高校音乐专业课程设置中关于舞台表演课的思考

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国内现有的高校音乐专业的课程中，教学活动的开展基本局限在琴房和教室两大场所。大家沿袭几十年的教学模式，将音乐专业的课程大致分为小课和大课两类。小课主要指的是技能类的专业课程，如声乐、钢琴和器乐等，这些课程往往因为单位时间内面对的学生人数较少，需要针对学生的个人特点提供不同的教学方案，培养和提升学生的个性化专业技能，所以这类课程基本在面积较小的教师琴房完成；大课则主要指的是理论教学为主的课程，如音乐基础理论类和音乐史学类课程等，这类课程一般在能容纳几十人甚至上百人的大教室进行，这是一种更为传统的教学模式，以教师统一讲授为课程的主要形式，对于听课学生的数量没有严格要求 。除了技能类课程和理论类课程，我们很少看到舞台表演及相关课程的设置。

2012年9月至2013年8月，我有机会在美国俄勒冈大学的音乐舞蹈学院进行了为期一年的访学，师从斯坦威钢琴艺术家Claire Wachter教授，学习传统钢琴演奏和教学法以及美国本土钢琴音乐的研究。在这一年的交流和学习过程中，我对美国高校音乐专业的课程设置有了基本了解，发现他们针对技能专业的学生在课程设置上，专门开设了一门课程即“表演课”。例如，钢琴主专业的学生就要上钢琴演奏表演课程，声乐专业的学生则要上声乐演唱表演课程等。 这个课程面对的是所有有机会上台进行音乐表演的学生，教学的地点则是在学校的大音乐厅，这个音乐厅既是学校的音乐厅，也是俄勒冈大学所在的城市尤金市最大的音乐厅。每周四的中午12点至14点是Claire Wachter教授在音乐厅上表演课的时间，每到这个时间，选修了她的钢琴课的学生就会来到音乐厅，这些学生中有本科生、硕士以及博士，其中以钢琴主专业的学生为主，但也有辅修钢琴课程的学生。每周表演课前教授会在学生们的钢琴技能课上针对每个学生对现有作品的完成情况作出评价，完成较好的学生就会被老师通知去音乐厅上表演课。每周大致有五至六位同学可以在音乐厅演奏，其他同学就在台下听课，同时也充当观众。每个学期每位学生都必须在这个颇为正式的音乐厅里表演三次左右，否则拿不到学分。这个课上，学生们演奏完自己的作品后，教授就会用音乐会的标准对学生演奏的作品提出进一步的要求，而如何在音乐厅环境中判断声音和控制声音则是这堂课强调得最多的一个问题。通过这个课程的学习，以笔者的感受而言确实觉得收获很大，最直接的感觉是对舞台和音乐厅更亲近了，从而能够更自如地在舞台上演奏，演奏的过程中也能更好地控制自己和控制钢琴，通过一个学期的课程下来，甚至非常享受舞台演奏所带来的满足感。

反观国内高校音乐专业课程的设置，大家把教学的重点放在了琴房和教室，却忽视了舞台这个重要的音乐活动场所。但不论是音乐表演专业还是音乐教育专业的学生，学生们的学习成果和能力水平，最终都需要在舞台上展示出来。但演出者往往一上舞台就会觉得力不从心，让平时的水平大打折扣。虽然在考试或音乐会活动之前都有机会走台或提前开展观摩活动，但这种临阵磨枪的方式并不能解决舞台表演所要面对的一系列问题，也不能通过表演这个活动使学生水平得到进一步提升。通过美国一年的学习和交流，我认为舞台表演课程的设置是非常有必要的。

首先，开设舞台表演课程能很好地解决上台紧张的问题。相信所有人都会有这样的感受：为什么台下练得很好，一上台就会出现各种不适？生理的、心理的各种问题都接踵而来，紧张问题是表演者面临的普遍问题，它会使表演者无法将自己的真实水准展示出来，从而造成严重的挫败感，以至于对舞台产生恐惧等负面情绪。很多专家针对这个问题进行了大量的研究，提出各种观点试图寻找导致舞台不适应症的原因，但最终都无法提出真正能解决紧张的好办法。笔者认为，想从根本上解决舞台的紧张感，最直接的办法就是多上舞台。舞台不同于平时的琴房和课室，灯光、音响、环境和温度等因素的变化都会让在舞台上极度敏感的人觉得不自在。试想，如果我们每学期都能有几次机会在舞台上表演，就必然会对这个环境更加熟悉，增加亲近感，从而能够最大程度地减轻舞台紧张感。

