琴之歌者,余音绕梁而不绝
开篇：润墨网以专业的文秘视角，为您筛选了一篇琴之歌者,余音绕梁而不绝范文，如需获取更多写作素材，在线客服老师一对一协助。欢迎您的阅读与分享！
摘 要：钢琴演奏中，歌唱性技能一直备受各个时期的钢琴演奏家重视，它对于更好地领悟音乐、表现音乐具有重大的意义。如何提高钢琴演奏中歌唱性技能应作为每位钢琴教师不断思考的问题，本文针对此问题，从钢琴的发声方法、踏板的使用、乐句的训练、对钢琴作品的分析与理解等几个方面浅谈其与歌唱性能力的关系以及提高钢琴演奏中歌唱性能力的方法，以达到提高演奏者审美情趣与音乐表现综合能力的目的。
关键词：钢琴演奏；歌唱性技能；审美情趣；音乐表现力
中图分类号：J624.1 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）18-0077-02
歌唱是人们表达各种情感的重要方式之一，悠长而细致的气息、连贯自如的韵律、强弱起伏的音乐律动使得人们的感情在歌声中倾泻无遗，因此自古就有“丝不如竹，竹不如肉”之说，正因为如此，器乐的演奏应当以人声的表现力为目标，以达到音乐表现的更高境界。钢琴作为乐器之王，更因以此为借鉴。
一、钢琴演奏中，歌唱性的重要意义
（一）何为歌唱性
人们演唱歌曲的时候，将心中的情感倾泻在连贯自然、细腻婉转的旋律之中，绵长的气息，细致的旋律韵律，强弱起伏的情绪发展使得歌曲悠扬动听，而将这种音乐韵律的表达以器乐为载体，通过手指演奏相应的琴声，使得乐器也和人声一样，传达细腻悠长的音乐美感，当演奏者以这种内在的音乐感觉来弹钢琴，便是赋予钢琴音乐一种歌唱的特点。
钢琴演奏的歌唱性具有两种含义，从广义上来讲，所有的钢琴曲都离不开旋律、乐句、呼吸等，而这些元素正与歌唱密切相关。从狭义上来讲，主要针对作品中一些“如歌地”、“抒情地”等具有特殊要求的乐曲段落，此时的钢琴曲调，应当以人声的歌唱为标准，力求将演奏的音乐变成一种没有歌词的歌曲。
（二）歌唱性在钢琴演奏中的重要地位
歌唱性在钢琴演奏中具有非常重要的地位，它是钢琴音乐的灵魂，无论是从广义上还是狭义上来理解，它都是表现音乐美感的重要方式之一，钢琴曲的歌唱性，从巴赫到肖邦、李斯特再到安东・鲁宾斯坦等不同年代的钢琴艺术大师，都将其作为共同的目标，如巴赫的《创意曲》，李斯特的《弄臣》、《夜莺》，门德尔松的《无词歌》等作品，作曲者都要求演奏者能演奏出歌唱般连贯自如的旋律，同时，这些作品都可以作为钢琴演奏中歌唱性技能训练很好的教材。
声乐艺术美学对钢琴艺术的发展具有较大的推动作用，许多著名的钢琴家也表示声乐作品对他们演奏的启发，如钢琴大师安东・鲁宾斯坦于1840年听了歌唱家鲁比尼的演唱后说：“经过男高音的榜样启发，使我在演奏上了形成了高尚而流畅的分句法的概念。”李斯特特曾表示他在歌唱家那里学到钢琴演奏的分句法。钢琴大师霍洛维茨曾说：“琴音一定要像18世纪优美、圆润的意大利歌剧传统的唱法，我就是一向努力用钢琴奏出这种唱法。”肖邦也非常钟爱声乐艺术，他曾说：“花腔乐句的优美动听之处在于音准、流畅、匀称、精确及轻巧，我的好多装饰音奏法也应奏成这样。”
在钢琴演奏中，歌唱性这一技能在钢琴音乐的表现力方面占据非常重要的地位，是钢琴学习的重要课题，也是钢琴教学的重要目标。
（三）钢琴演奏歌唱性的特征
无论是广义还是狭义的歌唱性，其共同特征体现对音乐的处理，演奏过程中，需要对每个乐句甚至每个音都进行细致的处理，使每个音符都具有不同的情感与灵性，每个音的强弱都处理得自然妥帖，流畅细腻。
