杨黎明:穿过黑色的原乡

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没有一种颜色像黑色这样，单纯到不可述说，又复杂到难以述说。它并不淹没、喧夺靠近它的一切，没有攻击，只是向后退，再退一步，陪衬出万物的生机与美丽。

黑色是最难掌控的颜色。在最现代的印刷技术中，黑色也是最难印出的，它是众色之合，差之一分，就差之千里。而传统书画更是讲究墨分五色，浓施淡抹，画出宣纸上一派花儿灿烂、鸟儿缤纷。

黑色不是简单的颜色，敢于挑战黑色的艺术家是有勇气的。

美丽的黑色，像木炭，哑光的，收敛的，可包裹万物的。既可以乌云压城，又可以望得见天空，是最玄妙的，又是最单纯的。在艺术家杨黎明的作品里，我看见了这样的黑色。

那是大片大片的黑，一层一层又一层，但绝非密不透风。那些不同层次的黑，铺满整个画面，黑天黑地，有如大兵压境。他用的材料是西方的，笔性却是极具东方气质的。你若大着胆子走进去，走着走着，就走出了意境——心灵的空间、思维的空间、哲学的空间，全面打开了。画面恍若音乐，像月光一样，那么柔地把自己打开了，直到你忘却了自己，把整个人心都融了进去。

这是杨黎明的黑色。

被看见的黑色

他画黑，画白，画灰，也画红，但最钟情的还是黑色。在他看来，黑色与白色都是一样的，灰色是黑白之间，是雅到极致的颜色，而红是特殊的、民间的、中国人的暖色。

不多的颜色被他依次找到，在找到与画出之间，他用了10年。

10年之前，他是名不见经传的年轻艺术家，刚刚辞掉美术教师的工作，身处成都一所租来的房子里，开始在绘画的道路上突围。他曾尝试过所有绘画的方式和流派，最后彻底摆脱了具象写实手法，开始抽象风格的创作。大概从2000年开始，他在油画平面媒介上进行着无形世界的内在结构和韵律的大胆实验。

看他2003年之前的作品，试验的痕迹历历在目，画面出现不规则的立体色块，五线谱一样的音乐符号，还有各种无以名之的渍迹。2003年，他以毛笔代替油画来创作，使画面中的线条呈现出极为雅致的韵律感。这时，杨黎明开始形成自己的风格，作品的画面均为深蓝色调，平远、明净，有淡淡的诗意。

这个时候，他的作品也被周春芽、何多苓等前辈所知悉。周春芽认为杨黎明完全是一个“意外”，并亲自为他的第一个个展撰文主持，随后将杨黎明带到成都蓝顶艺术区去创作。

当时，著名批评家廖雯在看了杨黎明的作品后，曾经这样把他和其他年轻艺术家区别开。她说：“成都乃至西南艺术家一直延续着一种绘画传统，他们用一种共有的潮湿的伤感，把个人选定的‘形象’意象得雾气昭昭……无论他们如何以个人的感觉意象心中的形象，却始终没有完全抛弃形象，彻底走向抽象。而杨黎明的画除了蓝灰色调笼罩的温和气息与成都艺术家类似，其语言方式完全是抽象的。”

她发现，杨黎明的画面有两个元素，一个是单一混沌的圆形，一个是连绵跳动的曲线，由此透露出杨黎明有意无意地对结构和韵律的表现。

这是杨黎明作品的初型，那时所表现出来的画面形象都是潜意识里的。后来，他以为蓝色指向性太强，开始把颜色慢慢画黑，对画面抽象结构的探索也从潜意识变成主动追求。2004年，杨黎明的作品褪掉了色彩，转为黑色，也尝试画少量的灰色。

2005年，杨黎明来到北京，继续在黑色和灰色的画面中，一步一步，潜心探求。要知道，在黑色中追求结构表现是很难的。黑色很特别，湿的时候很黑，干了就会变灰，搞不好模糊一团。但是，小时候练习书法的幼功，加上长期在画布上运笔的功夫，他在很短时间就解决了这一难题。

