钢琴组曲与勋伯格的序列主义
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【内容摘要】文章的分析对象为勋伯格于1923年创作的《钢琴组曲》（Suite Op.25），这部钢琴作品历来为作曲家、音乐理论家所看重。从结构体裁角度来看，这是具有巴洛克风格的“古组曲”，更是古典十二音体系的第一部完整的作品。作者希望通过对其进行一些不同角度的直观的图表分析，以对“序列”有一定的概括和解析。
阿诺德·勋伯格（Arnold Scheonberg，1874—1951年）是20世纪奥地利作曲家、理论家与音乐教育家。世纪交替，这一时期的作曲家普遍存在着创作风格前后不一的现象。勋伯格的作曲风格发展也被人们主要概括为三个时期：从1899年的《升华之夜》（Op.4）开始，到1907—1908年的《#f小调第二弦乐四重奏》（Op.10），受到勃拉姆斯、瓦格纳、理查·施特劳斯、布鲁克纳、瓦格纳等人的影响，具有晚期浪漫主义风格。随着“表现主义”①大潮的涌动，勋伯格以更激烈的形式对音乐语言的探索，形成了“自由无调性”音乐（1909—1923年）时期与十二音序列写作时期（1923年以后）。自由无调性是由浪漫主义晚期的作曲技术发展而来的，仍然采用主题动机的发展手法，在这一时期作曲家极力避免古典的调体系——“破”，因此，在这一时期的创作中，勋伯格放弃了浪漫主义的大型结构、大型编制、复杂主题等“巨型”创作手法，“开始追求音色的细致与多变（例如Op.16中的第三首及其‘音色旋律’）；节奏和对位趋向更加复杂；旋律结构变得细碎而凝练；‘紧张焦虑、烦燥不安’之类的情绪非常突出”②。
本文的分析对象为勋伯格于1923年所创作的《钢琴组曲》（Suite Op.25），这是他在音乐创作上沉寂10年之后，在无调性的理论与结构上不断思索的结果，由此进入其音乐创作的十二音序列写作时期。以下列出勋伯格5部钢琴独奏作品，这些都是勋伯格的新音乐探索过程中的“实验”佳作（表1）。
《钢琴组曲》无疑成为了古典十二音体系的处女作，古典十二音相关理论主要是由勋伯格本人提出的，其基本原则笔者结合后面的音乐分析加以详解。
勋伯格选择了巴洛克时期的组曲形式来创作《钢琴组曲》，也许是对于自己所创新的古典十二音体系的一种传统的平衡，而本文则倾向于其中更有对于古组曲、套曲这种传统曲式结构的思考，我们当然不能因为这种巴洛克套曲的形式就将此曲冠以巴洛克风格，笔者借助于对该曲十二音的分析，试图找出两者在结构设计上的某种联系（表2）。
序列音乐创作原则之一就是全曲须建立在一个十二音序列的基础上，避免调式音阶、功能性四五度音程等，全曲十二音的原型（O）、逆行（R）、倒影（I）、倒影逆行（RI）（图1）。
如主题的展开手法一样，这个序列贯穿全曲，且序列的原则之一不得随意省略是序列中的音级，但同时，序列又是可重复的：在同一轮中，下一个音出现之前，可以在相同或不同的八度位置上重复，完整的音组片段等可以做改变节奏的重复。如图1中的一到四号音，包含着小二度、大二度、三全音，这些不和谐音程音响特征明显。而九到十二号音的逆行可视为“BACH动机”，即bB—A—C—B。首先，我们先分析出第一乐章《序曲》的序列陈述的方式（图2）。
如图2所示，横轴1—24为小节数，竖轴0—4抽象为纵向和声由低音向高音排列。在第一小节第二拍出现O，力度为轻，第一小节第四拍出现O6，力度为中强，如果我们视O为主题，那么O6不失为第二主题，由“O”移位三全音而来（图3）。
如图2所示，O＼R＼I＼RI＼O6＼R6＼I6＼RI6完成了第一乐章的线性陈述，自第七小节开始出现不同形式的纵向叠置，但主要是序列或序列变形自身十二音的叠置，连接序列的主要力量则来自于相对传统的节奏，以十六分音符为单位的律动，在节奏对位方面作者遵循巴洛克时期舞曲的部分传统，但其最长时值仅为3个八分音符，节奏明快，并以同音或同音八度的持续增加音乐的动力。
