高师音乐专业
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高师音乐专业范文第1篇
近年来，全国各地的高等师范院校相继开设了音乐表演专业，随着招生规模和人数的不断扩大，音乐表演已逐步成为继音乐学专业之后，高师音乐教育体系的另一个重要组成部分。《视唱练耳》作为高师音乐表演的必修专业基础课程，一直以来都是照搬音乐学专业在该门课程上的全套设置，而并未针对自身专业特点，制定相应的教学大纲、课程内容；在教学方法上也大多沿袭旧的传统和方式。本文正是针对这一现象，结合笔者在教学上的总结和体会，对高师音乐表演专业的视唱练耳教学中存在的问题进行分析，并提出一些自己的见解。
一、明确培养目标
培养目标是否清晰明确，是一个专业的教育质量有所保障的重要前提。
国家教育部在2006年颁发的高校音乐学（教师教育）专业的培养方案中指出，该专业的培养目标是：面向二十一世纪，培养德、智、体全面发展，掌握音乐学科和音乐教育基础理论、基础知识、基本技能，具有创新精神、实践能力和一定教育教学研究能力的高素质的音乐教育工作者。[1]
音乐表演专业的培养目标是：具有一定音乐表演的基本理论和基本知识，并具备较高演唱、演奏、舞蹈等的音乐表演能力，能在专业文化团体、艺术院校等相关部门、机构从事表演、教学以及研究工作的高级专门人才。[2]
由此不难看出，与音乐学相比，音乐表演专业更加突出的是“表演”二字，更加强调的是学生在音乐技能（包括唱、奏、跳等）和艺术实践方面的能力。
具体到《视唱练耳》这门课程上，就应该始终围绕“表演”这个中心，使这门基础理论课程与音乐技能和艺术实践更好的结合，从而为音乐表演专业的培养目标更好的服务。
二、制定教学大纲
在明确了培养目标的基础上，为音乐表演专业“量身定做”视唱练耳课程的教学大纲就显得尤为重要，因为它是指导教学工作发展和规划的“蓝图”。
但是，针对高师音乐表演专业的自身特点，在制定大纲时要特别注意以下两点：
1.生源特点
高师音乐表演专业招收的学生，其来源主要是普通高中毕业生，他们大多接触音乐的时间比较晚；有些甚至是到了高三，因为文化成绩差，但又想上大学，所以临时抱佛脚，培训一两个月就报考了这个专业。目前而言，该专业的报考门槛也较低。以音乐表演（声乐方向）为例，只需准备两首歌曲的演唱，不考器乐（仅作为才艺展示），且文化的录取分数线也比音乐学专业要低。
以上各种因素导致了高师音乐表演专业的学生在视唱练耳课程上呈现如下特点：
一是专业水平参差不齐，器乐底子薄弱，有些甚至从没学过任何乐器，这就给该课程的学习带来了较大困难；
二是没有系统而科学的学习过音乐基础理论知识，有些甚至不认识五线谱，乐理也较差，这同样成为本课程学习的一大障碍；
三是即使学过视唱练耳，但也存在唱名法体系混乱，首调、固定调概念模糊，缺乏基本的节拍、节奏意识等方面的问题。
2.联系实际
在充分认识到生源特点的基础上，制定教学大纲时就务必要切实考虑到学生当前的实际情况，以及今后就业的实际需要，一切从表演专业的实际出发。
首先，在教学内容的选择上，切不可完全照搬音乐学专业的设置。高师音乐表演专业主要培养的是“面向社会、一专多能”的适应性人才，就业方向主要定位于市、县文化局、乡镇文化站、社区文化部门等基层文化艺术机构。而这些单位经常会组织群众开展丰富多彩的歌咏比赛、大合唱等文化活动，这就需要我们的毕业生具备诸多与视唱练耳课程相关的基本技能，比如简谱视唱、看谱唱词、速记旋律、即兴伴唱（奏）、指挥常识等等。
因此，在制定教学大纲时，务必要将这些内容考虑进去。
其次，在教学进度的安排上，要更加强调基础训练。前文提到，音乐表演专业与音乐学专业相比，在音乐基础理论知识方面要薄弱许多。因此，在教学进度的安排上，要对视唱、练耳、乐理三大版块加强基础训练。
例如，视唱应加强识谱（五线谱）、节拍、节奏的部分；练耳的音程、基本节奏型、常用拍号、单旋律听记；乐理中的音程、和弦、调式调性等等。
最后，在唱名法体系的选择上，一定要坚持以首调唱名法为主导。前文提到，高师音乐表演专业的学生在视唱练耳上一大突出存在的问题就是唱名法概念混乱。要不就是从未学过键盘乐器的学生为了识谱方便、能顺利考上大学而选择了根本不适合自己的固定唱名法；要不就是首调与固定调混淆使用；少数学生甚至对什么是首调、什么是固定调都搞不清楚。
从教学的立场看，首调唱名更有利于基础薄弱的学生掌握；从就业需要的角度看，当前我国基层音乐文化中常用的记谱方式仍以简谱为主、唱名法自然也以首调为主。因此，在制定音乐表演专业视唱练耳课程的教学大纲时，应坚持以首调唱名体系为主、待学生对这种唱名法建立了相对稳定的感觉和思维后，再适当引入固定调唱名体系的学习。[3]
三、完善教学体系
除了明确培养目标、制定教学大纲以外，高师音乐表演专业的视唱练耳教学体系还有一些方面需要进一步完善，分别是：
1.丰富教学手段、改进教学方法
一直以来，表演专业的视唱练耳教学都是完全延用的音乐学专业的路子，无论是教学手段还是教学方法上都缺乏自身的特点。
以教学手段为例，传统的视唱练耳教学都是以钢琴为主要媒介，进行听音、模仿、视唱等诸多环节的教学。对于表演专业的学生而言，一方面许多人进校前没有学习过钢琴，对这种乐器的音高、音色等都缺乏认识和了解；另一方面，今后在基层文化单位工作，也许没有钢琴这样的硬件设施，更多的会接触二胡、电子琴、手风琴这类便于携带的乐器，这就要求我们的视唱练耳课堂上给学生提供更为丰富的音色听辨，为今后的实践打下良好的基础。
针对这一情况，在教学手段上，我们应该在以钢琴为媒介的基础上，更多的引入多媒体教学，以顺应时代的发展和本专业培养目标的需求。
教学方法上，应将基础训练与音乐实践更为紧密的结合。比如在进行听力训练时，将音程、节奏、调式等诸多知识点通过对一首具体声乐作品的听辨、分析来实现。这样，既使分散的知识串联成一个整体，又使《视唱练耳》课程与表演专业的艺术实践更好的结合起来。
2.有针对性地编写教材
目前，大多数师范院校的音乐表演专业使用的视唱练耳教材与音乐学专业是完全一样的。但作为培养目标不尽相同的两个专业来说，这种现状显然不容乐观。
因此，尽快组织相关人员有针对性的编写一本适合高师音乐表演专业学生使用的教材，是摆在我们面前一个亟待解决的问题。
3.考核方式更加多样化
一门课程的考核，即是对该课程教学质量的检验，又是对教师提高教学水平的一种促进。“音乐表演”作为一个强调音乐技能、注重艺术实践的专业，其在《视唱练耳》课程的考核方式上，显然应与强调师范技能的音乐学专业有所区分，且更趋多样化。
以多声部视唱的考核为例，笔者在教学实践中，常常针对表演专业的特点，将学生分组、采用无伴奏小合唱的形式进行考核。评分标准除了与音乐学专业一致的音准、节奏、演唱的完整性等方面外，还添加了对“表演”部分的评分。这个“表演”包括音色的变化、声音的表现力、肢体结合表情的“舞台化”的表演等等。这样既检验了学生在多声部视唱上的基本情况，又与表演专业的特色紧密结合，对于乐感的培养也大有好处。
四、结语
综上所述，高师音乐表演专业的视唱练耳教学，由于教育侧重点的不同，决定了其在培养目标、教学大纲、教学方法与手段等许多方面都与音乐学专业有所区别。因此，建立和完善适合这个专业自身发展需要的视唱练耳教学体系、突出专业特点，全面提高本课程的教学质量，是摆在我们面前一个十分重要的课题，需要我们共同去研究和探讨。
参考文献：
[1][2]靳晓莉.高校音乐学专业与音乐表演专业课程设置之比
较[J].大舞台,2010(7)：174.
[3]陈雅先.视唱练耳教学论[M].上海：上海音乐出版社：
2006：6.
