工艺美术范文精选

中国工艺美术有悠久的文化传统，在历史长河中曾出现过多个闪光点。每个闪光点所处的朝代不同，工艺美术的特点就不同，自然给我们的视觉享受也不同，正是这些不同特点组合成了我国古代灿烂的工艺美术。唐、宋是我国历史阶段中极为重要的两个历史时期，这两个朝代的历史背景不同，在工艺美术方面都发生了质的变化，得到了迅速的发展。唐代是我国封建社会的鼎盛时期，它的社会特点可用“统一、上升、自信、开放”八个字来说明。其工艺美术非常发达，达到了高度成熟的黄金时代，清新活泼，富丽丰满的艺术风格也折射出其强盛的国力。到了宋代，由于执行了“安内虚外”、“重文抑武”的政策，对北方的辽、金、西夏等贵族统治者的不断侵扰，采取了忍辱苟安的对策，因此反映在工艺美术风格上，表现为缺乏宏博华丽的雄伟气魄，与唐代相比正好形成两种不同特色。田自秉先生在《中国工艺美术史》上说道“如果把唐代的工艺美术风格概括为‘情’，宋代则可概括为‘理’。唐代华丽，宋代幽雅。唐代开廓恢弘，宋代严谨含蓄。”另外，宋代画院的建立，绘画得到重视和发展，并直接进入了工艺美术领域，不少工艺品种以表现绘画为其目的，这与唐代工艺美术以材料的珍贵和作工的精巧为特点不同，宋代的画院派风格在很大程度上影响着宋代工艺美术的制作。唐宋时期，陶瓷、丝织、金属、服饰等工艺的发展都到了全面繁荣时期，这两个朝代的工艺美术的不同特点在这些工艺上更是体现的淋漓尽致。

1陶瓷工艺

唐代陶瓷生产高度发展，出现了瓷器“至唐而始有名”的工艺新趋势。浙江绍兴东部一带以白瓷著称的越窑及河北一带以青瓷著称的刑窑均为唐代陶瓷的重要品种。宋代由于科学技术和社会经济的进步和繁荣，对文化和艺术的重视，使陶瓷工艺在唐代基础上有了突飞猛进的发展，成为宋代工艺美术中最为突出的一个品种。宋代名窑遍布全国南北各地，呈现出了百花争艳的繁缛局面，是古代陶瓷发展的鼎盛时期。在各地名窑中，青瓷占绝对优势。早在唐代，越窑的青瓷技艺就十分精湛考究，釉色温莹滋润，明丽鲜亮，器壁细腻匀薄，质地坚硬，叩之音响清脆。陆羽在比较刑窑白瓷和越窑青瓷时就称道“刑瓷类银，越瓷类玉，刑不如越一也；若刑瓷类雪，越瓷类冰，刑不如越二也；刑瓷白而茶色丹，越瓷青而茶色绿，刑不如越三也。”可见当时的人们喜欢青瓷似玉以及它更适宜于品茶。这种时尚在宋代表现的更加充分。汝窑是宋代北方第一个著名的青瓷窑，最为人称道的是其釉色，其呈现出天空的淡淡青色，就如雨过天晴般，幽雅、纯正，给人富有理性的美感，与宋代崇尚自然含蓄，淡泊质朴的审美追求相一致。白瓷的烧制大大晚于青瓷，这一技术自六朝出现白瓷以来至唐代的刑窑已得到根本的解决并开始盛行。刑窑烧的白瓷胎骨要比青瓷厚些，因而比较坚硬，釉色白皙润泽，造型装饰也很优美多变。唐代晚期刑窑开始消沉，代之而起的是定窑的白瓷，定窑白瓷的艺术风格与唐代刑窑已完全不同，其胎体轻薄，质细而坚，釉色中微微闪黄，给人以柔和、恬润的美感。此外，与唐代刑窑的素净有别，定窑的瓷多刻花、印花等装饰工艺，由于定窑是薄胎器物，使得它不宜深刻，而精细的浅刻花要求纹样特别细致。总的来看，唐代陶瓷风格华丽，宋代陶瓷造型简洁、优美，追求内在的意蕴，体现了清新、典雅的艺术特色。