受篇幅所限，本文只将前三乐章进行比较分析，如图4，《加沃特》所运用的“音列材料”基本与《前奏曲》一致，虽然第二乐章相比较第一乐章速度有所降低，但十二音的使用更加密集，不同序列之间的叠置较之于前者更加频繁，从古组曲结构的角度来讲，序曲是一种单主题的中小型乐曲，我们从图表中能看出各种主题材料的陈述极具连接性，所以我们看到的是一段段横向连接的彩色线条，而《加沃特》可以说是作品真正的“呈示”部分。法国舞曲《加沃特》多以复三部曲式进行陈述，同样以弱起小节开始。由于《加沃特》本身所具有的装饰性传统，节奏方面运用了很多附点十六分音符与三十二分音符、六十四分音符组合，在乐曲的第4、23、25、26小节使用了纵向波音，这样就缓解了序列音最初给人们听觉带来的不适感，显然是作者精心设计的。我们若以“O”为该曲的段落划分，则I.（1—9）；II.（10—16）；III.（16—27）。接下来，我们可以观察图表中纵向交叠序列之间的关系。1—9小节主要为O、I、O6、I6之间的倒影与三全音的关系，11小节以后则主要是逆行、倒影逆行等与原型的组合。
第三乐章《缪赛特》（图5）。缪赛特舞曲本是17、18世纪流行于法国的一种风笛音乐，在乐曲中演奏固定音型的持续音，勋伯格因此在全曲埋下持续音G。此外，“G音分别是序列O＼R＼I＼RI的第3、10、4、9号音，也是序列O6＼R6＼I6＼RI6的第4、9、3、10号音”③回到图表，无论从篇幅还是声部复杂程度来讲，都可以将第三乐章视为一个展开型的乐曲。前两个乐章均为以原型开始，以逆行结束，此乐曲则以原型开始以原型结束，与后乐章同构，作者要求《加沃特》用在《缪赛特》之后重复演奏一次。可见，这种传统曲式结构并不局限于巴洛克时代，这种集动力、多种元素对位于一身的曲式结构凝结着西方作曲技术的精华，勋伯格把握套曲音乐结构的手法有着相当的功力，如果综合6个乐章的结构，应该更能说明巴洛克风格套取与十二音技术的数理逻辑。回到第三乐章，勋伯格对倒影逆行以及倒影逆行的移位进行展开运用（RI、RI6、RI12）。值得注意的21—28小节处并没有完整的序列陈述，也可以理解为无序陈述，从铺面出发，此处我们看到的是非常具有键盘特色的织体类型，在力度与演奏法上突强与突弱的对比以及点状与线条的对位，勋伯格将BACH动机拆开，形成一个半音阶片段，不断上行模仿形成了结束之前的高潮。
勋伯格的《钢琴组曲》历来为作曲家、音乐理论家所看重，对其的深入分析，对我们进一步了解勋伯格的音乐风格有着重要意义。
注释：
①“表现主义”（Expressionism）这个概念来自于绘画，通常与20世纪初期德国画家康定斯基所代表的“蓝骑士”（BlaueReiter，也作“青骑士”）画派等相联系，其特征是反对现实主义，避免再现形式，强调表现主观内心的冲动，被德国评论家赫尔曼定义为“灵魂的呼唤”。音乐中的表现主义以勋伯格学派为代表。勋伯格认为只有把作者内心的情感充分传达给听众时，才能发挥最大的效果。并且指出，“艺术家所努力追求的最大目标只有一个，那就是‘表现他自己’。表现主义的音乐作品，常具有‘深刻而过分’的情感宣泄特征，而且篇幅长，编制大，线条多，调性微弱，声部的半音化特征明显，音响的刺激性程度甚高。使用动机发展的方式方法复杂而广阔。相比之下，勋伯格的所有作品，几乎都具有上述特点。从这个意义上说，勋伯格终生都是一个表现主义者。
②③彭志敏.新音乐作品分析教程（上）[M]. 湖南文艺出版社，2004：P6，62—63.
作者系上海音乐学院2009级作曲技术理论专业硕士研究生