时装艺术双生花

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假如把时尚理解为穿着的艺术，

那么艺术便是时尚凌驾于服饰之上的基点。

时尚源于艺术，艺术滋养时尚。

时尚与艺术，便如同华丽双生花。

你也许还记得，在2007年年底，当Christian Lacroix的时装屋尚未因为金融危机而破产的时候，这位素有法国经典高级时装正统继承人的设计师，在巴黎举办的20周年回顾展上令人称道。抛去其中对Christian Lacroix个人以及其作品的评价，这出展览的本质属性依然是不折不扣的艺术展出。事实上，设计师每一季作品的会都是一种小型的艺术作品展览。如果说这是时尚与艺术联姻的外在形式，那么，解读时装作品中的艺术构成则成为了透视他们之间内部联系的最佳途径。

而所有的历史资料也都充分表明，艺术风格与流派对于相关领域的影响总是广泛而普遍的，文艺领域内的各种艺术样式构成了一条完整的生态链，任何一种样式的风格化都能在其他样式中找寻到映像。而时装设计师俨然成为了负责将艺术转化为可穿着的服装的艺术工作者。Yves Saint Laurent在上世纪将蒙德里安极具构成主义风格的绘画转化为女人的连衣裙，成为了时装史上不可磨灭的经典一笔。而如今，在时装作品中，时尚与艺术相爱的传说依旧不断续写。

各大时装周的2012春夏大舞台上，艺术与时装的融合再度成为热门看点。各大品牌的作品中大量吸收了绘画艺术史上的各经典风格与样式，再度证明时尚与艺术之间不可剪断的血脉联系，恰是感情甚好的两朵姐妹花。

巴洛克与洛可可（Baroque & Rococo）

在经历了15、16世纪的文艺复兴运动之后，巴洛克成为欧洲17世纪广为流传的一种艺术风格，可是在当时，人们却认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低。如果说略带宫廷式浮夸的巴洛克比起古希腊古罗马式的朴素人性化的文艺复兴，已经是一种明确的反叛的话，那么强调女性特征的洛可可更是将这种浮夸推至巅峰，大量的曲线造型充斥着人们的日常生活，一切事物都沉浸于女性化世界之中。

在欧洲列国王室之间通婚频繁的大背景下，男人已经不需要时刻准备着换上戎装上战场，男人对衣着的苛刻在这个时期直逼女人，而女人的衣饰，更是被引向一个极度浮夸与柔媚的境界。大量运用的蕾丝、薄纱、雪纺等等隐含着暧昧与意味的面料将女性味道散发到极致，层层叠叠的服装轮廓，还有那巨大的裙摆也都有着舞台戏剧一般的夸张和美艳。

维多利亚风格（Victorian Style）

19世纪兴盛于英国，维多利亚风格的名字让人一目了然――流行于英国维多利亚女王执政时期内的风格样式为它打下了19世纪英国民风的烙痕。它与巴洛克和洛可可一样，也属于艺术复辟的风格。但比起前二者，它重新诠释了古典的意义，扬弃机械理性的美学，不论是在建筑还是家居用品，乃至当时的服装，它都突显出色彩绚丽、用色大胆、色彩对比强烈的明确风格特征，开始了人类生活中一种全新的对艺术价值的定义。

刺绣自然是维多利亚风格最为惯用的样式，你可以呼唤一切关于维多利亚女王的记忆，或者哪怕是今日英国卫兵的装束中，也都充斥着维多利亚时代经典的风格细节。甚至于，我们还能从大本钟的别样肃穆形态上得到关于这种上流优雅的意义。黑、白、灰等中性色与红色、褐色和金色结合突出了豪华和大气，却又不失贵族诉求的那种精致华美。

印象派（Impressionism）

19世纪末脱胎于泛古典主义，印象派首先出现于绘画中。莫奈的绘画作品《日出・印象》打破了古典主义绘画的沉闷格局，开辟了绘画风格的新出路，并为这一全新流派界定了名称。在紧随其后的后期印象派里，以梵高、塞尚、高更等等为代表的画家，乃至以修拉为代表的点彩派艺术，更是将绘画风格带入一个奔放而富有张力的领域。模糊的色块轮廓、对比强烈的色彩构成是印象派的突出特征。

