂，全社会的各个团体都承担义务。自由的社会氛围使许多人愿意免费提供劳动力。在法国夏尔特大教堂的建造中，公民结伴相继将建筑材料运送至工地。建造大教堂成为了全民族的事业。以中世纪的法国为例，全民在不到100年的时间内（1180―1270年），大约建造了80座宏伟的大教堂。庞大的数字足以见证人民的力量。
相比“禁欲”的罗马式教堂，哥特式建筑因市民文化开始大量使用装饰。哥特式将建筑审美的话语权交给民众，因此在教堂中，每一段装饰、每一处纹理、每一个雕塑，都来自不同的创作者。这些作者却是被要求匿名的，这让建筑更好地代表了最广大的民众。作为公共建筑，哥特式教堂的装饰题材非常全面。城市生活中各个行业的题材都可以进入教堂的装饰，只要其中的人为教堂的建设贡献了力量。农民收庄稼、教师上课、公共集会等日常生活场景和一些民间故事题材也融入其中。装饰题材的全面既能凝聚教众的感情，同时也反映了哥特式建筑广泛参与性的特点。欧洲各地的人们为了建成这些辉煌的“上帝颂”，经历了重重困难和牺牲，每座大教堂都是所在城市的骄傲。
三、教堂装饰的易读性
优美又夺目灿烂的玫瑰花窗是哥特式建筑的主要墙面构件。不难看出，玻璃上的画像成为教堂说教的一种重要方法。每格玫瑰花窗里的图画都绘有圣经故事，内容复杂、形象多，并具有一定的情节性。位于法国的圣礼拜教堂的彩色玻璃窗上就描绘了近百个圣经故事，这些画像讲述着宗教的历史和发展。在大多数群众没有文字阅读能力、又没有带插图的书籍的年代，当群众在教堂集会时，这些窗上的画像不失为一种易读的“图画故事书”，组成了穷人的《圣经》或“傻子的圣经”，即文盲也能从中领会教义，被大众所接受。对于中世纪去教堂的信徒来说，进入阴暗的教堂内部，必定都被墙面上闪烁着的彩色玻璃窗深深打动和说服过。由此，哥特式建筑装饰对穷人的关怀和爱护显而易见，而此时的教堂也无意识地包含了最朴素的人本思想。
结语
罗斯金在《建筑的七盏明灯》中谈到，建筑是一种祭祀品，凡是高尚的建筑都必然对人的思想产生影响，而不仅仅为人提供服务。哥特式教堂就是这样的建筑。辉煌的哥特式教堂建筑艺术贴近人民，贴近生活，给世界各国都带来了巨大的影响。那遍布各地的哥特式教堂及大大小小的哥特式建筑便是最好的证明。
民主是造就哥特式教堂建筑强大生命力的核心品质，也是我们理解哥特式教堂建筑的要点。哥特式教堂建筑告诉了我们：落后的“蛮族”同样可以造就不朽的辉煌。或许正是“蛮族”削弱了贵族意识，使建筑为全民所参与，为全民所理解，也为全民所用，最终成就了欧洲史上一颗灿烂的明珠。
注释：
①约翰・罗斯金.建筑的七盏明灯[M].张U，译.济南：山东画报出版社，2006.
参考文献：
[1]方晓风.哥特建筑的力量――平民性与整体性[J].装饰，2009（11）
哥特式风格范文第4篇
一、蒂姆伯顿的人生经历
蒂姆伯顿小时候性格十分孤僻，是一个孤独、不合群的叛逆少年，他时常呆在家里幻想自己的神奇世界，并用绘画的方式将他们记录下来。除了画画以外，蒂姆伯顿还十分喜欢看老电影，特别是那些B级恐怖电影，这也深刻影响了伯顿后来的电影风格。伯顿于青年时期开始在加州艺术学院学习绘画，并借助迪斯尼赞助年轻动画人的奖学金开启了自己的电影之门，其早期作品如《大冒险》等等都获得了不错的票房成绩，也使得他受到了更多的关注和期待。后来蒂姆伯顿导演了一部向恐怖电影演员文森特致敬的恐怖动画片短片《文森特》，虽然这部动画因为不适合儿童观看而被永久禁放，但是伯顿所擅长的黑暗阴冷的哥特风格却在这部短片中得到了集中的体现，这一风格也被延续到了其今后的许多电影作品当中。
二、蒂姆伯顿哥特式电影的风格元素
蒂姆伯顿的哥特式电影中的场景多为墓地、城堡、静谧小镇等等；其主要人物多为阴郁、孤僻、怪诞，但内心纯净善良的吸血鬼或者体弱青年；而故事情节多描写黑暗、空虚、孤寂等故事；手法则以对比最为见长。
（一）蒂姆伯顿哥特式风格电影的场景元素
蒂姆伯顿的电影中充斥着哥特式电影特有的故事场景，无不体现出阴暗、诡秘、奇幻的色彩，比如《剪刀手爱德华》中爱德华所生活的古堡，杂草丛生，阴云密布，整个古堡都满是灰尘，门窗也十分破败，主人公爱德华在这样的环境中却依然保持着一颗纯洁的心灵，这种阴森与美善相结合的形式给人耳目一新的感觉。又比如《黑影》中的科林斯所生活的古堡，由于家族的破败也变成了一座满目疮痍，十分荒凉的不毛之地，影片前半部分的这种场景选择和设计对于烘托哥特式的恐怖神秘的氛围很有助力，科林斯的后族在这样一座古堡中过着现代人的生活，家人之间的性格不同，对话的氛围也很诡异，这些细节都仿佛在预示着一场争斗蓄势待发，这是蒂姆伯顿常用的表现手法。
