王晓勃信仰在写实中凝聚
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王晓勃，70后油画家。他的作品唯美粗犷、内敛张扬、色调低沉情绪高涨，矛盾得十分和谐。就像宁静的湖面在阳光下，恍惚中，有了风吹水动的气质。画如其人，王晓勃的人生经历的确需要他在责任、义务、自由、随性中不断平衡。用写实油画呈现自己的艺术理想，也是他使命感的自然选择。
作为职业艺术家，必须与画廊进行合作。一方面看到有些同行在跟优秀画廊合作后，由于创作环境轻松，个人的风格慢慢趋于成熟。另一方面也能看到艺术与商业联系过密，王晓勃不希望自己的作品被功利化。谨慎研究后，他与合作的画廊达成共识，获得了自由独立的创作空间。
Q：您与画廊合作，所体会的这种自由独立的合作关系，能否具体介绍一下?
A：“所谓自由独立，是说不希望画被过分的投机。恨不得什么好卖画家就画什么。如果被这样的画廊，艺术上就失败了。艺术家干好自己的事情，不能功利地跟着市场走。高层次的画廊让艺术家感到舒服和自由，有这个勇气来跟你合作这么多年。我希望简简单单的，进入相对自主纯净的空间，不想牵扯那么多事儿。
同时，艺术家的作品能够被美术馆、真正好的艺术机构和藏家收藏。作品好肯定会碰到藏家，艺术家和藏家也会因为喜好相近成为朋友，这都是有可能的。好藏家会是知音。我有些藏家跟我说，不管我画什么，只要愿意卖给他，他就要，甚至我画个倒立的大胖子。这是对你人的信任和对你作品画面的信任。不会苛刻的要求你，这会很自在。”
Q：您的绘画中有很浓厚的俄罗斯画派的痕迹，这是一种情结么?
A：其实也谈不上什么情节。当年在美院接受的教育方式是苏式的，创作过程中会不经意带出这样的特点。其实从写实绘画的发展来看，肯定是欧洲的艺术传统更为纯正和悠长，而且逐渐发现，苏派的方法运用到艺术创新上，未必有更大的发挥空间。现在，我的一个着眼点就是努力调整上学时期残留的习惯，弥补艺术语言上的不足，按照真正西方写实艺术来延续传承。
Q：您觉得西方写实艺术中最独到的是什么?
A：西方写实艺术是西方文化价值的承载，其核心是人文主义精神和启蒙思想在文化传播上的一种表达，写实油画的一些基本规则和审美追求都是在文艺复兴时期奠定的，例如在造型上理性的态度，中世纪的艺术是一种神性的艺术，而文艺复兴以后的艺术可以称之为人性的艺术。
西方五百年的绘画传统其实是基于客观理性的表现自然，这是他最独特的审美气息。像镜子一样如实的反映自然，正是油画这种绘画工具的特性，可以把自然界中的色彩还原到非常丰富而微妙的程度，使观者产生一种极为饱满的视觉享受。古典艺术有一种瞬间的永恒感，给人一种纯净心灵的震撼，我对此非常欣赏。好的古典绘画，灰色的使用是一种修养。没有绝对的黑，也没有绝对的白，而是通过颜色之间的逻辑关系表现出来的高级的画面和谐感，看完之后，很受启发。
Q：写实绘画不可避免会遇到匠气的问题，是不是这种高级灰的运用，可以弥补?
A：是也不全是。写实绘画因为有明显的标准，有些画面层次弱、色彩语言修养不够、绘画没有灵性，就会形成人们所说的匠气。不是说只要画写实的人，画作水准就绝对一流，也因为领悟力、技巧训练等分成几个等级，必须要经过多年的训练积累才会有所成。反观当代绘画因为没有太明确的标准，所以画成什么都有可能是大师，另外，画写实画，还要有一个端正的心态，才能做好架上绘画的传承，才能画好画。可能我一辈子还是在画写实，也有可能我的用笔感受到了抽象语言的趣味，自然而然有感而发地去改变，不会为某一固定的形式来限制自己，这样画出来的画才更有沉淀感。画面的感觉也更为凝重和沉静。
Q：现在国内很多艺术人士认为写实绘画不属于当代艺术，您怎么看?