2丝织工艺

唐代的丝织工艺发展迅速，遍及全国，并形成了各地特色。到了宋代，其丝织工艺无论是在生产规模、经销地域，还是花色品种、质地纹样上，都比前代有了较大的发展，由于丝织工艺不仅有一定的实用性，也有相应的欣赏性，因而拥有广大的消费市场，同时也成为重要的工艺出口品。正是在这种情况下，丝织工艺的发展获得了社会、经济、文化上的有利条件。就锦而言，唐代以前的锦称为经锦，而唐锦的制作由于技术的革新，取得了纬锦的新创造，发展了经纬线互相配合起花的新技术，这样的织法不仅可以织出更为复杂的花纹及宽幅的织物，而且颜色极为华丽，形成唐锦华丽优美的时代风格。宋代丝织物较唐代有了更大的发展与创新，由于织造技术的提高以及受到工笔写生花鸟画的影响，宋锦大量出现了介于写实和图案之间的新纹样，纹样组织有四方连续缠织花卉，大团花、小团花等，构图严谨，变化丰富。宋锦的色彩多用中间偏冷色，以暗紫、浅茶、深浅绿、蓝、绛色为主，极少使用红绿黄等呈色鲜明的原色，不同于唐锦艳丽明快的色彩，并以多层次的退晕方法来处理，文静典雅，调和沉着，和唐锦的富丽鲜明形成对比。

3金属工艺

宋代的铜镜，铸镜的规模和制作精巧均不如唐代。唐代铜镜摆脱了秦汉以来古朴、庄重的特点，而出现了健康活泼、流畅华美的唐代新风格，在中国青铜史上占有重要的地位。宋代的铜镜不如唐代厚重，镜胎轻薄，早期的装饰纹样还比较考究，但已改变了宋以前采用的离心式、求心式、对称式等图案组合，而流行旋转式。图样题材多为缠枝花草，与宋代定窑装饰相类似，由于镜体较薄，所以装饰花纹少有唐代的浮雕式而多为平刻。宋代镜式在极力翻新，在圆形、方形、凌花形、带柄镜之外，又出现了亚字形，钟形，鼎形、桃形等新样式。在金银器方面，由于唐代统治阶级崇金风尚很浓，各种日用器皿多用金银制成，这些金银器大都有精致的装饰花纹，特别是唐代中期多以鸟或花朵为中心组成团纹，四周缠绕枝，具有繁缛、富丽的风格，反映出盛唐时期的华丽及丰满。宋代的金银器也甚发达，但由于金银器比较昂贵且产量减少，于是出现了很多瓷器仿制金银器的现象。很多瓷器造型便是从金银器中脱胎出来，例如部分瓷器的口部一改传统的圆形，做成了葵花形、凌花形等。

4服饰工艺

一、传统工艺美术为现代陈设艺术提供了丰富的元素

2014年4月，“在此”中国生活艺术展在中国国家大剧院展览厅拉开序幕。该展以中国传统文人之九大雅事为主题，展出了几十件精美的传统手工艺陈设艺术作品，以此来展现陈设艺术的学术方向，提升全民审美情趣，推动人居空间文化发展。现场设计师通过对空间的营造，把“物”（空间陈设的物件）置入“境”中，构建一个启发性的悟境，比如“香”，有香器、香具、香等这些物，通过这些物境的展现，特别是对中国传统的人文和工艺美术有了新的认识和参悟。这九大雅事就是通过对传统工艺美术生活形式的艺术化行为，转换参与者之心境及精神意趣。高濂在《遵生八笺•燕闲清赏笺》中道：“故余自闲日，遍考钟鼎卣彝，书画法帖，窑玉古玩，文房器具，……时乎坐陈钟鼎，几列琴书，帖拓松窗之下，图展兰室之中，帘拢香霭，栏槛花研，虽咽水餐云，亦足以忘饥永日，冰玉吾斋，一洗人间氛垢矣。”古代文人的书房是个极富文化气息和品位的场所，所陈置之家具、器物，其丰富和讲究，令人难以想象。书房家具之多就不提了，光说陈置器物中，就有书画、瓶、古琴、棋具、鼎彝器、宋瓷、古铜花尊、香事炉瓶、石盆蒲石、金石如意、拂尘棕帚等；书案上有文房用品和清供把玩，笔墨纸砚必不可少，笔格、笔床、笔屏、笔洗、水中丞、水注、镇纸、压尺、糊斗、裁刀、印盒及随身佛、数珠、羽扇或折扇等，这些都是我们传统的工艺美术品。这些工艺美术品也就是文人用品是以雅为准则，满足实用与审美的双重需要，以达到精神上的雅逸愉悦。明末清初的文人雅士，理想的家居环境很大层面上是满足精神上的需求，功能与审美相一致，崇尚天然、以雅为重，追求天人合一的意境。笔者的设计中有大量的中国传统元素，也是以中国文人传统生活态度为理念，结合当代设计观点通过一种中式传统的物境来贴切合适的销售情境，重新诠释中国本源的新文人生活。