高师音乐专业范文第2篇
【关键词】高师教学 即兴伴奏 听觉训练 想象力
即兴伴奏是在只有旋律谱而没有伴奏谱的情况下给歌曲或乐曲所弹的伴奏。即兴伴奏由来已久，早在1600年前后的欧洲就出现了一种数字音乐速记法，且使用了一个半世纪之久。它主要在古钢琴、管风琴琴谱和歌剧、清唱剧乐谱上使用，具体方法是在低音部音符的上方或下方标明和弦的数字与记号，演奏者根据这个简要的提示来填充和声进行即兴演奏，这种方法与我们现在的即兴伴奏非常相似。
作为高等师范院校音乐专业的一门必修课，西方著名的四大音乐教育学派：达尔克罗兹、奥尔夫、柯达伊、卡巴列夫斯基学派都曾经对即兴伴奏教学的重要作用做了专门论述。钢琴即兴伴奏课程在培养学生全面音乐素质方面起着重要的作用。通过即兴伴奏的学习与实践，能够有效的培养学生的创造性思维，最大限度地开发学生的潜在素质与能力。但是由于高师音乐专业所招收的学生大多没有接受过系统的钢琴弹奏训练。仅利用两年的钢琴普修，只能培养学生钢琴演奏的基础能力。高师音乐专业的培养目标主要是培养面向中小学的音乐教师，毕业的学生应具备自弹自唱和为学生伴奏的即兴伴奏能力。针对以上情况，只有通过有效的开展钢琴伴奏课的教学，才能保证使学生掌握从事中小学音乐教学工作的实用技能。而随着我国基础教育改革的深入、教育理念的更新，新的音乐课程标准的实施，促使我们从一个更新的角度去审视钢琴即兴伴奏课的特点和重要性。
一、听觉训练是搞好钢琴即兴伴奏教学的前提
音乐是通过声音来塑造形象、表达情感的艺术形式，这就要求音乐工作者在演奏和伴奏时必须用听觉去判断音乐的变化、力度的层次、节奏的脉搏、踏板的清晰、乐句的均匀、旋律的流畅、风格的准确是否达到应有的艺术效果等等。因此，只有具备了良好的音乐听觉，才能检验弹奏的效果，具有敏锐的听觉能力是学习好即兴伴奏的前提。在教学中进行听觉训练应掌握下面两个特点。
1.钢琴学习中的听觉训练，不是单纯的音的高低听辨，也不是仅仅用耳朵去听。“听”是心理在生理上的运用。一般意义上的听只是耳朵的功能，而凝神细听则是一种心理功能。钢琴学习中的听觉训练，就包含了这种心理功能的训练，要使学生集中于大脑的听觉训练。教师的任务是不断地向学生发出信号，让学生注意听，并告诉他们所要听的内容和如何去听，而学生则必须时刻保持听觉的警惕性。
2.在音乐作品中，主要的旋律声部不一定都是在最高声部。如弹奏巴赫的赋格曲时不仅要让人听到高声部的主题，还要听到中声部的主题、低声部的主题以及对题。即使一首简短的主调乐曲，也要分清旋律声部和伴奏声部，旋律声部中可能还有副旋律，伴奏声部中可能有低音线条及和声层等等。在音乐的发展过程中，声部的关系是在不断变化的，各声部层次在不同段落中的主次、地位和所起的作用也在随之变化。因此，钢琴学习中的音乐听觉训练，就必须对所弹奏的音乐进行分析，对音乐中的各种因素了如指掌，在学生具有清晰的思维控制状况下，有目的地进行。
二、重视钢琴即兴伴奏与作品分析的联系
具备一定的作品分析能力是钢琴即兴伴奏编配与弹奏的依据，是即兴伴奏成功与失败的关键，对作品把握准确将会使即兴伴奏的设计产生更佳的效果。对作品背景、情感、内容、和声、曲式等方面的深入分析，都会对即兴伴奏的编配有一定的指导作用。
1.指导学生拓宽音乐视野。通过浏览不同时期、不同作家、不同风格的中外优秀钢琴作品，学习和积累各种音乐表现手法，以增强理解、分析和表达音乐作品的能力。同时规定每个学生能背诵并熟练弹奏一定数量的较为典型的正谱伴奏，使正谱伴奏在反复练习中不断完善，这种完善是提高即兴伴奏水平的重要一环。另外经过反复的消化和吸收，可以使学生在即兴伴奏时拥有较多具体模仿和借鉴的感性材料。
2.正确解读作品的风格样式和情绪要求。不同的体裁样式、风格特征决定着伴奏处理的基本速度、和声与织体样式等。只有准确解读作品的情绪内涵，伴奏素材的运用才可能是适宜和有效的。如我国是一个多民族的国家，民间音乐丰富多彩，许多民族声乐作品都带有浓郁的地方特色，在伴奏上要注意和声色彩与旋律风格的协调。伴奏上不能机械地用西洋传统的大、小调功能和声手法，可用非三度叠置和弦代替。其它如歌颂性歌曲、进行性歌曲、抒情性歌曲、舞蹈性歌曲、民歌表演性歌曲等都具有不同的风格和特征，掌握了它们各自的特点，对于即兴伴奏的演奏具有很大的帮助。
三、将钢琴即兴伴奏与声乐训练紧密结合
钢琴即兴伴奏的关键体现在与演唱者的配合上。好的即兴伴奏者既不能喧宾夺主，又要在独奏时(如前奏、间奏、尾声)将自己鲜明的个性表现得淋漓尽致。由于伴奏者与演唱者在课下需要一定时间的配合，建议声乐教师上声乐课时都要求学生自带伴奏。这样既促进了声乐的学习，又为学生钢琴即兴伴奏提供了实践的机会。
然后是在上课时要对演唱中一些常规性技术性问题进行指导和分析，使学生在伴奏时做到心中有数。比如声乐演唱中有气口、咬字、行腔等，仅民族歌曲的气口有许多种，如“大气口”、“小气口”、“偷气”等，学生只有掌握了气口的所在，伴奏才会采用“留、等、带、填”等方式进行配合。又如民族唱法中的另一基本功“咬字”与伴奏也有着直接联系。文字一般分为字头、字腹、字尾，演唱者要根据歌曲情感的不同会分别强调字的不同部位，伴奏也应该根据字的强调部位的不同而采取相应手法去配合。当强调字头时，伴奏可用音量上从弱到强，节奏上由疏而密的手法强调出韵头部分；当强调字腹时，伴奏应采取音量、织体、情绪一步到位的方法来突出韵母；当强调字尾时，伴奏则应以琴声来填补歌声的拖腔，以增强伴奏音乐的表现力。
四、培养学生丰富的想象力和创造性思维
歌曲钢琴即兴伴奏有它的即兴性，但它既不能漫无边际的海阔天空，也不是要绝对遵守严格的公式格律。不能要求学生把一首歌曲配弹成相同的样式，要鼓励学生根据各自的想象力，去进行创造性的编配，使每个人的创造性充分展现出来。
首先，要充分发挥学生的想象力与创造力，要让学生为一首作品多设计几种方案，并在老师的指导下，在实践中不断尝试改进，这样选择余地大了，即兴伴奏也就必然更加合理。因为完全照谱弹奏只能机械的练习，而从别人的伴奏中可以学习或从伴奏谱中得到启发和联想，然后再通过大脑，进行加工编配，再进行弹奏，可以促使学生不断思考与创新，这是改进和提高伴奏水平的有效措施之一。
其次，要鼓励学生相信自己的听觉，教师要引导学生根据音乐形象及思想感情的变化、乐曲背景与和声运动的需要来考虑钢琴伴奏的织体。如可以用琶音来模拟自然界的流水潺潺、单倚音来模拟鸟鸣声等；也可以通过模仿民间的锣鼓、吉他的弹拨、钢管的吹奏等声音来渲染气氛；积累和运用生活中熟悉的音调与节奏，如民歌或民间舞曲的节奏、行进队列的步伐声、母亲晃动婴儿摇篮的律动等，来烘托作品的特定意境。这种创造性思维与整个作品有机地结合为一体的做法，将在弹奏时有助于增强作品的艺术感染力。
要搞好钢琴即兴伴奏的教学，还应体现出这门课程的实效性和实践性，使学生在具备上述知识和能力的同时加强实践教学。在教学活动中通过对学生作业、考试考查、及时点评和讲评等方式，启发学生分析与比较、思考与判断的意识和能力。通过形式多样的“即兴伴奏教学音乐会”、“课程结业汇报会”以及各种演出的即兴伴奏、自弹自唱、钢琴演奏、独唱伴奏、合唱伴奏等多种活动。并不断认真总结，大胆尝识，就一定能培养出合格的应用型的音乐教育人才。
参考文献：
[1]普敏.对高师声乐教师提高钢琴即兴伴奏能力的思考[J].韩山师范学院学报，2007，(1).
[2]刘超.论钢琴即兴伴奏之要素及在教学实践中的应用[J].双语学习， 2007，(7).
