版画教案范文精选

1 教学目标

知识目标：版画是将手工与绘画相融合的一种艺术表现形式。通过既动手又动脑的制作过程引起制作者浓厚的兴趣，培养学生细致精巧的劳作能力，启迪学生的智力。

能力目标：欣赏并制作简单的单色版画，体验吹塑纸或KT板版画特别是油墨拓印过程，通过体验，得到美的享受和成功的喜悦。（总课时3课时，本课为第1课时）

情感目标：体验版画的创作乐趣，努力培养学生的审美情趣和对传统艺术的热爱。

2 教学重点和难点

重点：体验吹塑纸（或KT板）版画的制版过程和拓印的乐趣。

难点：动手能力的培养正和反的概念的理解及实际中应用。

3 教具准备

一、教材分析

“秋色”,是丰收的景色之意。“佛山秋色”是佛山古代民间艺术活动的称谓,也作佛山传统民间艺术的总称。秋色又名“秋宵”“秋景”,是佛山独有的大型民间文化娱乐活动。 过去秋色多在秋收时节的晚上举行,表现形式上分为灯色、车色、马色、 地色、水色、飘色、景色七大类。明永乐年间发展起来,各种精美的工艺品,通过游行 的形式来展出,并表演舞龙、舞狮、十番、锣鼓柜等助兴,让群众观赏评议。

本课是以“造型·表现”为主,让学生亲身参与到“佛山秋色”大巡游活动中,了解佛山传统民间艺术,学习吹塑单色版画的基本制作方法及表现技巧,并结合自己对秋色活动的感受用版画语言表现出来,将刻版技巧与情感主题的艺术表现有机结合。

二、学情分析

本课教学对象是7-9岁的儿童,他们在这一阶段,初步的逻辑思维能力逐步形成,对周围事物有了自己的见解。作品大多能抓住事物的典型特征,常用夸张性的手法表达自我情感。由于少儿版画表现形式可在原有的绘画基础上转换这样不同形式的点线面及组合方式,促进少儿形象思维向逻辑思维的转化,另外吹塑版画操作简便,孩子容易接受。据所了解,现在的孩子们喜欢玩电脑,喜欢看日本动漫,但对家乡本土的传统文化艺术还了解甚少。面对这种现象,希望通过这堂课的学习,学生也来关注我们的民间艺术文化。

三、教学目的

(一)认知目标:让学生了解吹塑单色版画的相关知识。

(二)情感目标:感知生活,唤起学生对本土民间艺术的关注,发扬我国民间优秀的艺术传统,增强学生对家乡,增强民族自豪感。

4.练习口头组词，丰富学生的词语。

教学重点、难点：

学认8个汉字，知道字与画的关系。教具准备：

图卡、字卡

教学过程：

一、故事导入

同学们，今天老师给你们讲一个故事，故事发生在很早以前还没有汉字的时候。有兄妹俩，哥哥负责打柴，妹妹管洗衣做饭。有一天早晨，哥哥很早起来要到他家后面的一座山上去砍柴，可是怎样告诉还在熟睡的妹妹呢？他想了一个好办法，拿起树枝照着远处山的样子在地上画了一座山（贴图），旁边放上一根柴。哥哥走后妹妹醒来，看到地上的图知道了哥哥的去向。中午，妹妹要去河边洗衣，她也向哥哥学在地上画图，她照着小河的样子画了几道弯曲的水流（贴图），旁边放上一件衣服。哥哥回来看到图后到河边去果然找到了妹妹，兄妹俩可高兴了。从此以后，他们就用山、水图来表示字，慢慢地变成现在的字。汉字多有意思呀！古人多聪明啊！

二、比较字与图，找关系

【教学目标】

知识与技能：了解版画是通过制版与印刷的手段来完成的具有复数性的特点。

过程与方法：欣赏、探究版画的制版，并在游戏中掌握凸版画的制版方法。

情感态度与价值观：小组合作制版过程中，培养集体主义合作精神，树立热爱生活的意识，善于发现美的东西。

【教学重点】

构思制版，印刷工艺。

【教学难点】

动手能力培养，正和反概念的理解和应用。

摘 要：介绍翻转课堂教学模式的内涵，论述初中版画课教学翻转课堂教学设计的总体思路，包括版画课翻转课堂的教学内容与方式及保证课下学习目标实现与安排好课堂时间两个关键问题；最后，对版画课翻转课堂教学的具体实现提出了可行方案[1]。