二、陈设艺术融入生活是其发展的必然趋势陈设艺术的载体

往往是与传统生活紧密关联的工具，如陶盆、瓷器、羽扇、文房四宝等器具，大多是当时人们经常使用的物件。工具物的诞生既是源于生活的创造发明，又是原始审美的创造行为。我们往往把早期的工具当作现代艺术品，而陈设艺术的回归本质上就是逐步融入生活的过程。如果把一栋建筑比作人的话，陈设便宛若空间的五官。好的陈设，能够与建筑、室内相得益彰、相映成趣，起到画龙点睛的作用。现阶段，很多设计公司的陈设水平并不高，仍处于风格化的阶段，也就是我们所说的情境，比如中式风格，就会摆设这种风格的饰品，做到和室内设计的协调，达到中式的一种生活情境。但能达到《遵生八笺•燕闲清赏笺》中描述的“虽咽水餐云，亦足以忘饥永日，冰玉吾斋，一洗人间氛垢矣”这种情境的估计很少。实际上，陈设发展到了成熟的阶段，屋子里摆的每一件好看的东西都具有实用性，那才说明陈设艺术真正成熟了、进步了。可以这样来区分，风格化的陈设存在于样板间；艺术化的陈设存在于小众范围内，所占的市场份额较小，只有生活化的陈设是适用于大众层面的，能够普遍提高人们的生活质素。

三、人的修养和陈设艺术的交互影响

陈设艺术是空间环境中个人修养的重要体现，往往通过装饰细节和整体意境的营造产生区别。我们可以从对材质搭配、图案选择、器物陈列、色彩关系等角度进行思考。另外，陈设艺术品具有可移动性，居住者可根据空间的结构进行选择性摆设，所以更加考验个体的审美功力。空间中的陈设意境是个体修养的视觉表象。反过来，环境也对人的精神状态产生了重要影响。如“以华为贵”的陈设现象，把价格昂贵的象牙雕、贴金的雕塑等摆在空间中最显眼的地方，以示华贵富有，是人对物质欲的心理需求。日本茶道千利休以“和敬清寂”四字为宗旨，评价一间茶室是否有品位，只看在空无一物至简、至纯的空间里摆什么壶，会插一支什么花，这些物品的意境就是主人细微情感的体现，甚至对进入空间的人都产生了重要的心理暗示——宁静平淡，满足精神上的愉悦，这也是东方的陈设艺术所追求的意境。所以说，在陈设设计上需要调整对家居陈设的心态，家居中的陈设都是用来把玩和享用的，而且是我们生活中沉默的“亲友”，其会陪伴发现并安顿我们内心里那些细微的情感需求。近年来，花间堂酒店系列、广州的四季酒店就通过对传统工艺美术文化的保存和弘扬，在西方的形式里透露出的东方高雅的气质，也就是对生活形式的艺术化行为，在市场上已经取得较好评价。因此，陈设设计师应该随着设计的深入更加注重陈设的设计内涵，为人类创造真、善、美一体化理想的意境追求。结语近年来，房地产行业的快速发展带来了陈设艺术的短期繁荣，但粗放型的行业发展现状不符合可持续性发展的需求，需要对自身命运和未来发展有主动的思考。