高师音乐专业范文第3篇
关键词： 艺术实践音乐师范专业重要性
一、引言
艺术实践对于艺术专业学生具有十分积极的作用，有助于学生将课堂上教师所教授的知识与技能更好地与实践相结合，并促进大学生素质教育，加强和改进青年学生思想和政治工作。可见，实践对音乐师范专业学生的艺术能力培养有着举足轻重的作用，同时也是引导学生健康成长和成才的举措，是学生接触社会，了解社会、服务社会，培养创新精神、实践能力和动手操作能力的重要途径。
二、文献综述
学习艺术的目的就在于培养内心的宁静，精神强大的人就是通过对艺术的理解或认识，提升自身对艺术的理解力、感悟力、鉴赏力、表现力和创造力，让艺术成为生活中乃至生命中一个重要部分，在竞争异常激烈的环境中保留一份宁静，从而健康地、快乐地学习、工作和生活，享受生活，享受人生。现在很多大学生找不到工作，而企业却急需各种创新人才，为什么会出现这样的结果呢？主要还是我们的思维被固化、被程序化，而若我们自身还没有更新思维方式，终会被社会所淘汰。我们要有开放的胸怀，在业余时间可以多参加一些社会实践活动，多学习一些艺术、体育、哲学等方面的知识。通过对更多事物的了解或积累更多的知识储备，这样才能有更多的角度和方法观察这个世界。缺少实践的艺术就好比一只关在笼子里的百灵鸟，声音再好听也会变味，只有通过不断的实践才能拥抱青春。［1］
三、研究方法
我对所阅读的文献资料进行收集、整理和分析，并结合自身的社会实践，联系当今艺术实践的重要性提出了这个方案。采用文献研究，以调查为主的主要方法。
四、讨论与分析
（一）当前普通高校音乐专业学生艺术实践存在的问题
据专业艺术表演团体调查当前我国部分普通高校音乐专业学生艺术实践的重要途径普遍存在下列问题：（1）经费少，参与人员少，实践安排少。（2）某些高校专业音乐教师对组织学生艺术实践活动缺乏耐心和信心，遇到困难绕着走。（3）某些高校对学生艺术实践缺乏必要的重视，走过场、例行公事、应付现象严重。鉴于此，提高对普通高校音乐专业学生艺术实践的重视程度、提高艺术实践质量成为当前加强普通高校音乐专业学生艺术实践的首要目标。［1］
（二）艺术实践对音乐师范专业学生学习的重要性和紧迫性
1.艺术实践的重要性
艺术实践是指艺术专业学生通过多种艺术活动的形式，将课堂上教师所教授的知识与技能更好地与实践相结合，并加以灵活运用，从而实现知识深化和提高的一种教学活动。是艺术专业教育中的一项重要环节，凡是艺术都离不开实践，实践，对于每一名音乐师范专业学生的学习是非常重要的，同时也是提高音乐专业教学水平，检验教学质量的重要途径。［3］此外，艺术实践活动是理论与实践相结合的一个重要过程，是课堂教学延伸及拓展的一个重要空间，是进行音乐教育教学的关键，具有其他任何教学形式所不能替代的功能和作用，是提高学生艺术素质，增强艺术实践能力的一个重要环节；是指导学生理论联系实际，培养学生综合素质与创新意识的重要途径。艺术实践开展的一系列学生艺术实践、演出活动，主要是从培养学生艺术实践能力出发，从自我动手能力出发，使学生在各种艺术实践活动中，通过大量艺术实践活动提高业务水平，使其演出能力在艺术实践过程中能更加充分地得到锻炼与提高，同时使学生在发挥主观能动性及创新能力等各个方面都得到锻炼。
2.艺术实践的紧迫性
长期以来，部分音乐专业的教学过程中，忽略了艺术实践的重要性，一味强调课堂教学、琴房教学，并对音乐专业加强艺术活动存在着一些错误的理解和认识，认为音乐师范专业的学生今后是做老师的，而不是从事舞台表演的，将教学与舞台艺术实践对立起来，导致许多学生在校四年没有上过几次舞台，缺乏艺术实践的锻炼，不少用人单位反映，许多毕业生存在着一上讲台或舞台就怯场，音乐实践能力、组织活动能力、教学能力差等问题。［2］
创新人才的培养是一项系统工程，在强调教育素质化的今天，突出大学生艺术实践活动的地位和作用，总结艺术实践活动与创新人才培养的关系，引导青年学生积极投身于艺术实践活动，对培养符合时代要求的音乐人才无疑具有十分重要的意义。艺术实践活动对培养复合型音乐人才起着关键和重要的环节。音乐学生的市场竞争力现状，主要表现在缺乏实践动手能力上，而这成为音乐毕业生就业的最大障碍。因此，只有打破旧的教学模式，加强艺术实践环节才是拓宽学生就业面的途径之一，并能激发学生的积极性和参与意识。
（三）艺术实践的途径
1.对艺术实践活动进行强有力的领导。学校是实施专业教学的主体，而学生则是接受知识的客体。只有领导认识到艺术实践对音乐专业的重要性，并给予必要的重视与关注，艺术实践才能达到应有的效果。尤其是艺术院系的领导对艺术实践的重视和支持与否，是艺术实践活动能否成功的关键。在艺术实践活动中艺术院系领导是指挥者，艺术实践的每个环节从策划、筹备、实施、总结、评比等一系列活动都需要领导的积极参与。［3］
2.在音乐专业教学内容上打破学科体系设置课程的方式，转为采用理论结合实践的方式。把音乐专业实践教学氛围课堂实践教学和课外艺术实践教学两个方向。（1）在课堂教学上，我们在注重学生专业技能培养的同时，引导理论课程实践化的转变，注重理论与音乐文献、音乐听觉、音乐思维的结合。即使是理论课，我们也应当在课堂上尽量做到学生的主动参与超过教师独自宣讲的时间。（2）在课外艺术实践教学上，要努力构筑多层次的课外艺术实践平台，为学生的课外艺术实践创造有利条件，让学生在实际工作中了解职业、体验职业，从而将校内所学的理论和技能转化为职业岗位的实际工作能力。总之，学校和艺术院系要努力构筑一套完善的艺术实践教学链，以此提高学生的实践能力。
3.调动音乐专业学生参加艺术实践活动的积极性、主动性。学生是艺术实践的主体，因此必须使音乐专业的学生充分认识到艺术实践的重要性。不能错误地认为艺术实践是可有可无的，应把艺术实践作为全面检验自身音乐技术技巧方法和应用能力不可缺少的环节，从而积极地参与到艺术实践中去，在艺术实践中得到必要的锤炼。同时，艺术实践还可以为音乐专业学生提供一个自省的平台和机会，学生在参与艺术实践的整个过程中，了解各个环节的组织和安排，懂得了艺术演出的基本规律，从而更好地了解了自己的专业优势和在知识结构、技能技巧、能力素质等方面的不足。［4］
(四)艺术实践的不同形式
1.声乐艺术实践
声乐不同于哲学和社会科学，不是以理服人，而是以声育人，以情感人，以美引人。在声乐教学中，每一位教师都有自己的经验和体会，所持的观点和训练方法也不相同。无论何种观点何种训练方法，只要在实际的演出、比赛中获得好评，就足以证明实践在声乐教学中的作用。声乐理论必须通过实践证明它的实用价值，否则将是“纸上谈兵”，毫无用处。因而，艺术实践对于声乐的学习尤为重要，通过艺术实践教师可以发现并解决教学中的问题，同时演出实践创造了大量曲目的学习机会，增加了师生在创作中的磨炼碰撞，积极培养了学生的创新思维和应用技能。在艺术院校声乐课教学中，一般强调三方面的内容：声乐演唱技能、声乐作品的审美与鉴赏、声乐理论。教师以由浅入深的教材培养学生掌握正确的歌唱方法和表演方法，使其逐步达到各层次教学大纲中的规定技能目标。［3］要想培养全方位多角度的合格人才，就必须坚持理论与实践。通过艺术实践活动可以让学生感受到课堂的新知识、新理念，也让更多的学生学会组织安排、管理策划、舞台美工方面的交叉学科知识。给专业学生提供宝贵的技术交流与学习平台，学生增强了演唱能力和舞台表演的自信心，学到了许多声乐课堂中无法体验到的“状态”，让声乐理论与实用性较强的表演技能更好地结合。［4］“实践是检验真理的唯一标准”，声乐教学和演唱如果不经过实践，整天只看声乐书、在琴房练，在家中想，那是得不到教学方法和舞台感觉的第一手资料的。所以，我十分珍惜舞台实践的机会，为的是在每一次的演出中寻找专业研究的创新点，保持优点，改掉缺点，并渴望能从每一次的实践过程中悟出新的演唱方式、新的听觉感受以指导教学。总之，舞台演出实践是课堂教学的延伸和拓展，是集中培养和锻炼学生创新能力与实践能力的重要环节，是提高教学质量，检验教学效果，培养全面发展的艺术人才的重要途径。［5］
我曾在校外辅导过一位中学生，这位学生的嗓音条件很不错，在学习声乐的过程中也一直非常努力，可是听她唱歌老觉得没“感觉”，而且上台很拘谨。后来我鼓励她多参加艺术实践和声乐比赛，每次的实践和比赛后都对自己做一次总结，找到自己的不足，并努力改正。经过一段时间的艺术实践，大家发现她进步很大，用她本人的话说：舞台演出实践特别是声乐比赛让她找到了歌唱的感觉，并锻炼了自己的胆量。所以，舞台演出实践是声乐学习发展的需要和成功的保证，是一门不可或缺的必修课。通过舞台演出实践，既激发了学生的学习热情，又促进了教师的教学，提高了教学水平。
