把艺术穿在身上
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巴黎人，将时装称为“第八视觉艺术”，更确切来说，应该是高级定制的时装，和绘画、建筑列入了一席。这样一来，原本司空见惯的衣服就登上了大雅之堂。服装和艺术一个是替人栽衣，接受消费者的审查；一个是个性展示，只制作自己认为合适的作品。一个要时时的自我翻新；一个则没有时间的限制。两者有着如此的不同，又怎样混为一谈。然而，艺术的魔力与时装的多变却往往习惯冲破人们的定向思维，彼此坚持着自己的道路，又会在恰当的交叉点相遇。
艺术与时装，牵扯出艺术家与服装设计师。曾经有过这样的声音：艺术家不一定都是懂时装的人，但时装设计师大多数在艺术上都有所造诣。
一次“记录”的蔓延
一提到艺术家，人们往往会有这样的印象：多愁善感又极富想象力，会常沉醉于自己想象的世界里，追求浪漫，又有着很浓的我行我素的风格。丁勇，“达衣岩”服饰品牌的创始人和首席设计师。他，就是这样的人。
十几年的油画创作经历，让他成为服装设计领域让艺术与时装对话的先锋。设计上特立独行，始终只表现自己想要表达的服装情感，崇尚“视觉艺术的茂盛即美”，思考与探索表达服装设计思想与理念的方式和形式，由服装上反射和呈现思考人生的态度，期望能像电影或绘画那样，长久而有效地影响社会，传达自己的一种态度与价值。《战俘》如此，《伤痛》如此，这一次的《记录》也如此。
生命的思考，原本就是艺术家创作的主要基调。丁勇将“生命的成长”搬上了T台，更是他骨子里与艺术贴近的表现。一个人，从出生，到童年，到青年，到中年，到老年，都可以从一款款相对应的服装上面反映出来。“记录”这次将概念做到了十足。无论是模特身上用整件衣服覆盖与环绕的方形纸箱，还是模特手中那些玩具娃娃，象征生命诞生的子宫或摇篮的玻璃鱼缸，二人、三人衣服同穿的联体造型都带有许多明显实验性的先锋艺术行为与设计表现方式，衣服材料破碎的棉、麻布搭配使用，服装颜色上黑，白，泥土黄的底色运用，也都将丁勇的绘画功底展露无遗。而在会的最后，一个的婴儿从玻璃鱼缸入水、站立，一个新的生命就此诞生，无法想象也出人意料，婴儿不是别人，而是设计师丁勇本人，新生命诞生、成长……，电影中，倒叙和蒙太奇的叙述手法也被运用到其中。
艺术探索的先锋性、实验性效果强烈，装置艺术和绘画风格处处可见，丁勇，又一次让艺术抢了服装的风头。
而当我们将目光投向国际的舞台会发现，原来艺术与时装的缠绵已经蔓延了很久。08年春夏时装周上，被时装界冠以“抽象艺术旗手”之名的Christopher Brooke和Bruno Basso，以康定斯基绘画中的色彩为灵感来源，整场秀像是一场在粗糙斜纹布上的作画表演。一向以低胸紧身为品牌形象的Dolce&Gabbana，T台上玩起了层层叠叠，皱皱巴巴，像极了早期的印象画派梵高的夸张笔触……，无论是美国的DianevonFurstenberg，还是日本的三宅一生，无论是性感的Chanel，还是帅气的Gucei，都摆脱不了艺术的诱惑了。
服装与电影、建筑、绘画这些艺术形式，很早以前就都有着千丝万缕的联系，服装设计师往往都是从这里寻找他们的灵感，刺激他们的想象，这些对于我们来说也早已不是什么新鲜事了，现在，我们就从另外一个角度来看时装与艺术的碰撞。
波普艺术与服装
波普艺术是流行艺术(popular art)的简称，20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写pop，意即流行艺术、通俗艺术。英国画家理查德・汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的(为大众设计的)、短暂的(短期方案)、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的(对象是青年)、浮滑的、性感的、骗人的玩意儿、有魅力和大企业式的。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计都直接或间接的从波普艺术中取得灵感。