关键词：翻转课堂；教学设计；初中版画课

一.前言

翻转课堂作为一种新型的教学模式逐渐被探索实践，在信息技术的支持下对传统教学课堂模式做出了改变，颠倒了知识传授和知识内化的过程[2]，根据自身情况对知识进行构建，成为学习过程的主体，使得课堂的互动交流更加有效，知识得以深化和稳固，在自主学习中养成独立学习和思考的能力，通过教学反馈，教师能够更全面的了解学生存在的个性化问题，在一定意义上促进个性化教学的实现和学生的全面发展[2]。美术课程同样可以通过翻转的形式让学习变得更加高效有趣，充满活力。

本文在分析探讨翻转课堂教学模式内涵的基础上，论述了初中版画课教学翻转课堂教学设计的总体思路，对版画课翻转课堂教学的具体实现提出了可行方案，以期为美术教育模式的创新，学生的全面发展提供一些借鉴。

二.翻转课堂教学模式内涵

“翻转课堂”不再是传统模式下单纯的教师课上传授，学生课下消化，而是形式上的一种教学操作流程的变更。国内外学者对于翻转式教学的过程，通常分为两个阶段――课前与课堂[3]。课前学生利用视频媒体等教学资源主动学习新知识，完成相应的学习任务，并将自己的学习情况反馈给教师；其次，教师总结学生反馈的学习情况，了解学生学习中存在的问题，对已经掌握的知识，和需要进一步深入探究的知识进行分类，从而设计更有效地教学方案；最后课堂上进行交互式讨论学习，在教师的参与中形成自我对知识的建构，达成学习目标。

与传统课程相比，师生的角色发生了重大的变化，学生成为学习的中心，他们在课堂上通过各种活动来完成知识的建构[4]。在这一学习模式中，除了能够有效地利用课堂时间，将同学们原本课下进行的知识内化阶段翻转到课堂，增加学生和教师之间的互动和个性化的接触空间[5]；视频媒体等优秀的教学资源也能够确保知识再现的更加全面准确，减少对知识重复经验的上行下效的错误，促进学生形成科学的认识和思维的能力，这不仅是外部形态结构的变化，而是自主学习与问题解决相结合的一种学习方式的本质上的运用。

谈到“杨柳青”，大家一定不会陌生，脑海中浮现的一定会是“胖娃娃”年画。杨柳青年画是中国著名民间木板年画，代表着新年的美好祝福。可以说，杨柳青年画是东方艺术中传统的美术作品。而“裱花”一词。运用最多的是在西点―蛋糕上面。19世纪末裱花蛋糕才从西方传入中国。是人们表达祝福的载体。可以说裱花蛋糕是西点中最唯美的艺术品。

当“杨柳青“对上“裱花”，当传统木刻年面对上先进的裱花装饰。当东方文化对上西方。艺术，很难想象会发生什么样的状况。这样的碰擅令人期待！

一、碰撞、融合形成创新性的裱花版画-

“纸版画”是我园近年来一直致力开展的美术活动，与此同时，幼儿园也开展了《幼儿纸版画综合实践活动的设计与实施》的市级课题研究。我们曾先后开展过拓印、油墨、折纸、粉印、漏印等多种形式的纸版画教学。为了拓展研究的层面，更好地促进幼儿发展，我园积极探索新的版画模式。在摸索阶段，正逢临近春节，大班的教师带领幼儿学习欣赏了年画《莲年有鱼》，而前期在大班幼儿的生活体验活动中，尝试过制作裱花蛋糕，因此我们突发奇想，开启了一次大胆的尝试，创造性地将裱花技术与版画相结合，用裱花的形式来创作版画，让东、西方艺术发生碰撞，擦出新的艺术火花，至此开创了“裱花版画”这一极具特色的版画模式先河。