近年来从在声乐界非常受欢迎的青歌赛来说，我们不难看出，参加一次声乐比赛不仅是一两首歌的问题，还是对平时学习的一个检验，它除了要做到技术与艺术的内容外，还要审视其技能技巧的掌握是否合乎规范，演唱的曲目是否合乎规范，演唱的曲目范围是否全面，演唱表演中是否具有个性和特色，演唱风格是否有准确的诠释和表现等。［6］而声乐比赛创造了大量曲目的学习机会，师生们根据赛制的不同需要，准备作品，诠释和表现作品。只有通过比赛或演出实践，教师才能真正了解学生和掌握歌唱技能的实际情况，才能及时发现学生技能训练中存在的不足或问题，并及时修正和调整技能训练的内容和方法，在创作中磨砺锻炼，使学生的声乐技术不断得以巩固和完善，演唱水平也不断提高。
2.舞台演出实践
舞台演出实践提高了学生的技术技能，促使教师发现并解决教学中的问题，两者相辅相成，提高了教学水平。［7］许多艺术院校比较重视课堂教学，对实践教学则重视不够，认为实践教学会影响课堂教学。以某校为例，实践课每周只有2—3节，也只是以音乐会的形式举行，对于学生的对外演出艺术实践没有过多的要求。实际上，在实践教学中强化舞台实践，既可让学生提高技术技能，又可使教师在实践中发现并解决课堂教学中存在的问题。“台上一分钟，台下十年功”，这就要求学生上台前必须通过反复实践打下扎实的专业技能。舞台演出实践给学生带来了发挥和检验自己专业水平的机会。通过反复实践，学生往往能够及时地发现自己平时没有注意到的一些问题，这些问题有的是专业技巧上的问题，有的是舞台经验问题，有的则是舞台心理素质的问题。［8］技巧上的问题应该说是比较容易解决的，熟能生巧、勤学苦练即可以很快地得到解决，关键是舞台经验和舞台心理素质的问题必须通过多次舞台演出才能够很好地解决。只有通过教学—实践—教学—再实践这样一个周而复始的不断提高的过程，才能够逐渐拥有合格的专业基本素质，提高表演水平，并潜移默化地培养学生精益求精的学习态度，培养吃苦耐劳和团结协作的精神。演出实践搭建了一个平台，师生们在此大展身手，并通过深入社会体验生活，潜移默化地受到深刻的教育和影响。只有通过不断地表演实践才能不断巩固教学效果，并在积累表演经验的过程中逐渐提高艺术水平。每个学生的专业发展都是通过不断的舞台实践由不成熟走向成熟的。初次上台的学生，由于缺乏舞台经验，再加上专业水平不高，上台的时候很容易出现失误，或忘记台词、动作，甚至出现脑子空白的现象，经过多次的舞台实际磨炼，同学们逐渐积累了一定的舞台经验，到高年级时已经能够出色地表演，遇到突发事情也能够巧妙地化险为夷，演出的水平、质量得到明显提高，这就大大提高了学生的专业水平。［9］
通过舞台实践和交流，学生逐步具备了较高的专业素质，不仅检验了自己的专业水平，还学到了一些课堂上所学不到的知识，扩大了知识面，也加强了学生团结协作的精神。寓教于乐是教育中最活泼也是最易接受的形式，艺术实践正是把枯燥无味的课堂教学带到实践大舞台的有效途径。［10］同学们可以通过舞台艺术表演不断地总结经验教训，并通过深入社会体验生活，潜移默化地受到深刻的教育和影响。而演出实践正好搭建了这样一个平台，学生在声乐表演方面积累经验，开发和挖掘自己的潜能；教师在实践中不断提高自己的基本素养、专业能力和知识结构；在演出实践与声乐教学的磨炼摔打中，教学相长，从而培养和强化师生创新思维和技术技能实际应用能力的提高。
3.课堂教学实践
在课堂教学的同时，也要加强实践训练。课堂教学实践不仅可以从客观角度给自己一个正确的定位，还能从实践中使课堂知识得到充分的拓展和运用。［12］课堂训练最终要走向演奏或演唱，这是技巧与感情在视觉、听觉上的融合体现。在平日课堂教学中，老师会涉及指导感情状态或肢体语言等方面的表现力，但学生只能想象一种舞台表演环境，这样就会使表演变得呆板刻意，破坏了形神在视觉和听觉上的融合。因此最好的方式就是，让学生通过舞台实践亲历领悟和锻炼，参加一些音乐会或文艺演出，把自己平日所学加以运用，真正体验舞台上的感觉。在平日的准备中，老师可经常让学生想象站在舞台上的感觉，调整自己的兴奋状态。可真正到了站在舞台中央的那一刻，闪耀的镁光灯，台下观众的瞩目，会在内心产生夹杂着一些紧张感的兴奋，这时才会领悟到平日里费尽心思想象、寻找的感觉就是这样的。通过音乐会，我们可以从客观的角度不断提升自己。如果说课堂上是一个输入的过程的话，那么舞台实践就是将技巧与感情输出的过程。通过这个过程，我们可以从客观的角度观察到自身技能上的不足及对感情的把握程度。［11］
五、结语
艺术源于生活，又高于生活。音乐是一门感性的艺术，它体现的是一种思想，课堂上的学习仅仅是培养我们一种基本的音乐素养，而真正的理解与体会则需要我们通过实践，寻找、挖掘音乐的深层次的含义，这是我们学习音乐的最终意义。［12］学习音乐不能仅仅局限在课堂上，要同时结合舞台实践，用过硬的硬件与充实多样的软件装备自己，才能使学习更全面、更完整。从社会角度来看，艺术来自于生活，最终又要服务于生活。音乐的发展也要遵循这一真理，我们要通过舞台实践活动将音乐反馈到社会生活中，实现其存在与发展的真正价值。音乐表演专业声乐教学与社会艺术实践的整合，既是声乐科学自身的需要，又是21世纪声乐教学发展的必然趋势与最终趋势。重视培养声乐专业的舞台实践能力，让学生在艺术实践中解决自己存在的问题。有针对性地在声乐教学中解决问题，走出只学无用的教学误区，通过有效的艺术实践贯彻与实施，最大限度地发挥学生的个性与特长，最终达到理论与实践的完美结合。
总之，重视实践是音乐专业教育的本质特征。我国普通高校音乐专业的毕业生必须具有较高的音乐专业水平和较强的艺术实践能力。因此，在我国普通高校音乐专业教育过程中，必须重视艺术实践能力的培养，只有这样，才能培养出符合社会需要的合格人才。
参考文献：
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［10］记蒂尔·恩格尔教授在青岛的讲学［M］.2007，（9）：45.
高师音乐专业范文第4篇
【关键词】高师 钢琴 音乐表现力
一、演奏技巧与艺术表现的辩证关系
关于钢琴技巧性和艺术性哪个更重要的问题，历来都是钢琴学术界讨论的焦点。德国钢琴家冯·彪罗曾经指出：“对于一个钢琴家的三件事，第一件是技巧，第二件是技巧，第三件也是技巧。”当然也有人认为弹练习曲和有系统地发展弹奏技术并不重要。当然，我们不能凭这种只言片语就给钢琴演奏下结论，因为每一句话都有其特定的历史背景以及针对的对象和特定的目的。笔者认为，钢琴的演奏技巧和音乐表现力是相互依存的关系。因为音乐表现力是要靠技巧来体现的，离开技巧，音乐就变成无用之功；反过来，技巧如果失去了表现音乐的目的，也同样失去其存在的意义。如果非要说出谁更重要，那笔者认为技巧是为音乐服务的。正像钢琴教育家但昭义曾指出的，表现音乐是目的，技巧是表现音乐的手段。手段为目的服务，技巧应服从于以表现音乐为目标的需要。
二、提高高师钢琴专业学生音乐表现力的途径
提高高师钢琴专业学生的审美能力是高师钢琴基础课程的性质和钢琴教学目标的要求所在。高师钢琴教学目标为：拓展学生的钢琴文化视野，培养音乐想象力和创造力，树立现代教育观念，培养熟悉钢琴的普通音乐教育人才。这些都表明提高钢琴表现力是高师钢琴专业学生的学习目标和重要任务。
提高高师钢琴专业学生的音乐表现力的关键在于对学生想象力的培养以及激发学生积极的情感体验。钢琴演奏是将作曲家已经符号化的乐谱（一度创造）通过表演者对乐谱的研读和诠释，将乐谱中的音乐要素以动态音响的形式呈现给听众或观众，将无声的乐谱变成有声的音乐。所以，钢琴演奏是再创造。既然是再创造，就需要演奏者有较好的音乐理解和创造能力，笔者认为这种能力的提高可以从以下几方面来培养。
1.引导学生通过想象来刻画音乐形象
非因伯格在《钢琴作为一门艺术》一书中说：“音乐形象的特性在于听和充满活力的想象，这是音乐艺术基本和原则性的特点。”教师可指导学生把作品想象成一个故事或是一个场景，不同的乐段或句子代表不同的人物或情景。比如演奏莫扎特的奏鸣曲K309的第一乐章开头的主题的呈现，可以想象成许多王公大臣和国王的对话，开头两小节是王公大臣们齐声向国王请安，紧接着国王开始讲话，五小节过后，王公大臣又齐声向国王答话，这样，学生就能打开想象的大门，顺着这样形象的场景去发挥自己的想象力从而更好地表现作品。
此外，音色的控制也影响着音乐形象的刻画。音色是钢琴描绘意境、渲染情绪、塑造形象的重要途径。钢琴演奏过程就是音色变化的过程。教师可以通过把音色想象成生活中可看到可触摸到的形象进行启发。比如演奏德彪西的《阿拉伯风格曲》第一首，乐曲开头四小节的三连音长句，学生对音色很难把握，经常不是弹得很生硬就是很虚弱，教师可以要求学生弹出珍珠项链般的声音，这样学生可以想到珍珠项链是非常饱满光滑，大小统一，并且连成一串的，自然音色就统一均匀了。
2.养成认真读谱的好习惯
