当时尚圈与艺术圈产生交集

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时装设计与艺术有着千丝万缕的关系，时装设计师与艺术家的合作也经历了时代的洗礼和演变。艺术家为时装设计注入新的活力；时装设计师为艺术开辟新的道路。如今，这种结盟虽不稀奇，却愈来愈频繁，并被演绎得炉火纯青。

时装与艺术结合的起因

从第一位高级服装设计师诞生以来，服装的设计创作就一直受到艺术的影响，许多服装设计师都是从艺术中寻找灵感。尤其是上世纪之初的时装设计师们处于摄影技术的局限，交通不便，没有网络的时代背景下，他们既不能到世界各处收集设计元素，设计元素也不会自己涌向自己，因此就急需从艺术中寻找设计方向，与其说是寻找灵感，不如说是寻求帮助。“时装之父”查理・沃斯(Charles Frederick Worth 1826～1895)，便时常从17、18世纪法国洛可可绘画代表华铎(Antoine Watteau)等人的作品中得到启发，将作品中所反映的上流社会的浮华之风运用到女装之中，这正赢得那些上层贵族顾客的青睐，也在当时形成一股复古风潮。

时装与艺术的结合的根本原因是设计与艺术有着千丝万缕的联系，艺术的审美标准、创作思维等总是影响着时装的发展，绘画艺术中经常运用的黄金分割、色彩构成等基础理论，对服饰的款式、色彩、结构设计都具有指导的意义。而且，许多时装设计师或是出身于艺术专业，或是艺术的爱好者，艺术对他们的影响更是根深蒂固。无论是时装产业刚刚起步的二十世纪之初，还是走向成熟的二十一世纪，几乎每个艺术领域中的革新一次艺术领域的革新都会触动时装设计师的神经。从象征主义、表现主义、未来主义、立体主义、超现实主义等各种流派，到70年代之后现代艺术完全进入一个多元化的格局，艺术家在更广泛的层面上探索艺术和艺术表现，形成后现代主义，时装界也大致遵循这一发展路线。

时装设计师与艺术家合作史

时装与艺术的结合经历了一个世纪的洗礼和演变，二十世纪末的时装设计师们开始尝试将艺术灵感运用到时装领域的各个方面，而这一时期是时装与艺术结合的节点。如果说先前的结合是因为设计与艺术之间一脉相承的关系，那么从这以后，时装设计师与艺术家共同创作的乐趣便成为两者建立真正合作关系的动力。艺术家逐渐从时装舞台的幕后走向幕前，与时装设计师形成真正的合作，展现出前所未有的魅力。

两者的互动

早期时装与艺术的结合是设计师出于对艺术的热爱和对艺术家的敬仰，在艺术中寻找灵感的单方面行为，设计师与艺术家存在时空上的错位，两者不存在交流，艺术只是被攫取设计元素的对象。然而，伴随着二十世纪科学技术的发展和生产力水平的提高，时装与艺术都经历了巨大的变化，越来越趋向多元化的发展道路。同一时期的设计师们与艺术家更乐于共同享受迎接新挑战、尝试新方式、开发新领域的乐趣。路易威登的总设计师马克(Marc Jacobs)就找来当代艺术家普林斯(Richard Prince)合作2008女装会，其开场与结尾的“护士”系列就得易于普林斯的同名作品，成为艺术与商业互动的典范。

艺术家创作形式多元化

最初，时装设计师所借鉴、借用的艺术多为绘画、雕塑等传统艺术形式。随着艺术市场的激烈竞争和现代科技的迅速发展，艺术家们标新立异以求取得立足之地，不断创造、选择新的艺术语言，使得艺术的形式更为自由，表现更富有张力。甚至有的艺术家可以同时涉足剧场、摄影、短片、网络游戏等多个领域。因此与时装设计师合作的队伍可以扩展到插画艺术家、摄影艺术家、火药艺术家、装置艺术家等。

路易威登(Louis Vuitton)就曾同时邀请三位当代艺术家为其巴黎香榭丽舍大道上的旗舰店装饰出谋划策。被誉为“光影建筑师”的James Turrell在店内创作了灯管雕塑；多媒体艺术家Tim White-Sobieski则在电梯旁装置了一个“流动的画作”；而丹麦艺术家Olafur Eliasson则创作了一个全黑的电梯，直通名为“Espace Louis Vuitton”的展示空间。2008年，Prada邀请了年轻插画家James Jean四分钟长的动画短片《颤抖的绽放》(Trembled Blossoms)绘制故事情节和人物背景，采用当代先进的动画制作技术，模拟印刻板画的方式，运用写意的笔触呈现了繁花盛开的景象以及凝芙女神(nymph)的优雅姿态，将新艺术、东方空灵的绘画趣味都融入进来。

时装表现多元化

艺术在服饰本身――款式、色彩、结构等方面体现得尤为丰富。早期有伊夫・圣・洛朗用珠片在夹克外套上绘制凡・高(Vincent Van Gogh)的《向日葵》、重现达利(Salvador Dali)的“红唇沙发”；近期有日本艺术家村上隆(Takashi Murakami)为LV设计了樱花包“Cherry Blossom”的图形。

其实，艺术在时装界还有更为广泛的应用，涉及到宣传海报、会表演等，配合服饰的风格，增添服饰的内涵。薇薇恩・韦斯特伍德(Vivienne Westwood)曾在1999年春夏时装宣传海报中，模仿马蒂斯(Henri Matisse)的《后宫女奴》，将绘画与真实模特拼贴，虚实融合，赋予服装美轮美奂的意象；马丁・马吉拉(Martin Margiela)曾将马格利特(Rene Magritte)的《恋人们》搬上会的舞台，用模特们蒙头的形象增加服装的神秘感和奇幻色彩；高第耶(Jean-Paul Gaultier)以墨西哥画家弗里达(Frida Kahlo)的《自画像》为原型设计1998年春夏系列，衬托浓重的拉丁风情。