二、裱花版画体现《指南》目标

在《3-6岁幼儿发展指南》艺术领域中，特别指出了：“感受和欣赏”“表现和创造”。那么如何在“裱花版画”中体现这两点呢？我以《裱花版画――杨柳青》教学活动为例，作以下详尽阐述。

1.感受和欣赏

杨柳青年画中的娃娃体态丰腴、活泼可爱。他们或手持莲花，或怀抱鲤鱼，都象征吉祥美好。杨柳青年画采用木版套印和手工彩绘相结合的方法，创立了鲜明活泼、喜气吉祥的独特风格。裱花蛋糕是糕点制作和绘画、造型艺术相结合的产物，其线条、布局，强烈的装饰性都给人难以忘怀的感觉。虽然是不同的表现形式，但都给人以美的感受。那么怎样让幼儿来感受两种不同的美呢？

摘 要：20世纪以来，我国高等艺术设计专业教育经历了“图案——工艺美术——艺术设计”的发展演变。民国早期，从北京美术学校到国立北平艺术专科学校实施的“图案”专业教育，是我国探索高等艺术设计教育模式的初始阶段；此间先后施行了“中等”、“专门”、“大学”和“专科”等4种层次的“图案”教育模式，在人才培养目标、专业设置、课程体系和教学内容等方面形成了图案教育的“北京模式”，积累了宝贵的经验和教训，对当今高校艺术设计教育的发展是值得借鉴和反思的。

关键词：图案；学制；专业教育；“北京模式”

“艺术设计”作为专业名称取代工艺美术或实用美术等是近些年才出现的。民国初期，艺术设计被称为“图案”，是借用日本人对“Design”的译意，主要指制造建筑、工艺品和各种器物之前所绘制的“图样”和“制作方案”。20世纪中国高等艺术设计专业教育经历了“图案——工艺美术——艺术设计”的发展演变，源头一直可以追溯到1906年南京两江优级师范学堂的“图画手工师范科”。1918年北京美术学校设置图案科，首次将艺术设计纳入民国高等专业教育体系。“北京模式”是指从1918北京美术学校到1937年国立北平艺术专科学校20年间在人才培养规格、专业设置、课程体系和修业年限、教学组织等方面所形成的具有自身特色的高等美术教育教学模式 。本文研讨北京模式之图案专业教育的学制类型、课程体系、办学思想、模式特点以及对当今艺术设计专业教育的启示。

一、北京模式之图案教育的学制类型及课程体系

中央美术学院的前身，从1918到1937年经历了北京美术学校（1918～1922年）、北京美术专门学校（1922～1924年）、国立艺术专门学校（1925～1927年）、京师大学校美术专门部（1927～1928年）、北平大学艺术学院（1928～1933年）和国立北平艺术专科学校（1934～1938年）等6个发展阶段，先后实施了“中等”、“专门”、“大学”和“专科”等4种学制类型的“图案”专业教育。由于相关档案资料遗失严重，在此，只能对“图案”教育的各类学制、课程体系进行简要的分析。

1、“中等”学制及课程体系

学校创建伊始，即设立了“中等”学制的图案科，修业年限为“预科一年本科四年”。年龄14～20岁的高小毕业生，初试1门（或中国画或西洋画或图案画），复试国文、算术、历史、地理、理科、图画等6门，及格者可录取“预科”；年龄15～20岁的高中一年级学生，复试国文、英文、数学、历史、地理、博物、图画等7门，及格者可录取“本科”一年级。首届招生不足10人，1922年停止招生，但“中等”的图案科教育一直实施至1924年底，共培养学生40人左右。

“中等”学制的课程体系，包括修身、国文、英语、数学、物理、化学、历史地理、博物、体操、教育学等10门文化课，以及习字、图画、用器画、图案法、解剖、手工、实习、美学美术史等8门专业课程。其中文化课共64周学时数，占总周学时数的32.65%；专业课共132周学时数，占总周学时数的67.35%。 其中，专业课如，“习字”讲习楷、行、隶、篆、草等书体；“用器画”讲授几何画法、透视投影画法等；“图案法”讲授平面图案、立体图案、装饰图案等；“图画”讲授中国画、运笔法、毛笔写生、铅笔写生和临摹图案画等；“手工”包括竹木工、金工、木工，及（金工、纸类、粘土、石膏等）细工；“实习”包括平面图案新案制作、立体图案的制作、各种工艺及装饰图案制作、建筑装饰图案及新案制作，以及绘画写生临摹、绘画新案的制作等；“美学及美术史”讲授中国美术史、西洋美术史和美学等。

