着力表现自在美、生命美

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民间艺术的价值诞生于智慧，但对旧形式的过分维护，又会断送他们创新的前程。戴云亮曾长期在工艺系统从事设计工作，有着相当扎实的绘画功底，但当时制作出来的产品用来出口换取外汇，难免会使自己的作品沾染一点“匠气”，因此，摆脱“匠气”，尊重内心引导，重视观察自然和内心的省察、体验，随心所欲地去表现生命的律动，达到一种自在的、似与不似的境界，这成了他刻骨铭心的追求。离开工艺系统后，他开始专门从事与绘画、雕塑、建筑有关的艺术设计和教育工作，他可以按照自己独立的审美理念去画画了，于是创作迈入一个新的天地，不再拘泥于外形的像与不像，而是可随心所欲，凭着自己的视觉美感，用笔去组织墨色的变化、采用点线面以及团块的形式，表现心中的自然之美和喜怒哀乐。

自古以来，荷花就是画家们钟爱的题材。戴云亮的大写意花鸟画创作以荷花为主要题材。在他看来，荷花极具造型感，即艺术形式美感，采用点、线、面、块这些绘画元素的结合，可以很自在地、舒畅地表达自己的心情。尤其是水墨画更具中国艺术精神和东方韵味，在看似单纯的墨色中，可体会到无穷变化的趣味，且这种变化是永恒的，加上现代水墨画受西方绘画的影响，吸收了印象派的色彩表现和西方构成，因而更是异彩纷呈。戴云亮花鸟画的审美价值取向既强调对自然的真实描写，又强调画家心性和主体表现，在对自然界的描绘中，必然融入画家对自然、对生命、对人生的体验，技法的作用在于表现这一描写和体验。因而，他认为画家的学养支撑并决定着画品的高低。画家为了真实描写自然，就必须通过观察和写生，了解并掌握自然界花卉自身各不相同的自然形态、生命状态和内在结构；画家观察时的心情、体验、感悟的主观精神状态也必然会在他的画笔底下表现出来。

艺术需要表现生命的律动。戴云亮认为，强调自然的生命状态，其实也是本人的精神状态，他向往、追求随意自在的生命状态。他十分欣赏前辈说过的一句话：“华实齐生”。自然界的凌波仙子让他感受到自在生命的无限意象，她自在地花开花落，无声无息地舒展生命各个阶段的姿态，其中也包含着她的生命的转换形态，她不在乎人们是否关注她。然而，当你充满情感地去欣赏她、品味她时，她展现出来的自由自在的卓约风姿，会使你感悟到生命存在的意义。即是那些衰败的荷叶、独立寒秋的枯篷，却依然孕育着明天新的生命，这生与死的转换，也是生命的延续。在戴云亮的笔下，我们会看到有些画面图式出现了不再重复古人的脚印，甚至在中国画创作中被视为犯忌的一些东西，但这恰是最能引起人们展开想象翅膀的绘画语汇。

他的《芦苇与荷花》就是一幅生命的赞歌，画家用笔墨大胆而含蓄的笔墨，着力表现风雨交加中的荷塘景象，画面错落有致，呈现出一派泱泱自在的原生态风貌。粗野、甚至有点凌乱的、形态各不相同的荷叶及其茎干，与精致的含苞欲放的荷花，飞舞的蜻蜓和休憩的野鸭，营造出野逸和精致、疏与密、动与静的鲜明对比，突出表现了荷叶的阳刚之美和荷花的阴柔之美。

中国画创作既讲“有法”，又讲“无法”，画家既要遵循、掌握创作的“法理”和“法则”，又要不落前人窠臼，求变求新。遵法更要遵照自然法则，而自然又看似无法，需要画家去提炼它，丰富它。戴云亮正是这样努力实践着。

著名中国花鸟画家张继馨先生将写意花鸟画创作概括为十六个字：“不求形似，不离形似，貌离神合，似是而非。”这一创作理念对他的学生戴云亮的影响是深刻的。如果说《蒲塘诗味》是用多变的墨色变化，在似与不似之间，去表现凌波仙子的含蓄之美，在点线的组合中去表现空间效应，那么《残荷》则用具象与抽象相结合的手法，从另一个侧面来表现凌波仙子的生命之美。残荷生命的存在形态，抽象的艺术符号，都生动地表现了凌波仙子生命之美的另一种境界。

水墨花鸟画创作表面上看来是画家在师法自然之造化，实际上画家的个人品位、修养、精神世界和内涵也在其中，他所表现的自然界状态，其实也是画家本人的精神状态。画家一旦掌握了绘画的程式，接下来的千变万化，就看画家自身的学养和修养，画家对画面的控制力也就在其中。戴云亮仰慕吴昌硕、齐白石的作画气度、的格调和图式，并时时学习临摹。他的水墨写意荷花无不显现出文人的视觉写意图式和风格，品位格调高古冷隽，气度飞逸，笔墨神韵奇拔灵秀，婉美儒雅。

早在从事工艺绘画设计的同时，戴云亮就潜心研究中国绘画理论。至今多有著述，特别是对吴门画派及其代表人物的研究，颇有建树。理论的研究又反过来促进了他的绘画创作，使他的创作站到了一个较高的起点。今年下半年，他与老师、吴门画派花鸟画传人张继馨先生合著的《20世纪苏州绘画状态》一书将由古吴轩出版社出版，在举办首发式同时，他们的《墨线辉映》花鸟画展将同时举行。