钢琴演奏是二度创作，一首完美的钢琴作品要经过两次创作才能完满地完成。演奏者要使作曲家乐谱上无生命的符号变成有生命的乐章，这有赖于我们养成认真读谱的好习惯，这样才能准确体会作曲家的意图和思想。钢琴演奏大师鲁宾斯坦曾指出：“我的乐感所考虑的是把音符和乐谱背后的真正的涵义表达出来。”如果不认真读谱，怎能挖掘出乐谱背后的含义呢。笔者的学生普遍存在一些读谱的不良习惯，比如一些学生，尤其是成年学生习惯背谱演奏。因为成年学生学琴较晚，缺乏钢琴基本功，手对钢琴琴键位置不熟，视奏能力差。他们的“背谱演奏”是背一段，练一段，而且只记住音符和节奏，不关心其他音乐标记。久而久之，便缺乏音乐语汇的积累，更谈不上再创作了。那么在教学中，对于这样的学生，笔者要求他们在新学曲目的谱面上标记出所有音乐记号的含义并按照其要求演奏。这样下来，既改掉了他们背谱弹琴的坏习惯，加强了视奏能力，也慢慢提高了其音乐表现力。当然，重视乐谱不等于对乐谱咬文嚼字，认为乐谱就是一切，过分注重乐谱的片面观点也是不对的，正像米考夫斯基的观点“乐谱只是起点，它开启了我们的想象力”。
3.提升文学艺术修养
提高高师钢琴专业学生的文化素养也是提高钢琴表现力的重要方面，这也是钢琴审美学习中一个重要的因素。丰富的想象力和深厚情感底蕴是要有较广的知识面和较好的文学艺术修养的。文化基础知识的完善程度、文学艺术修养的深浅直接影响对事物感受能力的强弱和情趣品位的高低，直接影响演奏者的审美能力。很难想象一个知识匮乏、毫无文学艺术修养的人能演奏好一部音乐作品。除此之外，笔者还建议学生多进行朗诵和歌唱，因为音乐是将内心听觉的音响用手指体现出来，没有内心的歌唱，手指就难以表现出动人的音乐。
高师音乐专业范文第5篇
论文内容摘要:高师音乐专业的钢琴教学有些偏重技术,而忽视钢琴理论文献及其应用技术的学习,造成学生有高技术、低技能的现象。文章着重探讨高师钢琴课程结构的调整,以寻求钢琴教学应用型、适用型人才培养的最佳途径。
高师音乐专业的钢琴,是一门专业性、基础性、适用性、应用性很强的技能技术课程,在专业必修课中占有十分重要的地位。钢琴教学的成败,关系到学生整体专业素质的提高、进步和长远发展,对此,课程教学的研究及其方法、内容的实施就显得尤为重要。作为一门学科专业,高师音乐专业钢琴教学直接影响整个音乐学科专业的建设与发展。
长期以来,音乐学专业的培养目标是培养合格的中小学音乐教师。中小学音乐课堂的教学需要素质全面、综合能力强的优秀教师,要驾驭中小学课堂授课实践,教师具有娴熟的钢琴弹奏技术就显得更为突出。钢琴作为中小学音乐课堂及其课外音乐活动的主要工具,无时不在发挥其重要的作用。但是,高师音乐专业的钢琴教学,长期受教学方式、教学方法的影响,使得学生学习钢琴学科专业知识的口径比较窄,尤其是只重技术而忽略专业理论及应用技术理论基础的学习,学生有些高技术、低技能,应用能力就相对较弱。面对如此困惑,笔者认为,调整钢琴课程的结构,合理设置学科专业内容,改变教学模式和方法势在必行。
一、现阶段高师钢琴教学的状况分析
我国高师音乐专业的钢琴教学从上世纪80年代经历了改革和发展的漫长过程,在学术界、界对于高师钢琴教学的模式、教学方法、教学内容、课程目标、课程结构上展开了全方面的讨论和艰辛的探索,寻求适合中国高师钢琴教学的合理课程体系和教学手段,已成为广大高师钢琴教育者和学术者共同关注的热点问题。围绕高师钢琴教学研究曾先后举办了“全国高等师范院校钢琴改革座谈会”“全国高校音乐教育专业钢琴学术研讨会”“第二届全国高校音乐教育专业钢琴教学研讨会”等系列的钢琴教学研讨会议,在高师钢琴教学的方式、方法、课程设置等方面为高师钢琴教学提供。高师音乐专业钢琴教学为适应中小学音乐教育的实际,需要从教学内容上进行了扩充,以突出本课程的师范特色,在巩固钢琴弹奏技术的基础上,增加了钢琴伴奏这一实用技术的内容,这一教学模式在高师得到推广并取得很好的效果,学生的综合能力和综合素质得到了很大的提升。
经过20多年的改革和发展,高师音乐教育的主体作用发挥到了极致,为中小学音乐教育和音乐教育培养输送了大批人才。进入21世纪,社会对教师教育的素质要求更高,不仅要求音乐教师具备扎实的专业基础理论知识,过硬的专业技术技能,更要具备较高的修养和人文素质。因此,传统的钢琴学习模式必须要进行调整,钢琴教育仅仅围绕技术训练和技能训练,不能满足钢琴教学的实际需要,现行的课程结构,如:钢琴弹奏技术学习、钢琴伴奏技术学习这两大模块的内容更应该充实和拓展,增加钢琴理论课程学习的教学内容迫在眉睫。
二、钢琴课程、教学内容设置的构想
围绕高师钢琴教学的培养目标问题,专家、学术界已广泛地研究和探讨,传统培养模式提出的“一专多能”与“多能一专”只是能力培养的问题,不论是“一专多能”还是其他“多专多能”,最为实际的是高师钢琴教学使学生学到什么、学会什么、能做什么的问题。高师的钢琴教学与音乐院校专业钢琴教学既有联系又有本质的不同。从中小学音乐的实际及普及性音乐教育的目标出发,为了将来的实用和运用,高师的钢琴教学课程的设置应包括:钢琴技术课程、钢琴伴奏课程、钢琴教学法课程、钢琴文献及史论课程、钢琴鉴赏课程等几大模块的学习内容,使培养的学生既有良好的技术技能,又具备全面的学科专业的人文素养,从而形成以钢琴基础知识为支撑,以过硬技能为核心的钢琴教学课程综合体系。应该从观念、教学手段及方法、教学内容和教学中心诸方面进行合理的改革、调整和设置,以长远的目光,关注未来钢琴教育的发展,把学生的能力、专业素质、人文素养有效结合,全面提升学生的综合能力和素质。
1.钢琴基础理论课程的设置
钢琴理论课程应包括:钢琴弹奏理论基础、钢琴文献研究、钢琴史论、钢琴编配理论等方面的内容,此部分内容的开设适宜在大一至大二阶段。而今,音乐专业学生普通存在的问题是只会弹不会用表达,只会做而不能写,学生的音乐理论知识缺乏,音乐表情语汇空洞不丰富。因此,开设此类课程的目的使学生既能很好地演奏,又能采用科学的方法施教,并能在教学中用丰富的音乐语言表述作品和阐释作品,采用启发式、探讨式、研究式的教学方法在教学中动之以情,晓之以理。
2.钢琴技术课程的设置
钢琴技术课程的设置内容主要包括:钢琴基础技术训练、钢琴伴奏训练、钢琴编弹训练等方面,钢琴技术是学科专业发展的前提,是学生能力形成的基础,它具有技术性很高、应用性很强的特点。在教学中教师是主导,学生是主体,要充分根据学生的条件,因材施教,科学实施,有效施教,积极调动学生勇于创新、主动参与、自由体验的学习;变“老师要我学”,成“我要主动学”,在教学的每一环节上都要求学生认真思考、敢于探索、不断进取,特别是在伴奏课程中,要充分运用已有的专业理论知识,如:和声、视唱练耳、作曲理论、作品分析等课程的知识,以科学的学习方法达到准确、快捷、有音乐表现力的钢琴伴奏能力。此类课程的开设适宜在大三至大四阶段。通过四年的学习真正使学生具有过硬的专业技术和技能。
3.钢琴教材与教法的课程设置
钢琴教材与教法的学习对于师范院校音乐专业学生十分重要,其课程的主要内容为:钢琴教学法、钢琴作品赏析、钢琴文献研究等,此课程内容的学习适宜安排在大三至大四阶段。钢琴教材教法的研究与学习是教师教育的一种必备素质,是每一位有志于成为一名钢琴教师及钢琴教育工作者的合格与不合格的标准所在。因此,教材的研究学习与教法的研究学习,不仅要纳入钢琴学科课程建设之中,而且应选配在此方面经验丰富、能力很强的钢琴教师来担任此课程内容的教学,在教学中要把中外钢琴文献有机地结合,从多角度、多层面拓宽学生的艺术视野,了解世界多元文化背景下的钢琴音乐,通过相关文化知识的学习,使学生的艺术底蕴,文化修养得到整体提高。
三、钢琴课程考核方法的构想
高师音乐专业范文第6篇
关键词：高师 音乐学专业 少儿舞蹈创编
少儿舞蹈编导课程是高师音乐学和音乐表演专业的一门重要的专业技能课程。能较好地创编少儿舞蹈是每个高师音乐专业学生必备的素质之一，是舞蹈教学能力中的高级行为方式。
作为舞蹈编导不仅要会编舞，还要会导演。少儿舞蹈编导就是根据舞蹈编导的基本理论和方法，从少年儿童的角度出发，来探究适合具体人群的编排方式。少儿舞蹈创编虽然是面向儿童，但它也有自己的创作规律、理论体系、表现对象、社会作用和美学价值，从而构成了一门相对独立的艺术学科。从整个社会主义的舞蹈事业发展来看，少儿舞蹈是一项具有战略意义的基础工程和系统工程，它在多姿多彩的舞蹈世界中起着其他任何舞种都无法替代的作用。
本课程要求在掌握舞蹈基础专业知识（包括基训、幼儿舞蹈、风格性民族民间舞的训练）的基础上，1、通过舞蹈理论的讲授与舞蹈实践的编排，学习少儿舞蹈不同形式的创编技巧，运用不同创编方法与各种技术技能，使学生全面了解和掌握不同的少儿舞蹈形式、结构，区分并研究少儿舞蹈与成人舞蹈在编排上的不同。还要让基础技能的学习与创造能力、实践能力相结合，培养学生观察生活的能力，鼓励他们大胆的表现自己对周围生活的感受和体验，学会从生活中寻找素材，掌握各种儿童年龄段的不同特点，把握童心、童趣等特征。2、学习少儿舞蹈教学法，向学生传授教学经验和现代的教学方法，让学生获得相应的教学能力，将学习过程与少儿舞蹈教育需要的实际联系起来【1】，毕业后能自如地运用所学专业知识，胜任中小学各类节日和活动的舞蹈编排，将来可以满怀信心地走上工作岗位。