【摘要】微缩版画在教学如何应对七年级学生的理解、学习、实施？本文在教、学、用等几个方面：通过有物联想加相似形创作引入微雕图稿设计；粉笔微雕姓名进行刻制练手；示范加实刻；分类印制等方法，引导学生在学习微雕版画的设计、制版、实刻、印制方法等部分循序渐进，理解喜爱本课程，努力做到有效完成本课程的教学目标。

【关键词】微缩版画；设计；制版；刻画；印制

广西版七年级美术13第五课《高雅的藏书票》主要教学目标是：设计绘制藏书票。藏书票是微缩版画的经典代表，这是初中学生第一次接触版画，陌生的领域、陌生的知识、陌生的表现方式都会给孩子们造成一定困扰。而本课又是属于设计领域，对于刚刚升入初中的学生来说有一定难度。在教学过程中如何合理有效地安排学习、采用什么方法及实施步骤，让学生能很快喜欢并爱上微缩版画呢？通过实践，本人总结了以下几点，特在此提出与大家共同探讨。

一、藏书票票样的设计（一课时）

考虑到七年级学生刚刚从小学升入初中，对设计尚无具体概念，因此首先对学生进行思维拓展训练，以便学生能很快从小学阶段的简单模仿逐步过渡到有物联想、有序联想等设计初步阶段。教学中我采用的是有物联想加相似形创作的方式。

具体操作方法：

票样大小：外框不超过8×10cm（根据自己所备材料大小确定）

实物：几片叶子

【摘 要】本文以自编《Maya2011三维动画基础案例教程》一书为背景，从实际出发，结合职业技术学校学生实际情况和一线教师的教学现状，以案例为依托，任务为驱动，就如何编制一本适合职校师生教与学特点的、适用的、立体化的教材进行了详细的阐述。

【关键词】Maya案例教程；教材开发；框架；教材特色；实践应用；拓展训练

一、开发背景

在信息高速发展的、传播媒介的快速传递和普及的今天，广告和动画的制作采用三维效果越来越多。商家对自己开发的新产品的展示和宣传采用三维立体效果的优势越来越明显；观众也对三维影片情有独钟。作为三维动画制作软件Maya，已被众多三维爱好者、动画和广告制作人员所采用。目前大中专院校、技校、高职高专动画专业也开设了三维动画制作这门课。由于Maya相对来说是一个较难掌握的软件，而市面上关于Maya软件应用方面的教材也良莠不齐，有的理论性很强，讲软件功能多，操作实例较少；所举实例脱离生活原型，应用性不强，导致学生的学习兴趣不高；另一方面，对于大部分高职高专、职业类学校的学生来说，他们基础薄弱，认知、理解、推理能力较差，学习缺乏主动性，自信心不足，不愿动脑，但可贵的是他们动手能力强。通过大量案例能充分调动学生的学习兴趣非常有必要。因此，作为教学一线的教师很难找到一本适合教学的好教材。加之软件更速度远远超过学校教材更换速度，导致教师的工作量较大，往往是疲于应付新教材大纲的编制、新教材的备课、讲解等。此外，一般学校在学习完Maya软件后会安排考证，参加三维动画师（建模方向和动画方向）考证；到目前为止，很少有针对三维动画师考证的教材。鉴于此，长期从事Maya教学和考证工作的笔者萌发了自我开发教材的设想。

为了使教材更有普遍性，通用性，笔者诚邀了兄弟学校的同仁一起参与讨论、研究、确定主题、章节、目录，交北京大学出版社编辑审核、修定、定稿。于2012年成稿发行《Maya2011三维动画基础案例教程》。