四、总结

总体来说，一方面，传统的工艺美术要与现代的生活方式紧密关联；另一方面，还要从传统文化和传统工艺美术的角度，找到属于陈设艺术自身的符号语言，营造出一批既具有民族特色，又有文化内涵，充满人文意境的陈设艺术。在这个变动剧烈而迅速的时代里，中国的室内陈设界对自身命运和未来发展必须有主动的思考，唯有此，才能拥有独立的文化品格和文化地位。当然，从另一个方面来说，如果工艺美术割裂了同日常生活之间的关系，则传承也将是一句空话。

摘要： 中国的工艺美术有着悠久的历史和灿烂的成就，但却在近代进入了低谷。虽然从生产的形态来说，工艺美术服务于手工生产。但是其意义却远不止于此。本文从中国历史上对于工艺美术的认识入手，力图说明工艺美术所反映的物质与精神的关系，继而进一步指出应该继续大力发展工艺美术的意义。

关键词： 工艺美术 设计

工艺美术是“工艺”和“美术”的复合词。《辞海》将工艺美术总括为“造型艺术之一”，包括了“日用工艺”和“陈设工艺”，可谓范围广阔。中国的工艺美术历史悠久，西周即有“百工”之说。春秋末期出现了第一部记录工艺的专著《考工记》，其中总结出了30多个工种，不仅代表当时人类的造物运动的最高水平，同时也是一部最早关于技术和设计的伟大的著作。

从“百工之艺”到近代“工艺美术”概念的提出，前后近3000年历史，充满了我们引以为豪的作品。如春秋战国的青铜器（图1）和漆器，秦汉的石刻和建筑装饰，隋唐的金属工艺以及两宋的瓷器，凡此种种，举不胜举。当我们沉浸于往日“工艺大国”的辉煌时，也无比尴尬地面对另一个问题，就是近代中国工艺美术的衰落。

工艺美术首先和科技有关。英国著名科学史学家李约瑟博士在其历经半世纪写成的七卷本《中国科技史》中，以充分的史料证明了“在古代直到明朝末期，世界上几乎所有的发明都是中国领先的”。换言之，只是17世纪起，我国的科技才开始落人下风。但我认为科学技术的实用性因素固然重要，思维方式却更是重中之重。西方在工业革命之后，随着生产力的不断进步，人的思维方式也渐由“经验型”向“实验型”过渡。于是由设想到实验，随之而来的是一系列的新发明新创造。可以想象，倘若没有工业革命以来创造的雄厚技术基础，被西方视为现代设计发端的英国“新工艺运动”亦不会产生。而回顾中国，在封建末期依然依靠缓慢的经验积累，工艺美术的发展步履维艰。

马克思主义指出意识对于物质有反作用。工艺美术作为科技与技术的结合，追求的是实用性与美观的统一。从根本上说，要求的是理念（理论）和实践的统一。中国工艺美术史中不乏二者完美结合的例子。如新石器时期出现的一种尖底陶器（图2）。它尖底，易于沉水。系绳偏下，易于灌水且不至于太满。《荀子・宥坐》载，孔子起初只知其为“欹器”，是置于帝王“座右”的“宥坐”，有鉴戒之意。后来于鲁桓公家庙中见到这种“欹器”，听守门人介绍后，曰：“吾闻宥坐之器者，需则欹，满则覆。”由此可见，从最初的“造物为用”到赋予一定的寓意，说明物质与精神的关系。而工艺的本质也就是处理好二者之间的关系。

而关于工艺美术的审美，我觉得贡布里希先生在《艺术与错觉》中说的“先制作后匹配”的原则同样适用。物质性的技术是工艺美术的先决条件。先成器物，而后赋予一定的审美价值。比如关于瓷器的审美，必然是在制作瓷器的技术产生之后才逐步发展起来的。在这样的过程中实用性和艺术性不断结合才促成了瓷器的不断发展。同样的，如果没有青铜铸造技术的产生，亦不会有商周时期青铜器艺术浑厚的造型，严谨的文饰，庄重的艺术效果。