（二）蒂姆伯顿哥特式风格电影的人物元素
哥特式电影的主人公常是披着斗篷的吸血鬼或者是性格孤僻，面色惨白的体弱青年，因此蒂姆伯顿的电影中也常以这两种人为主角。提到这里就不得不说到一位深受影迷喜爱的演员了，他是蒂姆伯顿的御用演员，他的外貌和表演风格每每都能将伯顿镜头中的角色诠释得淋漓尽致。他就是曾出演过《加勒比海盗》、《剪刀手爱德华》、《断头谷》等一系列脍炙人口电影的男演员――约翰尼德普。约翰尼德普白皙的脸庞和忧郁的面容以及表情，加上超群的演技，总是将伯顿镜头中的主人公展现得栩栩如生，比如《剪刀手爱德华》中的爱德华，脸庞瘦削，头发凌乱，虽然语言并不多，但是眼神中却传达出许多的情感信息。《黑影》中的科林斯也是一位面色惨白的吸血鬼，但是不同于爱德华，科林斯在高贵中透露着可爱，但却依旧孤独无助。约翰尼德普用一个个肢体动作和精准的表情将人物性格特点展现得十分到位。再如《科学怪狗》和《僵尸新娘》中的男主人公维克多，虽然这是两部不同的动画电影，前后放映也相隔了7年，但片中的主角不管是在造型还是在性格上都如出一辙，连名字都一模一样，因为他们其实都是约翰尼德普的人偶版，维克多性格孤僻，不爱与人交流，外形瘦削并且体弱多病，这些特点与蒂姆伯顿的童年经历存在着千丝万缕的联系，因此伯顿才形成这样的角色设定，对约翰尼德普更是亲睐有加。
（三）蒂姆伯顿哥特式风格电影的情节设置
一般来说，“哥特式风格多描写满足个人或者争夺财产而引起的迫害、谋杀等不寻常故事”①，在蒂姆伯顿的电影中我们也常常能看到这样故事情节。例如《剪刀手爱德华》中的女主角金，她在见识到了自己男友的丑恶嘴脸之后，开始喜欢上了单纯善良的爱德华，可是金的男朋友却不肯放过他俩，来到古堡与爱德华发生了打斗并最终被爱德华所杀；还有《黑影》中的女巫安娜，她深深地爱着科林斯，但是科林斯却拒绝了她，因此因爱生恨的安娜诅咒了科林斯家族，杀死了科林斯的父母和最心爱的女子，最终也因爱死于科林斯之手，其实安娜是可怜的，她聪明、美丽，但因为爱得太深而丧失了理智，这是“”所引起的谋杀；《僵尸新娘》中的谋杀情节则是因争夺财产而起，艾米丽在人世被谋财害命，最终冤死成为了僵尸；《断头谷》也是因为一场遗产继承风波发引发了一连串的神秘谋杀案。
（四）蒂姆伯顿哥特式风格电影的对比手法
蒂姆伯顿的电影中经常会利用对比手法营造出强烈的发差，从而使人物的性格特点被凸显和放大，让人印象更深刻。最好的例证莫过于《剪刀手爱德华》，爱德华生活在恐怖阴森的古堡里，可他自己却是一个内心细腻，心地善良的“人”，这与他居住的环境形成了对比；古堡阴森恐怖，但古堡不远处的小镇却是阳光明媚，小镇中奇形怪状的植物雕塑和色彩艳丽的别墅都与古堡的风格形成强烈对比；可是小镇中的居民是伪善的、胆小的、势利的，他们会因为爱德华会理发的特长而迅速接纳他，也会因为爱德华的一次失手杀人而立马抛弃他，居民的这种性格和爱德华的性格又形成了对比，这种多重矛盾和对比的集合就制造出了冲突，也让人物性格在环境的映衬下显得更加突出；《圣诞夜惊魂》也是伯顿利用对比手法的一部电影，片中的万圣镇阴冷灰暗，了无生气，而与之相对应的却是圣诞镇灯火通明的欢乐气氛；还有《僵尸新娘》中的环境与人物对比，维克多生活的小镇白雪皑皑，色调灰沉，了无生气，街上看不见几个人，即使有走过的匆匆过客也是低着头面无表情，给人异常压抑的感觉，而鬼怪所生活的世界却是灯火酒绿，欢乐异常的，他们在酒吧里唱歌，喝酒，开玩笑，十分轻松惬意，蒂姆伯顿赋予了鬼怪门开朗、豁达、善良的性格，却将小镇居民刻画成阴险、胆小、势利的小人，这种设计颠覆了人们认知的传统，形成了强烈的对比，也让人印象十分深刻。
三、结语
蒂姆伯顿，一位年幼时性格孤僻、不合群，却在后来跻身成为好莱坞，并获得终身成就奖的鬼才导演，将影片与自身经历结合，形成蒂姆伯顿式的“哥特式”的独特风格，在“商业化”与“理想追求”之间寻求了最佳的平衡。纵观伯顿的影片，不得不说，他的确是哥特式风格的集大成者，在他众多优秀的作品中哥特式风格异常凸显，这也成为了其成功的秘诀。虽然蒂姆伯顿擅长黑暗阴冷的哥特式风格，在影片中黑暗阴冷的氛围的确让观众感受到冷意，但不能忽视的是在其作品中黑暗阴冷背后的真善美与温暖。