A：我觉得，并没有一个特殊的定义，区分写实和当代。现在在中国给演绎了，慢慢变为群体之分，人们理解的当代也就成了群体的当代。其实在欧洲，只要你还活着，就应该叫当代。很多被归为写实绘画的艺术家，其作品中也有很强烈的观念性，比如有些优秀的艺术家，他们就是按照自己想的去画了，跟传统意义上的写实并不相同。同时，也有很多公认为当代的艺术家，作品中的具象成分越来越多，甚至当年狂野挥洒的情绪也在收敛。我曾去过某位著名当代画家的画室，看他近期作品反而比从前的更为具象。我理解的观念，就是艺术家投入自己的观念色彩在画面里，做到极致，就是观念的。只不过可能每个人在画面的把握上，稍微带着一种表现主义的情绪在里面，给人的感觉，就是多数人定义中的更当代吧。
Q：当代的评判标准是否也跟创作技巧有关?
A：这是个很有意思的问题，技巧和当代可以划等号，也可以不划等号，没有矛盾之分。记得杨飞云老师曾说过绘画中的“难能可贵”，画面里难才有可贵的地方。有的时候制作过于简单，你所追求的很容易没有一个更深的探索性。我想追求的是画面情绪感，这种情绪感通过写实绘画带出一种当代性的思想。从具象里面看到抽象，是不是也属于当代?伦勃朗的作品，抽象的东西很有意思。安德鲁-怀斯，他就不认为自己是写实艺术家，而是抽象艺术家，因为他一直在研究画面中的抽象语言，可表现出来的被认为是很写实的绘画。包括看很多德国表现主义的画，看似很张狂的，但其中的粗糙无序实际上也是精心安排的，是一种逻辑关系。
Q：能否具体解释一下画面的情绪感?
A：可能画面上的对象未必是很漂亮的，但我想把他们高尚的性情抓住并表现出来。比如这幅《困》，是画身穿蕾丝的模特。蕾丝会让人联想到古典高贵的气质，模特本人身体宽胖并不适合，宫廷的蕾丝和那种窘困就形成了反差。同时，我采取的绘画姿态也不是正常站立或端坐，而是倒立和半倒立。当时模特的儿子在得知我要让他母亲倒立时，极力反对，怕妈妈身体支撑不了。但模特一方面是遵守职业道德，一方面也的确是生活的需要，还是坚持着完成了。我在见到她之前没有想好要表现什么，直到她来，我才明白，我就想表现一个劳动女性艰辛而顽强的生存状态。
包括《伤逝》也是带有伤感的情绪。画面给人感觉很悲伤，男人的倒立和男女之间的依靠。一个是自己颠倒的生活，一个是找一个不爱自己的女孩来寄托情感。我原先还是觉得这只是一个小众群体的小情绪，但后来很多观后的朋友却说这很具有当今时代的代表性。
另外，之前的作品是两张画一组，慢慢我觉得还不够。现在是在摸索着将三四幅画串成一个故事，用片段浓缩成电影。比如正在创作的题材：女孩和爱情，每张画都有其独特的含义，有分离、有相爱、有智慧的眼神，看完后会感受到女孩在婚姻中面临的社会关系。如果摸索得理想，这几年，我打算一年就画一个故事，每个故事表现得更深刻一些。
Q：一年五六幅作品，这样创作速度会不会稍显缓慢?毕竟作为职业艺术家，创作量也是比较重要的。
A：写实油画对于画面精益求精的要求，决定了我的作品产量不会太高，其实有些时候作品的数量和作品的质量是呈反比的，与其大量制造些不成熟的作品，不如塌下心来创作些高水准的作品出来，我们举个例子，国画大师齐白石，他画画就很慢，画一张小尺幅的画，可以画半天甚至一天。这种方式，虽然画面简单，但对绘画的理解很深。有时候用笔和心态成正比，极简的东西，还要用很慢的时间去体会的话，画面自然就能凝聚成一种气场，这也是我想尽量追求的。我希望我的画面有沉静内敛的感觉，我认为画面的停留度很重要，作品的沉静内敛，会让观者驻足思考。如果是过于浮躁轻飘的，可能人几秒钟就晃过去了。画家不辞辛苦的工作，几秒钟就被一闪而过，我觉得不是我想要的。
Q：您有没有想过未来自己会改变?
A：架上绘画是你血液中流淌出来的能量。就像书法，最初是一笔一划很规矩，到最后就会出现行草狂草。我觉得我给自己的设定将越来越松，只是这种松不会说现在的状态就需要松，还是要有一个端正的心态。可能我一辈子还是在画写实，也有可能我的用笔感受到了抽象语言的趣味，我希望这些都会有感而发地去改变。
不过，现在都说，当代的人画当代的，写实的人没有出路。我就不认可，现在没人画了，我反而更想去研究，想走出一条区别于同代画家的创作道路。