“工艺美术”从生产方式上来说，代表的是手工业生产。而工业革命之后催生的“设计艺术”，而今大有取代“工艺美术”的趋势。其实工艺美术和设计艺术存在物质基础上的差别。工艺美术服务于手工生产，将制作理念与制造统一于工匠的手上，而设计艺术则是制作理念与现代工业生产的紧密结合。从理论上来说，从工艺美术史到设计艺术史，很多人认为主要是研究的角度发生了改变，前者注重于工艺制作，后者着重于设计创意，更突出了艺术的性质，贴近了文化。我认为还是应该把工艺美术上升到一个文化的高度，因为工艺本身就是我们民族物质文化的重要组成部分。

工艺美术

工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后,使之具有强烈的审美价值的产品。

工艺美术作为美术之一种,主要是指具有一定美术意味的工艺品制作,既满足人们的物质生活需要,又满足人们精神生活的需要,是实用和审美的结合、技术和艺术的统一。

工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后,使之具有强烈的审美价值的产品。我们一般把工艺美术分为实用工艺美术和陈设欣赏的工艺美术。实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础,包括衣、食、住、行、用的工艺品类,实用价值是这类工艺品的主要价值,审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣花制品、草竹编织品等等。陈设欣赏工艺品是指那些以摆设、观赏功能为主的工艺品,这类工艺品以审美为其首要价值,手工技艺性很强,实用价值已不明显或完全消失,如玉器、金银首饰、象牙雕刻、景泰蓝、漆器、壁挂、陶艺等。

工艺美术分为两类:

(1)日用工艺。即经过装饰加工的生活实用品,如一些染织工艺、陶瓷工艺、家具工艺等;日用工艺玻璃制品作为中国轻工工艺品行业的组成部分,主要指以玻璃、水晶为材质制作的礼品、纪念品、装饰品、装饰物、艺术品、节庆用品、玩赏品、酒杯、酒具、餐厨用品、日用摆设品等。

(2)陈设工艺。即专供欣赏的陈设品,如象牙雕刻、玉石雕刻、装饰绘画等。我国工艺美术的制作比较早,如新石器时代已有彩陶,商代以前已有刻纹白陶,商代已有玉器等,写实的造型和图案化的手法即表现出很强的实用性和艺术性。它们的生产,常因历史时期、地理环境、经济条件、文化技术水平、民族习尚和审美观点的不同而表现出不同的风格特色。

以下仅就若干工艺门类做一具体介绍。

内容摘要: 工艺美术是美术中的重要一种。本文以工艺美术的概念、工艺美术的分类、工艺美术的特征为三大理论层面,对工艺美术从宏观上进行了概要的论述。对于工艺美术的创作与教学,均具有理性思辨与具体实践的双重参照系。

关键词: 工艺 美术 概念 分类 特征

工艺美术是美术中的一个重要门类,它具有自身的美学特征,把握这些美学特征,无论是对于工艺美术创作还是对于工艺美术教学,都既具有重要的理论参照价值,又具有具体实践的参照意义。为此,本文结合笔者个人多年来工艺美术的创作实践与理性思考,对工艺美术作概要论述,以与工艺美术人共同关注、共同讨论、共同分享。

一、工艺美术的概念

工艺美术又称“实用工艺”,指在造型与外观上具有明显的审美价值,又与人们的日常生活密切相关的美术品。

工艺美术是人类历史上最古老的艺术品种之一,甚至成为人类发展史断代的重要标志。例如石器时代(旧石器时代、新石器时代)陶器时代青铜器时代铁器时代,无论是石器、陶器,还是青铜器、铁器,都属于工艺美术范畴。