二、教材开发

（一）开发思路与遵循原则

1.采用Maya软件的新版本开发新版教材，突出“高”和“新”，使学生掌握最新的技术。

一、经济文化背景

古彩瓷起源于明代，成熟于清代，距今已有五百多年的历史，它的出现是由许多社会因素决定的，可谓是天时地利人和所促成。明代时中国的几大著名瓷窑都开始逐渐走向没落，只有景德镇的瓷器独树一帜。到了明代中期，景德镇陶瓷几乎占据了全国大多数的瓷器市场。宋应星的《天工开物》中记载:“合并数郡，不敌江西饶郡产……若夫中华四裔，驰名猎取者，皆饶郡浮梁景德镇之产也。此镇自古及今为烧器地……”这种巨大的需求量极大地刺激了景德镇瓷器制造业的规模迅速壮大，使一个小小的昌南小镇成了“天下窑器所聚”的天下瓷都，可谓“天时”;景德镇具有非常优越的地理自然条件，制瓷原料丰富，燃料供给源源不断，昌江各支流交通便利，可谓“地利”;同时，受明代北方战乱不停、各个著名瓷窑的衰落、需求量增加等各种原因的影响，全国各地身怀绝技的制瓷工匠都不约而同地汇集到景德镇，与本地的工匠互相交流，切磋制瓷技法，将南北的审美意识融合，使瓷器的艺术表达上升到一个新的高度。“工匠来八方，器成天下走”，就是指当时的盛况，可谓“人和”。明朝洪武年间，朝廷在景德镇设置了御窑厂，不惜人力物力，大量烧制宫廷需用的瓷器。《明史•食货志》记载:“成化时遣中官之浮梁景德镇，烧造御用瓷器最多且久，费不赀。”在经济复苏的明代，社会发展和文化传播加速，推进了瓷器制造技艺的发展。其中，彩瓷的发展更是脱颖而出，从而使得古彩瓷这种极具中国传统特色的釉上彩绘画艺术逐渐走向成熟，并稳步向前发展。从审美角度来看，各朝各代的审美理念均有不同。明朝中期，商业发展空前繁荣，审美观“受到西学东渐的影响，新思想迅速萌生，陈旧的传统受到怀疑和冲击，人文主义抬头。文人们追求独立人格、憧憬人伦世俗生活情趣的作风影响到了文化艺术，体现在了瓷器装饰上。”尤其是明朝万历年间(公元1619－1667年)，徽商的崛起促使经济发展突飞猛进，以徽籍画家为主的新安画派产生，具有新安画派风格的绘画图案在社会各个阶层流行开来，对明代古彩瓷绘画图案的设计构思提供了参考借鉴价值，为其绘画装饰语言注入了强大的生机和活力。所以，古彩瓷绘画装饰语言的形成与发展都离不开社会经济和文化的潜移默化。