哥特式风格范文第5篇
关键词：中世纪；哥特式建筑；哥特式家具
中图分类号：J59 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）08-0101-01
谈起哥特风格，笔者认为首先要提到的就是它对建筑的影响。特式建筑的特点是尖塔高耸、垂直的，据说有感于森林里参天大树，人们认为那些高高的尖塔与上帝更接近。
哥特式建筑的精华体现在当时教堂建筑上。其中以法国的巴黎圣母院，德国的科伦大教堂，意大利的米兰大教堂，英国的沙里斯堡大教堂最为著名。哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。而在教堂的外部有设计者设计有许多高耸的尖塔，墙壁较簿，窗户较大，饰有彩色玻璃的图案，以体现其精细华丽的外表。内部圆柱较细，光线比较充足，门前饰有许多形象生动的浮雕和石刻。哥特式建筑符合教会的要求，高耸的尖塔把人的目光引向虚无飘渺的天空，使人忘却今生，幻想来世。
哥特式建筑以卓越的建筑技艺表现了神秘、哀婉、崇高的强烈情感，对后世其他艺术的发展产生了巨大的影响！
如果说哥特式建筑远离了大众的生活，只是教会为了显示权利的象征，那么哥特式家具，则拉近了艺术与大众的关系。
中世纪的哥特式风格家具，多为当时的封建贵族及教会服务，其造型和装饰特征与当时的建筑一样，完全以基督教的政教思想为中心，旨在让人产生腾空向上与上帝同在的幻觉，造型语义上在于推崇神权的至高无上，期望令人产生惊奇和神秘的情感。同时，哥特式风格家具还呈现出了庄严、威仪、雄伟、豪华、挺拔向上的气势，其火焰式和繁茂的枝叶雕刻装饰，是兴旺、繁荣和力量的象征，具有深刻的造型寓意性。哥特式家具是人类彻底地、自发地对结构美追求的结果，它是一个完整、伟大而又原始的艺术体系，并为接踵而来的文艺复兴时期家具奠定了坚实的基础。
而在整个错综复杂的中世纪中，英国的哥特式家具的发展是体现出西欧家具最为辉煌的一面，时至今日也被人称赞。
椅：直到16世纪晚期椅子是一种十分稀有的家具。在中世纪它被认为是一个权力的象征。在一间房子里只有房子的主人和贵宾才能使用。连最好的城堡者份民少有超过两把椅子的。而箱子、带篷的高凳高背长靠椅、凳子和长凳一般是用来坐的。那些主要的、典型的英国哥特式椅子用橡木做成像箱子一样的带高靠背、边和扶手的直线形。这因它的结构坚固而著名。座面下面的部分通常情况是一个箱子形式，座面被铰接到箱子上。在哥特时期，在英国出现的几把官座形式的椅子，无疑是临幕意大利的作品。
另一种类的栋树椅，在英国早期就有发现，是一种由三条腿支成三角形，可旋转的木制椅。这种椅子继续被使用、并继承了英国女王伊丽莎白一世的风格。
床：直到16 世纪，床都是由简单的木板隔里而成的，大部分都装有床帘，一般用细绳与天花板连接。有时为装床帘还搭建轻的框架。在宫殿和城堡中的床帘通常是用昂贵的织物制成的。在16世纪时期，它开始模仿伊丽莎白女王的床的样式，有四根木头柱子支撑床帘并且带有床头板。带有顶棚的床是否出现在16世纪中叶以后，这个问题目前还有争议。
英国家具的制造者在哥特式风格期间利用很多装饰图案。雕刻一直是家具表面装饰中最受欢迎的表现手法。雕刻窗画经常采用凝固和刺透的方法。亚麻布层图案就像亚麻布在狭窄垂直的摺层里排列一样，佛兰德的工匠在中世纪似乎引进过这种图案。它非常适合于装饰板式家具，如木制椅和棺圈案的处地即几乎都是从简单到复杂、并且旦多样化的。在英国，处理图案一般都很简单。从项到底都是一种呈S形曲线的摺层。检验、组雕刻的拱侧被做在金属薄板上下。雕刻的成蜂窝状图形也被使用。其他受欢迎的哥特式图案还包括哥特式三叶饰，四叶饰和五瓣花饰.尖顶，纹章图案和一种被称为花球的时尚图案。
经过了多年的洗礼，哥特式家具一路走到了新世纪的今天。而我们也不难发现，时至今日，有许多人还是十分喜欢哥特式家具的，不只是因为这样的家具代表了使用者的身份地位和品味，其更体现的是这个时代背后的缩影！
而在这种现象的背后，则是人类彻底地、自发地对结构美追求的结果。哥特式艺术是中世纪最伟大的成就，从内容到形式都具有显著的价值，无论建筑工程技术或艺术手法都达到了惊人的高度它是一个完整、伟大而又原始的艺术体系，并为接踵而来的文艺复兴时期奠定了坚实的基础。
参考文献：
[1]董零慧.《西方古典家具论史》第三章上.