钢琴发声是由琴槌敲击琴弦，类似打击乐的发音原理，它的歌唱性特点主要靠手指的触键来控制，并不像声乐、弦乐或者管乐容易体现歌唱性，因此想细致表达钢琴的歌唱性具有一定的困难，所以钢琴演奏的歌唱性训练非常关键，需要发音方法、乐句的训练、踏板的应用、作品风格和音乐语言的分析、演奏者内心歌唱性及内心听觉的培养等方面进行训练以达到能收放自如地驾驭钢琴演奏中的这一技能。
二、钢琴演奏中歌唱性技能的训练与培养
（一）前提――良好的钢琴发声方法
掌握良好的钢琴发声方法是钢琴歌唱性演奏的重要前提。在钢琴演奏的基础学习练过程中，主要从手指的触键、手掌各个关节的放松与支撑、手指的独立行、手臂和手腕以及身体的协调与力量的融会贯通等方面进行细致的训练，这些演奏技巧是控制钢琴音色的关键，因为只有在训练过程中，很好地掌握了这些基本技巧，才能掌握钢琴的发声方法，能收放自如地控制钢琴的每一个音色，在演奏中找准作品每一个音符的合适音色。
（二）灵魂――踏板的使用
钢琴踏板意义重大，手指无法完成的音色可以借助踏板来完成。右边的是延音踏板，它是用来延长琴弦震动的时间，也就是延长所弹音的时值，使音与音之间变得更连贯，这个具有润色效果的踏板在钢琴演奏中使用频率非常高，根据作品的不同需要选择它的使用方法。中间的是消音踏板，在此踏板踩下去之后，一块活动的绒布会夹在琴槌与前弦之间，使音量变小、变弱、变得沉闷。此踏板在钢琴曲中运用很少，演奏时需慎重考虑。左边的是弱音踏板，此踏板可以使音色变得柔和，此踏板运用的频率不算高，但是在拉威尔和德彪西的钢琴作品中的一些段落，充分地发挥了弱音踏板的作用，以得到一种更强烈的画面感与漂浮感。
钢琴学习过程中，踏板的学习是非常重要的一个环节。钢琴演奏中，踏板的运用至关重要，钢琴家安东・鲁宾斯坦曾说：“踏板是钢琴的灵魂。”意大利钢琴演奏家布佐尼曾这样形容：“踏板是倾泻在景色的月光。”可见在钢琴家眼中踏板的作用非常重要，它使一首钢琴曲变得连贯、流畅、绵延，赋予了钢琴曲最本质的灵魂。正确运用踏板，可以使演奏变得更加完美，运用得不好，则会毁掉作品的整体的效果。所谓歌唱性，既要体现每个音之间的连贯性又要体现音符的强弱对比和情绪起伏，钢琴踏板的正确使用可以使钢琴演奏歌唱性事半功倍，它赋予了一首钢琴曲灵魂，使音乐变得生动，具有生命力。
（三）核心――乐句的训练
音乐的进行好比一个人说话，乐句是最基本的构成单位，然而乐句也是由一个若多个存在，要把组成乐句的每个音都弹清楚，把每个音的情绪都表达清楚，才能从整体上表达作品的思想与内涵。
乐句的歌唱性弹奏应符合音乐的特性与气氛，它究竟是明快的、欢乐的还是悲伤地、沉重的或者抒情优美的，是慢速悠扬的还是快速热情的，这是音乐的整体情绪，也是在练习过程中，首先要注意的，在了解了音乐的整体情绪后以及读完谱面上的音乐术语后，根据音乐情绪特征，决定用何种奏法。接下来就是分句来练习，根据和声终止式来确定乐句的结尾，根据音乐动机确定旋律线起伏所形成的音乐语气。钢琴曲与声乐曲一样，同样具有呼吸，气息的连贯与断开就像演唱时的呼气和吸气。每个乐句的强弱变化都在呼吸之间完成。另外，乐句与乐句的连接也要处理妥当，根据前后关系，确定演奏技法。
歌唱性的乐句除了注意以上问题之外，还需注意与伴奏的关系，伴奏的强弱与旋律有着很大的联系，有时候为了突出旋律音，伴奏音量弱，有时则相反，不同的乐曲，旋律与伴奏的处理都不一样，要根据不同的音乐情绪酌情处理。
（四）入手点――对钢琴作品的理解和分析