二、宗教背景

西汉末年，佛教文化从古印度传播到中国，并在历史的长河中与悠久的中华文化完美结合。在相当长的时间里，以意识形态渗透的方式，影响着中国人的日常生活和审美理念，同时也融入古彩瓷的发展历程中，使得成为古彩瓷绘画中不可或缺的艺术表现内容。到明代古彩瓷发展时，以佛教文化为表现题材的装饰绘画已然形成了一种特有的风格，工匠们受耳濡目染的宗教影响，塑造出活灵活现的艺术形象，并赋予这类艺术题材一种具有历史特质的审美情趣和审美追求。被信众奉为“佛门圣花”的莲花，在佛教文化中占有重要的艺术地位，是古彩瓷的绘画图案中宗教题材的宠儿。它出淤泥而不染的纯净品质恰恰是佛教思想的象征，它是从尘世间的烦恼中解脱出来，降生于佛界净土之上的圣人化身。而修佛参道者，应该净化自身，超凡脱俗，如同莲花一般不受尘世间的污染，努力追寻清净如水的境界。几百年来佛教文化历久不衰，人们崇尚莲花的神圣品格，莲花自然而然地成为盛行不衰的艺术题材(如图1)。工匠们以不同的表现手法将莲花化为具有美感的绘画图案，绘制在古彩瓷上，而图案的装饰语言也随着时代的变迁而变化，或拘谨或轻松，或工整或写意，以此来适应当朝当代的审美观。、梵贝、宝伞、华盖、莲花、宝瓶、金鱼、幸运结这八项物件是佛教的象征，常被供奉在庙宇中佛祖和菩萨的供台上，被人们称为“佛教八宝”，也叫“八吉祥”。在清代，朝廷把宣扬忍苦受难、信奉生死轮回的佛教文化，作为笼络汉族人民和少数民族的一种愚民手段，在全国各地建造了规模庞大的佛教庙宇。这种“八吉祥”法器绘画图案寓意吉祥如意，因而在古彩瓷中经常出现，并得以大批量烧制。另外，在古彩瓷上也经常出现一些表现道教文化的内容。在封建社会，上层社会的喜好常常影响民间的审美喜好，明代中末期，朝廷倡行道教，尤其是嘉靖皇帝和万历皇帝更是道教的忠实信奉者，此时期道教的神话故事题材非常盛行，例如我们耳熟能详的八仙图便是其中最为生动的表现内容之一，“八仙祝寿”、“八仙过海”以及八仙各自手持的器物所组合而成的“暗八仙”等绘画图案流行于大街小巷，同时也在古彩瓷的装饰中广泛运用。此外，八卦纹也是上层社会所青睐的表现题材，在古彩瓷的绘画图案中也十分常见。总之，上至进贡朝廷的官窑瓷器，下至老百姓使用的民窑日用瓷，我们都能在其器面上看到栩栩如生的道教题材绘画图案。

三、其他门类艺术形式的影响

中国五千年的文化博大精深，古彩瓷的绘画图案作为一种立足于瓷器载体所形成的绘画艺术，是既与国画、诗词、戏曲、哲学、书法等息息相关而又自成体系的艺术形式。社会风尚和人民的主流喜好逐年沉淀的各种中国古典艺术形式，赋予古彩瓷画师深厚的文化底蕴，提供了丰富的资源和灵感。同时，那些富有生机的传统艺术元素被画师接纳吸收，并且自发地进行联想或理想化的提炼、改革、升华、创造，最终具体化地实践在作品之中，形成古彩瓷特有的绘画装饰语言。这个过程，是古彩瓷的美学内涵之于瓷器这个载体空间的超越，也是之于各朝各代审美意趣精神空间的超越。

(一)中国画的影响

中国画与西洋画的精神内核差异巨大，两者所包含的文化元素和艺术基因天差地别，西洋画是依靠透视学、解剖学和色彩原理等科学理论为基础形成的绘画形式，而中国画“主张用线条、墨色来表现形体、质感，有高度的表现力，追求一种“形神兼备，气韵生动”的艺术效果，是一种天人合一的哲学物象化体现。中国画的创作受画家自身的知识结构和对生活的感悟、对自然的认知情感等主观要素所决定。故而，中国画这一在世界绘画史上占据重要地位的绘画形式无不渗透着写心传情、笔墨抒放的韵律，其写意技法对古彩瓷绘画装饰语言产生了相当大的影响。古彩瓷出现之始，在笔韵技法方面沿袭自中国画，同时，效仿中国画中对描绘对象的归纳技法，不刻意注重表现对象的形体比例结构和透视解剖关系等外在因素，而是透过表象直指人心，以变化和统一、节奏和韵律、均衡和对称等绘画形式法则组成，我们可以在具体实例中轻而易举地找出这一内在规律。图2是明朝杰出画家徐渭的《榴实图》和一幅古彩瓷上的石榴图，出自明代无名的画师之手，两图对比可看出古代古彩瓷画师在摹写对象时明显地借鉴、效仿中国画中归纳物象的绘画技法，虽然表现力度远远没有徐渭来的大气恢弘，但却捕捉到了国画绘画技法的基本规律，并且没有生硬僵死地模仿，而是随着材质和载体等制约因素适当转变了处理方式。国画以笔墨浓淡来表现阴阳向背和明暗转折，古彩瓷的彩料颜色屈指可数，自然也没有彩料浓淡之说，画师只能在需要细致描绘的地方，点以反复排列或错落排列的“点”来表现层次，烧成后的成品比国画更具有鲜明且浓重的装饰意味。