哥特式风格范文第6篇
服饰是一种文化，它反映着一个民族的文化水平和物质文明发展的程度。服饰具有极强的表现功能，在社交活动中，人们可以通过服饰来判断一个人的身份地位、涵养；通过服饰可展示个体内心对美的追求、体现自我的审美感受。
服饰是文明的标志之一，服饰特色体现着民族文化特色，反映着一个时期的时代背景和当时人们的生活状态和心理特点，因此，不同的历史时期出现了不同的服饰风格。哥特风格就是其中非常典型、非常有特色的一种。图1就是典型的欧洲哥特风格的鞋子设计，是当年最潮的超长尖头鞋，不过现在看来有些像马戏团里小丑的道具。但“存在的就是有道理的”，为什么哥特风格的鞋子会呈现出这种令现在的人看来匪夷所思的外形特征？这就必须追溯哥特风格的由来，探寻当时产生的社会背景和文化审美意识。
图1 哥特式鞋子 年代：1300年
“哥特（Gothic）”这个词的出处，最早来源于欧洲早期的一个叫做西哥特的部族，这个以破坏和掠夺为乐的部族以无知和缺少艺术品位而著称。13―15世纪，西哥特人入侵了意大利并了罗马帝国，正是这些哥特人创造了以建筑为代表的带有独特风格的艺术，所以这种艺术风格被概括为“哥特式”。哥特式风格最初用来概括欧洲中世纪，特别是12―15世纪的建筑、雕刻、绘画和工艺美术。“哥特”是文艺复兴时期的意大利人文主义者借以用来形容“野蛮”的，并用以表达反对封建神权、倡导复兴罗马古文化的愿望。
哥特式艺术风格的产生与宗教密切相关，因而首先表现在教堂的建筑风格上。“哥特式”建筑风格是一种以尖顶、尖形拱门、肋状拱顶为最显著特色的建筑风格，整体风格为高耸削瘦且带尖，以卓越的建筑技艺表现了神秘、哀婉、崇高的强烈情感。
由于中世纪的欧洲是基督教统治时期，因此基督教对社会各种文化艺术类型的影响巨大。基督教是信奉耶稣基督为救世主的各教派的统称。基督教信仰上帝，认为上帝是独一真神，是天地万有的创造者，是历史的主宰，只有上帝能拯救他的百姓。基督教宣讲天国的福音，劝人悔改，转离恶行。所以这一时期各种形式的大型宗教建筑在各地大量修建，对上帝和天堂的膜拜和向往使得这种宗教意识和社会心理集中反映在以教堂为主的建筑风格中。尖肋拱顶、尖形拱门、大窗户及绘有圣经故事的花窗玻璃、修长的束柱等都营造出轻盈修长的飞天感；肋状拱顶增加支撑顶部的力量，使整个建筑以直升线条为主，雄伟的外观和教堂内空阔空间，再结合镶着彩色玻璃的长窗，使教堂内产生一种浓厚的宗教气氛。哥特式建筑的魅力来自于比例、光与色彩的美学体验，即通过对光的形而上的沉思，通过对数与色的象征性理解，使灵魂摆脱俗世物质的羁绊，迎著神恩之光向着天国飞升（见图2）。教堂的平面仍基本为拉丁十字形，但其西端门的两侧增加一对高塔。哥特式建筑的总体风格特点是： 空灵、纤瘦、高耸、尖峭。尖峭的形式，是尖券、尖拱技术的结晶；高耸的墙体，则包含 着斜撑技术、扶壁技术的功绩。而那空灵的意境和垂直向上的形态，则是基督教精神内涵 的最确切的表述。高而直、空灵、虚幻的形象，似乎直指上苍，启示人们脱离这个苦难、充满罪恶的世界，而奔赴“天国乐土”。
图2 哥特建筑风格大教堂
作为和神学的表达形式，中世纪的艺术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。为此，它往往以夸张、变形、改变真实空间序列等多种手法来达到表现的目的。最富盛名的哥特式建筑有俄罗斯圣母大教堂、意大利米兰大教堂、德国科隆大教堂、英国威斯敏斯特大教堂、法国巴黎圣母院以及凯旋门。当时教堂已不再是纯属宗教性建筑物，它已成为城市公共生活的中心，成为市民大会堂、公共礼堂，甚至可用作市场和剧场。在宗教节日时，教堂往往成为热闹的赛会场地。所以这种建筑风格被迅速推广开来，影响到世俗建筑、绘画、雕刻和工艺美术品，同时也影响到了服装风格。
