艺术战斗论

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我们生活在一个没点儿谈资就会被鄙视的时代，社交、泡妞、打入上流社会的圈子，不懂点艺术简直没法张嘴。如何看懂当代艺术？什么样的创作才能称为艺术品？西方艺术和东方艺术的特点分别是什么？梵高、毕加索、杜尚、达明安•赫斯特⋯⋯他们到底有什么值得稀奇的地方？通过这本书，你将在村上隆的带领下，循序渐进地进入当代艺术的世界。

当今艺术

我对艺术的觉醒

从我体验到的ART世界来看，日本的美术大学或专门的美术教育机构根本什么也没教。对于时下的大学或美术学校来说，学生是客户，老师们小心翼翼地不谈本质论，因为只要说了什么让学生听不懂的内容，就会被学生抱怨。虽然我自己也举办GEISAI活动（无须审核即可参展的当代美术祭典），但大家也都在付完参展费用之后，就变成爱说什么就说什么的顾客。或许这也是无可奈何的事情。

因此，GEISAI也让我勒住了自己的脖子。包括希望成为设计师或影像艺术家的人在内，就算大家只是对艺术有一点兴趣而已，在这本书里，我都想尽自己的能力，努力用大家都听得懂的话来谈我的想法。在听了大家提出的问题，或在跟很多人谈话之后，我发现大家所认知的“艺术”或“ART”，跟我这种在西方活动的人有极大差异。有些人只是看到新闻报道说我的作品价格高达数亿日元，就说我榨取了御宅族的精神，或者说我是窃取了集体创作的东西，而对我有诸多非议。因此我希望通过这本书，缩小我们之间的隔阂。另外，我对艺术的觉醒，是因为年轻时听了已故的荒川修作先生的谈话节目，所以我也希望年轻朋友在看完这本书后，至少有几个人会觉醒。

现在我想谈的是以西方文字书写的“ART”。这个ART，对日本人来讲，理解上有一些难度。当作为最前端文化的西方绘画、油画，在江户时代传入日本的时候，大家的惊讶程度一定超过现代人看CG（计算机图形学）或3D电影表现出来的程度。因为这些作品看起来就很“3D（立体）”。在那之后，日本人将西方传入的一切奉为上位、正统，自己反而屈居追随的立场，并开始在那样的结构下创作、鉴赏与思考。其实我也不例外。为了学艺术，我到东京艺术大学的日本画系就读，一直读到1989年前后。所谓的东京艺术大学，原是冈仓天心面对西方文化，想通过艺术，以文化立国，并启发本国文化，进而在绘画、建筑、雕刻等方面发扬国威，而在三十五六岁时创立的国家事业。由于日本画是相对西方绘画被刻意凸显出来的，所以东京艺术大学的重要性自然不在话下。

在第二次世界大战结束前，日本画高居日本绘画金字塔的顶尖。现在日本画已经没落。当时的日本画界冷战虽然解除，却因为泡沫经济而跃居经济的顶点。不过大家还是发觉“就艺术来看，总有种说不出的怪异”，特别是像我这种既年轻又想要敏感地察觉到时代脉动的人，在我看来，文化的存在简直毫无意义。由于我主修的日本画是冠上“日本”两个字的艺术，所以我反而对西方ART产生了浓烈兴趣。

当代美术作品为什么昂贵

西方式的ART是什么？

很多人都想问：村上隆标榜的“ART”是什么？跟大家所想的又有什么不同？我曾经也有过同样的疑问。我在1993年前后到美国纽约学习艺术。目前我在当代美术界的排名，以网球的方式排名，在全美公开赛的排名大概是在十到二十名之间。为什么我在西方会得到肯定，却在日本备受批判，我想只能说因为日本人不懂西方艺术规则。既然如此，把西方艺术解释清楚就好了，但偏偏越是基础的东西就越难以说明，这个难度就好比要把日本自民党及的政治世界解释清楚一样，“西方式的ART”也在不断变化。就在我说“是这样”的同时，很有可能明天就会出现一个完全不同的方向。所以，我想暂且以我的主张，还有过去的体验作为基础，来谈谈“西方式的ART”是什么。

针对这个问题，直接回答会比较抽象，所以我想试着根据具体问题来回答。对此，很多人有疑问了，通常都会说：“就像铅笔、蒲公英和晨曦，有很多东西都比当代美术品廉价，却优雅美丽，为什么唯独当代美术品这么贵？”我想把这个部分和什么是ART串联起来谈。

