理查德·汉密尔顿 对现代社会的细腻观察

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2月13日至5月26日，理查德・汉密尔顿（Richard Hamilton）作品回顾展在泰特现代美术馆（Tate Modern）举办。作为二十世纪最具影响力的英国艺术家，其最广为人知的成就莫过于发起波普艺术，他的职业生涯在尝试和创新中持续了六十年。从二十世纪五十年代他的早期展览设计到2011年创作的最后的绘画，此次回顾展泰特现代为我们呈现了汉密尔顿作品的全貌，并揭示了汉密尔顿与设计、绘画、摄影和影像等诸多领域的关系。

汉密尔顿最知名的是他在波普艺术诞生中的关键性角色，这其中就包括1956年开创性的装置作品《趣味屋》（《Fun House》）。在令人身临其境的房间里，包含了来自电影海报、杂志和艺术史中的各色图片，这些正是此次展览的核心展品。《是什么使今天的家庭如此独特、如此具有魅力？》（《Just what is it that makes today’s homes so different， so appealing？》）为印刷时代带来了新定义。《动荡的伦敦67》（《Swingeing London 67》）则记录了米克・贾格尔的标志性事件，还有其他如平・克劳斯贝和玛丽莲・梦露等诸多明星的图片，这显示出汉密尔顿对流行文化的持续关注。更广泛的当代事件和政治议题也在他的作品中得到解决，这其中包括肯特州立大学枪击案（Kent State shootings）与爱尔兰共和军的“肮脏抗议”（dirty protests）。还有一些作品如《治疗室》（《Treatment Room》）和《震慑和敬畏》（《Shock and Awe》）中也出现了玛格丽特・撒切尔和托尼布・莱尔的图像。汉密尔顿对于室内设计、建筑学和图案设计的兴趣体现在他把纽约古根海姆博物馆里的每一件物品都描述为经典款的博朗烤箱。《每日电讯报》评价道：“此次展览给人留下了深刻印象。大方，易懂和全方位性，这正是汉密尔顿引以为傲的地方。”

开创性工作

汉密尔顿是英国战后艺术的主要人物之一，但是和培根和弗洛依德不同，他并不经常创作强大有力并且令人难忘的图像，在他的展览中这些图像也不是经常展出的内容。与此相反，在一些真正的突破固有模式的创新中，汉密尔顿总是能提出一些新点子。

此次泰特现代的回顾展，从全新的角度证明了汉密尔顿也是装置艺术的先锋。这其中包括五十年代的一些展品的复建，这些展品那时被看做是一些小型展览，但是现在已经用艺术家认可的方式被重新分类，它们现在是装置作品了。这其中最著名的是1965年的合作项目《这是明天！》（“This is Tomorrow！”），这预示着波普艺术的到来。这些作品中包含着其他多种类型的材料，有前沃霍尔形式的玛丽莲・梦露，自动点唱机，和杜尚那旋转而令人眼花缭乱的《Rotoreliefs》。

娱乐性确实令人愉快，但是是否它可以长久的存在于艺术之中是值得商榷的。在《这是明天！》目录中，汉密尔顿创作了其著名的拼贴画《是什么使今天的家庭如此独特、如此具有魅力？》。在一个滑稽的现代室内，包含了手拿棒棒糖形网球拍的肌肉男，和一个带着灯罩的女人，在他们周围环绕着艾森豪威尔时代的美国生活必需品。这对于当代生活和六十年代的艺术都算是一个不太坏的预言。

这是在沃霍尔和利希滕斯坦之前的艺术。在波普艺术的规则构建之前，汉密尔顿就有先见之明的将其定义为“流行的、瞬时的、可消费的、廉价的、大量生产的、年轻的、诙谐的、性感的、巧妙的、迷人的和大生意。”汉密尔顿没有实际创作大量的作品，在接下来的几年中他创作的绘画作品只有两个系列，名称分别为《致敬克莱斯勒公司》（《Hommage à Chrysler Corp》）和《关于男装和配饰未来趋势的明确声明》（《Towards a definitive statement on the coming trends in men’s wear and accessories》）。这幅描绘克莱斯勒公司汽车的绘画，只简化为一个显眼的车前灯和少量的保险杠和散热器片段。这也许有些轻微的荒谬变形，也有些许超现实主义的情爱态度。（有相当的理智性因素存在于汉密尔顿的作品中）。在下一个十年中，汉密尔顿为人们带来的更多的原始幻想因素，甚至包含了平・克劳斯贝电影中的场景，“我经常梦见白色圣诞节”，他用彩色负片描绘优美的图画，因此把克劳斯贝的脸涂成了蓝色。

通过对他的偶像詹姆斯・乔伊斯和马塞尔・杜尚的思考，汉密尔顿很早就提出了“艺术的全部就是思考”。对于这两位艺术先锋的思考，使他得出艺术家不需要招牌风格。并且，汉密尔顿也确实没有什么标签式的作品，每一次的创作基本上都是新想法的呈现。

基于一种对于当代文化的扭曲观察，汉密尔顿转换成了一种愤怒的风格，在1970年后更多的成为了政治艺术家。然后创作出的《战争游戏》（《War Games》），是以血渗出电视机的图片来表现第一次海湾战争，或是《治疗室》，是玛格丽特・撒切尔在显示器上做关于英国国民医疗保健制度的演讲――这表达了汉密尔顿自由主义的观点。以电脑辅助的绘画和照片，可以看做是他最后几年对于技术上的革新。