哥特式服装在服装形象上显示出哥特式教堂建筑般的风格。从头上看起，这一时期有的男子以饰布在头顶上缠来缠去，堆成了鸡冠样的造型，另一头则长长地垂下来；有的从胸前绕过，搭向另一边的肩后，被称为漂亮的鸡冠头巾帽。男子所戴的罩帽披肩，头上造型也是尖顶的。男子的罩帽披肩就是上端为尖状，下端与小披肩相连，同围裹式衣服有某些相似之处，叫夏普仑。尖头鞋是哥特式服装的一种典型。在12―14世纪，尖头鞋或直接在袜底缝上皮革的长筒袜，都是将鞋尖处做得尖尖的，尖头鞋有延伸腿部比例的视觉作用。到15世纪时，鞋头之尖状的程度，已经令人瞠目。而织物或服装表现出来的富于光泽和鲜明的色调是与哥特式教堂内彩色玻璃的效果一脉相通的。从图1的鞋子设计中就可以强烈的感受到这些特征，深红色是典型的哥特服饰色彩之一。
哥特式服饰多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。哥特风格的服饰特别重视外表的浮雕效果和线条。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。裙长是一种等级的标记，只有高贵的太太们才允许后摆拖地。尖头鞋也是其中的一个典型。在12―14世纪，尖头鞋或直接在袜底缝上皮革的长筒袜，不分男女，都是将鞋尖处做得尖尖的，鞋尖长度代表穿者的地位。一般规定为六英寸，绅士十二英寸、贵族十四英寸、王族不限制、贫民不准穿。到15世纪时，鞋头之尖的程度，已经令人瞠目结舌。从图1的鞋尖长度就可以推测出此款鞋子的主人一定是位王族。这种艺术设计形态是典型的意态模式的表现，将、等级制度观念和纤细修长的审美意识理性的融为一体。
从图1还可以看出西方鞋子发展的历史进程。图1的鞋子设计采用的是和袜子设计类似的纺织品，与其说是鞋子，也可以说它是袜子。和中国的鞋子发展的历史进程一样，西方也经历了鞋袜一体的时期。
但这样的尖头长度难免会让人对它的使用功能产生怀疑，对行走的便捷定会产生一定的阻碍，而且现在的科学研究也证明了尖头鞋对健康有一定的危害。现代骨科医生指出，尖头鞋的鞋头又窄又扁，在设计上存在伤脚的缺陷，长期穿着容易磨损脚部；而脚趾的互相挤压，又有可能导致足部“横弓”、“中弓”部的塌陷、陷肌，甚至导致脚趾变形、拇趾外翻、脚趾重叠等。另外，长期穿着还会引起足底纤维、脂肪增厚而长出“鸡眼”，或是肌肉发炎，严重的还会引致脚骨变形，损及膝关节和脊椎骨。但在流行此风格的中世纪时期，不遗余力为追求流行、彰显身份的女士们，不但比较谁的鞋最尖，为了将脚尖挤进那尖而窄小的鞋子里，当时甚至传出有女性把小脚趾切掉，好把脚尖挤进细鞋头的惨剧。
由此可见和社会阶级分化的等级制度对社会各层面的影响是巨大的，已经超越了人们对自然身理特征的审美。哥特风格的尖头鞋如同中国的“三寸金莲”一样，同是一种异化的封建审美心理。在中国宋朝广为流行的“三寸金莲”的审美模式使当时的人们普遍将小脚当成是美的标准，而妇女们则将裹足当成一种美德，不惜忍受剧痛裹起小脚，和哥特的尖头鞋有异曲同工之处。
哥特式风格范文第7篇
关键词：哥特式建筑 花窗格 肋拱 几何图案
15世纪末是哥特式建筑艺术创造性发展的辉煌时期，这些建筑的形式对于官方权威的设计是一种巨大的颠覆。这个时期，极其精致和赋予想象力的哥特式建筑艺术在欧洲许多文化中心发展起来，在著名的赞助商和负有盛名的艺术家滋养下，哥特式建筑风格的兴盛一直延续到1540年左右。1520年，随着各种风格的技术处理成为可能，哥特式艺术风格和意大利艺术风格呈现出并肩发展的面貌，这在欧洲北部的很多城邦都有表现，以及著名的艺术家如荷兰的扬・戈萨尔特（Jan Gossaert）、巴黎的皮埃尔・尚毕日（Pierre Chambiges）、诺曼底的罗兰・勒洛克斯（Roland Le Roux）、阿尔萨斯的伯纳德・洛勒马彻（Bernard Nonnenmacher）、巴伐利亚的艾哈德・海登赖希（Erhard Heydenreich）和波希米亚的本尼迪克特・列特（Benedikt Ried）都同时表现出这两种风格。本文重点研究的是哥特式建筑中的几何装饰，侧重于图形的视觉符号意义，探讨窗花格图案和肋架结构可能实现的潜在功能。