画面用毛笔一笔一笔画出来，质感厚重，却能看出运笔的轻盈。一笔落下去，笔迹落定；再来一笔，契合前一笔；笔笔融合为一体。颜料干透后，空灵从光线中渗透出来，其结构与细节的微妙明暗，尽皆从画布上呈现出来。

2005年，杨黎明的绘画开始有了打开的感觉。他也将中国传统绘画的写意趣味，融进自己的创作中，达到一种既现代又极具东方气质的画面感。

看他的作品，总有一种光芒存在，人的眼睛是慢慢亮起来的。这种光，远比太阳柔和，带有一点禅宗色彩，笼罩着人心，一下子安定下来。

被唤醒的原乡

2005年之后，除了黑色与灰色之外，杨黎明又开始创作红色系列。还没见过哪个人能把红色画得那样隐忍、静穆，那种热烈一点一点从黑里透出来，力道是从内而外的，使人怀疑在红色的后面，是不是还有一个巨大的光源存在。也许是黑色太冷了，他慎重地启用了红色，这样的红一旦用在意象里，就有了不小的张力。红色超出了作为红色的热烈，仿佛整个人类都有了希望，是不争不抢的祥和的希望。

而他的黑色系列，无论画面多么柔和，总是令人感到苍茫与孤绝。那是最抽象的精神世界，是浩渺的宇宙，是人最难以到达的思维的神秘地带。无边无际的孤单，被谁独自承受着？在此，谁能不低下骄傲的头，重新打量一下自己？在无边无际的孤单里，谁又能获得那种慎独的能力？ 这样的孤绝，同样是一种力量。那些黑，让我们重新回到一些岁月里，是人生的苦难把人搭救，让我们在大片的黑里，绵延着不绝的希冀。

他的作品最终还是给人以内省。他的作品也绝对挑战人的审美，如果你的内在储备有什么，便能看见什么；如果没有什么，也可能眼前就是晦涩与空无一物。

杨黎明说：“往内走，穿过黑暗，进入到那个领域。最好的感受是：晚上合适的灯光下，另一个时空触手可及。”

绘画的意义在于靠近某个地方。我想他曾很多次的抵达过那个地方——或许也可以称为原乡。就是从艺术家的心性而来，一直沉睡在那里，等着他用初心去唤醒。

他原本就是一个爱画画的小孩子，幼时喜欢书法，长大学习油画，很平缓地一步一步跨过来。如今，他的生活也还简单，一天又一天，坐在画布前，用很单调的颜色，一笔一笔画上去。

每天早上7点起床，打两个小时太极，练两个小时书法。之后，开始画画。一幅画最早只从一个想法开始，有个轮廓勾在画布上，再动用情绪和意念的千军万马，用颜色在画布上“显”出来。如果“显”不出来，就果断刮掉再画，有时画出了状态，手里仿佛空无一物，没有笔没有颜料没有画布，如同电脑上显示的心电图，律动全部准确显示在画布上。画到如此快乐时，人是忘我的。画完一个章节，远远看去，竟是色香味俱全……

我在艺术家工作室，稍许领略过这种快乐的状态，从他的讲述中，也从对他作品的观看上。

远远看着挂在墙上的画，有椭圆的轮廓隐现，正对着画面平行踱步，从这头到那头，每踱一步，呈现出来的景致都不一样。走近了又看见，随意书写性的线条，错落在画面上，延伸到内里很深的样子，像音符的韵律。

很少能够强烈地感觉到这样绝妙的显现，它流注于一切，但并非人人可见，因为它不是靠理性与分析所能获得，只能由心灵来感应。明明只有这几种颜色，画出的却是万千的意象。

一如中国写意画，从来不追求形式上的创新，特别强调艺术家自身的修为。中国的书法、人物、山水、花鸟、文人画，哪样不是精神的写意？杨黎明的艺术也是写意的，写的是他个人经验世界的自由之意，写的是他思维所能达到的广袤之意。于此，他是自由的。也于此，他走在更自由的道路上。

要把这个能够感知却难以言说的抽象世界，按照他的理解，画出来给我们看。我们就要勇敢一点，走上前去，与它们默然相逢，于此，就获得了感观世界之外的安宁。