其次，开设舞台表演课是对音乐专业技能课教学成果的重要延续和补充。传统的技能课教学主要形式是每周一次专业课，在琴房内进行。但往往忽视了我们通过教学和练习完成了音乐作品的诠释，但最终还是要表演给听众和观众欣赏，只有最终把音乐展现出来，这个音乐教学活动才是完整的。 但目前我们对音乐作品的学多都在老师上课这个环节后就终止了，仅有少量作品会在每学期考试、音乐会或竞赛这些情况下才得以完整呈现。而往往当我们需要上台表演的时候会发现，原本在琴房小空间里已经表现得很到位的作品，一旦来到类似音乐厅这样的大环境下，再用琴房里的状态来演唱或演奏，就会明显感觉表现力不够，耳朵得到的声音讯息也会因为空间的变化而发生改变。要想将音乐作品更完美地呈现而不留遗憾，就一定需要在音乐厅这样的大舞台上进行实地的教学和调整。例如，在音乐厅进行钢琴表演教学，演奏者需要在老师的指导下，调整演奏状态和演奏方法，尽可能地让钢琴发出的各种层次的音响能传到音乐厅的最后一排，使音乐厅内每一个角落的人都能够清楚地得到演奏者传达出的音乐讯息，从而使音乐作品得到完美呈现。通过在音乐厅进行有针对性的关于演奏的指导，能够让学生增加对声音的敏感度，以及对音乐的控制力，能够使课堂教学成果得到进一步的完善和提升。

再次，舞台表演课程能有效提升学生的学习积极性。对于大多数学生来说，大学四年里能够登上舞台演出的机会非常少，他们对舞台都有一份内心的向往，都渴望在那个时刻舞台是属于自己的。舞台表演能激发表演者二度创作的热情，掌控舞台的时刻能让所有的音乐人得到最大程度的满足感，而这种满足感在平时的课堂上是无法得到的。古话说，“台上一分钟，台下十年功”。这句话既指出了舞台演出对表演者专业能力的要求之高，也说明想要在舞台上展现实力，必须要在平时付出多倍努力。懂得这句话的人也会明白，只有通过这份努力和执着的进取精神，舞台才会呈现让人享受其中的魅力。如果每学期让每一个音乐专业的学生都能通过舞台表演的课程得到多次舞台实践的机会，相信很多同学都会更快地爱上舞台，并迸发出他们对音乐表演的激情。

以上三点认识是笔者在美国访学期间的体验与收获，虽然我们面对的音乐专业学生不可能都被培养成演奏家和歌唱家，但倘若对他们的培养目标是中小学音乐教师，则更需要立足讲台，兼顾舞台，舞台永远是学习音乐不可或缺的重要环节。高校音乐专业作为音乐师资或社会音乐人才的培养基地，必然不能忽视舞台表演这个重要的环节。

那么，舞台表演课程的开设和实施是否存在困难呢？答案是否定的。目前国内综合性大学基本都配备有音乐厅，虽然规模有大有小，但都能满足开设音乐表演课程的基本条件，而且往往音乐厅的正式表演活动都集中在晚上，白天的大部分时间，音乐厅的使用率都是很低的。如此看来，在高校音乐专业开设音乐表演课程在时间、地点两方面都不存在问题，当表演课正式成为一门选修课后。教师可以根据自己学生的具体情况做出安排，每学期要保证每个学生站上舞台进行三次以上的正式演出，然后根据表演的情况给出成绩。表演课不仅仅只是学生做表演，演出后老师一定要根据学生的演出现状给出点评，并提出进一步提升的建议。针对音乐厅环境下可能出现的各种状况，老师也要帮助学生找到化解状况的办法。而课程的形式也应该是灵活多样的，可以是独唱和重唱，也可以是独奏和重奏。总之任何形式的舞台演出都是一次经验，一次次经验的积累就是这个课程给予学生的最大收获。

关于舞台演出，相信是每个音乐人内心深处最为纠结的环节，每个人都渴望站上舞台创造美好的音乐，但也会恐惧因为自己的失误造成对音乐的遗憾。我们应该为每一个学音乐的孩子创造机会，让他们爱上舞台，享受舞台。高校音乐专业应当重视表演类课程的开设和实施，让每一个心中有音乐的学生都能在大学阶段与舞台结下不解之缘！

梁 颖 华南师范大学音乐学院