一、欧洲各城邦的哥特式建筑中几何图案装饰的表现形式
对15世纪末到16世纪初的建筑师来说，丰富的想象力和创新的装饰是同等重要的因素。事实上，人们现在常常用“火焰式”来形容晚期的法国哥特式建筑风格，这个术语来源一个特别的装饰特征：1500年左右在一些法国教堂中出现像火焰一样的花窗格造型――这是装饰三角墙的典型图案，以及建于16世纪初期的圣三一教堂的玫瑰窗花和外墙面。16世纪的建筑师洛伦茨・莱歇尔把晚期哥特式风格称为Zippernwerkh，这个词也和装饰语汇有关，似乎是形容一个不规则花窗格的形状演化而来。
在许多重要教堂的装饰中，几何图案装饰成为内部结构中不可缺少的特征。与德国一样，奥地利、尤其是捷克共和国，晚期的哥特式建筑师在教堂的内部相应地雕刻出明显的几何图形。15世纪末，分散的几何图形组成的错综复杂和新颖的装饰越来越普遍地被放在突出位置：中殿和小教堂的拱顶，画廊栏杆，教堂配备设施和装饰的金属包层部分。布切曾说，这些越来越复杂的装饰，将很快成为建筑中的独立领域，许多幸存下来的建筑中的几何结构就是证明，而其他因素诸如纸的运用为其发展提供了支持，使更多的哥特式建筑草图创造得以实现。事实上，大多数哥特式建筑图纸都是从十五世纪到十六世纪创作的，有的图纸画得非常复杂，甚至于它们的样式从来就没有建造出来，它们只是作为脱离客观现实的艺术表现。当然，如果这些几何图案以雕刻的花窗格或是拱顶装饰的形式布置在教堂内部时，它们就可以读解成宗教神圣的象征了。
相对来说，一些人却很少关注装饰形式，一方面是长期以来装饰与建筑的基本属性无关，另一方面是人们存在一种偏见，认为繁复的装饰是颓废和衰败的象征。就连善解人意的晚期哥特式评论家弗朗索瓦・布赫尔也认为卢维尔斯、阿尔比和斯特拉斯堡的门廊装饰过分繁复。他还指出位于英戈尔斯塔特西部小教堂中华丽的拱顶是“那个垂死风格的最后一个坚持者，基于规则的几何网格发展成了令人难以置信的技术和复杂的火焰设计形式。”这是流行的现代主义美学代表性评论，他们认为装饰和结构是必然冲突的，与建筑的功能原理必然相对立的。然而，从伊斯兰的雕刻到20世纪的建筑，人们逐渐认可了装饰属于建筑体系中的一部分，这表明装饰能够强烈地吸引参观者的眼球，扮演着宗教表达和文化革新的有效媒介物。
二、几何图形的拱顶结构
在15世纪时期，拱顶结构的艺术发展显著，在教堂设计方面不断担任着越来越重要的地位，人们逐渐对墙部的关注越来越少，过去的柱子都是多种多样的复合式柱身，吸引人的目光慢慢的往上延伸，现在这些柱子被简单的圆柱或八角形扶壁取而代之，人们直接关注的是雄伟华丽的拱顶上肋架的装饰样式，肋拱日益从基本建筑结构的必要条件中分离出来。
这种风格的典型例子是诺德林根的圣乔治教堂，这座教堂于15世纪初开始修建，在大约1500年才加拱，是由斯蒂芬・卫雷尔和奥格斯堡的建筑师布尔克哈德・恩格尔伯格两人协作完成的。在唱诗班坐席上方，卫雷尔配置了单曲线和双曲线的肋架 ，在拱顶顶点创造出了直线和弧线交叉的复杂线汇。这些肋架形式在每一个突出结构中都形成一个独特的图案，即六边形里包含了四角星。此外，多边形的肋拱在交集处都稍微有一点突显出来，像僵硬的光点。从光学上讲，这个细节在视觉上使得它们与周围的环境相分离，并强调它们作为装饰图案的特性。装饰性的表现是至关重要的，中殿上方的拱顶设计采用了不同的布置：一个由三角形、菱形和长菱形交叉组成的网状图形。和以前一样，几何形状的图案被集中在建筑的特定区域内供人观赏。