波普之父

作为早期的波普艺术家，汉密尔顿的艺术创作范围极广，绘画、拼贴画、雕塑、版画等均有涉猎。1956年，他在伦敦白教堂画廊参加了《这就是明天！》的画展，其中极具感染力的《是什么使今天的家庭如此独特、如此具有魅力？》宣告了波普艺术的诞生，也因此汉密尔顿被称为“波普艺术之父”。

1922年，汉密尔顿出生于英国伦敦的皮姆利科，尽管没有受到过太正规的学校教育，他还是努力以学徒的身份在电力公司获得更多的工作机会。在这里他学会了制图术，并且在上夜班的时候去圣马丁艺术学院（Saint Martin’s School of Art）学习绘画，这也让他有机会进入皇家艺术学院（Royal Academy Schools）学习。战后，在斯莱德艺术学校艺术学院（Slade School of Art）和伦敦大学学院（University College London）开始展出他在当代艺术中心（ICA）的作品，与此同时，汉密尔顿也在艺术与设计中心学院（Central School of Art and Design）任教。纵观他的职业生涯，曾多次在泰特美术馆、古根海姆博物馆等这样的顶级机构举办展览，他的机构高古轩就曾评价他是有着无与伦比的绘画技巧、创造力以及持久权威性的先锋艺术家，真正令汉密尔顿着迷的是当代社会的真实性，他对新生代艺术家的持续影响力是无可估量的。

汉密尔顿对于现代都市的观察是细致入微的，生活场景、风俗风貌和重大事件都在他的考察范围之内，在这其中，他敏锐的挖掘出通俗文化的潜力，并认为波普艺术需要大量的人口消费，也需要巨大的娱乐机器来制造，是消费者的对等产物，其个性化与精炼的程度从根本上说也是一种健康的活力。汉密尔顿曾为披头士乐队设计《白色专辑》的封面，1993年的威尼斯双年展，他凭借在英国馆的展览而获得金狮奖。在创作的过程之中，汉密尔顿将高雅的艺术和普通的生活紧密结合在一起，流行文化中的产品海报、广告标语和著名人物照片等都成为了他的创作对象，电影院和各色流行杂志则是他获取视觉灵感的来源。

汉密尔顿所采用的波普艺术的创作方法，是挪用一些经典形象进行印刷、拼贴等，这些元素往往采取的是超级写实的表现手法。

1958年的作品《她》（《$he》），是他对风格的一次小结，汉密尔顿向别人描述它时说道：“广告人的反思就是对消费者梦想的诠释”，创作的主要材料来源于弗瑞吉戴尔冰箱广告。整幅画面就像是一间无穷大的展览室，他至少罗列出了十种资源，这些资源都由著名的设计师创造并属于知名品牌。冰箱、女性、混合烤箱、真空吸尘器：汉密尔顿成为了一个为日常波普元素绘制“肖像”的狂人。画面中的商品都是供人日常消费的，这一点从作品题目中的“$”就可以看出。再一次，画面中的女人减少到了最的“本质”，不像是另一作品中《向克莱斯勒致敬》中胸部和嘴唇的处理方式，这次是对眼镜和臀部进行了创作。臀部是白色的浮雕效果；眼睛像是塑料的，被按压在它的位置上。眼睛的闭合就如同冰箱的开关，打开与关闭好似烤箱的操作，人与物架构起了某种关联。很显然，在波普艺术的世界里，有活力的事不仅仅是类似于沙丁鱼罐头类的广告，也远非雅各・拉冈（Jacques Lacan）的精神分析，在汉密尔顿的作品里，凝视就是一种诱惑式的眨眼。他的这一表现方式是对日常生活的新颖表达，符号的堆砌是精炼的概括方式，这满足了现代人对信息的渴求。

1965年，汉密尔顿将他的目光投向了超级流行偶像玛丽莲・梦露，《我的玛丽莲》（《My Marilyn》）是以一系列梦露照片中的连续镜头为基础进行的创作。照片的负片中出现了梦露被编辑过的头像：这些照片是被剪辑过的，她的自有形象和被毁掉的形象形成了强烈的对比，观众看到的就是梦露要表现的，也是她的本来面目。汉密尔顿的玛丽莲・梦露还是一个超级明星，但是减少了情爱的元素，没有了人为操作，她所表现出的是强大的自我魅力。

汉密尔顿的拼贴艺术手法从诞生之日起，其影响力一直影响至今。在波普艺术之前，生活和艺术是泾渭分明的，这两者很少发生深刻的联系，波普艺术改变了这一状况，它成为一座桥梁，让艺术走入了普通生活。另一方面，广告、工业设计品等曾经不被认为是艺术的元素也被收纳入广义的艺术定义之中，这对于英国乃至后来国际上的艺术风潮都产生了深远的影响。理查德・汉密尔顿作为“波普之父”以其持久的创作热情和对现代社会的细腻观察，创作出了一批具有深远意义的作品。极具时代符号的创作题材，经过他的提炼和再创作，带给了人们重新认识日常生活的新体验。大众文化上升到了艺术的、美的范畴，人们看到了更多的普通生活中所迸发的艺术魅力。（编译：吕烨 图片提供：泰特现代美术馆）