一、现行教学大纲中主要存在以下问题：
1、教学目标导向缺失，创编意识培养、创编实践和课外延续学习不足。课堂上很少安排创编，只是一味的灌输舞蹈动作、组合，造成学生创造力、想象力、实践力都得不到开发，不能综合运用所学知识指导实践。
2、师范性质突出不够，教学要求、教学内容与培养中小学音乐舞蹈教师脱节。没有通过实际调研，不了解当地基础音乐教育的需求，而盲目制定教学内容，教学计划，造成培养出的学生不能胜任基础音乐教育。
3、照搬舞蹈专业院校的舞蹈创编教材，与高师音乐专业学生的实际情况不相称，没有明显区分少儿舞蹈与成人舞蹈在编排上的不同，针对性不强，带有盲目性。
4、对学生的实际创编能力培养不够，学时分配不科学。有些地方高校很少甚至没有安排少儿舞蹈编导课程，有的不能在有限的课时内合理科学的安排好教学内容。
因此，教学大纲的修订势在必行。
二、修订计划
1、通过调研，明确教学目标，建构符合中小学教育实际的教材体系。仔细研究《中小学教育纲要》、《新课程标准》中对中小学生艺术教育的要求；在中小学进行问卷调查，了解各中小学对舞蹈教学的需求；考察借鉴各兄弟院校对本课程教学改革的成功经验。
2、利用课堂实验教学对本课程进行实践探索，不断改进、不断更新。
3、根据调研结果和实践教学研究，再进行分析、讨论，修订教学大纲和教案。
结合我校自身的实际情况，自主创编有针对性的、具有自主特色的少儿舞蹈编导教材，同时，密切关注少儿舞蹈教学领域的最新动态。
三、教学改革设想及实施途径
1、合理分配学时，着重实践部分
对与本课程来说，最为重要的是实践部分。本课程的实践环节主要体现在各种舞台实践中，因此多举办各种演出，或进行创作比赛等教学实践，通过这些实训和舞台实践活动，让基础创编技能的学习与实践能力相结合，提高综合素质。
还可以大胆地把学生拉到大自然中，通过实地环境的认识，动作与情景相结合，引导学生找出动作的元素，通过与自然环境的情景交融来发展动作，编排动作组合。
还应组织学生到幼儿园、中小学观摩舞蹈教学过程，参与幼儿园、中小学的舞蹈创作与教学实践，教师也要多给学生提出指导性的建议，从备课到授课再到课外辅导，帮助学生找出自己各方面存在的差距，并加以弥补，不断提高他们少儿舞蹈创编和指导舞蹈实践的能力，为今后的教育教学打下扎实的基础，成为合格的中小学艺术人才。
2、加强即兴创编练习
通过即兴舞蹈创编训练灌输学生舞蹈动作的求异与创新理念，将成人舞蹈创编的某些表现手法灵活运用于少儿舞蹈作品创作之中，强化学生对少儿舞蹈作品结构、空间、时间、力等概念的把握，使学生在即兴创编中不断掌握和理解少儿舞蹈创编的方法和技巧。
3、遵循少儿舞蹈创编原则，体现少儿舞蹈特点
从儿童的心理出发，从形象性动作出发，体现童心、童趣、童真，根据教授对象的不同年龄特征实施有效的创编，区分少儿舞蹈不同年龄段在编排上的区别，以及少儿舞蹈与成人舞蹈在编排上的不同。
4、扎根地域文化，弘扬民族民间舞蹈
教材的选择要突出地域特色，应该将本省本地区最优秀的传统舞蹈编进教材，地方高等院校应充分发挥人才和科研优势，将传统舞蹈引入少儿舞蹈创编中，让地域文化为少儿舞蹈定位文化坐标，预设文化传统特性，提供文化生态资源，指明文化传承方向。地域文化对少儿舞蹈创作的影响表现出了文化层面的理论意义和与技术层面的实践意义，【2】如将淮河流域的传统舞蹈花鼓灯的动作元素融入创编中，使少儿舞蹈和传承非物质文化遗产融为一体，创作具有地域文化特色的优秀作品，推动当地民间文艺的繁荣发展，服务地方文化产业。
5、改良考核方式
考核与评定的结构分五项，按优、良、中、及格和不及格五级评分，评分标准：平时30%，期末70%。
舞蹈能力的考核：创编少儿舞蹈的能力占60%；幼儿舞蹈的教学能力，包括对教材的理解，基本动作结构特点的分析与运用、讲解示范、基础理论知识和实践能力占25%；表演占15%。
考试形式：以舞蹈表演的形式，分为独舞、双人舞、三人舞、群舞等，以集体考试、公开课考试、即兴创编的方式等进行考试。
总之，地方高师音乐学专业怎样开设好少儿舞蹈编导课程，需要根据地方对人才的需求，不断努力寻找更加科学合理的教学新模式，这是地方高师音乐学专业发展的必然要求，也是地方高师舞蹈教育更好、更快发展的保障。
参考文献
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高师音乐专业范文第7篇
关键词：音乐教师；创新人才；研究
21世纪是我国大力提倡、全面推行素质教育的时期，音乐教育作为基础教育的一个重要部分，在这场历史性的教育改革中，担当了一个特殊的角色，具有不可忽视的作用。作为基础教育培养合格音乐师资的高师音乐院系，如何培养创新型音乐教师已成为当前一项重要的课题。那就是我们音乐教育应如何适应新形势发展的需要，培养具有创新意识和创新能力的音乐人才。
1创新人才概念及音乐学专业创新型人才的标准
创新人才就是具有强烈创新意识，具有强烈的求知欲望和激情，具备科学研究的素质和创新思维能力的人才的标准。音乐专业创新人才的标准主要体现在以下五点。
（1）保持对未知知识的渴望。“艺无止境”对一名从事音乐教育专业学习的学生来说，这四个字十分贴切。音乐学习没有最好，只有更好。特别是专业技能、技巧的学习更要有深切的体验，如声乐演唱、钢琴演奏舞蹈表演、音乐创作等技能技巧，它是没有终极的，只有不断学习，不断地探求，才能达到相当的高度，而不能说是顶峰。只有不断学习、不断求索才能掌握新的技能、技巧。所以音乐学习更要提倡“终身学习”，这样才能使你的艺术成就达到更高，才能创造出优质的艺术精品。
（2）要善于及时获取新知识。音乐艺术在很大程度上是一门瞬间艺术、听觉艺术，很多知识技能只是在瞬间予以掌握，如声乐教学、我们的嗓音是看不见、摸不着的，好的声音必须有强有力的气息支持、声音要畅通，而且要有高的声音位置。而科学的发声方法不是纯理论的知识，只能在声音训练中加以掌握。所以作为学生必须善于在最短的瞬间获得新知识，并及时加以掌握并巩固并予以发扬光大。
（3）具有较宽的知识面。作为一名高师音乐学专业的学生，一定要有较宽的知识面，不仅要具备基本的专业知识技能、技巧，而且还需要具备系统的综合的音乐学科本体性知识。一般包括：音乐基础理论知识、音乐技术理论知识、声乐知识、器乐知识、民族民间音乐知识、音乐史知识以及相关的姊妹艺术知识，如舞蹈、戏剧、影视、美术等，以及文学人文知识。更要有教育学、心理学、文学等相关学科的知识和技能。
（4）要有强烈的创造意识。《全日制义务教育音乐课程标准》将传统的音乐教学内容进行了整合和发展，以“感受与鉴赏”、“表现”、“创造”、“音乐与相关文化”四个模块呈现，特别强调学生创造能力的培养，《全日制义务教育音乐课程标准》中明确指出“创造是发挥学生想象力和潜能的音乐领域，是学生积累音乐创作经验和发掘创造思维能力的过程和手段，对于培养具有实践能力的创新人才具有十分得要的意义。”[1]而作为未来中学生音乐老师的高师音乐教育的学生不说，首先要具有强烈的创造意识。所以高等师范音乐教育根本出发点是进一步发掘学生的创造性潜能，培养学生的创新思维能力，促使他们成为服务于基础教育的社会主义创新型人才。只有具有强烈的创造意识，有教学活动和艺术实践中，才会涌动出强烈的创作欲望和创作激情。
（5）要有严谨求实的学风。音乐，作为一种社会文化现象，它与人类文明历史的发展有着千丝成缕的联系，无论是社会科学、人文科学，还是自然科学，我们都可以在音乐中感觉到它的存在。具体说来，音乐教育与政治、语文、历史、地理、宗教、伦理、甚至数学、物理、化学等课程之间都存在着内在的自然联系。音乐也是一门科学，音乐教育具有知识面广，综合性强等特点。是其他学科不可替代的特殊学科。所以对这门特殊学科的学习，我们一定要具有脚踏实地，勇于攀登，不屈不挠的精神和严谨求实的学风。这样他们才能掌握音乐学业科的基本理论、基本技能和技巧，才能真正具备鉴赏美、表现美、创造美的能力。真正提高学生的音乐修养，培养他们的创新意识，进而丰富他们的情感，培养良好的品德和创造精神。
2目前我国制约音乐创新人才培养的几大障碍
在现行的高师音乐教育体系下，仍然存在很多制约创新人才培养的障碍，主要表现在以下五个方面：1）音乐教育没有真正做到“以人为本”，没有“因材施教”，没有充分尊重，发掘和张扬每个学生的个性潜能。2）没有创新教育或者说缺乏创新教育、传统落后的知识灌输型应试教育依然存在。3）教师与学生之间仍然存在人格上的不平等，缺乏民主性和人性化教育。4）新的教育体制实施并真正落实到实处比较困难，严重制约音乐教育发展。5）教育观念落后，导致教育及国家竞争力落后以及诸多项音乐技能的尴尬处境。
3培养音乐创新人才的途径
创新人才是21世纪我国高等教育发展的必然要求，高等教育如何培养学生的创新精神和创新能力，取决于多方面的因素，需要用新世纪的教育思想和教育观念去指导改革，指导实践，需要从改革传统的教学模式入手，创造和选择有利于学生思维和能力培养，促进全面发展的新型课堂都学模式，制定科学的人才评价机制。那么如何培养音乐创新型人才，笔者认为：