我国工艺美术品也是中华文化宝库中的瑰宝之一,从仰韶文化时期的彩陶,到奴隶社会时期的青铜器,到战国、秦、汉时期的漆器和唐代的“唐三彩”,再到宋代的陶瓷工艺品,以及明代的木器、清代的景泰蓝,构成了中华民族精彩绝伦的工艺美术品的“百科全书”,融历史、文化、社会、科技、伦理、生活、民俗等多元知识为一炉,是进行爱国主义教育与审美教育的“活教材”。

二、工艺美术的分类

北方之星——叶卡捷琳娜二世与她的艺术品

“枫林韵”首届上海剪纸大赛征稿启事

城市足迹馆巡礼

璀璨的壮观 李蓉蓉主持的三大陈列设计

透过纸艺 激发创意 “3D纸艺——2010中国·瑞士纸艺合展”举行

京南看世博

设计策略②

论清末民初的绣品改良

“薪技艺”引领工艺美术

从北京到上海，“薪技艺”给我们带来了一次又一次惊喜。本次“燃――首届‘薪技艺’国家青年工艺美术展暨学术研讨会”让海内外青年工艺美术家、教育工作者齐聚一堂，共话“薪火传承”。

“薪技艺”来源于清华大学美术学院和上海工艺美术职业学院一批热爱艺术教育，执着手艺理想的青年教师，连同国内外友好院校青年艺术家的倡导。这两所学校都立足于弘扬和继承中国传统文化与艺术，吸收世界各国文化和艺术精华，提倡以人为本的手工文化，关注人类生活品质，重视艺术与科技的结合，不断探索新的领域。本次“薪技艺”展览和研讨会将进一步深化两校的共同理念和交流合作，以此为契机探索完善的工艺美术教学与学术结合体系，促进中国工艺美术行业蓬勃发展。

“薪技艺”是一个充满活力、尊重传统、孕育新知的团体。他们倡导在继承文化和工艺血脉的基础上，引进新技术和新观念；他们努力将民族技艺与个人情怀相融合，用双手去感受、去制作；他们抛开东西方二元对立的桎梏，以全球化的视野来审视根植于民族文化和审美的“手艺理想”……我想，这正是“薪技艺”这群青年学者和艺术家对两所学院传统精神的延续和发展。

本次展览以“薪技艺”为核心，以“燃”为主题，寓意引燃开端。陶艺、金属、玻璃、漆艺、染织纤维等作品运用火元素抒发艺术真情，激发创意火花。“薪技艺”展出了12个国家的109名艺术家在各自领域内的探索实验之作。这些作品表达了“薪技艺”这个团体的学术主张的价值标准，但为大家提供了审视的素材。希望各方主张能够在这个平台上得以展示和交流，促进当代工艺美术繁荣创作，启迪思考。

工艺美术应在学科发展和构建和谐社会中发挥更大作用

随着社会的发展，科学技术使世界发生了巨大的变化，人们越来越关注以科技为主导的工业化生产，这也是社会发展的必然。在此，我想谈谈自己的感受，改革开放三十周年以来，国家在工业化进程中取得了相当大的成就，但我们也在深思在构建更和谐、富有人文情怀和艺术情趣的未来社会中还有许多缺失的部分。

众所周知，清华大学美术学院的前身中央工艺美术学院是以工艺美术为主导的学院，其实用美术在解放后很长一段时间内是领头羊的角色。虽然清华大学美术学院在改革开放中更关注现代设计，但一直将工艺美术当作重要的办学方向。这也是清华大学美术学院重要的学术积淀和学术传统。清华大学美术学院成立的工艺美术系在近些年发展较好，且做了许多具有国际影响力的品牌的学术活动。结合国内产业发展和工艺美术行业的再兴起，也为地方合作与产业发展举办了许多大型活动。清华大学的设计学科有七个系，面向传统的是工艺美术系，面向未来的是信息艺术设计系，另外五个系（染织服装艺术设计系、陶瓷艺术设计系、工业设计系 、视觉传达设计系、环境艺术设计系）是面向当下的衣食住行，这些科系面向各行业和产业，并推动行业和产业的创新。我想强调的是，无论是面向前沿的信息设计系或是面向当下产业的五个系，其实都和工艺美术有相当大的关系。

