价值有待发掘的彭熙平“密码山水”

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和时下爱留着一把大胡子的艺术家不同，70后山水画家彭熙平显得并不另类，说话慢声慢气，声音稍稍有点嘶哑。但一谈到他的“密码山水”，两眼就放出光来。

显然，正是因为这种对自己独创的绘画技巧的狂热，彭熙平才能毅然决然地放弃干了十年之久的、收入不菲的设计总监的工作，专心致志地成为一个职业画家。也正是因为这种近乎偏执的热情，他的作品的价格，才能在5000元每幅的价位上供不应求。

最爱的创作元素之“树”

彭熙平，1975年出生于江西新余，1998年毕业于北京服装学院艺术设计系。

彭熙平在北京的广告行业从事创意设计十年之余，2008年彻底放弃了原本的设计工作，全心投入油画和国画艺术创作。油画作品主要是“白桦林白杨树”系列。国画作品主要是“文字密码山水”系列。

彭熙平迷恋过京剧鲜艳的流光溢彩和庄严神秘的五彩经幡，早期创作过一批京剧和题材的作品。在尝试过鲜艳的色彩题材后，近年转入灰色深沉内省的树林系列和纯抽象的文字山水。

树，是人们生活中最司空见惯的，它既可以刚正不阿，也可以曲折多姿。所以，在画家笔下，树也是被表现和描绘最多的。在画家彭熙平的笔下，树更是成为一种生命的象征符号。

“树其实是大地母亲回馈人们最大最美的礼物。树的绿色让人们的心灵得以平静，树的绿荫带来夏天的遮护。”彭熙平告诉笔者，动物有灵性，树同样也有灵性。在中国古代的诗词歌赋里言情总离不开山河林木，何也？临木而居，夏则荫护，冬则防风，树是我们最贴身最安全的护佑。“人们都有在夏日的树林中漫步的经历，那一刻，树林给予人们的是那么的安静神秘，犹如婴儿在母亲的子宫内的安宁和平静。古人常咏叹梅兰竹菊，那是宋朝文人对植物的人格化。‘感时花溅泪，恨别鸟惊心’唐诗中的物我相融是千年前古人的感悟，相似感悟之人今人又有几多？”彭熙平如是说。

正是因为对树的这种特殊情感，所以彭熙平的作品中总少不了这个最衷情的创作元素。采访中，他还动情地给笔者讲述了他曾经看过的一部法国制作人雅克・贝汉的《天地人》三部曲之一《人》篇里一些场景。他说，其中的《人》篇里有一段拍摄的是的一个小和尚从没见过树木，因为高原条件，大树在是无法看到、生存，那里偶尔有点低矮的小灌木，他从小对树的认识是佛经里树的图像――那密密麻麻升上天空的枝干叶子，小时候他一直幻想树是什么样的。等他成年有幸走出，终于看到真实的树的时候喜于言表。

最爱的创作元素之“草书”

除了树，彭熙平的“密码”山水中不得不提的另一个类别，是草书。

在中国的传统艺术中，草书是唯一可以称之为“个人符号”的艺术，与其它书法形态相比，草书的形态价值之所以要摆在首位，是因为草书笔触的粗细长短，笔的走势，书写的节奏、章法、空间等总是具有无限的可能性。

在书法的讨论中，人们始终跨越不了两大门槛：一是挥之不去的“传承”情结，二是泛文人化的自恋和自足。中国传统艺术却因为只注重过去而忽视现在和未来，只注重古人而忽视自己，所以只能一步步走向没落。人们的传统教育观点是：一切成就都是古人的，一切荣誉都是过去的，一切标准都是传统的。

面对传统艺术，大家都在遵循古人建立的标准。从表面上看，这个标准似乎是一个“普遍标准”，但深入到传统精神的内核我们就会发现，传统艺术的所谓“共同标准”，是一种只能有其一不能有其二的权力标准和心照不宣的惰性标准；反映在作品上，则是一种不思进取、无言超越、僵化了的范式标准，这个“共同标准”的长期存在和长期生效，使中国文人的思维始终被古人控制，“此我”只能与前人重叠，大家只能标榜“无我”而不敢“有我”，或暧昧地“共我”。以至于千百年来中国的艺术大致都是一个模样。草书艺术之所以在一千多年的时间中未能被超越，首先是后人自己把颠张醉素当成了唯一，为自己树立了一个主观的、不可逾越的高度，让这个被神化了的影子遮挡住了视野，既妖魔了颠张醉素，也同时为自己画地为牢，并甘愿被囚。

彭熙平的国画作品基本远离保守的传统手法，革新了中国画的表现形式，是用抽象的草书笔触通过西方的聚与散、深与淡、密与疏形式感的对比代替了树和丛林的枝杈叶片的具象表现。

作为象形文字，中国汉字早已蕴藏了绘画成分，而中国书法一直标榜“间架结构”，这又何尝不是一种抽象暗指呢？从宋代开始也有了“写意山水”以至后来的“写意画”。因此，在彭熙平的作品里“象形”、“间架结构”，再透过“满”和“密”的表面，明确植入了构成意识。但中国草书和真正意义上的抽象构成放到一个平台上融合，成就自己的独特风格是一次创新。笔者至少看到了这样一个事实：彭熙平已用现有的积淀、个人方式，在书法与抽象之间成功搭建起了一座桥梁，并通过近十多年的努力完成了从书法到抽象的一次华丽转身。