（1）培养学生具有合理的知识结构，丰富的文化底蕴。作为音乐教育人才，不仅要有扎实的专业技能，如声乐、钢琴、器乐、舞蹈。也要有扎实的专业理论知识，如音乐基础理论、和声、歌曲写作与分析、视唱练耳、歌曲即兴伴奏、中外音乐史及欣赏等知识音乐基础知识，更要有丰富的文化知识及相关姊妹艺术，文学、历史、人文知识、民族风俗等，只要有了丰富的文化底蕴，才能造就创新型的音乐人才。
（2）培养学生具有独特的个性品质。美国哈佛大学心理学教授霍华德・加德纳提出了多元知力理论，指出“智力是某种社会浅文化环境的价值标准下个体用以解决自己遇到的真正的难题或生产及创造出有效产品所需要的能力”。[2]智力又分为言语――语言能力（听、说、读、写），逻辑――教学智力（运算、推理能力）视学――空间智力（人在脑中形成一个外部空间世界的模式并能够运用和操作这种模式的能力），音乐――节奏智力人人感受、辨别、记忆、改变和表达音乐的能力，身体――运动智力（运用整个或身体的一部分解决问题或制造产品的能力），人际关系智力（能够有效地理解他人和与人交往的能力、自我认识能力）个体认识、洞察和反者自身的能力[2]。由于人的智力是千姿百态的，而人的综合能力则是这些智力能力的综合体现，而对学习音乐的人来说，特别是学习音乐教育的人来说，必须具有音乐学业科与其他学科不同的个人品质及个人智力，需要语言能力音乐――节奏能力、身体运动智力、人际关系智力和自我认识能力，特别是音乐节奏智力。
（3）灵活的教学艺术。在高师的音乐专业学生培养过程中，要培养学生先进的教育教学理念和科学的教书育人方法。使学生具有以下教育教学艺术：首先要倡导一种积极的学生观，教育要面向全体学生创造适合学生的教育，使有一个受教育者的潜能都能得到最好的发展。教师应为学生创造多种多样的展现各种智力的情景，给每个学生多样化的选择，使其扬长避短，从而激发学生潜在智力，充分发挥每个学生的个性。关注个体差异，满足不同学生的学习需要，创设能引导学生主动参与的教育环境，激发学生的学习积极性，培养学生掌握知识运用知识的态度和能力，使每个学生都能得到充分的发展。
其次，倡导因材施教的教学观。作为教师要根据学生的不同智力结构、学习兴趣和学习方式的特点，对其进行有针对性的因材施教的教育。而作为音乐教学更需要注重因材施教。因为音乐教师有特殊性，特别是高等师范音乐教育更具有这方面的特殊性，那就是由于学生文化素养、专业特点、专业技能都存在差异，同其他学科教学有较大区别。如声乐教学，由于学生声音条件不同，技能技巧程度不同，只讲共性的东西，就不能使学生的声乐学到应有的知识和掌握必要的技能技巧。故而必须坚持因材施教。
再次，就是倡导全面、多元的评价观，而传统评价只是看重学生的学科分数，而没有对学生以发展的眼光进行评价。而全面、多元的评价观，不仅注重学生的学业成绩，而且要发现和发展学生多方面的，了解学生发展中的需求，帮学生进行认识自我、建立自信。社会上流行这么一句话：“学习成绩好的不一定在今后发展中是最有建树的。”我认为这句话不是没有道理的，衡量一个学生是否优秀，不单只看各门功课是否优秀，更重要的是看这位学生是否有发展潜质和创造力。
（4）要倡导民主和人性化教育，实现师生人格上的平等，创造良好的学习氛围。从古至今，传统的教师角色在人们的心目中根深蒂固，主要表现在：教师是单纯的知识，技能传授者；教师是教学的支配者，绝对权威，是指挥者、控制者；而学生往往是被控制者、被支配者。从中不难看出，师生在人格上不平等的知识结构、爱好兴趣直接影响到学生，对高师音乐教师来说注重对学生知识，技能的传授，而往往忽略了音乐艺术的审美特性、忽略了学生的兴趣爱好及音乐情感。没有真正把“学生变主体”的教学思想落到实处。只有实现了师生在人格上的平等，才能创设好的课程环境，使课程环境真正体现“以学生为中心，多方面发展、合作、探究式学习、成为有计划的行动。”建立合格式的新型师生关系，共同完成教学工作，主要做到以下几点：1）创设良好的学习氛围。使学生置身于教师、家长对他们的浓厚期望中，感受到师长对他们的重视、关心、体贴，来唤起他们的自我意识和自我价值感。2）保护自尊。老师要多关心学生、爱护学生，肯定学生的点滴进步，并对他们抱有高度的期待。3）交流互动，共同发展，成为学生学习过程的交流者、音乐者、合作者。
对于高师音乐教育创新人才培养确实是当前高师音乐教育专业教育教学的重要内容，怎样才能真正地培养符合时展要求的创新人才为基层教育服务，是每一位从事高师音乐教育工作的同行们所面临的一项艰巨的工程。需要我们不断地探索新的办学思路、教学方法、教学模式、评价机制。只有这样，我们的高师音乐教育才有希望。
参考文献：
[1] 义务教育小学音乐新课程标准.
高师音乐专业范文第8篇
关键词：高师 音乐专业 中学音乐 新课标 对接 素质教育
基础教育课程改革工作已经全面铺开。中学音乐新课标以实施素质教育培养学生的创新精神和实践能力为主要目标，受到全社会的关注。作为培养基础教育师资力量为主要任务的高师，其专业教学却没有随着中学音乐教育改革而同步推进，也没有完全结合当前中学音乐教育的实际情况，还是一味向大、全、深方向发展。办学规模无限扩大，师资力量不能满足，专业教学体系和教学模式陈旧，课程设置也不尽合理。这些都严重偏离了高师音乐专业原本的培养目标和发展规律，与中学音乐教育脱节。
一、高师音乐专业当前的教学现状
（一）重专业轻文化
当前高师音乐专业的学生普遍重视专业课程，轻视文化课程。部分学生认为，只要把专业课搞好就行了，文化和通识课程可有可无。面对老师的劝导，他们极力狡辩：我们是搞艺术的，文化课跟我们没有多大关系，专业课的优劣才是衡量成败的标准。而文化和通识课程老师则认为，音乐专业学生文化课底子差，学习没有动力。因此，他们在教学中缺乏热情，随意降低教学难度深度和要求，这在某种程度上加剧了学生重专业、轻文化现象的蔓延。
另外，高师也没有把培养学生的文化素质放在重要位置，人文类课程开设得少，文化基础类课程的学时也很短，学生还没有弄懂讲什么，课程就结束了。长期在这种环境中，怎么可能让学生重视文化课程？
高师音乐专业学生，从大三开始就会选修擅长或感兴趣的课程，多数选择钢琴、声乐等技能课程作为主攻方向。很多学生并没有把目标定位成中学音乐教师，把自己当作从事专业的音乐工作者。尽管高师也开设教育类课程，但始终认为，这与专业今后的发展方向相距甚远，不需要重视。
（二）重技能轻理论
重视技能课程，轻视理论课程是目前高师存在的另一现象。现在高师的音乐理论教学，非常注重书本上的知识传授，但真正联系到实际教学中却很少。课堂教学中以传授型为主，与学生互动或学生进行实际操作却很少，这在一定程度上让学生丧失了独立思考、运用知识和创新能力的机会。学生普遍感觉到音乐理论课程枯燥乏味。学习理论课程，不仅要耐着性子深入教材，还要做大量的理论习题，效果还不能令人满意。还有些理论课程教师，往往注重书本知识的条理性，很少有自己独到的见解，一味地灌输死知识，这也是造成很多学生厌倦的原因之一。
技能课程就不是这样了：声乐学得好，可以在舞台上崭露头角；钢琴弹得好，可以举办音乐会；舞蹈跳得好，可以用优美的舞姿感染观众。这些既可以给观众以视觉和听觉上美的享受，同时又能满足日趋浮躁的心理需求。理论学得好又能怎样呢？总不能在舞台上做乐理习题和视唱练习吧。音乐理论课程非但不能满足其出人头地的欲望，反倒要求默默无闻持之以恒地加以练习。当前大学生普遍存在的这种急功近利的浮躁心理。重技能轻视理论课程也就不足为奇了。
（三）重单科教学轻横向联系
高师音乐专业的教学形式比起其他专业来就显得有些特殊了。个别课、小组课、集体课同时并存，这倒完全符合音乐专业课程教学规律，但正是这多种多样的教学形式造就了课程之间各自为政的局面。
第一，文化课程与专业课程缺乏联系。文化与专业课程缺乏联系的现象在高师普遍存在。专业课老师在课堂上很少提及文化素养方面的内容，文化课教学也很少联系专业课知识，它们没有相互交融，也缺乏必要的联系。
第二，技术理论课程与技能课程缺乏联系。技术理论课程与技能课程缺乏联系在高师表现得尤为突出：钢琴主项学生居然不会即兴伴奏，声乐主项同学很少用带钢琴伴奏的乐谱直接演唱。技术理论课的老师也没把技能和其他课程进行横向联系。这在很大程度上制约着高师音乐专业的发展，尤其对中学音乐师资的全方位培养起着十分明显的消极影响。因此，高师进行知识的综合联系，强化学科教学横向联系已成为当务之急。
第三，理论与技能课程缺乏联系。理论与技能课程严重脱节缺乏联系。音乐理论是学习各门课程最基本的启蒙知识，是从实践中总结提炼出来的理论体系，是技能训练的基础、技能实践的标杆，没有理论基础，再好的表演也只能是空中楼阁、昙花一现。开设音乐理论课程来加强学生的理论基础，在理论的指导下进行技能训练，在技能训练的基础上再不断完善和发展理论。