钢琴教学应将对钢琴作品的理解和分析作为入手点，每首作品的音乐风格都不一样，即使有些作品看似整体情绪差不多，例如都是抒情的，但也有各自不一样的情绪。因此，学生学习钢琴演奏，应先对作品有个整体的了解，全面掌握作品风格，从每个音乐开始认识作品，诠释作品。理解作品要从创作背景和风格，曲式结构、音乐要素等方面着手。
1.创作背景和风格
音乐作品是曲作者在某个背景下内心情感与体验的再现，对曲式结构有个清晰的了解可以帮助演奏者更深入地懂得作品的表现内容，从而更深刻了解曲作者的艺术表达目的。为了更深刻地了解音乐内涵，演奏者应首先研究本作品的音乐背景。一首作品的音乐背景是作曲家与当时的社会事务与社会文化相联系的表现，也是在当时的时代背景下，作曲家在创作时内心情感的体现，演奏者若想深层次地表现音乐作品的内涵，必须将自己想象在那样一个背景下所拥有的心灵体验，尽可能地将演奏接近作曲家的内心情感。
钢琴教师在教学过程中，可多引导学生了解音乐发展历史，多了解不同作曲家的创作风格及特征，多查看一些关于钢琴这样乐器演变与发展的文献，使学生加强对不同时期、不同地域的作曲家风格特征的了解。
2.曲式结构
一首音乐作品的曲式结构就像文章的段落安排，每一段都有自己的主题，每段的音乐情绪都有所不同，句与句之间，段与段之间，既相互联系又相互对比，曲式结构的划分同时也意味着音乐风格和音乐内涵的变化，其中的变化都具有一定的规律和逻辑性。每个部分不同的音乐情绪所塑造的是不同的音乐形象，了解作品的曲式结构可以帮助演奏者更进一步了解每个部分的音乐形象，在演奏过程中能更好地用音符来塑造音乐形象。
3.音乐要素
音乐的组成要素包括旋律线、节奏、节拍、调式、和声、速度、力度、织体等，这些要素相互配合，构成音乐，塑造音乐形象，表达音乐情感。钢琴教学过程中，教师应从这些音乐构成要素着手让学生了解它们在不同作品中的不同意义与作用，从而更好地把握作品的演奏。
钢琴演奏歌唱性技能的培养过程中，教师应始终注意对学生作品分析能力的培养，让学生养成勤于动脑的习惯，使他们在拿到一首作品后，不是急于去演奏，而是先从整体上了解作品。
三、钢琴演奏者审美情趣与音乐表现力的培养
钢琴演奏者的审美情趣离不开内心的歌唱性与内心听觉能力的培养，古人云：“音者有魂，乐者依心，音由心出，视为至乐。”也就是说只有从心里面流出来的音乐才是有灵魂的，才是最好的音乐。作为钢琴教师，应引导学生用心去聆听音乐，去感受音乐，加强对内心歌唱能力的提高，这种综合能力的培养并非一朝一夕可成，唯有在不断地用心学习中，提高演奏技能才能提高审美素养。内心歌唱与情感表现是钢琴演奏的灵魂，演奏者如果没有这种内心表现的欲望，内心的歌唱性就无从谈起，即使在键盘上把音弹出来了，那样的音符也是缺乏灵性与生命力的。。
而内心歌唱能力的培养离不开内心听觉的培养，音乐作为一门听觉的艺术，提高内心听觉能力就是提高学习与理解音乐的能力，当我们看到音符，即使没有任何乐器和音频，也不需要哼唱就能感受到音乐的情绪，感受音乐的流动。内心听觉的培养可以提高演奏者欣赏音乐和领悟音乐的能力，提高内心歌唱能力。
音乐是一门抽象的艺术，它没有颜色，没有气味，没有形象，因此，钢琴的教学过程中，通过以上技术技能和艺术技能，提高学生在钢琴演奏过程中的歌唱性技能，实际上也是培养他们理解分析作品以及欣赏与评价音乐的能力，从而提高学生的音乐素养和音乐审美情趣。歌唱性技能的培养实际上是一种综合能力的培养，这种锻炼能使学生更深层次地领悟音乐的内涵。