摘要：工艺美术是美术中重要的一种，研究工艺美术的性质、特点、发展规律，对于工艺美术的繁荣与发展，具有重要的意义与作用。本文从工艺美术的概念、工艺美术的种类、工艺美术的特征三大理论层面，对工艺美术进行了全面系统、深入细致的解析。

关键词：工艺美术；概念；种类；特征

中图分类号：J505 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）21-0054-01

一、工艺美术的概念

工艺美术，又叫“实用工艺”，一般是指“在造型和外观上具有审美价值，与人类的日常生活相关的一类美术品的总称。”

工艺美术受物质材料与生产技术的制约，所以具有技术性与艺术性相结合的性质。

二、工艺美术的种类

工艺美术品种繁多，通常分为三大类：

近百年的上海，以开放的意识，接纳各种先进文化，形成具有鲜明地域特色的文化大都市。近代和现代的上海工艺美术，在这样一种社会氛围下，广泛吸纳各地技艺精华，逐渐培育出有“海派”特色的工艺品种和技艺，同时出现了一批高水平的工艺家。这一批工艺家，是我们的国宝，是上海工艺美术行业的标志性人物。

徐宝庆

20世纪30年代，徐家汇土山湾天主教堂开办工艺院，教授西洋艺术的技艺技法，许多本地人入内学艺，接触西方艺术。现代木雕工艺家徐宝庆先生（1921年～）少年时在此度过他的艺术学徒生涯。清苦的生活、较好的学艺环境，促使他刻苦好学，先后接受了绘画基础、铜匠、木器家具制作、人体解剖等多方面的训练，最终转入雕刻工作室学习。出师后徐先生开始独立创作，几十年创作作品不计其数。其作品构思奇，用料巧，内容新，讲究结构准确、神态自然，刀法干脆利落。徐先生的创作，一是将西洋雕刻技法融入中国传统雕刻艺术；二是突破传统历史题材的束缚，作品大多表现现实生活，特别是日常生活中富有中国民俗情趣的场景，创立了“海派”黄杨木雕风格。其代表作“撑骆驼”，刻画的是上海儿童的弄堂游戏，人物神形兼备，动静结合，虚实有致（图2）。另一件作品“丰收”，生动活泼，充满生机活力，满地饱满的稻谷刻得细致入微；两位为收获而喜悦的农民，身体健硕，热情激扬，感染着每一位观者。

支慈庵

上海竹刻起于明代隆庆、万历年间，当时“嘉定竹刻”的名家都精通书画金石，因而作品无不生动精雅，尤以留青浅刻技术堪称一绝，是工艺与艺术的完美结合。上海竹刻的代表人物、现代竹刻工艺家支慈庵（1904～1974年），原籍苏州，青年时来上海，在碑帖店当学徒，后专攻篆刻、竹刻。与竹刻前辈一样，支慈庵对中国书画有深入研究。他曾拜吴湖帆等著名书画大家为师，得到指点。在竹刻技艺技法方面，他博采众长，观摩著名收藏家李祖韩收藏的精品竹刻，专业技艺大有长进。支慈庵的竹刻作品品种多样，有臂搁、插屏、烟盒等；题材涵盖花鸟、山水、人物及仿古金文、青铜器、钱币等范围。在刻制中，他善用竹之皮青，表现画面花色的阴阳及层次关系。由于擅长各种艺术手法，精篆刻，通书画，能雕善刻，因此他的作品非同一般，十分耐看。支慈庵的竹刻“和平颂”中“留青”技法的运用，体现了“海派”竹刻的一大特色。在极薄的竹青（即竹皮）上， 作者运用各种刀法，将中国画的笔法、意境准确地表达出来，同时，对图中各种景象的刻划无微不至，整幅画面中，花、鸟、树、石、水汇集一堂，层次清晰，质感强烈，深切表现出作者炉火纯青的技艺和对中国绘画的深刻理解。支慈庵的留青竹刻技艺，在当代已成为一个高峰，著名工艺美术鉴赏收藏家王世襄在《竹刻艺术》中对他的评价是：“已达到前人在此种刻法的最高水平”。支慈庵的竹刻作品，已成为千金难求的国宝，上海博物馆、中国工艺美术馆均有收藏。