在波普艺术中，最有影响和最具代表性的要属是安迪・沃霍尔。他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他曾把可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像等，作为基本元素在画上重复排立，特意营造出一种呆板的印象，其中最有名的就是玛丽莲・梦露头像。沃霍尔在电影、时装和艺术三个领域都有涉猎。他把服装当作艺术来实验，他用波普艺术图案来设计服装，1962年，他在一套红色女装上印有“易碎品，小心轻放”的字样，并在一条女裙上佩上一家洗涤公司的标志Brillo，这种带有实验式的设计影响深远，现在在大街上，也经常会看到很多年轻人将明星头像印在衣服上，几分崇拜，几分讽刺。
安迪・沃霍尔说过一句话：“Everything is beautiful。Popis everything。”任何事物都是美丽的，波普就是任何事物。波普艺术认为艺术应该等同于生活并把高雅的艺术与日常的物质生活拉近，尤其是现在的年轻人，更是将波普艺术玩得出神入化。在今天，要想找到一件跟波普没有关系的衣服也变得越来越难了，摩登女郎，卡通人物，标志符号统统都上了身，这也是年轻人表现自我，发泄情绪的方式。只要是流行，就能上得了服装，波普与服装就是这样贴近。也许你认为波普艺术只是影响大众服装，那你就错了，在当今时装界中，很多大的品牌Lanvin、C．N．C也都是波普艺术的追随者。
美术馆与服装
美术馆现在已经不仅仅是书法，绘画，摄影图片的展示区了，近年来一些美术馆和专门艺术机构都开始把时装纳进来。由于与时装有关的展览往往能够吸引很多人来参观，策展人也相当愿意将这一类主题提上日程。2005年东京Mori美术馆举办了GiorgioArmani和Vivienne Westwood的作品展。接着Viktor & Rolf把自己的作品回顾搬进伦敦巴比肯美术馆，GiorgioArmani又在纽约大都会艺术博物馆时装学院举办了别开生面的超级英雄服装展。然而，并不是所有的设计师都对美术馆感兴趣，据说拉格菲尔德本人就非常讨厌在博物馆里展览时装这样的主意，他曾经说过：“博物馆里的服装从来不可能出现在一个真正的人体上。而一个人的身体、姿势和精神状态，才是真正赋予一件衣服魔力的东西。”
艺术家与设计师
服装真的是一个好东西，一来是因为将艺术放进美术馆里，观看的人数有限，而且还要受到时间地点的限制，而将艺术放在人的身上，那可是随时随地大范围地推广了。二来，恐怕再也没有比服装更称心的画布了，正如画家罗伯特・库什纳所说：“服装使我十分感兴趣，特别是妇女穿戴的面纱。当我回到家，尝试剪开一块面纱，看看有何感觉，我立即觉得这块宽大的、平整的半圆形上可以作画……慢慢地发现，这是一种活的雕塑，也可以平挂在墙上，我觉得自己在服装方面就是一个优秀的色彩专家，而作为画家，我是一个可怕的色彩专家，但不知怎么色彩就这么自己上去了……”。就这样，艺术家牢牢牵住服装设计师的手了。当然，也不可否认，优秀的艺术家能够为一种着装风格注入更多的生命力。
川久保玲在1997年和知名舞蹈家康宁汉携手设计舞台和戏服，这是艺术界与时尚界的一次成功合作。MareJaeobs邀请日本艺术家村上隆为Louis Vuitton设计包袋，可谓是时装品牌与艺术家的跨界合作的标本。达利曾与Coco Chanel合作，Jean Paul Goude在1980年代跟三宅一生一起创造出了著名模特Grace Jones的标志性形象。近年来，最有名的莫过于LV的艺术总监Marc Jacobs与美国著名流行文化艺术家Richard Prince携手合作，令春夏弥漫出浓厚的当代艺术气质。Louisvuitton借用Prince的作品，最令人难忘的时刻要数Jacobs为了直接表达对Prince的代表作《Nurses》系列的敬意，在会的开场和结尾各安排12名身穿护士服的模特出场，她们手提的Monogramcanvas手袋上印着Prince那些“借用”的通俗笑话。现在，艺术家与设计的合作也渐渐蔓延到大众化的成衣品牌上了，他们每年都会与大牌艺术家合作，推出一系列平价限量的服装，也是大受欢迎。
今天的时装，或许更多的将艺术的思维方式继承，用来表达个人情绪的宣泄。时装与艺术，我们已经没有必要把它们分得那么清楚，艺术本身是阶级意识的体现，而服装何尝又不是呢。艺术原本高高在上，当它注入到我们最平常的时装中时，也变得可爱亲切了很多。或高贵典雅，或放荡不羁，或华贵雍容，或嬉皮朋克，我们倒想看看，艺术和时装，还能玩出什么新花样。