如果说法有错，我也希望能集思广益，修正我的想法。不过即使我有错，我认为这也是种武器。因为认知上的出入、因时制宜的解释、策划现场的创意与机动性，都是相当重要的。例如在幕府末期，日本有攘夷思想，就是赶走外国人，不让他们进入日本的想法。这个思想现在看来是个错误，不过当时要打倒延续三百年的德川幕藩体制，缺了攘夷思想则无以成就，这也是事实。我不是主张说谎也无所谓的人，只是有时，历史是会由错误去带动的。

回溯历史，我们现在常说的ART，大约是在19世纪出现的。当然在那之前，在18世纪就有像戈雅之类的知名艺术家。尽管这些人都有反政权之类的反体制思想，但仅就使用油画道具而言，他们付出的辛苦相当于在现在制作CG，不用说，钱一定是要花的。任何事都要花钱，艺术也不例外，所以，这些艺术家只好成为宫廷御用画家。因为当时还没有照片，因此宫廷或威尼斯等商业都市的有钱人，便不惜重金聘请艺术家画肖像。除此之外，宗教的装饰也占了相当重要的份额。不管是教会还是其他机构，总有巨额财富和绝对的财源。在这些钱财的推动下，艺术家们成为满足客户期望、创作超越性之美的工匠。达•芬奇也是其中之一。

既是美的工匠，制造相当于现代计算机媒体的工作自然也非他们莫属。换言之，过去拥有金主的艺术家，为一圆金主的梦想，他们有求必应。例如，日本软银有个“父亲系列”的广告，过去大概连这种广告都是艺术家在做的。

艺术的贫困

艺术家存在的意义

荷兰的医疗团体为了请德拉克洛瓦画肖像而资助他作画，若时代换成是现在，难保金主们不会要德拉克洛瓦做出自己的3D肖像或CG。在当时的背景下，艺术家们因金主的资助而得以创作绘画。因此宗教、权力者以及富翁，三者便成为艺术的主宰者。进入19世纪，印象派上场后，出现了艺术家应该为自己创作艺术的运动。从这时起，整个形势开始变得复杂起来。

为什么会演变成这样？原因之一是肖像画的需求开始减少。现代几乎没有哪个艺术家靠画肖像维持生计，虽然安迪•沃霍尔刻意尝试，但除此之外肖像几乎成为绝唱，主要原因莫过于照相技术的发明。其次，由于文明逐渐发展，不再需要宗教式的解说绘画，而且伴随着印刷术及其他科技的进步，大家开始写书阅读，自然也就没有通过绘画了解一切事物的需求了。

在这个大前提之下，艺术家在对“艺术是什么”产生巨大的疑问之前，便会思考自己职业的存在价值，努力武装各式各样的理论，并且专注在理念上。之所以我会这么想，是因为我也曾在“艺术是什么”这个大疑问之前，思考过艺术家存在的意义！泡沫艺术现在被炒得如火如荼，不过既然是泡沫，大概再过个十年，围绕在当下艺术界的金流也会销声匿迹的。

所以我也常常思考该如何是好。或许西方在19世纪前后就已经面临过类似的变革，因此，沙龙也在这个运动中应运而生。哲学家、思想家、艺术家聚集在巴黎一带，唾沫横飞地讨论“这不是，那也不对”。这就是使有关艺术的相关话题变得复杂的最初原因。也就是说，由艺术家自立门户创作艺术，不为金主服务的纯洁艺术就此诞生，这个大变革甚至让整个世界狂热。可惜西方社会毕竟是阶级社会，即使是为艺术而创作的新时代的艺术，上流社会也有办法把它买来给自己当装饰品。现在已经从过去由权力者、宗教权威、有钱人等让艺术家为自己创作服务的单纯时代，转变成有钱人看准纯艺术作品，再为自己买进的复杂时代。从这时起，作品的价值与价格便开始割裂。

《艺术战斗论》

作 者：[日] 村上隆

出 版：时代文艺出版社

定 价：39.8元

出版日期：2011年9月

村上隆，艺术家，Kaikai Kiki有限公司创始人，毕业于东京艺术大学研究所，担任UCLA艺术学院新领域科客座教授。村上隆曾为法国品牌路易•威登设计手袋等产品，包括限量珍藏版的“樱花”系列。2008年，他的一座公仔作品，标价5亿日元，创下同类商品的天价纪录。