薛佛影

细刻艺术家多精于书画篆刻，能在象牙等各种材质上表现中国书画，神形兼备。薛佛影（1904～1988年）是具有代表性的现代细刻工艺家。江苏无锡人，年幼时即自攻细刻艺术，30岁时就名声在外，当时的上海博物馆已向他征集藏品。后又拜名家丰子恺为师，创作大量佳作，积累了丰厚的中国传统绘画基础。他专业知识丰富，基本功扎实，尤其擅长模仿名人字迹。其作品无论大小，均极具书法功力和笔墨韵味。他的象牙细刻作品“如松之盛”，画面不算细小，但用刀遒劲，布局有致。画中的老松苍劲繁盛，意境深远。细刻是以刀，以刀法表现笔意的一种工艺，前辈已达到的境界，目前尚难超越。

除象牙作品外，薛佛影还刻制过两件水晶插屏：一是“滕王阁”，刻有滕王阁全景和王勃《滕王阁》七言诗全文；二是“洛神赋”，正面为洛神故事，反面为《洛神赋》全文。后者于1957年献给国家，并得到委员长的感谢函，称赞他前无古人的微刻技法。

[摘要]探讨俄罗斯霍卢伊小型漆艺发展历史、艺术特色、技艺传承以及现代推广方式。通过工艺美术学校培养、村落工艺集中开发、外交使馆推广等多种方式，俄罗斯霍卢伊小型漆器形成了创意、制作、销售、工艺展示等网络式工艺美术传承与推广思路且形成一个完善的工艺美术再生产的良性循环，值得我国传统工艺美术发展借鉴。

[关键词]俄罗斯；霍卢伊小型漆器；工艺传承；再生产

[Abstract] This paper discusses the history， artistic characteristics， heritage and modern promotion methods of the Kholuy small-scale lacquer. Through the way of cultivation of arts and crafts schools， the development of village technology， the promotion of diplomatic embassies and other means， the Kholuy small-scale lacquer forms an inherent and popularized network-art modes includes creation， production， sale， process display， and forms a perfect cycle of reproduction of arts and crafts， which enlightens us how to develop Chinese arts and crafts.

[Key words] Russian；The Kholuy small-scale lacquer；The way of inheritance；Reproduction

俄罗斯手工艺品种繁多且历史悠久，如九世纪产生于古罗斯的托尔诺克金线刺绣，十一世纪兴起的搪瓷工艺，十二世纪出现的圣像艺术，十七世纪至十八世纪迅猛发展的骨雕和木雕艺术、格热利陶瓷工艺等，闻名于世的俄罗斯套娃也有100多年的历史。

2010年，在北京俄罗斯文化中心展出的俄罗斯民间手工艺展，展示了费多斯金诺、姆斯乔拉、博列克、霍卢伊、托尔诺克、博戈罗茨克、罗莫诺索夫、沃洛格达、格热利和谢尔吉耶夫―博萨特特各学校师生的作品和制作技艺，主要有谢尔吉耶夫-博萨特套娃、独一无二的骨雕与木雕艺术品以及各种俄罗斯刺绣艺术品（托尔吉克金线刺绣、姆斯乔拉平绣等），同时也展示了俄罗斯费多斯金诺仿真油画彩绘漆器以及姆斯乔拉、博列克和霍卢伊回火涂料圣像彩绘漆器等民间传统工艺。

一、霍卢伊小型漆器的发展历程

俄罗斯漆艺发展有费拉斯金诺、博列克、霍卢伊、姆斯乔拉四个著名中心。其中，位于莫斯科附近的郊区费拉斯金诺村于1795年开始创作并发展，是俄罗斯最古老的小型漆艺发源地。而位于伊万诺沃地区的弗拉基米尔-苏兹达尔中央公国的博列克、霍卢伊、姆斯乔拉村落的艺术家们，则一直保持着17-19世纪的圣像画制作传统，并延续到1917年俄国革命时期。