在1500年左右时尚的拱顶设计在德国可谓是人尽皆知，它们非常受人们欢迎，就连最小的村庄里的教堂也采用这种拱顶。有时，人们在灰泥制成的廉价肋架外多余的空间表面上习惯地刻印出几何图形。SS教堂和泰洛・拉万特河的保罗教堂顶部极度平滑的木质天花板，为图纸完完本本的诠释成建筑提供了绝佳机会，1516年，教堂的顶部固定了一连串交叉的尖顶拱，在一系列交叉的对角线重叠后形成大的四方形。在奥地利的魏格斯道夫，相交正方形的灰泥装饰线，以及半圆形和四分之一的圆形附在中殿上方的框架里，虽然独特的装饰图案很容易在教堂空间里识别出来，但一些有规则秩序的完美几何图形却只能在水平面草图中才能看到。
这些晚期出现的拱顶画面，对建筑师的创作和成就来说是关键因素。图纸的设计和在立体空间内的实践之间存在一个必然的辩证关系，绘制图纸是最基本的环节，一旦把这些几何图案勾勒在画板上，它们就会被应用于各种建筑装饰之中，尽管拱顶的建造受工程的实际因素所制约，但建筑师还是不断地勇于挑战有创新的拱顶设计。许多建于1500年的德国教堂拱顶上的几何图形设计最让人印象深刻，它们如苍穹般在教堂、唱诗班坐席和中殿上方延伸开来。维也纳的一张绘图显示几何图形设计成拱顶上的网状肋架形式，在德国、法国、奥地利和捷克也发现了这样的装饰形式，而且，肋架处的链接意味着一个信号，表示到了新的聚集点，这个图纸绘制出很清楚的二维图像，但是在实际施工中会模糊这个几何图形构造的规则性。当然，某些图纸的绘制只是为了表现设计者的自我炫耀，它们的功能不是为充当未来制作阶段的辅助手段。
三、几何图案的花窗格装饰
大教堂内部经常采用含有几何图形的花窗格的栏杆与围栏来呼应拱顶的装饰，与早先的装饰不同，16世纪的装饰更加出色，设计也更复杂，倾向不完整和互相穿插的图案形式。诺德林根的圣乔治教堂就有几个是这样的花窗格，讲坛是由奥格斯堡的工匠于1499年连接到旋梯的，旋梯前是错综复杂的网状结构，这个几何结构的特点是破碎、交错的圆聚集成一个网格结构。虽然个别的元素可以识别，但整体设计的逻辑仍然是一个隐匿的不解之谜。1506年由史蒂芬・卫雷尔设计的讲坛中的栏杆与西部楼廊相结合，这也是一个由破碎的圆弧和圆组成的图案，给参观者留下深刻的印象。
这种设计的另一个突出体现就是奥格斯堡大教堂唱诗班席位的西面墙壁和关口，气势恢宏的屏障是迎接参观者进入教堂的首要入口。这个结构来自布尔克哈特・恩格尔伯格的作坊，大约1501年完工，网状的栏杆位于装饰带的上端，装饰带雕有连续的半圆图案，各种弧线都在弧的另一端结于一点，显示出三种不同的尺寸，一旦观察出这个图案的特点，就很容易发现通过逐步增加最小圆圈的半径来增加半圆的直径的规律。即使紧凑和重复的图案模糊了精确的数值关系，构图的顺序和比例还是能很容易地被察觉。
老式庄严的建筑如斯特拉斯堡大教堂和弗赖堡教堂的结构也修建了新样式的走廊，并很快蔓延到哈布斯堡帝国的各个角落。在提洛尔的奈德兰纳教堂，宽广的西部楼廊装饰有网状花窗格的栏杆，花饰是四分之三的圆形，里面填充着叶状三角形和其他的几何图形，沿着教堂中殿隐蔽的花窗格装饰带也是独特的景致。这些装饰虽然不属于建筑的功能结构，却能说明几何学的很多理论,这些花窗格从墙壁上分离出来，像笼子一样将墙壁包裹住，它们吸引参观者进行猜谜，激励人们尝试去发现这些工序在过去通常是怎样制作出几何图案来的。以这种方式，尤・尔根・尤利耶尔在晚期小型哥特式建筑中复杂的几何图形里发现了很多透视技巧和谜语，如斯特拉斯堡大教堂洗礼圣水盆，他认为这些物品的设计者表现了建筑的幽默或讽刺，故意不顺从参观者的期望。玩弄视觉的习惯也成为16世纪荷兰的哥特式设计师重要的喜好，在荷兰，许多雕刻的祭坛装饰品的复杂画面都像谜一样。例如，在罗姆比克的教堂装饰，似乎是用不规则的图形故意让人混乱，找不到头绪，这些作品，激励参观者去发现潜在的比例规则，使它的有序结构得以复原。
结束语
几何图形的拱顶和花窗格设计是为了满足宗教体验的复杂艺术现象，一旦几何图案装饰运用到宗教建筑中，它就变成一种非物质化的、精神性表现的载体。建筑不再满足于把石块仅仅作为具有某种实用目的的材料，不再只根据材料的严格特性处理它，而是寻求从石块无生命的本质中唤醒或发掘出一种先在的、与艺术意志相呼应的表现。在欣赏哥特式建筑时，参观者能够凭直觉感受到这些抽象的几何化装饰暗示或象征着上帝在人世间的存在。