时装与艺术在艺术展览与店面展示的结合，是当代时装设计师、服饰品牌与艺术家最为崇尚的合作模式，是流行时尚吸引大众，艺术亲近大众的有效方式。它为那些没有机会观看时装会和购买合作的纪念产品的人们提供了解品牌、了解设计师的场所；也将已经熟知他们的顾客从乏味中唤醒。香奈尔(Chanel)能够长久不衰的原因之一，就是不断带给人惊喜。2008年，香奈尔开展了名为“流动的艺术”(Mobile Art)的展览，展示20位来自全球各地知名艺术家就“香奈尔菱格手袋”的主题创作的作品。艺术家们天马行空的想象给予手袋新的生命呈现手袋多方面的传奇面貌，吸引了众多的关注。

设计师与艺术家合作的意义

商业意义

时装设计师与艺术家毕竟不是慈善家，除了热爱艺术的初衷，商业目的是他们合作的最大动力。尽管人们观看艺术展览、会或仅仅参观品牌店面或看一眼海报不需要像购买纪念产品

那样支付高昂的费用，但聪明的设计师与艺术家们无形中打开了潜在的市场。2007年，村上隆在美国洛杉矶当代美术馆(MOCA)举办展览，展出村上隆个人以及与路易威登合作的作品。路易威登公司还不忘在展馆内特地开设一间短期限量专卖店，其中包括村上隆设计的3款“香菇男孩”(The little mushroom)记事本、带有手绘路易威登字样的包袋等，以时尚作为载体，艺术似乎尤其容易散发出点石成金的气质。

世界四大时装周(伦敦、纽约、东京、米兰)通常是在每年的2月至3月举行秋冬时装周；9月至10月上旬举行秋冬时装周。从2008年上半年时装界的各种艺术合作的时间安排来看，策划者们总是选择设计周期间开展各种相关的活动。

艺术家为时装注入活力

在商业化的道路中时装走得更远些，而在多元化发展和活跃性思维的道路上，艺术走得更多些，因此两者的结合也成为利益的互补。LV的总设计师马克就曾透露对艺术的狂热和与艺术家合作的愉快，他将设计师与艺术家的合作比作打球，在一投一接中，带给双方灵感与想法；意大利品牌宝缇嘉(Bottega Veneta)创作总监Tomas Maier便以摄影、收藏爱好者，曾与多位摄影艺术家合作拍摄宝缇嘉的广告，他毫不掩饰摄影家的新意和情感对他创作的贡献。艺术使服饰在各个层面、不同文化、不同代际、甚至两性之间，以更轻松的，消费主义的方式对话，在精英文化与大众文化、动漫与时装精品、西方与东方之间，找寻到一座沟通的桥梁。

设计师为艺术开辟道路

与此同时，无论是时装本身，还是品牌文化，还是设计师本人，也带给艺术家无限的想象力。受邀参加香奈尔(Chanel)“流动的艺术”(Mobile Art)展览的韩国艺术家李(Lee Bul)，就通过对品牌和设计师的研究，受到Coco Chanel生活细节上的一些启发，选择镜子来表达“光年”的主题。

中国艺术家与时装的合作

我国的文化传统中，艺术尽管被认为是高雅的，但对于将艺术作为事业的人则存在一定的片面观点：或被认为是追求功名利禄，或被指责为丧志；一方面大众对艺术很陌生，另一方面艺术家又孤芳自赏，这都束缚了艺术生产和创作的多元化进程。在商品经济时展的今天，艺术产品不仅是精神文化产品，在很多时候也是一种商品，学习西方，改变中国时装设计师、艺术家的固有模式，促使艺术与品牌合作，不仅会引起大众对服装的注意，也有利于艺术的商业发展。

近年来，许多创意产业联盟，如北京798，上海莫干山路等都聚集了大量的中国设计师与艺术家。有许多艺术家走出国门并与国外品牌合作，表明中国人已经开始进入创意的前端。蔡国强作为其中的杰出代表，其作品将中国的古老发明――火药，从实用功效内抽离出来，引入到当代时尚领域，以其辉煌的气势和强大视觉冲击，使他的艺术形式营造出了一种巨大的情感氛围。运用这一技术与三宅一生携手创作的“衣褶上的烟火”，在五十件具有褶皱的聚酯纤维衣服上爆破出诡异的燃烧痕迹，拼凑成一条长龙，迈出了中国艺术家与时装品牌合作的第一步。2008年，又有中国两名年轻女艺术家崔岫闻与陈可与芬迪(Fendi)合作设计纪念版Baguette包袋，其中女艺术家陈可在Baguette包包上，用斑斓的色块，流溢的印记，描绘出虚幻梦境中的小女孩，与Fendi本季Baguette的卡通氛围相映成趣。中国艺术家的这些举动，让世界看到中国新一代时尚与艺术的崛起。

在经济全球化和文化多元化共同发展的今天，无论是设计界还是艺术界，在思维方式和创作媒介等方面都更加的开放与自由。这一过程中，市场需要的是有独特视角及艺术个性的作品，艺术品的商业价值正体现在它对时尚潮流的指导作用，激发设计师们的创作激情；时装设计需要突破传统设计思维模式、营销模式，与艺术的结合的过程中，不断的颠覆与创造，演绎出更多的表现形式。