活泼跳跃的色彩组合在女装的表现中有独特的优势，带有斑斓色彩的大朵印花图案的轻薄面料成为当季各品牌晚装系列的首选，将女性的花样姿态展露无遗。那些远看意境悠远，而近看却朦胧不清的影像在数码印染时代里则深深地呼应着莫奈、马奈、梵高等人的视觉艺术向往，恰有一种类似于水墨画一般不确定的美感。

新艺术风格（Art Nouveau）

新艺术运动兴起于上世纪初，在绘画领域与建筑领域中，新艺术风格得到了最佳的诠释途径。描绘自然有机物的流畅曲线从哥特风格中脱胎换骨，自然主义的装饰效果在世纪初大行其道。奥地利新艺术运动中的杰出代表人物穆夏（Mucha）为JOB牌香烟所设计的一套香烟盒图案俨然已经成为代表新艺术运动的一种符号，赫克托・吉马德（Hector Guimard）为巴黎地铁设计的出口门栏至今也成为人们瞻仰这一艺术风格的必看风景。

新艺术风格在时装配饰中的运用堪称一绝――柔滑的线条配以手镯的金属质地，在刚与柔之间找寻到了最佳的平衡。即使在极简主义大行其道的今天，饶富自然植物形态的曲线混合着几何弧线，女人装扮中最在意的身段轮廓可以借以得到最佳的修饰，而相似的曲线细节所赋予的典雅而不造作的气息，也都能散发淡淡的怀旧情绪。

现代主义（Modernism）

上世纪30、40年代，当现代主义开始广泛流行的时候，诞生于两次大战之间的德国包豪斯学院将这场宣扬平价精神和民主意式的艺术与设计运动掀至最高潮。强调为最广大的平民设计的理念，一切精湛的手工艺行业从封建时代的神坛上走下，融入平常人家的生活。方便于批量加工与生产的直线造型提供了更高的效率，低廉的成本与最短的周期也能在保证现代式审美要求的同时，传达现代设计精神的要领。

哪怕线条轮廓被简化至最为寻常的直线条，对于服装而言，这看上去也像极了禁欲主义的延伸，但融合着稀有工艺的部分，像JIL SANDER和CELINE等等高举简约奢华气质的时装大牌在面料和加工上做足了文章，细腻的衣料质地，还有不可缺失的趣味化细节，倒是营造出一种属于当代的新式简约风潮。

抽象表现主义（Abstract Expressionism）

15世纪兴起的文艺复兴让科学与文艺重新回归到理性世界中，人性化的表达和自然规律的探索让绘画和雕塑都达到了空前的高度。而到了19世纪末，追求具象的艺术表现则显得瓶颈重重，艺术家不再满足于客体表象的描绘，而开始注重精神层面的表达，人物画中开始大量出现粗糙甚至不可辨认的笔触，作品却能生动地传达人物情绪。著名精神分析家佛洛依德的嫡孙Lucian Freud以及奥地利著名画家Egon Schiele都是抽象表现主义的杰出代表。

Yves Saint Laurent在上世纪将蒙德里安的“分离派”构成主义的绘画穿到模特身上，线条与色块与人体结构比例结合得恰到好处。而如今，抽象表现主义所特有的大胆而抽象的色块与不规则图形所营造的强烈的视觉冲击力为时装所增添的是一种豪放的性格，干练的服装线条同时让这种张扬热烈的情绪得到适当而不过激的表达。

超现实主义（Surrealism）

西班牙现代艺术大师达利是超现实主义艺术的最佳代言人，也成就了20世纪艺术界中的一朵奇葩。这位近似于疯子的艺术狂人大胆地将古典绘画的元素进行肢解，用超常规的视觉透视将各种拆分的元素重新组合，天马行空式的幻想跃然于油画布面。在人们既有的经验中，那些风马牛不相及的元素被拼凑到一起，以怪异的秩序重新组合，构造出颠覆传统的视觉意象，超现实主义所表达的便是一种特立独行的反常规概念。

在时装中，非常规的剪裁往往能够带来独特的视觉效果，各种你所想象不到的造型被热衷于超现实主义的时装大师们引入立体剪裁中。这样的例子早在上世纪八十年代的夸张肩垫和臀垫造型中得到了印证，而在今天，非对称的服装剪裁成为热捧形式，超现实主义的风格特征在时装以及配饰的表现中更是如鱼得水。