（四）重课堂教学，轻教学实践
高师是培养中学师资的重要阵地，高师音乐专业是中学音乐师资的摇篮。因此，高师音乐专业教学要以高师音乐专业人才培养方案为本，强调教学完成，注重结合中学音乐教学实际。
高师音乐专业教学是以技术型、技能型和基本理论为主，但无论是其中的理论还是技能课程，最终都是以教学实践的形式来体现的。而目前高师音乐教学重课堂讲授，轻学生参与实践，重教学结果；轻教学的愉悦过程，重知识技能教学；轻音乐教学实践的发展，重音乐理论讲述。这就会造成教学效果与期望值有较大差距的局面。教师舍得花大量时间将作品指导得尽善尽美，却很少教学生怎样将所学的知识与中学音乐教学联系起来。学生的技能知识与教学实践严重脱节，教学经验严重不足。虽然高师安排一定时间进行教育见习活动，但走马观花似的见习，很难达到预期效果，就是教育实习时间也仅一个月，且被放在最后一个学年，即使学生在实习中发现不足，也没有时间进行弥补或纠正，大有流于形式之感。
因此，高师必须摆脱过去的教育模式，把课堂教学与教学实践联系起来，把重点放在学生专业技能和教学能力的培养上，让学生走上台去体验老师和学生的区别，让学生早日走进中学课堂，使学生尽快完成学生向教师的角色转变，用所学到的知识去实践、去亲身感受。
二、中学音乐新课标的要求
中学音乐新课标中明确提出，中学音乐课程基本理念必须强调以审美为核心，以感受美、表现美、创造美为轴线，通过审美过程促进学生素质的全面发展。
中学音乐新课标的根本目的是通过音乐丰富学生的形象思维，开发学生的创造性潜质，培养学生全面发展。这决定了中学音乐教育必须以全体学生为对象，以普及为基础，以全面提高学生素质为任务。但是由于基础薄弱，当前对中学音乐教育教学无论从性质和任务、还是从内容和形式上都还缺少充分认识，在实际工作中往往重视提高，忽视普及；重视比赛，忽视教学；重视培养尖子，忽视面向全体。这些与中学音乐新课标的宗旨是完全相悖的。
面对音乐专业教育本身出现的问题，以及高师音乐教学与中学音乐教学完全相脱节现象，就使得必须坚持高师音乐教学改革，寻找更好的方法把高师的每个“点”与中学的每个“眼”进行完美对接，使得高师音乐教育培养出能够更多熟练驾驭中学音乐新课标的新型教育人才，为新课标的更好发展提供更广阔的空间。
为了能够全面贯彻中学音乐新课标，完成美育教育的重要任务，高师音乐教学改革就必须与中学音乐教学改革同步进行，把中学音乐新课标作为高师音乐改革的重要参考依据。根据高师音乐专业人才培养目标和各校的实际情况，制定适合当今高素质、宽口径的基础音乐人才的教学计划，明确培养任务、建立一套科学有序、创新务实的教学模式和教学体系来完善高师音乐专业教学。
三、高师音乐专业教学与中学音乐新课标的对接
（一）优化教学资源，丰富教学内容
高师音乐教师现在多为单一型教学，造成视野不是十分开阔。这就要求既要不断丰富自身的艺术修养，提高专业和文化素质，又必须一专多能；既能熟练掌握专业课程，又能指导学生音乐实践和教学的能力。教师还要多出去学习，借鉴其他学校的教学方法，加以整合吸收。教师还应多参加比赛，加强舞台经验强化自身的艺术素质。“打铁还需自身硬”，只有教师的能力提升了，才可能培养出适合中学音乐新课标的准教师人才。
当前高师的音乐教学内容过于老化，教学模式也比较单一，像音乐史和音乐欣赏类课程，不能只局限于传统的欧洲音乐史部分，应该补充各大洲不同国家代表性音乐的介绍，以便拓宽学生的视野。
高师的音乐理论水平提高很快，但大多停留在做习题层面上。因此，在教学中，应强调理论联系实际，比如，把和声写作与钢琴练习结合起来训练即兴伴奏，把和声、复调与曲式分析联系起来进行创作，把声乐以及曲式联系起来进行作品分析等等。在教学中，始终强调学生不能孤立地学习每一门课程，要全方位、立体化、深层次地进行综合性学习。
另外，高师还应该做到各门课程之间的相互联系、相互渗透，各个学科联系起来共同教学。例如，把声乐与钢琴结合起来训练边弹边唱，把乐理与视唱练耳结合起来进行教学，使得乐理教学音响化、视唱练耳理论化等等。改革创作课程也可以作为一项内容。高师音乐的创作课程多半是歌曲创作，教学时，要利用学生扎实的专业基础以及新颖活泼的思维方式，开发和挖掘学生的创作潜力，把创作作品与艺术实践结合起来，让学生在舞台上以歌唱、演奏等形式进行充分地自我表现和展示，使音乐创作得到最大限度地延展。通过教学形式，激发学生学习各门课程的兴趣，最大限度地挖掘和发挥学生的潜能。
（二）重视感觉培养，提高学习兴趣
作为教师，首先应该明确音乐教育的目的是培养学生对音乐的感悟，以审美教育为核心，以音乐的美感来感染学生，以丰富的情感来陶冶学生，使学生形成健康的音乐审美能力。为实现这一目标和推进新课程改革，要培养学生对音乐浓厚的兴趣，感受、体验和表现音乐中丰富的情感内涵，逐渐喜欢音乐，对音乐更深层次理解。运用多种形式教学激发学生的学习兴趣，利用多媒体、电视、音响等不同教学设备，欣赏交响乐和民族器乐以及各类声乐作品，让学生进一步理解和感受音乐。
兴趣是最好的老师，也是推动学生积极学习的强大动力，只有运用灵活多样的教学方法，提高学生学习音乐的兴趣，充分调动学生的积极性，使他们在兴趣中学习，在兴趣中提高。
总之，只有通过丰富多彩的音乐艺术形象，生动有趣的教学方式，灵活多样的教学方法，让学生“动”起来，使知识和技能融于艺术感染之中，化于音乐实践之中。这样才能更好地调动学生学习音乐的兴趣，使学生在欢快的氛围当中获得知识，从而达到提高教学效果的目的。
（三）改革课程设置，拓宽教学形式
高师音乐专业课程设置要尽可能与中学音乐教学联系起来，不能按照专业音乐学院的课程方案进行压缩降低层次进行，要结合中学音乐教学尤其是当地的音乐教学实际，也不能为了单一完成本身的教学任务而开设课程。为了完成于中学音乐新课标形成对接，可增设课程，尤其是涉及具有地方特色的本土音乐内容，还可考虑举办中学音乐新课标的讲座，改革教学实习模式，为学生创造更多接触、了解中学音乐新课标的教学实践机会。
另外，让高师学生多走上讲台去实践和体验，把所学的知识在中学音乐新课标的要求下运用出去，加强教育见习、教育实习的环节，在教育见习和教育实习中逐步理解并掌握中学音乐新课标的基本要求。要让乐理、视唱练耳与和声，音乐欣赏和声乐，钢琴与和声结合起来进行教学，全方位，多层次的进行知识的传授，开拓学习空间，增加与教学内容相关的知识容量，培养学生独立思维、运用知识、探索知识和创造知识的能力。
请经验丰富的中小学音乐教师到大学课堂进行中学音乐新课标讲座或中学音乐课堂教学，让高师学生感受中小学音乐教学的形式、内容及步骤，在教学方法与途径上，强调音乐实践活动。加强学生的主动参与并围绕学生个体来设计教学方法，要让学生走出课堂这种狭小空间，走进社会这个大舞台去实践，把所学的知识运用出去。
（四）完善课堂教学，强化艺术实践
重视课堂教学的设计，调动学生主动参与、自主和创新性学习的积极性，注意创设教学情境、改进教学方法。多给学生一个自我展示的平台，让每一位学生都有上台表演的机会。在教学中，以学生为中心，让学生自我实践，在实践中掌握音乐的基本技能和基本理论。
增强课堂教学的目的性。明确课堂教学的目的，让学生尽可能全面接受和掌握每一个知识点。在教学中，从内容到步骤，都要突出目的性，调动学生的学习兴趣，使课堂教学效果最大化。
注意课堂教学的层次性。学生的水平和领悟能力都不尽相同，因此，在教学中，要尽量使每一个学生都能听懂和掌握，不能只顾及某一个层次或其中比较突出的学生，要采用灵活多变的教学方法，网罗所有教育对象。
艺术实践是课堂教学的延伸。注重艺术实践，鼓励学生多参加课外音乐活动。学校要尽可能给学生创造各种艺术实践的机会，狠抓常规排练，改变单一灌输知识，学生被动接受的教学模式；提倡体验模仿探索、合作及综合的教学过程和方法；强调学生在教学活动中的主体地位，创设便于师生交流的教学环境，建立平等互助的师生关系，启发学生主动和创新性学习。
另外，加大综合素质培养，及时更新教学理念和教学体系，适当调整课程结构，把重点放在高师音乐专业教学和中学音乐新课标的对接上。
四、结语
只有把高师音乐专业教学和中学音乐新课标对接上，才有利于高师人才培养和中学音乐教学的健康发展。因此，高师必须依据基础音乐教育课程改革的新课标与内容，及时调整培养目标、专业设置与课程结构，以满足中学音乐新课标对高师培养人才的全面要求。
高师多主持探究式教学，引导学生进行社会实践，在实践教学中注意学生的创新能力。只有这样才能培养出会教、会唱、会弹、会演、会编、会创、会写、会用的高素质基础音乐人才。在加强教师职业技能训练的同时，还应该提高教师职业道德，把德育和美育渗透到中学音乐教学中，把高师音乐基本知识和专业技能融入到中学音乐新课标中，以完成二者完美对接。这是高师的培养计划决定的，也是中学音乐教育所期盼的。
参考文献：
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