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哥特式风格范文第8篇
关键词：彩绘玻璃；哥特式；教堂；传统工艺
说起传统彩绘镶嵌玻璃，这是一项起源于欧洲的中世纪古老的艺术，也是窗户装饰的一种工艺。我们所熟知的当属哥特式教堂里那些色彩斑斓，神秘绚丽的彩绘镶嵌玻璃窗，它们是世界艺术史上的一朵奇葩，伴随着哥特式教堂建筑艺术的兴起以及基督教思想的兴盛而产生的。丹纳在《艺术哲学》中写道：“教堂内部罩着一片冰冷惨淡的阴影，只有从彩色玻璃中投入的光线变成血红的颜色。变成紫英石与黄玉的华彩，成为一团珠光宝气的神秘的火焰，奇异的照明，好像开向天国的窗户。”
彩绘镶嵌玻璃，简单说来，即用铅条将绘制烧染的彩色玻璃片镶嵌编连起来。组成各种抽象整洁的排列轮廓，并将之与建筑相结合，安装固定在透光的建筑墙体上，通过光线的投射，展现出一幅类似单线平涂的玻璃绘画作品。中世纪的欧洲，在哥特式建筑诞生以后，为了便于采光，窗户不仅数量增多，而且面积加大，几乎占据了建筑的全部壁面，使教堂内部惯用的壁画和壁面镶嵌无力施展，反而这给作画于大面积窗户的中世纪彩绘玻璃工匠师们提供了一个施展绝技的空间，并导致彩绘镶嵌玻璃工艺的兴起。尤其到了公元13至14世纪，彩绘玻璃窗已经成为哥特式教堂建筑不可缺少的组成部分。“没有了阳光，哥特式教堂中的彩绘玻璃也就失去了它的全部意义。”光线在基督教中一直被看作是上帝所赐，人们在所有造物中寻找神圣光线的痕迹实际上也是寻找上帝的痕迹。彩绘玻璃所体现出来的光耀之美对于中世纪的大多数人来说就成为了上帝本性的暗示，也是能够与上帝沟通的一座桥梁。在这种感知论视觉美学理论的印象下，彩绘玻璃艺术所凸现出来的光线作用，自然而然地被罩上了一层神圣的外衣。在当时所有艺术类型中，只有在哥特式教堂中巨大的彩绘玻璃画其接受的光线是直接的，这也是其他艺术媒介不能达到的光线效果。正如Hayward所说，没有其他任何一种艺术能像彩绘玻璃那样直接地受到环境的影响，因为它的美感就存在于光照之中。
文艺复兴时期是彩绘镶嵌玻璃业最为蓬勃发展的时期，它不仅仅只为教堂建筑服务，更变成了一种流行的装饰艺术，玻璃彩绘与彩绘镶嵌玻璃都被广泛运用于居家空间与各种公共建筑中。十九世纪的英国，仿哥特式风潮让许多艺术家与工匠师们重新发掘了很多失传的古代镶嵌玻璃技术，此外，也造就了许多专门设计与制造哥特式建筑门窗的玻璃工作室。
同一时期，移民至新大陆的英国玻璃工艺家波顿兄弟，在美国创立了第一个以哥特复兴式艺术风格为主的彩绘镶嵌玻璃工作室，因此哥特式的镶嵌玻璃在美国广为流传，直到后束美国才发展出属于自己的彩绘镶嵌玻璃风格。提到美国彩绘镶嵌玻璃的历史发展，不得不提的是出现在19―20世纪的约翰，拉法基(JohnLaFargel835―1910)和路易斯，康福特，蒂梵尼(Louis ComfortTiffanyl848―1933)。他们是美国彩绘镶嵌玻璃工艺发展史上最重要的两位人物。他们生长在同一个年代，也是彼此竞争的对手，拉法基与蒂梵尼都着重在开发镶嵌玻璃本身的视觉效果，而非着重在过去所发展出的彩绘技巧。1879年，拉法基发明并注册了混色玻璃一欧派森玻璃，但最后将这种玻璃发展并大众化的，正是他的这位对手蒂梵尼，以至在美国玻璃发展史上，人们将蒂梵尼与混色玻璃视为同义词。蒂梵尼广泛地将这种玻璃运用于各种家居用品上。例如是灯具、门窗等，也就是现在我们所熟知的“蒂梵尼玻璃”
。蒂梵尼用铜箔取代铅条，这使彩色玻璃图案变得越加细腻。蒂梵尼还将此工艺应用于制作当时还发明不久的电灯灯罩上，推出后好评如潮。在之后的争相模仿下，蒂梵尼的各式门窗、灯罩都大为流行。直至今日，当我们说起欧美风格，这些物件都以非常鲜明的特色呈现在眼前。